Leben.

Das Leben und Wirken von Karl Polanyi fiel in eine Zeit und Umgebung, die mit ihren einschneidenden Ereignissen einen großen Einfluss auf seine wissenschaftliche Arbeit und sein Leben hatten. Geboren in Wien, studierte er in Budapest Jura und Philosophie. Er stammte aus einem intellektuellen und bürgerlichen familiären Umfeld, in dem seine Geschwister und er schon früh von der Mutter Cecile Wohl sozialistisch geprägt wurden. Karl Polanyi ist der ältere Bruder von Michael Polanyi.  An der Universität engagierte er sich in linken Studentengruppen und war aktiv an der sozialistischen Bildung von Arbeitern beteiligt. Nach der Niederschlagung der ungarischen Räterepublik zog er nach Wien und arbeitete dort als Redakteur in der Zeitschrift „Der Österreichische Volkswirt“ und der deutschen Ausgabe: „Der Deutsche Volkswirt“. Er lebte mit seiner Familie unter ärmlichen Bedingungen, da er sein Gehalt an die zahlreichen Flüchtlinge spendete; die Familie wohnte von 1924 bis 1933 im 2. Bezirk, Vorgartenstraße 203. 1934 reisten seine Frau und seine Tochter aus, er selbst verließ Österreich, wie seine Tochter angab, 1935, nachdem er seine Anstellung verloren hatte und die faschistischen Tendenzen deutlich zugenommen hatten. Er emigrierte nach Großbritannien, wo er vor allem in der Arbeiterbildung tätig wurde.  1940 kam er in die USA, um mit einem zweijährigen Stipendium der Rockefeller-Stiftung von 1941 bis 1943 The Great Transformation fertigzustellen. Im Jahre 1947 berief ihn die Columbia University auf eine Gastprofessur, die er bis 1953 wahrnahm. Bis 1958 leitete er gemeinsam mit Conrad M. Arensberg ein Forschungsprojekt über wirtschaftliche Aspekte von Institutionen. Es entstand "Trade and Market in the Early Empires". Danach arbeitete er auf dem Feld der Anthropologie. Er starb 1964 in Kanada, wo er sich aufhielt, weil seine Frau als bekennende Sozialistin und ehemalige Aktivistin der ungarischen Räterepublik (1919) kein Visum für die USA erhalten hatte. Sein letztes Werk "Dahomey and the Slave Trade" erschien posthum 1966.  Karl Polanyi und seine Frau Ilona Duczyńska (1897–1978) sind die Eltern der kanadischen Wirtschaftswissenschaftlerin Kari Polanyi-Levitt (* 1923).

Karl Paul Polanyi (geboren 21. Oktober 1886 in Wien, Österreich-Ungarn; gestorben 23. April 1964 in Pickering (Ontario)) war ein ungarisch-österreichischer Wirtschaftshistoriker und Wirtschafts- und Sozialwissenschaftler, der bekannt wurde durch seine von der traditionellen ökonomischen Lehre abweichende theoretische Position, die sich durch die Betonung der sozialen und institutionellen Einbettung von Marktprozessen auszeichnete. Die fruchtbare Verbindung von Wirtschaftstheorie und -geschichte, Politikwissenschaft und Kulturanthropologie schlug sich in zahlreichen und ein breites Themenfeld behandelnden Publikationen nieder.

Karl Paul Polanyi (; ; October 25, 1886 – April 23, 1964) was an Austro-Hungarian economic historian, economic anthropologist, economic sociologist, political economist, historical sociologist and social philosopher. He is known for his opposition to traditional economic thought and for his book, "The Great Transformation", which argued that the emergence of market-based societies in modern Europe was not inevitable but historically contingent. Polanyi is remembered today as the originator of substantivism, a cultural approach to economics, which emphasized the way economies are embedded in society and culture. This view ran counter to mainstream economics but is popular in anthropology, economic history, economic sociology and political science.


Leben.

Jugend.

Sie wurde als älteste von drei Töchtern des hochgebildeten, aus amtsadeliger Familie stammenden Marc Pioche de La Vergne und der aus ähnlichen Verhältnissen kommenden, deutlich jüngeren Isabelle Péna geboren. Pioche hatte eine militärische Karriere eingeschlagen und hierbei eine Ausbildung zum technischen Offizier (Festungsbau) absolviert. Er hatte 1619 geheiratet, war aber kinderlos geblieben. Um 1620 war er in Paris Erzieher eines Neffen des Père Joseph geworden, der rechten Hand von Kardinal Richelieu. 1622 war er nach dem Tod seines Zöglings wieder zur Armee gegangen, 1630 jedoch, inzwischen verwitwet, von Richelieu als Erzieher eines Neffen eingestellt worden. Im Stadtpalast seines neuen Dienstherrn hatte er seine zweite Frau kennengelernt und 1633 geheiratet.  Aufgrund seiner Interessen und Fähigkeiten, aber sicher auch dank seiner Nähe zu Richelieu, fand Pioche Zugang zu den geistig interessierten Kreisen der Hauptstadt; nachdem er 1635 ein eigenes Haus für die Familie gebaut hatte, das seine Tochter später praktisch lebenslang bewohnte, vermittelte er dieser die Bekanntschaft zahlreicher Pariser Intellektuellen. Überdies verschaffte er ihr schon als jungem Mädchen Zutritt zu schöngeistigen Salons wie den der Marquise de Rambouillet oder, etwas später, der Romanautorin Madeleine de Scudéry, wo ihr wacher Intellekt nicht unbemerkt blieb und wo sie unter anderem den 20 Jahre älteren Literaten Gilles Ménage kennenlernte, der sie verehrte und ihre Latein-, Italienisch- und Literaturkenntnisse erweiterte.  1649 starb ihr Vater. Ihre noch junge Mutter heiratete rasch wieder, und zwar einen Chevalier de Sévigné, den Marie-Madeleine zunächst für ihren eigenen Zukünftigen gehalten hatte. Immerhin bescherte ihr diese Verbindung eine lebenslange, wenn auch von Rivalität nie freie Freundschaft mit der Marquise de Sévigné, einer angeheirateten Nichte des Chevaliers.  Während sie selber durch Empfehlung ihrer Taufpatin, einer Nichte Richelieus, zur Ehrenjungfer der Königin avancierte und so gelegentlich am Hof auftrat, machte der Stiefvater, ein Parteigänger des Kardinal de Retz, ihr elterliches Haus zu einem Treffpunkt der oppositionellen Frondeure, die seit 1648 einen zum Teil bewaffneten Widerstand gegen den Kardinal-Minister Mazarin betrieben. Nach der Niederlage der Fronde 1652 wurde Sévigné ins Anjou verbannt: ein Schicksalsschlag für die 18-jährige Marie-Madeleine, für die als Stieftochter eines Verbannten nun kaum eine gute Partie zu finden war. 1655 ließ sie sich deshalb von einer hochadeligen Pariser Nonne, von der sie geschätzt wurde, an deren Bruder vermitteln, den 18 Jahre älteren, verwitweten und zudem hochverschuldeten Grafen de La Fayette. Ihre Heirat – immerhin in den Grafenstand – war nicht billig: die erforderliche Mitgift war nur dadurch aufzubringen, dass ihre energische Mutter die beiden jüngeren Schwestern für den kostengünstigeren Eintritt ins Kloster bestimmte.  Nach der Hochzeit folgte Mme de La Fayette ihrem Mann auf seine Güter in der Provinz. Da dort eine erste Schwangerschaft mit einer Fehlgeburt geendet hatte, reiste sie gegen Ende der nächsten nach Paris. Hier brachte sie 1658 ihr erstes Kind zur Welt, einen Sohn. Ihm folgte 1659 ein weiterer, ebenfalls in Paris, wo sie nun überwiegend wieder lebte, und zwar im elterlichen Haus, das sie nach dem frühen Tod ihrer Mutter geerbt hatte.  Während ihr Mann die Güter der Familie profitabel zu bewirtschaften versuchte, hatte Mme de La Fayette gleich nach der Heirat den juristischen Kampf gegen seine Gläubiger übernommen, den sie mit Energie und zunehmender Kompetenz führte. Hierbei hatte sie zunächst ihren alten Verehrer Ménage als ihren Beauftragten eingesetzt, den sie brieflich instruierte. Ab 1658/59 kämpfte sie selber vor Ort in Paris, wo sie die ihr von früher verbliebenen Beziehungen reaktivierte und neue knüpfte. Insbesondere pflegte sie ihre gute Bekanntschaft mit Henriette d'Angleterre, der im Kloster ihrer Schwägerin aufgewachsenen Tochter des 1649 geköpften englischen Königs Charles I., die den Bruder Ludwigs XIV. heiratete. Über die befreundete Mme de Sévigné versuchte sie auch den mächtigen Finanzminister Nicolas Fouquet für ihre Sache zu interessieren.

Erwachsenenjahre und schriftstellerisches Schaffen.

Mehr nebenbei debütierte sie 1659 als Autorin mit einem literarischen Porträt Mme de Sévignés für einen Sammelband, den zwei etwas ältere Literaten, Pierre Daniel Huet und Jean Regnault de Segrais vorbereiteten. Vielleicht angeregt von ihnen, sicher aber mit der Unterstützung von Ménage, schrieb sie 1661 eine historische Novelle, "La Princesse de Montpensier", die sie 1662 anonym erscheinen ließ, denn eigentlich hielt sie das Schreiben für unter der Würde einer Gräfin, die sie nun war. Wohl aus derselben Zeit stammt eine zweite historische Novelle, "La Comtesse de Tende", die erst postum 1724 erschien. Beide Texte behandeln das Thema der großen, aber problematischen und letztlich unglücklichen außerehelichen Liebe einer Frau, die in einer Konventionalehe verheiratet ist – ein Thema, das Mme de La Fayette auch weiter interessieren sollte.  Hiernach ließ sie die Feder ruhen, schloss mit Erfolg ihre juristischen Demarchen ab (wonach sie, auf den Geschmack gekommen, gelegentlich Freunde bei deren Prozessen beriet) und genoss das gesellschaftliche und geistige Leben, das Paris in den 1660er Jahren bot. Es war eine Zeit des Aufbruchs unter dem jungen Ludwig XIV. und seinem neuen Minister Colbert, der Theatererfolge z. B. Molières und des jungen Jean Racine, aber auch der heftigen Querelen zwischen Molinisten (Parteigängern der Jesuiten) und Jansenisten.  Von Henriette 1661 zu ihrer Ehrendame ("dame d'honneur") ernannt und wohlgelitten auch beim König selbst, hatte Mme de La Fayette ab 1661 Zutritt zum Hof. Zugleich verkehrte sie in Kreisen der fundamental-oppositionellen, streng-religiösen Jansenisten. Hier lernte sie 1662 den 21 Jahre älteren Herzog und Literaten La Rochefoucauld kennen, der ihre spontane Sympathie nur zögernd erwiderte, dann jedoch ihr engster Freund wurde – zweifellos ohne ihr Liebhaber zu sein.  1668 griff sie wieder zur Feder und schrieb, zusammen mit Segrais, einen historischen Roman, "Zayde", der im Spanien des 9. Jahrhunderts spielt und unter dem Namen von Segrais erschien (2 Bände 1670/71). Literarhistorisch bedeutsam wurde "Zayde" nicht zuletzt dank eines „Traktats über den Ursprung der Romane“ ("Traité de l'origine des romans"), den Huet als Vorwort beisteuerte und der als eine der ersten Theorien des Romans gilt.  Ein Jahr später, 1669, begann sie im Auftrag Henriettes eine "Histoire de Madame", die allerdings, da Henriette 1670 mit 26 starb, unvollendet blieb und erst postum 1720 als "Histoire d'Henriette d'Angleterre" gedruckt wurde.  1678 erschien Madame de Lafayettes wichtigstes, schon 1672 begonnenes Werk: der eher kurze historische Roman "La Princesse de Clèves" (eigentlich „die Fürstin von Kleve“). Die Handlung spielt gegen 1560, zur Zeit von Heinrich II., am französischen Hof und schildert die Geschichte der großen Liebe der in einer Konventionalehe verheirateten Princesse zu einem anderen Mann, der sie ebenfalls liebt, den sie aber aus Sittenstrenge und aus Treue zu ihrem Gatten nicht erhört und den sie auch dann nicht heiratet, als sie dies nach ihrer frühen Verwitwung eigentlich könnte, wobei sie ihm als Grund nennt, dass sie ihn liebe und nicht durch seine mutmaßliche spätere Untreue enttäuscht werden möchte, dass sie vor allem aber ihren inzwischen gefundenen Seelenfrieden nicht aufs Spiel setzen wolle.  Der psychologisch einfühlsame und (bis auf Anfang und Ende) sehr spannende Roman war sofort ein großer Erfolg und löste heftige Diskussionen aus, vor allem darüber, ob eine Frau gut tut, dem Ehemann eine Liebschaft zu beichten. Heute gilt er als einer der besten französischen Romane, auch wenn moderne Leser den jansenistisch kompromisslosen Schluss kaum goutieren, gemäß dem der Mensch besser sein Seelenheil sichern als nach irdischem Glück streben soll.

Die späten Jahre.

Gegen 1680 aktivierte Mme de La Fayette als Vertraute des Ministers Louvois ihre schon länger bestehende Korrespondenz mit Maria Johanna von Savoyen, der Mutter des jugendlichen Herzogs von Savoyen und Piemont und eine Tante Ludwigs XIV., die seit 1675 in Turin als Regentin die Regierungsgeschäfte führte. Hierbei vertrat sie einerseits private Belange der Herzogin in Paris, zugleich aber die außenpolitischen Interessen Frankreichs, das den damals selbständigen Staat Savoyen-Piemont als Satellitenstaat zu vereinnahmen, wenn nicht gar zu annektieren hoffte.  Der Tod des schon länger stark gichtkranken La Rochefoucauld 1680 bedeutete einen tiefen Einschnitt für Mme de La Fayette, die ebenfalls seit langem häufig kränkelte. Sie führte jedoch, nachdem sie durch das Erbe ihrer Mutter, ihres Stiefvaters und 1683 auch ihres Mannes wohlhabend geworden war, ein für Standesgenossen und Intellektuelle offenes Haus und hielt sich viel am Hof auf, wo sie noch immer die Gunst des Königs besaß. Daneben kümmerte sie sich, in ihrer Eigenschaft als Oberhaupt einer adeligen Familie, um die Zukunft ihrer Söhne, indem sie dem älteren, der Mönch geworden war, mehrere Abt-Posten (die man kumulieren konnte) verschaffte und dem jüngeren, der Offizier geworden war, zu einem Regiment verhalf sowie (1689) zu einer vorzüglichen Partie.  Das letzte Werk Mme de La Fayettes wurden die nur fragmentarisch erhaltenen, 1720 postum gedruckten "Mémoires de la cour de France pour les années 1688 et 1689", in denen sie nicht nur eine Chronik des Versailler Hoflebens der genannten Jahre versucht, sondern auch mit scharfem Blick politische und militärische Probleme analysiert. Hiernach zog sie sich vom Hof zurück, zumal sie 1690 auch ihre diplomatische Mission als gescheitert betrachten musste, denn der in Turin nun selber regierende junge Herzog hatte sich entschlossen, einem Bündnis gegen Frankreich beizutreten.  Zunehmend kränklich erlebte sie noch, dass sie Großmutter wurde, aber nicht mehr, dass ihr jüngerer Sohn mit 35 Jahren in der von den Franzosen gehaltenen Festung Landau/Pfalz einer Krankheit erlag.

Marie-Madeleine Pioche de la Vergne, comtesse de La Fayette (* 18. März 1634 in Paris; † 25. Mai 1693 ebenda) war eine französische Adelige und Schriftstellerin. Unter dem Namen Madame de Lafayette ist sie insbesondere für ihren Roman "La Princesse de Clèves" bekannt, der als erster historischer Roman Frankreichs und einer der ersten Romane in der europäischen Literaturgeschichte gilt.

Marie-Madeleine Pioche de La Vergne, comtesse de La Fayette (baptized 18 March 1634 – 25 May 1693), better known as Madame de La Fayette, was a French writer, the author of "La Princesse de Clèves", France's first historical novel and one of the earliest novels in literature.


Handlung.

Der junge US-Amerikaner Johnny Farrell gewinnt beim Würfelspiel im Hafen von Buenos Aires durch Betrug eine größere Summe Geld. Als ihn daraufhin ein Dieb angreift, taucht ein mysteriöser wohlhabender Mann mit einem Messer auf, das aus seinem Gehstock hervorspringt, und rettet Johnny das Leben. Der Unbekannte stellt sich ihm als Ballin Mundson vor und rät ihm davon ab, seine Betrügereien in einem bestimmten Spielcasino fortzusetzen. Johnny ignoriert seinen Rat und taucht im Casino auf. Als er beim Black Jack des Falschspielens überführt wird, bringt man ihn zum Besitzer des Casinos, der sich als Ballin Mundson herausstellt. Johnny überredet Ballin, ihn einzustellen, und erweist sich schnell als zuverlässiger Vertrauensmann seines neuen Chefs. Beide haben ähnlich pessimistische Weltanschauungen, vor allem was Frauen betrifft, weshalb sich zwischen ihnen auch eine Männerfreundschaft entwickelt.  Als Ballin von einer Geschäftsreise überraschend als frischgebackener Ehemann zurückkehrt, ist Johnny erstaunt, die attraktive Gilda zu sehen, die ihm Ballin als seine Ehefrau vorstellt. Es handelt sich um dieselbe Frau, mit der Johnny einst eine leidenschaftliche Liebesbeziehung führte, deren Scheitern ihn veranlasste, nach Südamerika zu gehen. Sowohl er als auch Gilda bemühen sich, vor Ballin den Schein zu wahren, einander nicht zu kennen. Hinter der gespielten Gleichgültigkeit füreinander kochen jedoch die Gefühle der beiden schnell wieder hoch, besonders als Ballin Johnny damit beauftragt, auf Gilda aufzupassen. Aus altem Groll, aber auch aus Loyalität zu Ballin vermeidet Johnny in der Folge jedwede Intimität mit Gilda. Gekränkt durch seine Zurückweisung, genießt es Gilda, ihn mit anderen Männern eifersüchtig zu machen. Da Johnny von Gildas vermeintlicher Treulosigkeit gegenüber Ballin überzeugt ist, verwandeln sich seine ohnehin schon zwiespältigen Gefühle für sie zunehmend in Hass. Lediglich der Casinoangestellte Onkel Pio weiß die emotionsgeladene Situation zu durchschauen und als Außenstehender richtig zu deuten.  Ballin, der insgeheim mit einer zwielichtigen deutschen Organisation in ein internationales Kartell für Wolframschmuggel verwickelt

Hintergrund.

Drehbuch.

Die Handlung basiert auf einer Geschichte des Autors E. A. Ellington, die im Auftrag von Columbia Pictures zunächst von Jo Eisinger für die Leinwand adaptiert und daraufhin von dem Drehbuchautor Marion Parsonnet ausgearbeitet wurde. Da bei Drehbeginn jedoch noch kein vollständiges Skript vorlag, wurde auch Ben Hecht als Autor herangezogen, jedoch ohne später im Abspann erwähnt zu werden. Doch vor allem Virginia Van Upp, die als Produzentin des Films fungierte und mit "Es tanzt die

Besetzung.

Da der Film als Vehikel für Rita Hayworth, Columbias größten Star, antizipiert wurde, stand ihre Besetzung als Titelheldin außer Frage. Für die männliche Hauptrolle war zunächst Humphrey Bogart im Gespräch. Dieser lehnte jedoch Columbias Angebot mit der Begründung ab, dass bei einer so schönen Frau wie Hayworth kein Zuschauer ihn auf der Leinwand beachten würde und es sich seiner Meinung nach um einen Frauenfilm handle. Die Rolle des Johnny Farrell bekam schließlich Glenn Ford,

Dreharbeiten.

Die Dreharbeiten begannen am 7. September 1945. Trotz der exotischen Schauplätze fanden sie, bis auf die Strandszene, in der Mundson seinen Selbstmord inszeniert, vollständig in den Studios von Columbia statt. Da das Skript zu diesem Zeitpunkt noch nicht fertiggestellt war und daher auch vom Production Code noch nicht vollends abgesegnet werden konnte, wussten die Beteiligten bisweilen nicht, wie die Handlung verlaufen und der Film enden sollte. Ähnlich wie beim Dreh von Michael Curtiz’ "Casablanca" (1942) erhielten die Darsteller zumeist erst am Morgen eines Drehtages ihre Dialoge, was die Inszenierung von Regisseur Charles Vidor alles andere als einfach gemacht habe. Für Rita Hayworth war es ohnehin kein leichter Dreh, da während dieser Zeit ihre Ehe mit Regisseur Orson Welles in die Brüche ging und beide ihre Trennung bekannt gaben. Zudem machte ihr die Kontrollsucht von Studioboss Harry Cohn zu schaffen, der sie von einer Angestellten überwachen und das Studio sowie sämtliche Garderoben mit Wanzen ausstatten ließ, um alles zu erfahren, was in

Musik- und Tanznummern.

In den Kriminalfilmen der Studio-Ära wurden bisweilen Gesangseinlagen vorgetragen, so beispielsweise von Lauren Bacall in "Tote schlafen fest" (1946) oder von Ava Gardner in "Rächer der Unterwelt" (1946). Tanzeinlagen wie in Filmmusicals sind dagegen ausgesprochen selten in Film noirs zu sehen, in denen speziell die weiblichen Protagonisten zumeist passiv und statisch dargestellt werden. Rita Hayworth war jedoch neben ihrer Schönheit vor allem für ihr tänzerisches Talent bekannt, das sie in Filmen mit Fred

Kostüme.

Für die Kostüme des Films wurde Columbias Studiodesigner Jean Louis verpflichtet, der für Rita Hayworth bereits die Kleider in dem Filmmusical "Tonight and Every Night" (1945) entworfen hatte. Beide arbeiteten später noch viele weitere Male zusammen. Jean Louis bescheinigte Hayworth eine gute Figur mit schlanken Beinen, langen Armen und schönen Händen, sodass es für ihn nicht schwierig gewesen sei, sie einzukleiden. Da Hayworth jedoch Ende 1944 Mutter geworden war, sollte Jean Louis nun vor allem dafür sorgen, ihren immer noch vorhandenen Bauch zu verstecken.  Seine extravaganten Roben im Wert von 60.000 Dollar spielten eine große Rolle in der Darstellung der Titelfigur und prägten gleichzeitig Hayworths Image nachhaltig. Jean Louis betonte bei seiner Arbeit vor allem Hayworths Schultern und Arme und setzte auf sehr enganliegende Stoffe, die der Schauspielerin eine schmalere Taille verleihen sollten. Mit Pailletten, Goldlamé, Pelz, Samt, Satin und schwarzen Nylonstrümpfen kennzeichnete der Designer Gilda und zugleich Hayworth als glamouröse Ikone, bei der sich sehr feminine

Filmanalyse.

Themen und Motive.

Schauplatz und Zeitgeschichte.

Ursprünglich sollte die Handlung des Films in den Vereinigten Staaten spielen. Doch wie bei Alfred Hitchcocks "Berüchtigt" (1946) wurde auch für "Gilda" letztlich Südamerika als Schauplatz ausgewählt, der dem Drehbuch im Bezug auf die Kriminalhandlung und die erotischen Aspekte mehr Freiraum ließ. Während "Berüchtigt" in Rio de Janeiro spielt, dienen in "Gilda" gleich zwei lateinamerikanische Metropolen als exotische Kulissen, wo aus nordamerikanischer Sicht in ihrer „Dekadenz die üblichen Moralvorstellungen nicht gelten“. Während sich der

Rollenbilder.

Erotik und Freudsche Symbolik.

Um den Film an den prüden und strengen Richtlinien des Production Codes vorbeizuschleusen, musste jedwedes erotische Thema wie sexuelle Begierde, Homosexualität, Voyeurismus und Sadomasochismus mit doppeldeutigen Dialogen und verschlüsselten Symbolen verschleiert werden. Als der Film gedreht wurde, hatte sich in Hollywood bereits ein System von Codes entwickelt, um die Zensur zu umgehen. "Gilda" greife „dies augenzwinkernd auf“ und erweise „sich dadurch als ironischer Kommentar zur grotesken Selbstzensur der Filmindustrie“. Dies äußere „sich in Gildas Tanz ebenso deutlich wie im augenscheinlichen Vergnügen der Filmemacher an der Trivialisierung Freudscher Symbolik“.  Aufgrund der Abwesenheit von Frauen deuten sich zu Beginn des Films durch intensive Blicke und gegenseitiges Zigarettenanzünden homoerotische Spannungen zwischen Johnny Farrell und Ballin Mundson an, was die Situation der Soldaten während des

Hassliebe.

In dem Moment, da Johnny und Gilda im Film erstmals aufeinandertreffen, offenbaren ihre überraschten Gesichter, dass sie sich bereits kennen. Ihre darauffolgenden Dialoge machen umgehend ihre gegenseitige Abneigung füreinander deutlich. Kurz darauf stellt sich heraus, dass beide einst eine Liebesbeziehung führten, diese jedoch in einer Trennung endete, da Johnny offenbar bereits in der Vergangenheit Gildas Treue bezweifelte und sie deshalb verließ. Während Johnny Gilda weiterhin für eine treulose Frau hält und sie dafür verachtet, zeigt sich diese durch seine erneute Zurückweisung zutiefst gekränkt. Dennoch fühlen sie sich weiterhin zueinander hingezogen mit der Folge, dass Johnny für Gilda als Frau seines Freundes und somit als verbotenes Objekt der Begierde zunehmend Feindseligkeit empfindet: „Ich hasste sie so sehr, dass sie mir keine Minute aus dem Kopf ging.“ ()  Gilda wiederum möchte sich an ihm rächen, auch wenn es ihr selbst schaden sollte: „Ich hasse dich so ungemein, dass ich sogar mich selbst zerstören würde, um dich kaputt zu machen.“ () Dabei setzt Gilda ihren Hass nicht in Mord

Happy End.

Die Schlussszene, in der sich Gilda und Johnny miteinander versöhnen und gemeinsam in die Vereinigten Staaten zurückkehren wollen, entspricht einer „Umkehrung des üblichen Noir-Endes“. Während die männlichen und weiblichen Protagonisten in Film noirs wie "Frau ohne Gewissen" (1944) und "Im Netz der Leidenschaften" (1946) für ihre sexuellen Begierden und Sünden mit dem Tod bestraft werden, retten sich Johnny und Gilda als unreife Kinder ins Happy End. Die Ehe und die Vereinigten Staaten stellen dabei den sicheren Hafen dar. Doch erst Ballins plötzliche Rückkehr, seine nun auch für Johnny offensichtliche Boshaftigkeit und sein darauffolgender Tod durch seine eigene Waffe machen ein glückliches Ende für die beiden Liebenden möglich.  Dass Johnny Gilda für sein Misstrauen und sein abweisendes Verhalten reuevoll und demütig um Verzeihung bittet und diese sich als gezähmte Frau mit dem gemeinsamen Eheleben begnügen will, wurde von Kritikern häufig als unglaubwürdig und aufgesetzt im Sinne eines Zugeständnisses an die Zensur empfunden. Im Kontext der Zeit ist das Happy End nach der kriegsbedingten Entfremdung der Geschlechter jedoch vielmehr als positives Signal an US-amerikanische GIs zu werten, die nach dem Zweiten Weltkrieg zu ihren Ehefrauen zurückkehrten und ähnlich wie Johnny die Treue der Frauen bezweifelten.

Inszenierung.

Dramaturgie.

Der Großteil der Handlung wird von Johnny Farrell im für den Film noir typischen Voice-over als Rückblende und daher aus seiner Perspektive erzählt. Da er jedoch nicht in jeder Szene anwesend ist, erweist sich seine Sicht der Dinge als beschränkt bzw. subjektiv und daher als unzuverlässig. Szenen, in denen Ballins Skrupellosigkeit und wahre Absichten dem Zuschauer offenbart werden, oder Momente, in denen deutlich wird, dass Gilda die promiskuitive Frau lediglich spielt, entgehen Johnnys Aufmerksamkeit. Sie beeinflussen jedoch den Zuschauer mit dem Fortschritt der Handlung mehr als Johnnys Worte aus dem Off, mit denen er zumeist seine Loyalität

Visueller Stil.

Laut Gerald Peary sei es Regisseur Charles Vidor in "Gilda" gelungen, „die rauchverhangenen, verschleierten Szenen“ von Josef von Sternbergs "Der Teufel ist eine Frau" (1935) „mit der brillant bewegten Kamera und den fotografischen Einstellungswinkeln“ von Michael Curtiz’ "Casablanca" zu verbinden. François Truffaut meinte dagegen, dass die visuelle Qualität des Films nicht Vidors Regie, sondern einzig Rudolph Matés Leistung als Kameramann zu verdanken sei.  Ganz im Stil des Film noir ist "Gilda" optisch vor allem vom Spiel von Licht und Schatten geprägt. In den Szenen im Casino dominiert zumeist eine starke High-Key-Lichtsetzung, wohingegen die Low-Key-Ausleuchtung dem Hafen oder Gildas Schlafzimmer eine zwielichtige bzw. geheimnisvolle Atmosphäre verleiht. In der Darstellung von Ballin Mundson schwankt die Lichtsetzung bisweilen stark. Er ist oftmals besonders hell beleuchtet, sodass er sehr bleich und eisig wirkt. An anderer Stelle wird er wiederum in dunkle Schatten gehüllt oder nur seine schwarze, mysteriös wirkende Silhouette gezeigt. Bei Gildas Tanzeinlagen zu "Amado Mio" und "Put the Blame on Mame" ist ihre in Dunkelheit getauchte Umgebung im Nachtclub

Rezeption.

Veröffentlichung und Nachwirkung.

Vereinigte Staaten.

Die Weltpremiere von "Gilda" fand am 14. März 1946 in New Yorks renommierter Radio City Music Hall statt, wo der Film drei Wochen lang gezeigt wurde. Am 25. April desselben Jahres kam er in den allgemeinen US-amerikanischen Verleih. Die zeitgenössischen Kritiken waren teils vernichtend oder zumindest durchwachsen. Das Einspielergebnis belief sich dennoch auf stolze 3,8 Millionen Dollar und machte den Film damit in den USA zu einem der 20 erfolgreichsten Filme des Jahres und zum zweitgrößten Hit von 1946 für Columbia Pictures. Der Film, der bei Männern und Frauen gleichermaßen beliebt war,<ref name="Epstein/Morella">Edward Z. Epstein, Joe Morella: "Rita. The Life of Rita Hayworth". Comet, 1984, S. 107–108.</ref> festigte Rita Hayworths Ruf als Leinwandgöttin der 1940er Jahre und machte gleichzeitig auch Glenn Ford zum Star. Der gefürchtete Kritiker der "New York Times", Bosley Crowther, der dem Film und den schauspielerischen Qualitäten der Hauptdarstellerin ansonsten nichts abgewinnen konnte, attestierte Hayworth gar den Titel „Superstar“, nachdem er sie als Gilda gesehen hatte.  Da Hayworth als Pin-up-Girl besonders beliebt bei den heimkehrenden GIs war und Columbia den Film auch in Anspielung auf ihren Status als „Sexbombe“ mit Slogans wie

Europa.

In Europa wurde der Film erstmals im September 1946 bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes gezeigt, wo der Film am Wettbewerb um den Grand Prix des Festivals teilnahm. Für die Europäer verkörperte "Gilda" als Film und als Rolle realitätsfernen Hollywood-Glamour, der vom nüchternen Nachkriegsalltag abzulenken vermochte. In Italien begründete die Rolle der erotischen, jedoch unschuldigen Gilda einen enormen Starkult um Hayworth. Im Herzen Roms wurde eine Edel-Disko „Gilda“ genannt, die sich auch heute noch größerer Beliebtheit erfreut.  In Spanien löste der Film 1947 dagegen einen Skandal aus, als Falangisten des Franco-Regimes in Madrid "Gilda"-Filmposter mit Farbe

Kritiken.

Das Urteil von Bosley Crowther, dem Kritiker der "New York Times", fiel seinerzeit vernichtend aus. Rita Hayworth zeige in ihrer ersten wirklich dramatischen Rolle „nur wenig Talent, das gelobt oder gefördert werden sollte“. Trotz einer Vielzahl von glitzernden Roben und der glamourösen Weise, wie sie ihr Haar zurückwerfe, sei „ihre Art, eine Dame von Welt zu spielen, eindeutig auf dem Niveau eines Groschenromans“. Ihr Leinwandpartner Glenn Ford beweise „immerhin ein gewisses Stehvermögen“. Der Regisseur Charles Vidor, Columbias Produzentin Virginia Van Upp und die Autoren hätten laut Crowther keinerlei Erwähnung verdient. Gemeinsam hätten sie aus "Gilda" „einen langsamen,

Auszeichnungen.

Bei den ersten Internationalen Filmfestspielen von Cannes nahm "Gilda" 1946 neben Filmen wie Alfred Hitchcocks "Berüchtigt" und Billy Wilders "Das verlorene Wochenende" am Wettbewerb um den Grand Prix teil, der von der Jury des Festivals für herausragende Filme verliehen wurde, bevor ihn die Goldene Palme 1955 als wichtigste Auszeichnung ablöste. "Gilda" konnte sich jedoch nicht gegen die vor allem europäische Konkurrenz durchsetzen. Das American Film

Einordnung und Bewertung.

In einem der ersten Aufsätze zum Film noir schrieben die beiden Franzosen Raymond Borde und Étienne Chaumeton bereits 1955, dass "Gilda" als „ein fast undefinierbarer Film, in dem die Erotik über Gewalt und Fremdartigkeit triumphiert“, innerhalb der „Schwarzen Serie“ neben "Tote schlafen fest" (1946) und "Die Lady von Shanghai" (1947) zu den „herausragenden Filmen der Kinogeschichte“ gehöre. Ein Jahr später war der französische Filmkritiker Jacques Siclier der Auffassung, dass "Gilda" „die Komplexe und Verdrängungen einer Gesellschaft“ enthülle, „in der enorme emotionale und sexuelle Verwirrungen herrschen“. Noch vor "Endstation Sehnsucht" (1951) zeichne "Gilda", „eingebettet in eine harmlose Geld- und Machtgeschichte, das Porträt der unbefriedigten Frau“. Sicliers Meinung nach sei der Film „soziologisch gesehen ein Schlüsselfilm von größter Bedeutung“, der 1946 auf dem „Höhepunkt des Geschlechterkampfs auf der Leinwand“ durch die Psychoanalyse „seine moralische Folgerichtigkeit“ erhalte.  Geoff Mayer kam zu dem Schluss, dass "Gilda" in Anbetracht der damals strengen Zensur „ein sexuell provokativer Film“ sei, in dem anzügliche Themen wie Sadomasochismus und homosexuelle Neigungen kaum versteckt würden. Der Filme setze daher den Trend von Film noirs wie "Frau ohne Gewissen" (1944) fort, die bereits zuvor sexuelle Begierde als Triebkraft der

Referenzen in anderen Filmen.

Bereits zwei Jahre nach der Uraufführung spielte "Gilda" in einem anderen Film eine Rolle. In Vittorio De Sicas neorealistischem Meisterwerk "Fahrraddiebe" (1948) erhält der Tagelöhner Antonio Ricci endlich eine feste Arbeit als Plakatkleber, wozu er ein Fahrrad benötigt. Als er jedoch sein erstes Plakat, ein italienisches Filmposter mit Rita Hayworth in einer verführerischen Pose als Gilda, an eine Mauer klebt, wird ihm sein Fahrrad gestohlen. Dieser Augenblick, in dem Antonio fasziniert von Gilda sein Fahrrad verhängnisvollerweise außer Acht lässt, wird zum Schlüsselmoment des Films. De Sica veranschaulichte dabei auch, wie sehr Italien nach dem Krieg vom US-amerikanischen

Deutsche Fassungen.

Bei der ersten deutschsprachigen Synchronfassung von 1949, hergestellt von der Ultra Film Synchron, wurde Gilda von Til Klokow gesprochen, die Rita Hayworth später auch in "Die Lady von Shanghai" (1947) und "König der Toreros" (1942) synchronisierte. Diese Fassung gilt jedoch als verschollen. 1979 wurde bei der Bavaria Film eine Neusynchronisation für die Ausstrahlung im deutschen Fernsehen in Auftrag gegeben, die sich stärker an der US-amerikanischen Originalfassung orientierte. Hayworth wurde dabei von "Marienhof"-Star Viktoria Brams gesprochen. Diese Version wurde auch für die bisherigen DVD-Veröffentlichungen des Films verwendet. Bei einem direkten Vergleich mit der Originalversion wird allerdings deutlich, dass die Dialogszenen der deutschen Fassung von 1979 mit einer völlig anderen Musik unterlegt sind. Dies ist wohl darauf zurückzuführen, dass das International-Tape, das alle Geräusche und auch die Hintergrundmusik des Originalfilms enthält, damals nicht mehr zur Verfügung stand. Bei der Neu- und Erstsynchronisation älterer Filme für das Fernsehen ist dies die Regel.

Gilda ist ein US-amerikanischer Spielfilm im Stil des Film noir aus dem Jahr 1946. Es handelt sich um eine Mischung aus Kriminalfilm und Melodram, in dem die Hassliebe das zentrale Thema bildet. Unter der Regie von Charles Vidor ist Rita Hayworth in der Titelrolle zu sehen. Als erotischer Klassiker der „Schwarzen Serie“ ist "Gilda" vor allem für Hayworths legendären Handschuh-Striptease zu "Put the Blame on Mame" berühmt, der ihr Image als Liebesgöttin der 1940er Jahre maßgeblich prägte.

Gilda is a 1946 American film noir directed by Charles Vidor and starring Rita Hayworth in her signature role and Glenn Ford as a young thug. The film is known for cinematographer Rudolph Maté's lush photography, costume designer Jean Louis's wardrobe for Hayworth (particularly for the dance numbers), and choreographer Jack Cole's staging of "Put the Blame on Mame" and "Amado Mio", sung by Anita Ellis. In 2013, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being "culturally, historically or aesthetically significant".


Geschichte.

1992–1993: "Deaf Dumb Blind".

Mediale Beachtung erfuhr die Band nur wenige Monate nach ihrem Debüt-Album "Deaf Dumb Blind" (1993), denn gleich die erste Single-Auskopplung "Nigger" wurde als rassistischer Song vorverurteilt und brachte die Band bei MTV und VIVA in die Diskussion. Sänger Zak Tell kündigt aufgrund der Missverständnisse auch heute noch auf manchen Konzerten den Song als „anti-rassistisches Stück“ an. Als Antwort veröffentlichten Clawfinger den Song "Braindead" auf einem Antifa-Solisampler der Stockholmer Antifa. Die noch im selben Jahr veröffentlichte Single "The Truth" lief schließlich auf den Musikkanälen rauf und runter; es folgten Tourneen mit Alice in Chains, Die Krupps und Anthrax. Schnell folgten Auftritte auf den großen internationalen Festivals wie Rock am Ring oder Roskilde-Festival, und der Song "Warfair" wurde die dritte Single. Vom Album wurden in Deutschland 250.000 Einheiten verkauft.  Der Song kritisiert schwarze Minderheiten – im Besonderen aus dem Bereich der US-amerikanischen Hip-Hop-Kultur – dafür, das Wort „Nigger“ für sich selbst zu verwenden, da dies ursprünglich von den Weißen als äußerst abwertende Bezeichnung für Menschen dunkler Hautfarbe verwendet wird. Die deutsche Übersetzung der ersten Strophe lautet in etwa:  Kritiker entgegneten, dass die eigene Verwendung des Wortes auch zu einer Elimination des Wortes als Schimpfwort führen würde.

1993–1996: "Use Your Brain".

Das zweite Album "Use Your Brain" knüpfte an den Erfolg des Vorgängers an und verkaufte sich erneut 250.000 mal. Die erste Single-Auskopplung "Pin Me Down" kam im Musik-TV in die Heavy Rotation. Soundtechnisch änderte die Band nichts an ihrem Konzept. Songstruktur, Inhalte und Stilmittel wurden beibehalten und die Band zeigte keine kreative Weiterentwicklung. Die Singleauskopplung "Do What I say" wurde auch aufgrund ihres von zwei minderjährigen Jungen wütend geschrienen Titels ein Radiohit. Der Song setzt sich kritisch mit autoritärer Erziehung und der Reflexion des Erzogenen auseinander.  Nach drei Jahren intensiven Tourens und über 500 weltweiten Livekonzerten mit Höhepunkten des Monsters-of-Rock-Festivals in Südamerika 1994 folgten erste Knicke in der Bandkarriere. So platzten Pläne, das erste Album in den USA herauszubringen, nachdem schon der Song "Nigger" durch eine B-Seite ("Get It") ersetzt werden sollte. Insgesamt gab es zwei erfolglose Anläufe, auf dem nordamerikanischen Markt Fuß zu fassen.

1997–2001: "Clawfinger" und die „Rammstein-Connection“.

Den sägenden und dominierenden Gitarren wichen auf dem dritten Album "Clawfinger" (1997) langsam fortschreitende und zähflüssig fressende Rhythmen. Auch die Songtexte hatten nicht mehr die Note von Jugendrebellion, sondern bewegten sich weg von Texten mit erhobenen Zeigefingern und zeigten eine emotionalere und psychisch-dunklere Seite der Band auf. Trotz Einsatz von neuen Stilmitteln und verschiedener Soundexperimente brachen die Verkaufszahlen ein (ca. 150.000 Alben in Deutschland), obwohl die Band auch mit ihrer neuen Single "Biggest and the Best" einen weiteren Discohit landen konnte, während Crossover-Acts wie Dog Eat Dog, H-Blockx und andere unlängst in der Versenkung verschwunden waren. Die zweite Single "Two Sides" fand dagegen kaum noch Beachtung. Größeres Lob erfuhr die Band für ihre Remixe für die deutsche Band Rammstein, für welche sie erstmals 1997 einen Remix produzierte.

2001–2003: "A Whole Lot of Zeros?".

Nachdem die Band von ihrem Label wea hingehalten wurde und es nie zu einer Veröffentlichung der neu geschriebenen Songs kam, wechselten Clawfinger das Label und gingen zu GUN Records. GUN verhalf Clawfinger mit der Auskopplung "Out to Get Me" (2001) nach Jahren der Misserfolge zu einem erneuten Top-100-Hit. Die Auskopplung wie auch das Album "A Whole Lot of Nothing" (2001) verhalf der Band zu einem Comeback. Kreative Ausflüge wie auf "Clawfinger" oder neue lyrische Erkenntnisse gab es von der Band jedoch nicht. Stattdessen wiederholte sich Clawfinger nicht nur musikalisch, sondern auch inhaltlich. Mit "Out to Get Me" oder "Nothing Going On" wurden jedoch zwei Singles veröffentlicht, welche die Band wieder auf die großen Bühnen zurückbrachte.  Das 2003 veröffentlichte Album "Zeros & Heroes" fand nahezu keine Beachtung, das Label GUN ließ die Band quasi durch zurückhaltendes Marketing in der Versenkung verschwinden und die Band tourte fernab der großen Festivals auf kleinen Rock- und Metal-Open-Airs in ländlichen Regionen durch die Lande. Dazu kam auch noch der Ausstieg des Gitarristen Erlend Ottem im Oktober 2003. Seit dem Ausstieg Erlends übernimmt Jocke neben dem Keyboard des Öfteren die Gitarre. Die einzige Singleauskopplung "Recipe for Hate" war der Soundtrack zum Matrix-Videospiel.

Ab 2005: Nuclear Blast.

2005 unterschrieben Clawfinger einen neuen Plattenvertrag bei Nuclear Blast, einem Label mit Schwerpunkt auf Metal. Damit finden sich Clawfinger neben Manowar, In Flames oder Graveworm in einer bisher für sie unbekannten musikalischen Nachbarschaft. Am 21. November 2005 erschien "Hate Yourself with Style". Musikvideos gab es zu "Dirty Lies" und "Without a Case".  Das Album stellte einen leichten Unterschied zu den vorherigen Alben dar, so wurden in den Refrains öfters mehrere Stimmen und Tempowechsel verwendet. Insgesamt behielt die Band ihren bisherigen Musikstil bei. Die Texte blieben auf einem gewohnt kritischen Niveau, ließen dieses Mal jedoch mehr Beleidigungen zu.  Am 27. Juli 2007 erschien das Album "Life Will Kill You" ebenfalls auf Nuclear Blast. Musikvideos gab es zu "The Price We Pay" und "Prisoners".  Ende August 2013 gab die Band die Auflösung bekannt, sie gibt aber immer noch vereinzelt Konzerte, insbesondere an Festivals. 2017 waren sie zum Beispiel live beim Irreversible Festival und sind angekündigt für das Wacken Open Air. Am 4. August 2017 veröffentlichte die Band eine neue Single namens "Save Our Souls".

Stil.

Clawfinger wurden lange Zeit als europäische Antwort auf Rage Against the Machine (USA) gehandelt, da sie sowohl soundtechnisch als auch inhaltlich stark an diese Band angelehnt schienen. „"Durch ihre klinischen Gitarren und die stampfenden Beats waren sie die elektronischste Variante des damals grassierenden Zappelbudenvirus"“ (Quelle: Plattentests.de). Dieser Sound gilt als ein Markenzeichen der Band. Er ist gekennzeichnet durch scharf-sägende Gitarrensounds, welche oftmals weniger als zwei Riffs lang den Rap-Gesang rhythmisch unterstützen. Clawfinger verwenden keine Gitarren-Soli. Der Stil ist geprägt durch einfache und sehr kurz gehaltene Gitarren-Riffs und greifbare Hooklines sowie leicht zu merkende Refrains. Die Gitarren sind meist ohne Gitarrenamps und zusätzliche Tonabnehmer direkt über das Mischpult aufgenommen.  Ein Verweis im Booklet des Debütalbums 1993 beschreibt den Sound der Band noch heute sehr gut:  Diese Anspielung zielte direkt auf Rage Against the Machine ab, welche sich ganz besonders darauf beriefen, alle Sounds mit den Gitarren selbst zu erzeugen und in ihrem eigenen Booklet des selbstbetitelten Debütalbums 1992 schrieben:

Remixes.

Schon mit der ersten Single "Nigger" und speziellen Remix-EPs lebte sich die Band mit Remixen kreativ aus. Nur selten gab es jedoch in der eigenen musikalischen Entwicklung wirklich elementare Veränderungen. Dem schon sehr früh geäußerten Statement des Sängers „Remixe sind Rip-Offs“ stehen zahlreiche eigene Remixarbeiten entgegen. So gab es unzählige Interpretationen eigener Songs zwischen Techno bis harten Industrial-Experimenten. Internationale Lobeshymnen heimste sich die Band mit einem Remix für Die Krupps ein, für welche sie deren Hit "To the Hilt" neu interpretierten.

Bandnetzwerk.

Die Krupps: Clawfinger remixten für Die Krupps 1994 ihren größten Hit "To the Hilt" auf der Compilation "The Final Remixes". Der Remix fand überall größte Anerkennung und stellt eine Verschmelzung zwischen Rap, Metal und Industrial dar. Jürgen Engler und Die Krupps revanchierten sich daraufhin im selben Jahr mit einem Remix des Songs "Pin Me Down", erschienen auf der gleichnamigen Single. 1996 steuerten Clawfinger der Single "Isolation" den Clawfinger Remix bei.  Drain: Eine Frauen-Metalcombo aus Schweden, die Ende der 1990er einen kurzweiligen Hype erfuhr. Nach der gemeinsamen Tour entstand der "I Don ́t Mind (Clawfinger Remix)" auf der US-Single "Crack the Liar's Smile", 1998.  In Extremo: Die Band remixte 2003 für In Extremo den Song "Küss mich (Clawfinger Remix)".  Just D.: Am Anfang der Karriere nahm der Hip Hopper aus Schweden Clawfinger ins Schlepptau. Clawfinger spielten mit Just D. auch ein Album als Instrumentalband ein, 1991 vor ihrer ersten eigenen Single.  Mambo Kurt: Die Band entdeckte Mambo Kurt nach ihrem Auftritt in Bochum. „Wir wollten noch einen trinken gehen, kamen in eine Bar wo der Alleinunterhalter sein Set aus Metal- und Rockhymnen mit seiner Hammond-Orgel spielte.“, so Zak Tell zu einem Journalisten der Zeitung „RaKJu“. Mambo Kurt wurde mit auf Tour genommen und spielte ein 15 minütiges Set auf der Clawfinger-Album-Tour noch vor der eigentlichen Vorband Cold. Mambo Kurt wurde daraufhin entdeckt und es folgten Auftritte im TV (unter anderem bei Verona Feldbusch) und eigene Plattenveröffentlichungen. Auf seinem 3. Album „Ekstase“ (2002) coverte er "Nigger".  Meshuggah: Zusammen mit Meshuggah betreiben Clawfinger das „Fear and Loathing Studio“ in Spanga, Schweden. Den Song "Future Breed Machine" mixte Jocke Skog.  Misery Loves Co.: Auf der Promotour zu „Use Your Brain“ war das die Vorband von Clawfinger. Zur EP „Happy?“ (1997) gab Jocke Skog für Clawfinger einen "Sonic Attac Zorbact Mix" ab. Außerdem für die Tour-Single den "Sonic Attack (Seven Snare Clawfinger Mix)".  Rammstein: Größeres Lob fuhr die Band 2001 nur für ihre Remixes für die deutsche Band Rammstein ein, "Du hast (Clawfinger remix)" (1997). Rammstein verhalfen Clawfinger auch in den folgenden Jahren dazu, nicht in der Versenkung zu verschwinden. So gab es noch zu dem Song "Sonne" (2001) zwei Remixe, "Sonne (Clawfinger K. O. Remix)" und "Sonne (Clawfinger T. K. O. Remix)". Im gleichen Jahr legten Clawfinger noch einmal den "Links 2-3-4 (Clawfinger Geradeaus Remix)" auf. 2005 erfuhren Clawfinger dann erneut viel Lob für einen außerordentlich unerwarteten "Jazz-Remix" des Songs "Keine Lust", zu welchem es gleichzeitig auch noch einen "Keine Lust (Remix N°1)" (2005) gab. Auf der gemeinsamen Tour 2001 coverten Clawfinger und Rammstein "Pet Sematary" von den Ramones gemeinsam in einer 12-minütigen Zugabe in Gedenken an den damals kürzlich verstorbenen Ramones-Sänger Joey Ramone.  Slick Idiot: Bård Torstensen remixte "Get Down (With Give In)" auf dem Album "ReDickUlous", 2003.  Tone Norum: Die Schwester des Europe-Gitarristen John Norum arbeitete mit Bård Torstensen und Erlend Ottem für ihr 1992 veröffentlichtes Album "Don ́t Turn Around" bei zwei Tracks als Studiomusiker zusammen.

Diskografie.

Singles.

Weitere Singles

Clawfinger (engl. „Krallenfinger“) ist eine Crossover-Band aus Schweden und Norwegen. Zu großer Bekanntheit im europäischen Raum gelangte die Band Anfang der 1990er Jahre im aufkeimenden Crossover-Trend. Die Skandinavier galten mit als Pioniere dieses Genres. Beim Abflauen der Crossover-Welle büßten sie jedoch an Bekanntheit ein. 2007 veröffentlichten sie ihr siebtes Studioalbum. Prägnant für die erste Generation an kommerziell erfolgreichen Crossover-Bands war der inhaltlich sozialkritische Bezug. Clawfingers große Hits stammen aus dem Zeitraum 1992–1996 ("Nigger", "The Truth", "Pin Me Down", "Do What I Say"). Anschließend landete die Band noch zwei Charterfolge mit Singleauskopplungen ("Biggest and the best" und "Out to Get Me") sowie bekannte Remixes für Bands wie Rammstein oder Die Krupps. Durch das Betreiben ihres eigenen "Fear-and-Loathing"-Tonstudios in Schweden zusammen mit der Band Meshuggah sind Clawfinger auch als Produzenten zahlreicher Rap- und Metal-Produktionen hinter der Bühne aktiv.

Clawfinger is a heavy metal band from Sweden. Clawfinger is known for aggressive but melodic music and tackling political and anti-racist themes in their songs.


Spiel.

Dodgeball ist von den Grundzügen ein schnell erlernbares Spiel und somit für alle Altersstufen geeignet. Die wichtigsten hier aufgelisteten Elemente und Regeln orientieren sich am offiziellen europäischen Regelwerk.  1. Spielaufbau  Wie beim Völkerball werden die Spieler in zwei Teams geteilt (meistens 6 vs. 6, Variationen möglich) und auf zwei Spielhälften verteilt. In der Mitte befindet sich eine neutrale Zone (Center Zone oder Neutral Zone). Im Dodgeballspiel werden mehrere Bälle gleichzeitig verwendet (meistens 5).  2. Spieleröffnung (Opening Rush)  Die Spielbälle liegen zu Spielbeginn in der Mitte des Feldes in der Center Zone. Die 6 Spieler des Teams stehen am hinteren Ende ihrer Spielfeldhälfte und berühren mit einer Hand die Rückwand. Sollte ohne Rückwand gespielt werden, stehen sie hinter der Grundlinie. Auf Pfiff des Schiedsrichters laufen pro Mannschaft 3 Spieler los und versuchen die Bälle zu erobern. Diese müssen hinter die „Attack Line“ gebracht werden um sie zu aktivieren, danach geht das Spiel los.  3. Ziel des Spiels  Ziel ist es, nach Ablauf der vorgegebenen Spielzeit (meistens 4 Minuten) mehr Spieler am Spielfeld zu haben, als die gegnerische Mannschaft. Dies erreicht man durch Eliminieren von Gegenspielern. Im Optimalfall schafft man es, alle gegnerischen Spieler zu eliminieren. In diesem Fall endet das Spiel vorzeitig. 4. Eliminieren  Es gibt 3 Arten wie ein Spieler eliminiert werden kann.  a) Durch das Abschießen eines Gegenspielers. Der getroffene Spieler muss das Spielfeld verlassen.  Ein Spieler ist abgeschossen, wenn er von einem geworfenen Ball der gegnerischen Mannschaft getroffen wird und der Ball danach den Boden, die Wand etc. berührt.  b) Durch Fangen eines geworfenen Balls. Der Spieler, der den Ball geworfen hat, muss das Spielfeld verlassen.  Zusätzlich zu der Tatsache, dass durch Fangen eines Balles der Werfer „raus muss“, kommt zu der Mannschaft des Fängers ein bereits eliminierter Spieler wieder zurück aufs Feld.  c) Durch Übertritte sämtlicher Spielfeldbegrenzungen (Seitenlinie, Center-Zone-Linie, Grundlinie).  5. Blocken  Sollte man einen Ball zur Verteidigung in Händen halten und einen herankommenden Ball damit abblocken, so ist man nicht abgeschossen. Sollte man jedoch den Blockball dabei aus den Händen verlieren, so gilt das als Abschuss.  6. Fairplay  Dodgeball funktioniert nur mit Fairplay. Der Spirit-Gedanke steht über allem. Da auf Grund der Geschwindigkeit des Spiels sowie der Anzahl an Bällen nicht alles von den Schiedsrichtern gesehen werden kann, gilt: Fair spielen und das Schiedsrichterteam nach bestem Wissen und Gewissen unterstützen!

Spielfeld.

Das Spielfeld ist rechteckig mit den Maßen 8 m × 17 m als Standard für internationale Bewerbe. Zusätzlich zum Spielfeld und den darin markierten Zonen gibt es außerhalb davon noch Bereiche die für das Spiel notwendig sind. Die „Player Queue“ oder „Out-Box“ genannte Fläche ist für Spieler, die aus dem laufenden Spiel eliminiert werden. In die „Penalty Box“ werden Spieler verwiesen, die eine Gelbe Karte erhalten haben. Ebenfalls gibt es eine „Schiedsrichter-Zone“, eine „Coaching-Zone“ sowie eine „Wechselspieler-Zone“, die für die jeweiligen Personen gedacht ist.

Variationen.

Variationen des Dodgeballs sind sehr verbreitet. Zu diesen zählen generell sämtliche Arten der Abwurfspiele.  "Dr. Dodgeball": In dieser Variante von "Dodgeball" gibt es einen König. Spieler, die getroffen werden, müssen sich auf den Boden legen, bis "Dr. Dodgeball" kommt und sie wieder belebt. Erst wenn der König selbst getroffen wird, endet das Spiel.  "King's Court" ist wie das normale "Dodgeball", allerdings gibt es hier auch einen König, von dem Sieg oder Niederlage einer Mannschaft abhängen. Scheidet er aus, ist das Spiel zu Ende.  Ebenso existieren die Varianten "Prisonball (Gefängnisball)", "Nationball", "King's Court (Canada)" oder "Crossfire". Die letzte Variante ist dem deutschen Völkerball sehr ähnlich. Wird ein Spieler getroffen, so kommt er ins Gefängnis (hinter die feindliche Mannschaft). Von dort aus kann er versuchen, sich wieder ins Spiel zu werfen. Gelingt es einem Gefangenen, einen gegnerischen Spieler abzuwerfen, darf er wieder aufs Spielfeld. Hier gibt es keinen König.

Dodgeball-Veranstaltungen.

Im westfälischen Stadtlohn findet seit 2007 einmal jährlich das größte Dodgeball-Turnier Europas mit mehr als 2000 Teilnehmern aus der gesamten Welt statt. Der "Dodgeball Beach Cup" gehört zu den größten Funsport-Events Deutschlands und lockt jedes Jahr mehr als 20.000 Besucher an den künstlich angelegten Stadtstrand.  In Österreich bekommt der Trendsport eine immer größere Bedeutung. Die ADBA (Austrian Dodgeball Association) führt seit April 2012 große Turnierveranstaltungen für Studenten, Schüler und Ballsportinteressierte im ganzen Land durch. Mittlerweile kann die ADBA über 3000 aktive Teilnehmer und mehrere Hundert Zuschauer verzeichnen.  Generell entstehen in Europa immer mehr Dodgeball-Veranstaltungen, die auf den Funsport-Charakter des Spiels zählen und bei denen es Usus ist, verkleidet an den Start zu gehen.

Europäischer Dodgeball-Verband.

In Europa hat die Verbreitung des Dodgeballsports in den letzten 10 Jahren stark zugenommen. Daher wurde 2008 der Europäische Dodgeballverband gegründet und seit 2010 werden im Dodgeballsport jährlich Europameisterschaften ausgetragen.  Der Europäische Verband zählt mittlerweile 23 nationale Mitgliedsverbände, die in ihren Ländern den Dodgeballsport auf allen Ebenen umsetzen. Langfristiges Ziel ist es, die offizielle Anerkennung als Sport in allen europäischen Ländern zu erreichen.  <nowiki>*</nowiki>Großbritannien hat sowohl einen Gesamtverband, als auch subsidiäre Verbände für die Länder England, Wales, Schottland und Nordirland.

Dodgeball-Europameisterschaften.

Die Dodgeball-Europameisterschaften finden im Jahr 2020 zum 11. Mal statt. Vom 15. bis 18. Oktober treten bis zu 66 Teams aus 22 Mitgliedsverbänden in Leeuwarden, Niederlande an, um um den Titel Dodgeball-Europameister zu spielen.  In den Jahren 2010–2018 war das englische Nationalteam das Maß der Dinge, ab 2015 konnten Italien und Österreich den Seriensieger bei den Damen bezwingen, 2019 gelang es Österreich erstmals, England auch im Herren- und Mixed-Bewerb zu entthronen.

Dodgeball-Weltverband und Dodgeball-Weltmeisterschaften.

Von 2016 bis 2018 hat der Dodgeball-Weltverband "World Dodgeball Association (WDA)" 2 Weltmeisterschaften ausgetragen, bei denen auch europäische Mannschaften am Start waren.  Ab 2020 spielen alle europäischen Verbände unter dem Weltverband "World Dodgeball Federation (WDBF)", welcher bis dato nur in Nordamerika und Asien präsent war.  Langfristiges Ziel ist die Zusammenführung der beiden Weltverbände, deren Trennung auf unterschiedlichen regionalen Entwicklungen des Spiels (Regeln, Bälle) beruht.  Die nächste WDBF - WM findet Im Spätsommer 2020 in Großbritannien statt.  Dodgeball World Cup 2016 - Manchester / England  Ergebnisse 2016  Dodgeball World Cup 2018 - New York City / USA  Ergebnisse 2018 "Teilnehmer Herren:" USA, Kanada, England, Österreich, Ägypten, Australien, Malaysia, Singapur, Nordirland, Irland  "Teilnehmer Damen:" USA, Kanada, England, Österreich, Ägypten, Australien, Malaysia, Singapur, Hong Kong, Slowenien  "Teilnehmer Mixed:" USA, Kanada, England, Österreich, Ägypten, Australien, Malaysia, Schottland, Hong Kong, Slowenien

Videospiel-Umsetzung.

Das Spielprinzip wurde 1987 von Technos Japan Corp. in Form eines Videospiels verarbeitet. Der Titel "Super Dodge Ball" wurde seitdem für zahlreiche Spielkonsolen und Computersysteme veröffentlicht.

Dodgeball (deutsch Ausweichball) ist ein Sport / Ballspiel, bei dem die Spieler, ähnlich wie bei Völkerball, dem Ball ausweichen sollen. Weitere Kernelemente sind Abschießen und Fangen. In Nordamerika, Asien und Großbritannien ist Dodgeball sehr verbreitet. In Kontinentaleuropa erfreut sich Dodgeball aber auch stetig größer werdender Beliebtheit.

Dodgeball is a team sport in which players on two teams try to throw balls and hit opponents, while avoiding being hit themselves. The objective of each team is to eliminate all members of the opposing team by hitting them with thrown balls, catching a ball thrown by an opponent, or inducing an opponent to commit a violation, such as stepping outside the court.


Entwicklung.

Beim Entwurf der Jak-11, der ab 1944 zu Papier gebracht wurde, orientierte sich der Konstrukteur Alexander Jakowlew an der Jak-3, dem letzten Glied in der Kette von Jak-Jagdflugzeugen im Zweiten Weltkrieg. Anders als beim Vorgänger war jedoch statt der bisher verwendeten V-Motoren ein Sternmotor "ASch-21" vorgesehen. Wie bei vielen sowjetischen Flugzeugkonstruktionen jener Zeit legte man auch hier Wert auf einfache Produktion und Wartung; es gab verschiedene abnehmbare Verkleidungen und Klappen, die den Zugang zum Triebwerk erleichterten. Die zweiblättrige Verstell-Luftschraube war anfangs sichelförmig gebogen, wurde später aber durch die geraden 3-m-Propeller vom Typ "WISch-111-W20" oder "WISch-11-D-15" ersetzt.  Am 10. November 1945 startete der erste Prototyp unter der Bezeichnung "Jak-3UTI" zu seinem Erstflug und absolvierte anschließend die etwa ein Jahr dauernde Erprobung, wobei man noch einige Veränderungen an der Maschine vornahm. Die Serienfertigung begann 1946/47 und endete in der Sowjetunion nach 3859 gebauten Exemplaren. In der zweiten Hälfte der 1950er-Jahre erschien die "Jak-11U" (auch: Jak-10) als Reaktion auf die sich als Standardkonfiguration durchsetzende Bugradfahrwerkaustattung von Jagdflugzeugen ebenfalls mit Bugrad.  Von 1951 bis 1954 konnten mit der Jak-11 vier internationale Rekorde aufgestellt werden, die von der FAI anerkannt wurden.  Im Flugzeugwerk Kunovice (Tschechoslowakei) wurden von 1952 bis 1956 707 Jak-11 in Lizenz gebaut. Bezeichnet wurden sie als "Let C-11" (wobei teilweise Stringer und Spanten aus Holz durch Metall ersetzt wurden) und im Falle der Bugradausführung "C-11U".  Im normalen Flugbetrieb wurde die Jak-11 zur Weiterbildung von Piloten genutzt, die schon einige Flugerfahrung auf dem Anfänger-Schulflugzeug Jak-18 gesammelt hatten. Für Schießversuche besaß die Jak-11 deshalb auch ein im Rumpfbug eingebautes synchronisiertes 12,7-mm-Maschinengewehr "UBS" sowie ein Foto-MG in der vorderen, vom Flugschüler besetzten Kabine zur Kontrolle der Ergebnisse. Die Jak-11 wurde bis zum Ende der fünfziger Jahre zur aktiven Schulung eingesetzt und bis in die 1960er Jahre hinein für Nebenaufgaben verwendet. So flogen beispielsweise die letzten vier bis fünf der etwa 100 an die Luftstreitkräfte der NVA der DDR gelieferten Jak-11 noch bis 1962 in der ZD-21 (Zieldarstellungsstaffel) als Zielflugzeuge für die Bodenabwehr, der Großteil war bereits 1958/59 ausgesondert worden.

Technische Beschreibung.

Die Jak-11 war in Gemischtbauweise konstruiert. Der Rumpf bestand aus einem geschweißten Stahlrohrgerüst, das größtenteils mit Sperrholz verkleidet war, nur die Unterseite erhielt eine Stoffbespannung. Der Bug bestand im Bereich der Motoraufhängung aus Metall. Der Tragflügel in Tiefdecker-Auslegung besaß zwei Hauptholme, zwischen denen sich die Kraftstoffbehälter befanden und war ebenfalls aus Metall gefertigt. Er verfügte je Unterseite über eine Außenaufhängung für eine 25-kg- oder 50-kg-Bombe. Der Fahrwerkschacht war zusätzlich mit einem Hilfsholm aus Dural ausgestattet. Das Leitwerk war freitragend und in Normalbauweise hergestellt. In der Heckradausführung ließen sich nur die Haupträder einziehen, in der Bugradauslegung das gesamte Fahrwerk.

Geschwindigkeits- und Streckenrekorde.

Klasse C-1-d (Flugzeuge mit 1750–3000 kg Fluggewicht)

Die Jakowlew Jak-11 (, NATO-Codename „"Moose"“) war ein einmotoriges Flugzeug aus sowjetischer Produktion. Der zweisitzige Tiefdecker wurde speziell für die Fortgeschrittenen-Schulung von Jagdflugzeug-Piloten konstruiert und eingesetzt in allen Mitgliedstaaten des Ostblocks bzw. Warschauer Paktes als auch im Nahen Osten (Ägypten, Jemen), China und Österreich. In der Tschechoslowakei wurde der Typ in größerer Anzahl in Lizenz gebaut.

The Yakovlev Yak-11 (; NATO reporting name: "Moose") is a trainer aircraft used by the Soviet Air Force and other Soviet-influenced air forces from 1947 until 1962.


Entwicklung und Produktion.

Auf Grund des Aufsehens, das die Dornier Do 17 im Sommer 1937 bei einer Luftfahrtschau in Zürich erregt hatte, begannen sich zahlreiche Staaten für das Muster zu interessieren. Jugoslawien erwarb eine Produktionslizenz für die Versionen Do 17K und Do 17M. In der Zwischenzeit ging mit der Do 17Z eine neue Version für die Luftwaffe in die Produktion, die jedoch nicht für den Export zugelassen wurde. Dornier bemühte sich bald um eine solche Zulassung. Das Reichsluftfahrtministerium erlaubte schließlich den Export unter der Auflage einer abweichenden Bezeichnung Do 215.  Wie auch zuvor war Jugoslawien der erste Interessent. Eine Do 17 Z-0 der Vorserie wurde als Vorführungsmaschine mit einem Paar Gnôme-Rhône-14N-Sternmotoren ausgerüstet und erhielt die Bezeichnung "Do 215 V2", bevor sie der jugoslawischen Luftwaffe vorgeführt wurde. Zuvor war bereits eine Do 17 Z-0 mit den standardmäßig verwendeten BMW-Motoren Bramo 323A-1 zur "Do 215 V1" umbenannt worden. Die V2 zeigte allerdings kaum verbesserte Flugeigenschaften gegenüber dem Vorgängermuster, das sich in Jugoslawien bereits in der Produktion befand, so dass keine Bestellung aufgegeben wurde. Daraufhin entschied sich Dornier, die Do 215 mit den stärkeren DB-601A-Motoren von Daimler-Benz auszurüsten. Ein entsprechender Prototyp flog unter der Bezeichnung "Do 215 V3" (W.-Nr. 96) und zeigte gegenüber den anderen Prototypen erhebliche Leistungssteigerungen.  Es folgte eine Reihe weiterer Testmaschinen:  Im Dezember 1939 bestellte Schweden 18 Do 215 A-1 als Ersatz für die nicht gelieferten französischen Breguet 694. Die bestellten Maschinen wurden aber auf Grund eines deutschen Exportembargos nicht geliefert und die Bestellung in der Folge im September 1940 storniert. Stattdessen übernahm die deutsche Luftwaffe die Flugzeuge.  Die Dornier Do-215-B-Reihe war das Serienmodell für die deutsche Luftwaffe. Zwischen Dezember 1939 und Januar 1941 wurden insgesamt 101 Stück gefertigt. Dazu ist die W.-Nr. 1 als erster Prototyp zu rechnen, so dass insgesamt 102 Do 215 gebaut wurden.  Im Jahre 1941 erhielten einige Do 215B den bereits in der Do 17 Z-10 „Kauz II“ montierten Waffenkopf statt der Bugverglasung für Nachtjagdzwecke. Diese Maschinen erhielten die Bezeichnung Do 215 B-5. Mindestens 17 Flugzeuge wurden zu solchen Nachtjägern umgebaut.  Zwei Exemplare des Typs wurden unter der Bezeichnung "Do 215 B-3" zu Testzwecken an die Sowjetunion geliefert. In der Anfangsphase des Krieges sollen mit einer dieser Maschinen Einsätze durchgeführt worden sein. Die Flüge wurden aber nach kurzer Zeit wegen des hohen Risikos, durch die eigene Luftverteidigung abgeschossen zu werden, wieder eingestellt.

Einsatz.

Bis Mai 1940 erhielten alle Staffeln der "Aufklärungsgruppe / Oberbefehlshaber der Luftwaffe" ("Aufkl.Gr./Ob.d.L.") Maschinen verschiedener Do-215A- und Do-215B-Varianten. Die 1. Staffel operierte mit einem Mix aus Do 215 A-0 und Do 215 B-4 für Langstrecken-Aufklärung, während die 2. und 3. Staffel mit Do 215 B-4 neben anderen Flugzeugtypen ausgerüstet war. Der Typ kam zudem bei der "1.(F)/Aufkl.Gr. 124" und der "2.(F)/Nachtaufklärungsgruppe" zum Einsatz.  1941 wurden einige Do 215B zur Nachtjägerversion Do 215 B-5 umgerüstet und kamen bei der 4. Staffel des Nachtjagdgeschwaders 2 ("4./NJG 2") zum Einsatz, das von den besetzten Niederlanden aus operierte.  Im Jahr 1942 erhielt Ungarn einige Do 215 B-4 aus Luftwaffenbeständen und setzte sie als Langstrecken-Aufklärer an der Ostfront ein.  Im weiteren Verlaufe des Krieges wurde die Do 215 teilweise als Reise- und Schulflugzeug verwendet.

Technische Beschreibung.

Tragflächen Bei der Dornier Do 215 handelte es sich um einen freitragenden Schulterdecker mit zweiholmigen Tragflächen in Ganzmetallbauweise mit Schlitzquerruder und geteilten Spreizklappen zwischen Querruder und Rumpf; die Klappen wurden elektrisch betätigt.  Rumpf Am Ganzmetallrumpf, ausgeführt in Schalenbauweise, war ein so genannter Kampfkopf mit verglaster Nase als Rumpfspitze angebracht. Der Einstieg in die Maschine erfolgte durch eine Klappe im Rumpfboden.  Leitwerk Das Höhenleitwerk aus Ganzmetall war freitragend ausgeführt, die zweiteilige Höhenflosse war während des Fluges verstellbar und mit je einer Trimmklappe ausgestattet. Das Seitenleitwerk aus Ganzmetall war doppelt ausgeführt (je eine Endscheibe) und freitragend, die Seitenruder waren stoffbespannt.  Fahrwerk Sowohl die Haupträder als auch das verkleidete Heckspornrad waren elektrisch einziehbar ausgeführt. Auf das Fahrwerk wirkten Radbremsen.  Der Hauptunterschied zur Do 17Z bestand in der Motorisierung mit den flüssigkeitsgekühlten Daimler-Benz-DB-601-Triebwerken statt der luftgekühlten Bramo 323, sowie einer geänderten Ausrüstung. Letztlich wurde die Maschine mit den 1100 PS leistenden Triebwerken DB 601 B-1 ausgerüstet.

Die Dornier Do 215 war ein zweimotoriges Flugzeug des deutschen Herstellers Dornier, das als Aufklärer und Nachtjäger Verwendung fand. Die Dornier-Werke führten das Flugzeug als Mehrzweckflugzeug auf und gaben dabei folgende Verwendungszwecke an: Schwerer Bomber, Fernbomber, Fernaufklärer, kombinierter Bombenaufklärer, Tiefangriffsflugzeug und Zerstörer.

The Dornier Do 215 was a light bomber, aerial reconnaissance aircraft and later a night fighter, produced by Dornier originally for export, but in the event most served in the "Luftwaffe". Like its predecessor, the Dornier Do 17, it inherited the title "The Flying Pencil" because of its slim fuselage. The successor of the Do 215 was the Do 217.


Karriere.

Vereine.

Demichelis begann seine Fußballerkarriere bei Complejo Deportivo und wechselte 1995 zum Clube Renato Cesarini, für den er drei Spielzeiten aktiv war. Zum Profifußballer wurde er, als er 1998 zum argentinischen Top-Klub River Plate Buenos Aires wechselte und für diesen bis 2003 spielte. Mit River Plate gewann Demichelis 2002 und 2003 die nationale Meisterschaft.

FC Bayern.

Im Jahre 2003 sicherte sich dann der FC Bayern München für etwa 4,5 Millionen Euro die Dienste des Argentiniers. Sein Pflichtspieldebüt für die "Rot-Weißen" gab er in der 1. Runde des DFB-Pokals am 30. August 2003 beim 5:0-Auswärtssieg gegen Borussia Neunkirchen. Auf seinen ersten Bundesligaeinsatz musste Demichelis bis zum 7. Spieltag 2003/04 warten. Beim Auswärtsspiel in Rostock stand er dann am 27. September 2003 in der Startelf der Münchner, wo er vor der Viererkette im defensiven Mittelfeld agierte. Seinen ersten Treffer für Bayern erzielte Demichelis am 16. Dezember 2003 im Auswärtsspiel beim SC Freiburg. Bei dem 6:0-Sieg leitete er mit seinem Kopfballtreffer zum 1:0 den Weg zum Erfolg ein.  In der Rückrunde wurde es ruhiger um den Argentinier. Zwischen dem 18. und 34. Spieltag kam der defensive Spieler nur noch zu sechs Einsätzen. Dabei wurde er dreimal ein- und dreimal ausgewechselt. Gründe waren, dass in der Innenverteidigung mit Samuel Kuffour, Thomas Linke und Robert Kovač bereits drei Abwehrkräfte um zwei Startplätze kämpften und das defensive Mittelfeld mit Owen Hargreaves, Jens Jeremies und auch Michael Ballack gut bestückt war. Kurzzeitig schickte ihn Trainer Ottmar Hitzfeld zu den Bayern-Amateuren, für die er eine Partie absolvierte. Seinen ersten Titel mit Bayern München gewann er 2004, da sie als Tabellenzweiter für den DFB-Ligapokal qualifiziert waren und im Finale Werder Bremen mit 3:2 bezwangen.  In den Spielzeiten 2004/05, 2005/06 und 2006/07 spielte Demichelis regelmäßig. Dabei setzte ihn der damalige Trainer Felix Magath aber vor allem im defensiven Mittelfeld ein. Erst zur Saison 2007/08 beorderte ihn Hitzfeld in die Innenverteidigung, wo er zusammen mit Lúcio und Daniel Van Buyten das Innenverteidiger-Trio gab. Jedoch sorgte Demichelis für einen Eklat, als er sich im Rahmen einer Pressekonferenz öffentlich darüber beschwerte, auch unter Hitzfeld zeitweise wieder nicht auf seiner bevorzugten Position in der Verteidigung eingesetzt zu werden und weigerte sich, weiterhin im defensiven Mittelfeld zu spielen, woraufhin er von Hitzfeld kurzzeitig suspendiert wurde.  In den Jahren 2005, 2006, 2008 und 2010 gewann der Verein die deutsche Meisterschaft sowie den DFB-Pokal. Dabei stand Demichelis in allen vier Finalspielen um den Pokal in der Startelf der Münchner. Auch im Finale der Champions League am 22. Mai 2010, das mit 0:2 gegen Inter Mailand verloren wurde, gehörte er zur Startelf. Vor dem ersten Spiel der Saison 2010/11 gegen den VfL Wolfsburg wurde er von Trainer Louis van Gaal aus dieser gestrichen; daraufhin lehnte er es ab, sich auf die Ersatzbank zu setzen.

FC Málaga.

Mit seiner Reservistenrolle beim FC Bayern München unzufrieden, wechselte Demichelis am 1. Januar 2011 zum FC Málaga, nachdem sich beide Vereine vor Jahreswechsel über den Transfer einig waren; über die Ablösemodalitäten wurde Stillschweigen vereinbart. Sein erstes Spiel für den spanischen Erstligisten absolvierte Demichelis am 8. Januar 2011 beim 1:1-Unentschieden im Heimspiel gegen Athletic Bilbao, in dem er auch gleich sein erstes Tor mit dem Treffer zum 1:0 erzielte.

Über Madrid zu Manchester City.

Nachdem er die ihm angebotene Vertragsverlängerung abgelehnt hatte, wechselte Demichelis im Juli 2013 zunächst ablösefrei zum Ligakonkurrenten Atlético Madrid, bei dem er einen Einjahresvertrag erhielt. Noch ohne ein Pflichtspiel für Atlético bestritten zu haben, wurde er jedoch bereits zwei Monate später vom englischen Erstligisten Manchester City verpflichtet und mit einem bis zum 30. Juni 2015 laufenden Vertrag ausgestattet. Im März 2015 wurde die Laufzeit seines Vertrages um ein Jahr verlängert; nach Ablauf der Vertragslaufzeit verließ er den Verein.  Demichelis bestritt in drei Jahren für Manchester City insgesamt 91 Pflichtspiele und wurde mit dem Club in der Saison 2013/14 englischer Meister.

Barcelona und Rückkehr zu Málaga.

Zur Saison 2016/17 verpflichtete ihn der spanische Erstligist Espanyol Barcelona mit einem bis zum Saisonende laufenden Vertrag. Nach zwei Ligaeinsätzen für Espanyol Barcelona wurde der Vertrag Anfang Januar 2017 vorzeitig aufgelöst.  Daraufhin wechselte Demichelis zurück zum FC Málaga und unterschrieb dort einen bis zum Saisonende laufenden Vertrag. Am 15. Mai 2017 kündigte er sein Karriereende nach der Saison an.

Nationalmannschaft.

Für den Konföderationen-Pokal 2005 wurde er zwar von Nationaltrainer José Pekerman in den Kader der A-Nationalmannschaft berufen, bestritt aber während des Turniers kein einziges Spiel.  Trotz mehrerer Einsätze in Freundschaftsspielen wurde er am 15. Mai 2006 von Pekerman nicht für das argentinische Aufgebot bei der WM 2006 in Deutschland nominiert. Nach dem Rücktritt von Roberto Ayala wurde er unter Trainer Alfio Basile jedoch wieder Teil der Mannschaft; das Medienecho war positiv.  Im Jahr 2008 wurde er für den Kader für das Olympische Fußballturnier 2008 in Peking nominiert. Da der FC Bayern München ihn aber nicht freistellte, verzichtete er schließlich freiwillig auf eine Teilnahme. Während der WM 2010 in Südafrika kam er in allen fünf Spielen zum Einsatz. Im dritten Gruppenspiel, beim 2:0-Sieg gegen die Auswahl Griechenlands, erzielte er per Kopf das Führungstor in der 78. Minute. Demichelis nahm an der Fußball-Weltmeisterschaft 2014 in Brasilien teil. Er wurde dort erst ab dem Viertelfinale eingesetzt. Ab diesem Spiel gegen Belgien stand er immer in der Startelf – so auch im Finale, welches Argentinien mit 0:1 verlor.  2015 nahm er mit der Nationalmannschaft an der Copa América teil, kam im letzten Gruppenspiel beim 1:0-Sieg gegen die Auswahl Jamaikas, beim 6:1-Sieg im Halbfinale gegen die Auswahl Paraguays und im gegen die Auswahl Chiles zum Einsatz, das mit 1:4 im Elfmeterschießen verloren wurde.

Trainerkarriere.

Zur Saison 2019/20 wurde Demichelis vom FC Bayern als Trainer der U19-Juniorenmannschaft verpflichtet. Damit wurde er Nachfolger von Sebastian Hoeneß, welcher fortan die Bayern-Amateure betreut.

Martín Gastón Demichelis (* 20. Dezember 1980 in Justiniano Posse) ist ein ehemaliger argentinischer Fußballspieler und heutiger -trainer. Seit der Saison 2019/20 ist er Trainer der U19-Mannschaft des FC Bayern München.

Martín Gastón Demichelis (; born 20 December 1980) is an Argentine retired professional footballer who played usually as a central defender, although he could also operate as a defensive midfielder.


Gewinnung und Darstellung.

Zur großtechnischen Herstellung von Ethylendiamin existieren in der Chemischen Industrie mehrere Verfahren und Verfahrensvarianten.  Das heutzutage am häufigsten eingesetzte Verfahren zur Synthese von Ethylendiamin ist die Umsetzung von Monoethanolamin mit Ammoniak bei Temperaturen von 160–230 °C und Drücken von 150–250 bar in Gegenwart von Wasserstoff an Übergangsmetalloxid-Katalysatoren, die im Wesentlichen aus Nickel- und Kupferoxid, sowie aus Zirconiumdioxid bestehen und auf Aluminiumoxid (AlO) geträgert sind, in der flüssigen Phase.  Die Reaktion wird bevorzugt in Festbettreaktoren durchgeführt. Besonders gut geeignet sind hierfür Rohrreaktoren sowie Rohrbündelreaktoren, bei denen Salzschmelzen die gesamte Reaktion auf nahezu konstanter Temperatur halten. Bei diesem Verfahren entsteht neben Ethylenamin auch noch weitere Nebenprodukte wie Diethylentriamin (DETA) und Triethylentetramin (TETA), die durch mehrstufige destillative Aufarbeitung unter Druck abgetrennt werden müssen. Bevorzugt kann statt Monoethanolamin auch Ethylenglycol eingesetzt werden. Dabei muss Ammoniak jedoch in zweifachem molaren Überschuss eingesetzt werden.  Ein zweites großtechnisches Verfahren zur Herstellung von Ethylendiamin betrifft die Umsetzung von 1,2-Dichlorethan mit Ammoniak unter Druck bei 180 °C im wässrigen Medium. Als Katalysatoren werden ebenfalls Kupfer- oder Nickelkontakte, die als Festbett angeordnet sind, verwendet.  Dabei bildet sich Chlorwasserstoff, der zunächst als Hydrochlorid des Amins in gebundener Form vorliegt. Das Amin wird durch Zugabe von Natriumhydroxid in seine freie Form überführt und kann anschließend durch Rektifikation aus dem Gemisch gewonnen werden. Als Nebenprodukte werden ebenfalls Diethylentriamin (DETA) und Triethylentetramin (TETA) gebildet.

Eigenschaften.

Physikalische Eigenschaften.

Ethylendiamin hat eine relative Gasdichte von 2,07 (Dichteverhältnis zu trockener Luft bei gleicher Temperatur und gleichem Druck) und eine relative Dichte des Dampf-Luft-Gemisches von 1,01 (Dichteverhältnis zu trockener Luft bei 20 °C und Normaldruck). Die Dichte beträgt 0,90 g·cm bei 20 °C. Außerdem weist Ethylendiamin einen Dampfdruck von 12,4 hPa bei 20 °C, 22,6 hPa bei 30 °C, 39,4 hPa bei 40 °C und 66,3 hPa bei 50 °C auf.

Chemische Eigenschaften.

Ethan-1,2-diamin ist eine entzündbare Flüssigkeit aus der Stoffgruppe der aliphatischen primären Amine. Es ist vollständig mit Wasser mischbar und bildet dabei ein Hydrat. Die wässrigen Lösungen von Ethylendiamin reagieren stark basisch. Außerdem ist Diaminoethan hygroskopisch und raucht an feuchter Luft. Ethylendiamin gilt als mittel bis schwer flüchtig. Eine wässrige Lösung der Konzentration 100 g·l weist bei 25 °C einen pH-Wert von 12,2 auf.

Verwendung.

Ethylendiamin findet in der Komplexchemie besonders Anwendung zur Synthese von Chelat-Bildnern (z. B. Ethylendiamintetraessigsäure). Des Weiteren wird es als Lösungsmittel, Stabilisator und zur Säureneutralisation in Öle eingesetzt. Es findet auch bei der Herstellung von Kunstharzen, Kautschuk-Chemikalien, Arzneimitteln, Schädlingsbekämpfungsmitteln, Inhibitoren und Wasch- bzw. Reinigungsmitteln Verwendung. In der Organischen Chemie wird Ethylendiamin auch als Base zur Isomerisierung von Allylalkoholen in Aldehyde, zur Reduktion von Nitroarenen zu Azo-Verbindungen und vielen weiteren Reaktionen eingesetzt. Ferner dient es als Zwischenprodukt in den Bereichen Korrosionsschutz, Polyamidharze und Schmierstoff- sowie Treibstoffadditive.

Sicherheitshinweise.

Die Dämpfe von Ethylendiamin können mit Luft beim Erhitzen über den Flammpunkt explosive Gemische bilden. Hauptsächlich wird Ethylendiamin über den Atemtrakt und die Haut aufgenommen. Dabei kommt es akut zu starken Reizwirkungen auf die Haut und der Schleimhäute bis hinzu Verätzungen. Des Weiteren wurde eine sensibilisierende Wirkung auf die Haut und die Atemwege festgestellt. Ethylendiamin hat außerdem starke Auswirkungen auf Blut, Nieren und Herz-Kreislaufsystem des Betroffenen. Chronisch kann es bei Aufnahme oder Resorption zu Atemwegsreizungen und Asthma-Erkrankungen kommen, dessen Hergang oft unbekannt ist. Außerdem können sich irritative und allergische Hauterkrankungen ausbilden. In Tierversuchen wurde eine Beeinflussung der Leber- und Nierenfunktion ermittelt. Eine Reproduktionstoxizität, Mutagenität oder Kanzerogenität konnte bisher noch nicht nachgewiesen werden. Ethylendiamin weist eine untere Explosionsgrenze von etwa 2,5 Vol.-% und eine obere Explosionsgrenze von etwa 16,3 Vol.-% auf. Die Zündtemperatur beträgt etwa 400 °C. Der Stoff fällt somit in die Temperaturklasse T2 und die Explosionsgruppe IIA. Die Grenzspaltweite wurde auf 1,25 mm ermittelt. Mit einem Flammpunkt von 34 °C gilt Ethylendiamin als entflammbar.

Ethylendiamin (nach IUPAC-Nomenklatur: Ethan-1,2-diamin, abgekürzt häufig als EDA bezeichnet) ist eine organisch-chemische Verbindung aus der Stoffgruppe der aliphatischen primären Amine. Genauer gesagt handelt es sich um ein Diamin.

Ethylenediamine (abbreviated as en when a ligand) is the organic compound with the formula CH(NH). This colorless liquid with an ammonia-like odor is a strongly basic amine. It is a widely used building block in chemical synthesis, with approximately 500,000 tonnes produced in 1998. Ethylenediamine readily reacts with moisture in humid air to produce a corrosive, toxic and irritating mist, to which even short exposures can cause serious damage to health (see safety). Ethylenediamine is the first member of the so-called polyethylene amines.


Leben.

Als Tochter eines k.u.k.-Offiziers verbrachte sie ihre Kindheit in Prag. Im Alter von 16 Jahren spielte sie die Rolle von leicht überdrehten Mädchen. Ab 1919 arbeitete sie überwiegend mit dem Regisseur und Schauspieler Karel Lamač zusammen, der später ihr erster Ehemann wurde. Der Film "Gilly poprvé v Praze – Gilly zum ersten Mal in Prag" brachte ihr 1920 den Durchbruch. Sie stieg dabei zur führenden Komikerin des tschechischen Films auf.  Mit den Filmen "Evas Töchter" (1928) und "Sündig und süß" (1929) eroberte sie das deutsche Publikum. Unter der Regie von Alfred Hitchcock folgten 1929 die Filme "Der Mann von der Insel Man" ("The Manxman") und "Erpressung" ("Blackmail"). Sie war dabei Hitchcocks erste „blonde Mörderin“. "Erpressung" wurde als Stummfilm begonnen; im Laufe der Produktion entschied man jedoch, aus ihm den ersten englischen Tonfilm zu machen. Da Ondras Englisch nicht gut genug war, aber Hitchcock nicht auf sie als Darstellerin verzichten wollte, ließ er ihren Part von der britischen Schauspielerin Joan Barry synchronisieren. Somit avancierte Joan Barry zur ersten Synchronsprecherin und Anny Ondra zur ersten fremdsprachig synchronisierten Schauspielerin der Filmgeschichte, wobei die Synchronisation auf ungewöhnliche Art erfolgte: Ondra bewegte die Lippen, Barry sprach außerhalb des Bildes den Text.  1930 gründete sie mit Karel Lamač in Deutschland die "Ondra-Lamač-Filmgesellschaft", die bis 1936 bestand. Ihre erste selbstgesprochene Tonfilmrolle spielte sie neben Sigi Arno in "Die vom Rummelplatz" (1930). Nachdem Karel Lamač Deutschland verlassen hatte, spielte sie nur noch vereinzelte Rollen und zog sich in den 1950er Jahren ins Privatleben zurück.  Am 6. Juli 1933 heiratete sie in Bad Saarow den drei Jahre jüngeren Boxer Max Schmeling, mit dem sie in dem Film "Knock-out" (1935) gemeinsam auftrat. Schmeling hatte in Bad Saarow 1933 das Sommerhaus des vor den Nazis ins Exil geflohenen expressionistischen Malers Bruno Krauskopf erworben.  Als Folge eines Autounfalls erlitt Anny Ondra eine Fehlgeburt. Es sollte ihre einzige Schwangerschaft bleiben, das Paar blieb kinderlos. Nicht nur als Folge der Fehlgeburt übernahm Anny Ondra die Patenschaft für die 1942 geborene Enkelin ihres Freundes Hermann Gronen, der in erster Ehe mit Rosa Gronen (geb. Schmeling) verheiratet war. Max Schmeling schenkte der Enkelin Rosa Maria Gronen (heute Winters) zur Taufe ein Paar Boxhandschuhe.  Anny Ondra wurde auf dem Friedhof in Hollenstedt (Landkreis Harburg) beigesetzt. Neben ihr fand 2005 auch Max Schmeling seine letzte Ruhestätte.

Anny Ondra, eigentlich "Anna Sophie Ondráková", verheiratete "Anny Schmeling" (* 15. Mai 1902 oder 1903 in Tarnów, Galizien, Österreich-Ungarn; † 28. Februar 1987 in Dierstorf-Heide, Samtgemeinde Hollenstedt) war eine deutsche Schauspielerin tschechisch-österreichischer Herkunft.

Anny Ondra (born Anna Sophie Ondráková, 15 May 1903 – 28 February 1987) was a Czech film actress. She began her career in 1920 and appeared in Czech, German, Austrian, French and English films. In 1933, she married German boxing champion Max Schmeling.


Leben.

D’Aviano kam am 17. November 1631 in Aviano (Friaul) als Sohn des Marco Cristofori (auch Christophori geschrieben) und der Rosa geb. Zannoni zur Welt und wurde bei der Taufe Carlo Domenico genannt. 1648 trat er in den Kapuzinerorden ein und nahm zur Einkleidung den Ordensnamen Marco an. Am 21. November 1649 legte er die Profess ab. Nach dem Theologiestudium empfing er am 18. September 1655 die Priesterweihe.  P. Marco wirkte als Prediger in ganz Italien. Eine wunderbare Heilung 1676 machte ihn über die Grenzen Italiens bekannt. Seine Predigten in lateinischer oder italienischer Sprache, bei denen er eine Vertiefung des Glaubens, ein Bereuen der Sünden und Buße forderte, waren oft von Massenbekehrungen und Wundern begleitet. Seine Missionsreisen führten ihn auch nach Frankreich, Flandern und Westfalen. Auf seiner zweiten Missionsreise 1681 gelang ihm der Legende nach sogar von Lüttich aus eine Fernheilung an der Thorner Stiftsdame Clara Elisabeth von Manderscheid-Blankenheim.  Nach einem Zusammentreffen mit Kaiser Leopold I. im Jahr 1680 wurde er sein freundschaftlicher Berater und Seelsorger. 1683 war er päpstlicher Legat bei der zweiten Türkenbelagerung Wiens. Er überzeugte Karl V. von Lothringen, dem polnischen König Johann III. Sobieski den Oberbefehl des Entsatzheeres zu überlassen und rasch gegen Wien vorzurücken. Am 12. September 1683 feierte Marco d’Aviano vor der Entsatzschlacht die Heilige Messe in der „Leopoldi Capelln am Kahlenberg“, am heutigen Leopoldsberg. Er wird wegen seines politisch-kirchlichen Einsatzes auch als "Retter Wiens" bezeichnet. Bis 1689 nahm er als Prediger und Seelsorger an Feldzügen gegen die Türken teil. Verbrieft ist jedoch lediglich die Anwesenheit d’Avianos bei der Befreiung von Ofen 1686 und Belgrad 1687.  Marco D’Aviano ist in der Pietàkapelle der Kapuzinerkirche in Wien bestattet. Am 10. Dezember 1912 wurde sein Seligsprechungsprozess eingeleitet; die Seligsprechung erfolgte am 27. April 2003. In der katholischen Kirche ist sein Gedenktag der 13. August.

Ikonografie.

D’Aviano wird meist im Habit der Kapuziner mit einem Kruzifix in der rechten Hand dargestellt, einem Attribut des geweihten Lebens.

Rezeption.

Marco d’Aviano wurde im Zuge der Jahrhunderte bei den Türkenbefreiungsfeiern in Wien als Held geehrt, wobei er bis 1890 eine eher kleine Rolle in den Feierlichkeiten spielte. Von 1890 bis 1935 wurden jedoch mehrere Bücher über d’Aviano herausgebracht, die nicht primär aus historischem Interesse publiziert wurden, sondern eine bestimmte Politik verfolgten. Im austrofaschistischen Ständestaat gipfelte die politische Vereinnahmung d’Avianos in Vergleichen mit Diktator Engelbert Dollfuß. Kardinal Theodor Innitzer bezeichnete 1933 beide als „Retter des Abendlandes“, 1935 wurde in einer groß angelegten Feier am 9. Juni 1935 eine von Hans Mauer geschaffene Statue d’Avianos vor der Kapuzinerkirche enthüllt. Im selben Jahr wurde auch im ersten Wiener Gemeindebezirk die vormalige "Schwangasse" in "Marco-d'Aviano-Gasse" umbenannt. Die Gasse liegt zwischen Neuem Markt (wo sich auch die Kapuzinerkirche befindet) und Kärntner Straße.

Sonstiges.

Im Film September Eleven 1683, der die Zweite Wiener Türkenbelagerung behandelt, wird Marco D'Aviano von F. Murray Abraham dargestellt.

Marco d’Aviano (* 17. November 1631 in Aviano, Italien; † 13. August 1699 in Wien) war ein Ordenspriester und Kapuziner. In der katholischen Kirche wird er als Seliger verehrt.

Marco d'Aviano, born Carlo Domenico Cristofori (November 17, 1631 – August 13, 1699) was an Italian Capuchin friar. In 2003, he was beatified by Pope John Paul II.


Gründung.

Während des Ersten Kreuzzugs verließ Balduin von Boulogne, der Bruder des Anführers Gottfried von Bouillon, im Jahr 1098 den Hauptteil des Kreuzfahrerheeres, das sich südwärts Richtung Antiochia und Jerusalem bewegte, und wandte sich nach Osten auf Edessa zu, wo er den regionalen Herrscher Thoros dazu brachte, ihn als seinen Sohn und Erben zu adoptieren. Thoros war ein bei seinen armenischen Untertanen unbeliebter griechisch-orthodoxer Christ und fiel kurz nach der Adoption Balduins einem Mordanschlag zum Opfer, bei dem nicht geklärt ist, ob und inwieweit Balduin in ihn verwickelt war. Balduin wurde der neue Herrscher mit dem Titel eines Grafen, so wie er in Boulogne bereits genannt worden war.

Geschichte.

Im Jahre 1100 wurde Balduin König von Jerusalem, als sein Bruder Gottfried starb. Die Grafschaft Edessa gab er an Balduin von Bourcq weiter, einen nahen Verwandten (Neffen oder Vetter), der bei den Einwohnern der Stadt beliebt war und auch eine armenische Frau nahm.  Einer von Balduins wichtigsten Gefolgsleuten war Joscelin von Courtenay, den er zum Kommandeur der Festung Turbessel am Euphrat ernannte, eines wichtigen Außenpostens der Grafschaft gegen die Seldschuken.  Balduin wurde schnell in die Politik im nördlichen Syrien und Kleinasien verstrickt. Er half 1103 dabei, die Freilassung Bohemunds I. von Antiochien durch die Danischmenden sicherzustellen, und griff gemeinsam mit Antiochia Anfang 1104 das Byzantinische Reich in Kilikien an. Wenig später, in der Schlacht von Harran (7. Mai 1104), gerieten sowohl Balduin als auch Joscelin in Gefangenschaft der Muslime. Bohemunds Neffe Tankred von Tiberias wurde nun Regent in Edessa, bis Balduin und Joscelin 1107 freigelassen wurden, war dann aber nicht bereit, sein Amt aufzugeben, so dass Balduin sich mit lokalen muslimischen Regenten verbünden musste, um ihn zu vertreiben.  Im Jahr 1110 ging das gesamte Gebiet östlich des Euphrat an Mawdud von Mosul verloren, der diesem Erfolg jedoch, anders als sonst, keinen Angriff auf Edessa selbst folgen ließ, da er nun zu stark mit der Konsolidierung der eigenen Macht befasst war.  Nach dem Tod von Balduin I. von Jerusalem im Jahr 1118 wurde Balduin II. von Edessa dessen Nachfolger, da Eustach III. von Boulogne, der in Frankreich gebliebene Bruder des verstorbenen Balduin, den Titel in Jerusalem abgelehnt hatte. Edessa ging 1119 an Joscelin.  Joscelin I. von Edessa wurde 1122 erneut gefangen genommen, und als Balduin kam, um ihn zu befreien, erlitt dieser das gleiche Schicksal, so dass Jerusalem nun ohne König war. Joscelin gelang 1123 die Flucht und er erreichte Balduins Freilassung im Jahr darauf.

Untergang.

1131 starb Joscelin I. an den Folgen einer Verletzung, die er sich während einer Belagerung zugezogen hatte. Sein Nachfolger wurde sein Sohn Joscelin II. Zu dieser Zeit hatte Zengi Aleppo und Mosul unter seine Herrschaft gebracht und bedrohte verschiedene artuqidische und kurdische Herrschaftsgebiete. Joscelin II. reagierte auf einen Hilferuf des artuqidischen Herrschers von Hisn Kaifa und verließ mit einem großen Heer Edessa. Daraufhin belagerte Zengi ab dem 16. November 1144 die schutzlose Stadt und konnte sie am 24. Dezember des Jahres einnehmen, am 26. Dezember fiel auch die Zitadelle. In der Folge kam es zu einem Massaker an der Bevölkerung der Stadt. Ein armenischer Einwohner beschrieb, dass „die Muslime unbarmherzig Unmengen von Blut vergossen, sie hatten weder vor den alten Menschen Respekt, noch kannten sie Mitleid mit den unschuldigen, lämmergleichen Kindern“. Der Fall Edessas wurde zum Auslöser des Zweiten Kreuzzugs von 1146.  Joscelin regierte jetzt nur noch die Gebiete westlich des Euphrats rund um Turbessel, bis er 1149 in einer Schlacht durch Zengis Sohn Nur ad-Din gefangen genommen wurde. Er blieb in Gefangenschaft bis zu seinem Tod 1159. Seine Frau verkaufte die Reste der Grafschaft an den byzantinischen Kaiser Manuel I. Komnenos, jedoch wurden die ihr verbliebenen Festungen von Nur ad-Din und dem Sultan von Rum Mas'ud I. innerhalb eines Jahres weggenommen. Edessa war der erste Kreuzfahrerstaat, der entstand, und der erste, der wieder verloren ging.

Geographie und Demographie.

Edessa war nach dem Umfang der größte der Kreuzfahrerstaaten, nach der Einwohnerzahl der kleinste. Die Stadt Edessa hatte rund 10.000 Einwohner, der Rest der Grafschaft bestand fast ausschließlich aus Befestigungsanlagen.  Die Grafschaft erstreckte sich in ihrer größten Ausdehnung von Antiochia im Westen bis über den Euphrat hinaus und reichte im Norden bis an das Königreich Kleinarmenien. Im Süden und Osten lagen die mächtigen muslimischen Städte Aleppo und Mosul, und die Dschazira, das Zweistromland, das ebenfalls nicht mehr zur Grafschaft gehörte.  Die Bewohner waren zumeist Syrer, Jakobiten und armenische Christen, dazwischen einige griechisch-orthodoxe Christen und Muslime. Obwohl die Zahl der Lateiner immer klein blieb, gab es einen katholischen Patriarchen.

Grafen von Edessa, 1098–1149.

Zur Genealogie der Grafen von Edessa siehe Grafschaft Boulogne, Herzogtum Rethel und Haus Courtenay

Die Grafschaft Edessa war einer der vier ursprünglichen Kreuzfahrerstaaten des 12. Jahrhunderts mit der Hauptstadt Edessa in der Osrhoene als Zentrum. Die kleinasiatische Stadt hat eine lange Geschichte und eine alte christliche Tradition.

The County of Edessa (Latin: "Comitatus Edessanus") was one of the Crusader states in the 12th century. Its seat was the city of Edessa (present-day Şanlıurfa, Turkey).