Origines.

Santiago Carrillo est élevé au sein d'une famille ouvrière asturienne qui déménage à Madrid lorsque son père, , syndicaliste et dirigeant local du Parti socialiste ouvrier espagnol (PSOE) et de l'Union générale des travailleurs (UGT), est muté pour prendre des responsabilités nationales.  Il suit des cours au lycée Cervantes, dépendant de l'Institution libre d'enseignement, une organisation laïque, mais la situation de pénurie économique de sa famille l’oblige à abandonner ses études et à travailler comme apprenti dans une imprimerie. Il adhère aux Jeunesses socialistes (JJSS) et au syndicat UGT. Grâce à cette combinaison, Santiago Carrillo commence à exercer le journalisme pour le journal "Le Socialiste".

La II République.

Après la proclamation de la Seconde République espagnole, le , Santiago Carrillo prend en charge la section parlementaire de ce journal, ce qui lui permet d'entrer en contact avec les personnalités politiques de l'époque.  En 1934, il est nommé secrétaire des Jeunesses socialistes (JJSS) et participe aux événements de la Révolution des Asturies d'octobre 1934, ce qui lui vaut d'être mis en prison en compagnie de son père, de Francisco Largo Caballero et d'autres dirigeants.  Il est libéré à l'arrivée au pouvoir du Front populaire espagnol () et envoyé en URSS pour négocier l'unification des jeunesses socialistes et communistes.

La guerre civile.

Le déclenchement du conflit en surprend Carrillo à Paris. Il rejoint l'armée et combat au Pays basque espagnol et dans la Sierra au nord de Madrid.  Il atteint le grade de capitaine au début de l'automne 1936 ; le , il adhère au PCE et devient membre de la Junte de défense de Madrid ("Junta de Defensa de Madrid"), dirigée par le général Miaja, et chargée, en l'absence du gouvernement de Francisco Largo Caballero parti pour Valence, d'organiser la mobilisation populaire et les milices qui doivent arrêter la première offensive franquiste sur la capitale. Au sein de la Junte, il est responsable de l'ordre public, et c'est à ce titre qu'il a été par la suite impliqué dans l'affaire du massacre de Paracuellos del Jarama.  Après la stabilisation de la ligne de front, Santiago Carrillo dirige, de à la fin de la guerre, l'organisation de la jeunesse communiste ("Juventud Socialista Unificada", JSU) dont membres vont intégrer les rangs de l'Armée populaire espagnole. La même année, il accède au Bureau politique du PCE.  Il exige comme condition "sine qua non" pour être dirigeant de la JSU de ne pas appartenir à la Maçonnerie.

Le massacre de Paracuellos del Jarama (novembre 1936).

Santiago Carrillo est considéré comme le principal organisateur des massacres de Paracuellos qui voient l'assassinat de plusieurs centaines de prisonniers politiques, de catholiques et de sympathisants nationalistes par des membres du camp républicain, durant les premières semaines de la bataille de Madrid (novembre-), lors de la guerre d'Espagne.  Au début de la bataille de Madrid, après le départ du gouvernement pour Valence (début ), des convois de prisonniers politiques sont constitués dans les prisons madrilènes et amenés dans les communes de Paracuellos del Jarama et de Torrejón de Ardoz, situées à l'est de Madrid ; les prisonniers sont exécutés et enterrés dans des fosses communes.  Après la Seconde Guerre mondiale, le régime franquiste rend ces faits publics et en attribue la responsabilité directe à Santiago Carrillo, à une époque où celui-ci joue un rôle de plus en plus important dans le PCE en exil. Santiago Carrillo récuse l'accusation et a maintenu cette position jusqu'à sa mort.  Dans les années 1990 et 2000, la controverse est reprise par les journalistes et écrivains Pío Moa et César Vidal. Ceux-ci défendent la thèse de la responsabilité de Santiago Carrillo (ainsi que celle de Margarita Nelken) dans le massacre en se fondant sur des rapports d'informateurs du Komintern citant le nom de Carillo comme celui du principal ordonnateur. Certaines conclusions de l'ouvrage de César Vidal ont néanmoins été critiquées par l'hispaniste irlandais Ian Gibson. Ces travaux ont été avalisés par l'historien Stanley Payne.

L’exil.

Au moment de la capitulation des républicains, Santiago Carrillo part vers le camp d’Albartera pour tenter de partir vers la France. À l’insu des "vigilantes", Carrillo réussit à sauver sa compagne et sa fille, qui va pourtant mourir à cause des maladies contractées lors de son confinement.  En 1944, Dolores Ibárruri ("La Pasionaria") étant secrétaire générale du PCE en exil, Carrillo prend en charge la réorganisation du PCE en Espagne. Sa première décision est d’arrêter l'invasion du val d'Aran en Catalogne, qu’il juge inutile ; puis il dirige les maquis jusqu'à leur dissolution en 1952. La politique des guérillas antifranquistes est alors remplacée par celle de l'infiltration dans les syndicats verticaux organisés par le régime.  En 1954, un an après la mort de Staline, lors du V congrès du PCE, tenu en Tchécoslovaquie, Santiago Carrillo demande l’ouverture démocratique du parti ; puis il publie un article demandant la dans le journal "Nuestra Bandera" (« Notre Drapeau »). Lors du VI congrès du PCE, il est nommé secrétaire général, remplaçant Dolores Ibárruri, démissionnaire, qui est portée à la présidence du parti.  C’est l'époque où, du fait de l’influence croissante de Carrillo au sein du PCE en exil, la propagande franquiste le présente comme un des responsables du massacre de Paracuellos, sans apporter aucune preuve documentaire. Carillo a toujours réfuté ces accusations.  À partir de 1968, tirant les conséquences de ses critiques contre l’invasion de la Tchécoslovaquie, il prend de la distance avec la ligne politique de l’URSS et se rapproche des positions soutenues par les leaders communistes d'Europe occidentale, l'Italien Enrico Berlinguer et le Français Georges Marchais. Ce courant est désigné sous le nom d'eurocommunisme.

La transition démocratique espagnole.

Le PCE est légalisé le (un vendredi saint) par le gouvernement d'Adolfo Suarez. Le suivant, Santiago Carrillo est, en même temps que Dolores Ibárruri, « "La Pasionaria" », et le poète Rafael Alberti, parmi les premiers députés communistes élus aux Cortes (dans la circonscription de Madrid). Il désigne Jordi Solé Tura comme représentant du PCE à la table des rédacteurs de la nouvelle Constitution espagnole de 1978 (ratifiée par référendum le ).  Carrillo a contribué à la réussite du processus de démocratisation en acceptant le régime de la monarchie parlementaire, incarné par le roi Juan Carlos I, qui avait pourtant été désigné par Franco, et en multipliant les actes publics de réconciliation avec des gens qui avaient été ses ennemis pendant la guerre civile et sous le franquisme.  Lors de la tentative de coup d'État du 23 février 1981 aux Cortes, Carrillo, tout en haut des « gradins » de l'amphithéâtre, est l'un des trois seuls « otages », parmi les députés et ministres présents, à ne pas se coucher par terre lors des premiers coups de feu tirés par les putschistes post-franquistes, avec le Premier ministre lui-même, Adolfo Suarez, qui vient en aide au troisième « récalcitrant ».

Le PCE de la démocratie.

La perte d'influence du PCE, dont le nombre de députés ne cesse de décroître aux élections suivantes, en 1979 et 1982, et la montée de l'influence des rénovateurs décident Carrillo à présenter sa démission () ; la direction du PCE passe à Gerardo Iglesias.  Santiago Carrillo va ensuite se heurter à la nouvelle direction qui décide de l'exclure (). Il fonde alors le Parti des travailleurs communistes ("Partido de los Trabajadores de España - Unidad Comunista", PTE-UC) qui échoue aux élections générales de 1986 (aucun député) puis aux premières européennes et qui finit, en , par s'intégrer au sein du Parti socialiste (PSOE), à l'exception de Carrillo qui refuse au nom de son passé communiste et abandonne la vie publique.

Les dernières années.

Santiago Carrillo, retiré de la vie politique, donne des conférences et participe à des débats populaires à la radio ("las tertulias"), témoignant de son expérience comme un des hommes politiques les plus importants du espagnol.  Le , Santiago Carrillo est nommé docteur "honoris causa" par l'université autonome de Madrid en hommage à sa contribution pour réconcilier les deux parties opposées pendant la guerre civile.  Il meurt à Madrid le à l'âge de 97 ans.

Santiago José Carrillo Solares, né le à Gijón (Asturies) et mort le à Madrid, est un homme politique et un écrivain espagnol, dirigeant du Parti communiste d'Espagne (PCE) de 1960 à 1982. Après la mort de Francisco Franco le , il joue un rôle important dans le processus de la transition démocratique espagnole, qui aboutit à la ratification de la Constitution de 1978.

Santiago José Carrillo Solares (18 January 1915 – 18 September 2012) was a Spanish politician who served as General Secretary of the Communist Party of Spain (PCE) from 1960 to 1982. His role in the Paracuellos massacres during the Civil War was particularly controversial. He would later be exiled during the dictatorship of Francisco Franco, becoming a leader of the democratic opposition to the regime. His role as leader of the PCE would later make him a key figure in the transition to democracy. He later embraced Eurocommunism and democratic socialism, and was a member of the Congress of Deputies from 1977 to 1986.


Description.

Les cure-dents sont généralement de bois, mais ils peuvent aussi être en plastique, ou en métal. Les plus vieux cure-dents étaient des brindilles de bois ou étaient faits d'os. Le cure-dent est taillé soit en pointe, soit en biseau. Ils mesurent en moyenne 5 ou 6 centimètres.  Les marocains utilisent les tiges de la plante ammi visnaga pour se curer les dents.

Historique.

Le cure-dent existe déjà depuis la Préhistoire, car des marques de cure-dents ont été découvertes dans les dents des crânes d’homme du Néolithique. Des cure-dents faits en bronze ont été trouvés dans des tombes préhistoriques au nord de l’Italie et à l’est des Alpes. Cet objet était aussi connu en Mésopotamie.  Agathocle de Syracuse aurait été tué en 289 par un cure-dent enduit de poison qui lui a été donné par un de ses esclaves.  On a également trouvé des cure-dents en argent datant de l’Antiquité, et des cure-dents romains en bois de lentisque.  Le mot est cité pour la première fois dans l’Inventaire du duc de Berry en 1416, et le cure-dent moderne le plus ancien qui nous soit parvenu est un cure-dent en or du , d’origine italienne, conservé au de New York.  Aux États-Unis, il semble que l’un des plus vieux restaurants du pays, l' à Boston ait été en 1862 le premier à offrir des cure-dents à ses clients. Le propriétaire, Charles Forster, avait importé des cure-dents de l’Amérique du Sud et souhaitait promouvoir cet objet. En conséquence, il a payé des étudiants de l’université Harvard pour qu’ils mangent au restaurant et réclament des cure-dents.  Le premier appareil à fabriquer de façon industrielle des cure-dents a été breveté le par Silas Noble et , résidents du Massachusetts.

Constructions en cure-dents.

L’État du Maine affirme être la capitale mondiale du cure-dent, puisqu’il produit 90 % des cure-dents du pays. C'est d'ailleurs cet État qui accueille chaque année le festival international de l'odontoscalpophilie, l'art de construire des répliques de monuments à l'aide de cure-dents apparu à la fin des années 1970.  L'un de ses plus grands contributeurs est l'américain Scott Weaver avec la représentation monumentale en cure-dents de lieux de San Francisco qui lui a pris 3000 heures de travail et plus de cent mille cure-dents.  Un autre Américain, Jerry Mango Woodysticks est notamment connu pour sa représentation du Taj Mahal de plus de 3 mètres de haut. Pour ce monument dentoscalpophile, plus de 20000 cure-dents et 4 litres de colle ont été nécessaires.

Dans les arts.

La première représentation d'un cure-dent dans l'histoire de l'art figure dans le tableau "Les Noces de Cana" (1563) de Véronèse, où le personnage de Vittoria Colonna, installée entre Charles Quint et Soliman le Magnifique, utilise un cure-dent en or. Plusieurs personnages masculins dans le cinéma ont un cure-dent à la bouche, soit dans une optique purement pratique (Anthony Quinn dans "La strada" de Federico Fellini en 1954) soit pour un effet de style (Harvey Keitel dans "Reservoir Dogs" en 1992 ou Ryan Gosling dans "Drive" en 2011).

Un cure-dents est un bâtonnet piquant, aigu, qu'il est possible d'introduire entre les dents, et ainsi retirer les résidus, les particules alimentaires demeurées prises entre celles-ci.  Les cure-dents sont aussi utilisés pour piquer des hors-d'œuvre et permettre de les saisir facilement (cubes de fromage, olives, petites saucisses, petits bouts de viande etc.).

A toothpick is a small thin stick of wood, plastic, bamboo, metal, bone or other substance with at least one and sometimes two pointed ends to insert between teeth to remove detritus, usually after a meal. Toothpicks are also used for festive occasions to hold or spear small appetizers (like cheese cubes or olives) or as a cocktail stick, and can be decorated with plastic frills or small paper umbrellas or flags.


Histoire.

La naissance du football professionnel colombien est directement liée à la création de la División Mayor del Fútbol Profesional Colombiano (Dimayor), qui a été fondée le à Barranquilla, précisément dans le but d'organiser un tournoi de football professionnel dans le pays. Lors de cet évènement, la date du 15 août de cette même année est retenue comme date d'ouverture du championnat. Le match d'ouverture de la première saison oppose l'Atlético Municipal et l'Université nationale de Colombie et se solde par un score de 2 à 0. Le premier but du championnat est marqué au cours de la quinzième minute de ce match par Rafael Serna. Le premier club couronné champion au terme de cette première saison est l'Independiente Santa Fe basé à Bogota.  Au cours du championnat 1949, en raison d'une grève dans le football argentin, débute une époque connu sous le nom d'El Dorado, au cours de laquelle sont recrutés de nombreuses vedettes de cette nation comme Alfredo Di Stéfano ou Adolfo Pedernera, qui signent tous deux pour le Millonarios de Bogota. Les autres clubs colombiens engagent également des joueurs célèbres venant de l'étranger, notamment beaucoup de péruviens. Valeriano López devient ainsi la vedette du Deportivo Cali où il est associé à d'autres joueurs péruviens, l'Independiente Medellín forme une équipe comprenant 12 péruviens dans son effectif, avec notamment Roberto Drago et Segundo Castillo Varela. La saison se termine par la victoire du Millonarios dans la course au titre de champion.  En 1950, le Sport Caldas (devenu Once Caldas aujourd'hui) crée la surprise en remportant le championnat, pour la première fois de son histoire, reléguant Millonarios à la deuxième place. Cependant Millonarios reste le principal bénéficiaire de la période d"' en remportant trois titres consécutifs en 1951, 1952 et 1953.  Le championnat de 1954 voit le premier sacre de l'Atlético Nacional, au sein d'une compétition marquée par la crise économique et qui scelle la période dite d'El Dorado, forçant plusieurs équipes à se retirer de la compétition. La saison 1955 voit le couronnement d'un nouveau champion, le club de l'Independiente Medellín, l'Atlético Nacional terminant vice-champion. L'année 1956 est celle où le Deportes Quindío gagne le championnat pour la première et jusqu'alors seule fois de son histoire après une lutte pour le titre avec Millonarios et le Boca Juniors de Cali.  Le tournoi organisé en 1957 constitue le championnat le plus long et le plus confus de l'histoire du football colombien; en premier lieu se joue une phase de championnat par aller-retour, le vainqueur de ce championnat est qualifié pour la finale nationale. À la suite de cette première phase un championnat réduit aux 8 meilleures équipes de la première phase est organisé mais est annulé avant terme. Cette phase est alors remplacée par deux tournois distincts comprenant chacun 6 des 12 équipes initiales. La poule A de cette deuxième phase comprenant 3 équipes avec le même nombre de points, un championnat de barrages est organisé entre ces équipes pour déterminer le vainqueur de la poule. Les deux vainqueurs de poules de deuxième phase, le Deportes Tolima et le Cúcuta Deportivo se rencontrent en une finale de phase qui détermine qui va jouer la finale nationale face à l'Independiente Medellín, déjà qualifié comme vainqueur de la première phase. Le Cucuta Deportivo s'impose dans la finale de phase mais doit, à la suite des deux matchs de la finale nationale, s'avouer vaincu par l'Independiente Medellín qui remporte son second titre.  1958 voit la victoire de l'Independiente Santa Fe qui remporte son second titre 10 après celui de 1948. Avant la dernière journée, Santa Fe et Millonarios sont à égalité avec 46 points, au cours de la dernière journée, Millonarios fait 2-2 en déplacement à Cúcuta tandis que Santa Fe remporte 2-0 la rencontre qui l'oppose à l'Atlético Manizales. En outre le Boca Juniors de Cali absent de la saison pour raison économique annonce son retrait définitif.  La saison 1959 est remportée par le Millonarios qui gagne là son cinquième titre de champion. Avec la décision de la création de la Copa Libertadores par la Confédération sud-américaine de football le club est qualifié pour la première édition de l'épreuve disputée en 1960 et devient le premier club colombien à prendre part à une compétition internationale officielle. Le club atteindra d'ailleurs les demi-finales de l'épreuve.

Palmarès et statistiques.

Palmarès.

Depuis le premier championnat de Colombie professionnel en 1948, 14 clubs parviennent à remporter le championnat. Les plus titrés sont l'Atlético Nacional, le Millonarios et l'América de Cali. L'année 1989 voit le palmarès rester vierge car le championnat est arrêté à la suite du meurtre d'un juge de touche, Álvaro Ortega le à Medellín.  Le tableau suivant liste les clubs vainqueurs du championnat de Colombie et pour chaque club, le nombre de titre(s) remporté(s) et les années correspondantes par ordre chronologique.

Statistiques et records.

Depuis la descente de l'América Cali à la suite de la saison 2011, les clubs ayant disputés le plus grand nombre de saison en première division depuis la création du championnat sont , l' et l' avec soixante-quatorze saisons au plus haut niveau depuis 1948. Ces trois clubs sont en effet présents depuis la première saison, sans discontinuer, dans la première division du championnat.

Organisation.

Format.

Le championnat actuel se déroule en deux phases. La première phase (') a lieu du mois de février au mois de juin, la seconde phase (') d'août à décembre. Le championnat se déroule comme suit : les 18 équipes jouent entre elles en aller simple, ce qui fait 17 journées. Un est intercalé au niveau de la neuvième journée, ce match est appelé '. Ainsi, une équipe rencontre deux fois un club (en ' et en championnat "régulier") et une seule fois les seize autres. À l'issue des dix-huit matchs, un classement est établi. En cas d'égalité de points, c'est l'équipe ayant la meilleure différence de buts qui est la mieux classée.  La compétition se poursuit avec les huit clubs les mieux classés du championnat "régulier". Les huit équipes sont réparties dans deux groupes. Le premier comprend les clubs ayant fini le championnat en première, troisième, cinquième et septième positions, le second comprend les clubs ayant fini le championnat en deuxième, quatrième, sixième et huitième positions. Chaque équipe rencontre les trois autres en matchs aller-retour. L'équipe ayant le plus grand nombre de points est alors qualifiée pour la finale. En cas d'égalité de points, c'est l'équipe qui a le plus grand nombre de points lors de la phase régulière qui est la mieux classée, si cette règle ne permet toujours pas de séparer deux équipes, c'est l'équipe ayant la meilleure différence de buts dans leurs confrontations directes lors de la seconde phase qui sera la mieux classée.  La finale se joue en matchs aller-retour, en cas d'égalité à l'issue des deux matches, il sera effectué une séance de tirs au but, conformément aux règles de l'International Board, sans procéder auparavant à une prolongation et sans appliquer la règle dite des buts à l'extérieur.  Les équipes championnes des deux compétitions, en juin et en décembre, gagnent leur place pour la Copa Libertadores de l'année suivante.  Une " est établie à l'issue de chaque année ; il s'agit d'un classement additionnant les points gagnés au cours de l'année entière, y compris les points remportés en phase quadrangulaire et en finale (donc les clubs y ayant pris part sont avantagés). Les deux clubs les mieux classés et n'ayant pas remporté une des deux compétitions sont qualifiés pour la Copa Sudamericana de l'année suivante.  Concernant la rétrogradation en division inférieure, un classement est établi sur les résultats des trois dernières années (donc des six dernières compétitions). Le club ayant le plus faible nombre de points est rétrogradé, l'avant-dernier joue un barrage en aller-retour contre le second de deuxième division.  Un club promu prend alors le nombre de points des deux saisons précédentes du dernier non-rétrogradé, afin d'établir un nouveau classement l'année suivante.

Le Championnat de Colombie est une compétition sportive située au sommet de la hiérarchie du football en Colombie opposant les vingt meilleures équipes de Colombie. Il est lancé en 1948 par la "División Mayor del Fútbol Profesional Colombiano" (Dimayor), une organisation complémentaire à la Fédération colombienne de football.  Depuis la première saison en 1948 le tournoi a donné (en incluant la saison 1989, suspendue avant son terme) lieu à la remise de 88 titres de champions en raison de l'organisation actuelle des tournois semestriels. La première compétition est remporté par Santa Fe.  Selon le classement 2017 de l'IFFHS, le championnat colombien constitue le championnat du monde et le en Amérique derrière le Championnat du Brésil. Historiquement, toujours selon l'IFFFHS il se situe au des championnats d'Amérique du Sud derrière les championnats brésilien et argentin.

The Categoría Primera A (), commonly referred to as Liga BetPlay Dimayor (between 2015 and 2019 "Liga Águila") due to sponsorship by online betting company BetPlay, is a Colombian professional league for association football clubs. It is the country's premier football tournament and sits at the top of the Colombian football league system.  A total of twenty clubs compete in the league's regular season. "División Mayor del Fútbol Profesional Colombiano", better known as DIMAYOR, operates the league system of promotion and relegation for both Categoría Primera A and Categoría Primera B leagues. Since its founding in 1948, fourteen teams have been crowned as Colombian football champions. The most successful club is Atlético Nacional with 16 titles.


Biographie.

Senfl est probablement né à Bâle aux environs de 1486. Après avoir vécu à Zurich de 1488 à 1496, il rejoint le chœur de la chapelle royale ("Hofkapelle") de l'empereur Maximilien du Saint-Empire à Augsbourg. En dehors d'une brève visite en 1504, il ne semble pas être retourné vivre en Suisse.  En 1497, il suit la chapelle à Vienne où, entre les années 1500 et 1504, il étudie probablement pendant trois ans, pratique courante pour les choristes ayant mué, dans le cadre de la formation classique du clergé. Pendant cette période, il étudie avec Heinrich Isaac, à qui il sert de copiste à partir de 1509. Il est connu pour avoir copié l'essentiel des "Choralis constantinus", un travail monumental qu'il n'a fini qu'après la mort d'Isaac.  Après un voyage en Italie entre 1508 et 1510, Senfl retourne à la Hofkapelle. À la mort d'Isaac en 1517, l'empereur propose à Senfl de le remplacer en tant que compositeur de la cour. En 1518, Senfl perd un orteil dans un accident de chasse. Cette blessure semble l'avoir empêché de composer pendant une année.  Quand l'empereur meurt en 1519, Senfl se retrouve au chômage, et dans une assez mauvaise posture : Charles Quint renvoie la plupart des musiciens de Maximilien, et refuse même de payer à Senfl le salaire annuel qui lui avait été promis en cas de décès de l'empereur.  Pendant les quelques années suivantes, il voyage longuement à la recherche d'un poste, tout en restant actif en tant que compositeur.  Il participe à la diète de Worms en 1521, et, bien qu'il ne soit jamais devenu officiellement protestant, il partage les idées de Martin Luther, ce qui lui vaut d'être examiné par l'Inquisition.  À partir de 1530, il entretient une correspondance abondante avec le duc Albrecht de Prusse ainsi qu'avec Martin Luther. Il obtient enfin un poste à Munich, une ville qui avait besoin de nouvelle musique, et qui était relativement tolérante envers les protestants. Il y demeure jusqu'à la fin de ses jours. En 1540, il tombe malade, à en juger par sa correspondance avec le duc Albrecht, et il est probablement mort au début de l'année 1543.

Musique et influence.

Senfl était un compositeur éclectique, autant à l'aise dans la musique sacrée que profane. Il a bâti son style sur les modèles fournis par les compositeurs franco-flamands de la génération précédente, dont Josquin Desprez. C'était un mélodiste talentueux, et ses lignes mélodiques sont . Sa musique est restée populaire et influente en Allemagne durant le .  Sa musique sacrée inclut des messes, des motets, des vêpres et un Magnificat. Il compose à l'aide d'outils archaïques, telle la technique du "cantus firmus", qui était plus en vogue au ; il emploie même l'isorythmie. Il a néanmoins un goût typiquement germanique pour les passages mélodiques chantants en parallèle avec des intervalles imparfaits (tierces et sixtes).  Senfl a aussi écrit de nombreux lieder allemands, la plupart étant profanes (quelques textes sacrés furent écrits pour le duc Albrecht de Prusse). Ils sont de caractère très différent, depuis de simples "cantus firmus" jusqu'à des tours de forces contrapuntiques aussi élaborés que des canons et des « quotlibets ».

Ludwig Senfl, né en 1486, mort entre le et le , est un compositeur suisse de la Renaissance, actif en Allemagne. Il fut l'élève le plus célèbre de Heinrich Isaac et eut une influence considérable sur l'essor de la musique polyphonique en Allemagne.

Ludwig Senfl (born around 1486, died between December 2, 1542 and August 10, 1543) was a Swiss composer of the Renaissance, active in Germany. He was the most famous pupil of Heinrich Isaac, was music director to the court of Maximilian I, Holy Roman Emperor, and was an influential figure in the development of the Franco-Flemish polyphonic style in Germany.


Description.

Ce sont des organismes simples, constitués d'un faible nombre de cellules.  Plus de ont été décrites dont beaucoup infectent au cours de leur vie deux hôtes : un poisson et un annélide ou un bryozoaire.  Ils n'ont plus de gènes de développement et se reproduisent par spores. En général, la taille des spores de "Myxosporea" est comprise entre alors qu'elle atteint pour les "Malacosporea".  L'infection intervient au moyen de spores qui présentent généralement une à deux valves (parfois jusqu'à 6) pouvant être dotées de longues protubérances. Ces spores contiennent une ou deux cellules sporoblastes et au moins une capsule polaire qui contient les filaments avec lesquels la spore s'ancre sur l'hôte.

Position phylogénétique.

La position phylogénétique présumée des myxozoaires a considérablement changé : longtemps considérés comme un phylum des protozoaires, les études portant sur l'ARN 18S ont confirmé leur appartenance aux métazoaires. Le débat a ensuite porté sur leur position parmi les Cnidaires ou les Bilatériens.  La découverte que "Buddenbrockia plumatellae", un parasite vermiforme pouvant atteindre de long, était un myxozoaire pouvait accréditer l'hypothèse d'une origine bilatérienne des myxozoaires. En effet leur allure de ver leur donne une apparence superficielle de bilatérien. Toutefois, un examen plus attentif révèle que "Buddenbrockia" ne présente pas une symétrie bilatérale mais d'ordre 4.  Des recherches approfondies ont montré que les gènes HOX (typique des bilatériens) "Myx1" à "Myx3" trouvés chez les myxozoaires avaient pour origine le bryozoaire "Cristatella mucedo" et que le quatrième ("Myx4") provenait du Grand brochet ("Esox lucius"). Ceci expliquait la méprise ; en analysant des tissus de myxozoaires contaminés par ceux de leurs hôtes bilatériens, on trouvait les myxozoaires artificiellement proches des bilatériens. Des clonages plus soigneux des 50 gènes codants du "Buddenbrockia" ont fait apparaître qu'ils appartenaient à un clade sévèrement modifié de cnidaires, proche des médusozoaires. Les similarités entre les capsules polaires des myxozoaires et les nematocystes des cnidaires avaient été remarquées il y a longtemps, mais on s'était persuadé qu'il ne fallait y voir qu'un phénomène d'évolution convergente.  Le positionnement exact des myxozoaires parmi les cnidaires reste à préciser. On a envisagé de les regrouper avec le genre "Polypodium" dans le clade putatif "Endocnidozoa" des cnidaires parasites. Des études récentes situent "Buddenbrockia" comme groupe frère d'un clade d'Hydrozoaires et de "Scyphozoaires" et "Polypodium" comme groupe frère des "Hydrozoaires" mais des études spécifiques restent à mener pour préciser leur position.  Enfin, une étude de 2015 comparant les génomes et les transcriptomes de deux myxozoaires ("Kudoa iwatai" et "Myxobolus cerebralis") avec ceux d'un cnidaire parasite ("Polypodium hydriforme"), confirme l'appartenance des Myxozoaires à ce taxon.  Plus récemment, une étude de 2018 (A genome wide survey reveals multiple nematocyst-specific genes in Myxozoa Erez Shpirer1, Arik Diamant2, Paulyn Cartwright3* and Dorothée Huchon1,4) Met en évidence des protéines propres au nématocystes présente chez les myxozoaires. Permettant de justifier l'appartenance des myxozoaires au phylome des "cnidaires".

Écologie.

Toutes les espèces de Myxozoaires sont parasites d'annélides ou de vertébrés poïkilothermes. Ils sont cosmopolites. L'infection intervient au moyen de spores valvées, ingérées par l'hôte. Celles-ci contiennent une ou deux cellules sporoblastes et au moins une capsule polaire qui émet des filaments polaires après ingestion, ralentissant ainsi la progression dans le tube digestif et permettant l'ancrage de la spore sur l'hôte.  Après germination de la spore, les sporoblastes sont libérés sous une forme motile (amiboïde), appelée "amoebula", qui traverse la paroi intestinale et migre jusqu'au tissu cible où elle se développe en un ou plusieurs "plasmodia" multinucléaire. Certains noyaux s'appairent, l'un absorbant l'autre, pour former de nouvelles spores.  Certains myxozoaires, parasites de vertébrés, présentent un cycle de vie complexe faisant intervenir l'infection d'un protostomien.

Classification.

Le groupe aujourd'hui désuet des "Actinosporea" représente un stage de développement, mais leur attribution aux espèces de "Myxosporea" est problématique.

Les Myxozoa (du grec "muxa" « limon, mucus » & "zóon" « animal ») sont un groupe de cnidaires ayant un mode de vie parasite. Ils ont longtemps été considérés comme des « protozoaires » du fait de leur forme unicellulaire. Ils se caractérisent toutefois par des spores pluricellulaires et leur phylogénie montre qu'il s'agit bien de cnidaires et donc de métazoaires.

Myxozoa (etymology: Greek: μύξα "myxa" "slime" or "mucus" + thematic vowel o + ζῷον "zoon" "animal") is an unranked subphylum of aquatic, obligately parasitic cnidarian animals and contains the smallest animals ever known to have lived. Over 2180 species have been described and some estimates have suggested at least 30,000 undiscovered species. Many have a two-host lifecycle, involving a fish and an annelid worm or a bryozoan. The average size of a myxosporean spore usually ranges from 10 μm to 20 μm, whereas that of a malacosporean (a subclade of the Myxozoa) spore can be up to 2 mm. Myxozoans can live in both freshwater and marine habitats.  While the evolutionary history of myxozoans is still an active area of research, it is now understood that myxozoans are highly derived cnidarians that have undergone dramatic evolution from a free swimming, self-sufficient jellyfish-like creature into their current form of obligate parasites composed of a mere handful of cells. As myxozoans evolved into microscopic parasites, they lost many genes responsible for multicellular development, coordination, cell-cell communication, and even, in some cases, aerobic respiration. The genomes of some myxozoans are now among the smallest genomes of any known animal species.


Biographie.

Francesca Caccini est la fille de Giulio Caccini et de Lucia di Filippo Gagnolandi, chanteuse. À sa naissance, son père est au service des Médicis, ce qui implique la prise en charge de ses proches par ces derniers. Très jeune, Francesca Caccini est initiée à la musique par son père. Il lui apprend le chant, le clavecin, le luth, la théorie musicale et la composition. Elle étudie auprès d'un précepteur des domaines aussi variés que le latin, la rhétorique, la poésie, la géométrie, l'astrologie ou la philosophie. Elle grandit dans une maison fréquentée par les élèves de son père, mais aussi des poètes, des peintres, des musiciens et des mélomanes. La grande chance de Francesca Caccini est d’être née dans une période radicale de transition musicale et d’avoir été informée directement des tendances musicales italiennes du moment.  Sa première participation connue à un spectacle est un ensemble de deux représentations musicales composées par Giulio Caccini pour le mariage de Marie de Médicis avec Henri IV, en .  À l'âge de vingt ans, Francesca Caccini est engagée comme musicienne sous l'autorité du Grand-duché de Toscane. En 1605, les Caccini se rendent à Paris à la demande de Henri IV et Marie de Médicis : Francesca Caccini y fera une grande impression, notamment en interprétant des chansons françaises. Elle épouse Giovanni Battista Signorini en , avec qui elle aura une fille, Margherita Signorini (1622-1690).  Elle est alors au service de Catherine de Lorraine (petite-fille de Henri II et de Catherine de Médicis), pour laquelle elle produit de courts spectacles.  En 1618, elle publie son recueil .  Le , Giovanni Battista Signorini meurt, un nouveau mariage est alors organisé et se conclut un an après, le . Francesca Caccini épouse Tommaso Raffaelli, avec qui elle aura un garçon, lui-même prénommé Tommaso. Son second mari meurt le .

Œuvres.

Ses œuvres pour une ou deux voix avec basse continue paraissent dans un recueil : (le Premier livre des musiques à une et deux voix), dédié au "cardinale de Medici". Elles sont regroupées dans la table des matières en deux catégories, dix-neuf (sacrées) et dix-sept (profanes).  La seule partition d'opéra qui nous soit parvenue, "La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina", relève de l'esthétique des premiers spectacles de la cour de Florence. L'écriture vocale est d'une absolue beauté, la soprano virtuose. En plus des opéras et opéras-ballets, elle a composé des pièces pour le théâtre.

Francesca Caccini (née le à Florence – morte après 1641) est une compositrice italienne du début du , fille du chanteur et compositeur Giulio Caccini. Cantatrice, claveciniste, luthiste, guitariste, elle fut probablement la première femme ayant composé des opéras.

Francesca Caccini (; 18 September 1587 – after 1641) was an Italian composer, singer, lutenist, poet, and music teacher of the early Baroque era. She was also known by the nickname "La Cecchina" , given to her by the Florentines and probably a diminutive of "Francesca". She was the daughter of Giulio Caccini. Her only surviving stage work, "La liberazione di Ruggiero", is widely considered the oldest opera by a woman composer.


Historique.

Le prix a été créé à Rome en 1947 par le couple Maria et Goffredo Bellonci et Guido Alberti, un industriel, propriétaire du fabricant de la Liquore Strega — un amer italien fabriqué depuis 1860 par l'entreprise Strega Alberti à Bénévent en Campanie — qui donne son nom au prix. "Strega" — mot qui signifie littéralement "sorcière" — est lié aux histoires sur la sorcellerie à Bénévent qui remontent à l'époque de l'antiquité classique.  "Les Amis du dimanche" (surnom du jury) se réunissaient chez les Bellonci pour attribuer le prix. Le premier prix fut attribué le (avec quatorze œuvres admises à concourir) à Ennio Flaiano, pour ".  Dans l’immédiat après-guerre, le prix devient une force motrice pour le monde de la culture italienne, épuisé par plus de vingt ans de dictature fasciste et le récent conflit mondial.  Il est depuis 1986 organisé par la fondation Bellonci. Soixante-dix ans après la création du prix, on compte onze femmes qui l'ont remporté : la première fut, en 1957, Elsa Morante, suivie par la suite de Natalia Ginzburg, Anna Maria Ortese, Lalla Romano, Fausta Cialente, Maria Bellonci, Maria Teresa Di Lascia, Dacia Maraini, Margaret Mazzantini, Melania Mazzucco et en 2018 Helena Janeczek.  Seul l'écrivain Paolo Volponi a remporté le prix Strega plus d'une fois, deux pour être exact : en 1965, avec ", publié par Garzanti et en 1991, avec "La strada per Roma", publié par Einaudi.

Liste des lauréats du prix Strega européen.

Créé en 2014, alors que l'Italie occupait la présidence du Conseil de l'Europe, le prix Strega européen ("Premio Strega Europeo") récompense des livres d'écrivains européens, traduits en italien. Il est doté d’un montant de € pour l’auteur et € pour son traducteur ou sa traductrice.

Le prix Strega ("Premio Strega") est un prix littéraire italien fondé en 1947. Il est attribué annuellement à un livre paru en Italie entre le avril de l'année précédente et le de l'année en cours et est l'un des plus prestigieux d'Italie et est souvent considéré comme l'équivalent du prix Goncourt en France.

The Strega Prize ( ) is the most prestigious Italian literary award. It has been awarded annually since 1947 for the best work of prose fiction written in the Italian language by an author of any nationality and first published between 1 May of the previous year and 30 April.


Biographie.

Très farouche et plutôt introverti, Chaïm Soutine n’a tenu aucun journal, a laissé peu de lettres et s'est peu confié, même à ses proches. Le peu que ses biographes savent de lui provient des témoignages, parfois divergents, de ceux qui l’ont rencontré ou côtoyé et des femmes qui ont partagé sa vie. Il est d'autant plus malaisé à saisir que, , toujours à l'écart des autres et des écoles, il n'a cessé durant toute sa vie de déménager, de vivre en vagabond sans jamais s'installer durablement nulle part.  Il est en outre avéré que Soutine a contribué à brouiller les pistes, concernant sa jeunesse notamment : peut-être par besoin de refouler un passé douloureux, peut-être aussi pour se forger déjà de son vivant toute l'aura d'un peintre maudit. Sans nier qu'il ait pu cultiver « cette légende noire » d'une vocation contrariée puis d'un destin tragique, Marie-Paule Vial relativise toutefois l'étiquette d'artiste maudit : enfance misérable, exil, débuts difficiles, incompréhension de la critique ou du public, ne sont pas propres à Soutine, pas plus que ne se reflètent dans son œuvre ses souffrances d'homme malade puis pourchassé en tant que Juif.

Naissance d'une vocation (1893-1912).

Entre Smilovitchi et Minsk.

Chaïm Soutine naît en 1893 ou 1894 dans une famille lituanienne juive orthodoxe de Smilavitchy, un "shtetl" de quatre cents habitants situé à une vingtaine de kilomètres au sud-est de Minsk. Cette région à l'ouest de l'Empire, aux confins de la Biélorussie et de la Lituanie, fait alors partie du , l'immense Zone de Résidence où le pouvoir impérial contraint les Juifs à une vie quasi-autarcique.  Pour certains, Soutine était le fils de commerçants assez fiers de ses talents. Il semble plutôt que le père, Salomon, était raccommodeur chez un tailleur, et gagnait à peine deux roubles par semaine. Sarah, la mère, a eu onze enfants : Chaïm (« vies » en hébreu) serait le dixième de cette fratrie. La famille vit dans une grande pauvreté, comme presque toutes celles du "shtetl", ce qui génère des violences s'ajoutant à l'angoisse des pogroms : la sauvagerie de Soutine adulte, ainsi que sa peur viscérale de l'autorité, s'enracinent très sûrement dans des traumatismes enfantins.  La famille observe les principes religieux de la Torah et le jeune garçon fréquente l'école talmudique. Mais, aussi obstiné que taciturne, il préfère de très

Vilnius, première rupture.

Vilnius est surnommée à l'époque la Jérusalem de Lituanie : centre important du judaïsme et de la culture yiddish, elle jouit dans l'Empire d'un statut particulier, plus tolérant, qui autorise les Juifs à vivre et étudier en se mêlant aux goyim. L'effervescence intellectuelle qui y règne va permettre à Soutine de rompre à la fois et . Ses ambitions d'artiste se confirment, bien qu'il ait été recalé une première fois au concours d'entrée de l'École des beaux-arts .  Admis en 1910, il va vite, témoigne Michel Kikoïne, se révéler , remarqué notamment par Ivan Rybakov, qui y enseigne auprès d'Ivan Troutnev. Mais une se dégage déjà de ses sujets d'esquisse, exécutés d'après nature : scènes de misère, d'abandon, enterrements… Racontant avoir maintes fois posé pour son ami étendu sur le sol, recouvert d'un drap blanc et entouré de bougies,

Les années Montparnasse (1912-1922).

Depuis 1900, le quartier de Montparnasse, mis à la mode par Apollinaire, a supplanté Montmartre comme épicentre d'une vie intellectuelle et artistique intense. Celle-ci est le fruit d'une rencontre sans équivalent d'écrivains, de peintres, de sculpteurs, de comédiens, souvent sans le sou, qui échangent et créent entre cafés et cités d'artistes, alcool et travail, liberté et précarité. C'est là que pendant une dizaine d'années, Soutine va développer et affirmer son talent, subsistant par ailleurs .

La Ruche.

La Ruche, dont la rotonde se dresse passage de Dantzig dans le , non loin de Montparnasse, est une sorte de phalanstère cosmopolite où peintres et sculpteurs venus de partout, et pour beaucoup d'Europe orientale, trouvent à louer à bon marché de petits ateliers où ils peuvent loger. Au fil des mois Soutine y croise entre autres Archipenko, Zadkine, Brancusi, Chapiro, Kisling, Epstein, Chagall (qui ne l'aime guère), Chana Orloff (qui le prend en amitié) ou Lipchitz (qui le présente à Modigliani). Tant qu'il n'y a pas son atelier attitré, il dort et travaille chez les uns ou chez les autres, surtout Krémègne et Kikoïne. Il lui arrive aussi de passer la nuit dans une cage d'escalier ou sur un banc.  Dès son arrivée, Soutine se lance avidement à la découverte de la capitale. où, prétend-il aussi, on ignore jusqu'à l'existence du piano, Dès qu'il a trois sous en poche, c'est pour aller de musique aux concerts Colonne

Dix ans de misère.

À la Ruche, où les conditions de vie sont des plus inconfortables, . Or, de tous, Soutine est le plus indigent. Peut-être porteur d'un ténia, il est tout le temps affamé () ou se nourrit mal. En outre, il s'invente des régimes à base de lait et de pommes de terre bouillies pour combattre ses premières douleurs stomacales. : il s'empiffre alors sans manières, comme un rustre, quitte à être malade le lendemain. Rongé par la vermine, il a la réputation d'être sale, et ses vêtements souvent maculés sont usés

Soutine et Modigliani.

L'amitié a été immédiate entre Soutine et Modigliani, son aîné, déjà un peu connu, qui le prend sous son aile et lui apprend les bonnes manières . Modigliani a foi en son talent et lui apporte un soutien indéfectible. Devenus inséparables malgré le caractère difficile de Soutine, ils louent ensemble à partir de 1916 un atelier à la cité Falguière, où ils travaillent côte à côte sans qu'on puisse déceler d'influence de l'un sur l'autre. Les deux amis s'opposent comme le jour et la nuit : l'Italien au charme expansif, fier de ses origines juives, démuni mais élégant et soucieux de sa mise, très sociable et grand séducteur de femmes, qui

Céret, un tournant.

Soutine va vivre plusieurs années dans le Midi, d'abord entre Vence et Cagnes-sur-Mer, puis, délaissant en 1919 la Côte d'Azur pour les Pyrénées-Orientales, à Céret. Il fait néanmoins des allers-retours à Paris, notamment en pour retirer sa carte d'identité, obligatoire pour les étrangers. Surnommé par les habitants « el pintre brut » (« le peintre sale »), il vit toujours misérablement des subsides de Zborowski qui, lors d'une visite dans le Midi, écrit à un ami : . Les gens du cru le prennent en

Le « miracle » Barnes (1923).

Entre et , le riche collectionneur américain Albert Barnes écume les ateliers et galeries de Montparnasse afin de compléter la somme d'œuvres qu'il avait acquises avant guerre pour sa future fondation d'art contemporain dans la banlieue de Philadelphie. Grand amateur d'impressionnistes (Renoir, Cézanne), féru de Matisse, un peu moins de Picasso, il veut connaître mieux le fauvisme, le cubisme, l'art nègre : il se met donc en chasse de nouveaux artistes sous la houlette du marchand Paul Guillaume. Il est difficile de savoir s'il a découvert Soutine seul, en apercevant comme il le raconte un de ses tableaux dans un café, ou s'il a remarqué "Le Petit Pâtissier" chez Guillaume, à qui cette toile appartenait et qui la décrit ainsi : .  Toujours est-il que Barnes, enthousiasmé, se précipite chez Zborowski, tandis que quelques amis cherchent Soutine afin de le rendre présentable. L'Américain aurait acheté sur-le-champ au moins une trentaine d'œuvres, paysages et portraits, pour un total de . Soutine ne lui en semble pas particulièrement reconnaissant : c'est sans

Succès et instabilité (1923-1937).

Entre Paris et Midi.

Renvoyé à Cagnes par Zborowski, Soutine traverse un passage à vide : une lettre adressée à son marchand détaille son état dépressif et improductif, dans ce paysage qu'il dit ne plus supporter. Peu à peu il retrouve l'inspiration, mais rentre dès 1924 à Paris, où, sans quitter le , il change souvent d'atelier (boulevard Edgar Quinet, avenue d'Orléans ou du Parc-de-Montsouris). Il y retrouve la cantatrice Deborah Melnik, pour une liaison qui sera de courte durée malgré un possible mariage religieux : le couple est déjà séparé, et à couteaux tirés,

De la vache enragée au "Bœuf écorché".

De toute cette période datent les nombreuses natures mortes aux coqs, poulets, dindes, faisans, canards, lièvres, lapins, même si aux et comme suppliants avait déjà pu frapper un public d'initiés en , lors d'une exposition collective à la galerie Devambez . Soutine choisit lui-même les bêtes sur les étals, puis les laisse faisander avant de les peindre, indifférent à la puanteur. Entre 1922 et 1924, il s'était lancé, en référence à Chardin, dans des variations sur le lapin ou le lièvre, et surtout la raie. En 1925, c'est à une plus grande série qu'il s'attaque, se confrontant enfin à son maître Rembrandt et à son célèbre "Bœuf écorché".  Il en rêvait peut-être déjà à la Ruche, quand le vent charriait les odeurs et meuglements depuis les abattoirs ; il a tourné autour dès les avec des carcasses

Les années Castaing.

Léopold Zborowski, qui s'était notablement enrichi dans la vente de tableaux, meurt subitement en 1932, ruiné par la crise de 1929, un train de vie dispendieux et des dettes de jeu. Mais Soutine, qui s'était brouillé avec lui, a déjà trouvé les mécènes à qui il réservera désormais l'exclusivité de sa production : Marcellin Castaing, critique d'art réputé, et son épouse Madeleine, brillante décoratrice et antiquaire. En 1923, une rencontre à "La Rotonde", à l'instigation du peintre Pierre Brune, avait tourné court : Soutine n'avait pas supporté que le couple lui avance

Fureurs destructrices.

Paradoxalement, Soutine n'a jamais autant détruit que durant toutes ces années où il avait enfin accédé à la reconnaissance et au succès . D'abord, Soutine achève rarement une toile sans être pris d'un accès de colère, ne parvenant pas à rendre exactement ce qu'il voudrait : il la taillade alors à coups de couteau, et il faut ensuite épingler les morceaux. Pour peu qu'il n'ait pas perçu une complète approbation de son entourage ou d'un acheteur, il est capable de transpercer un tableau à coups de pied. Un jour au Blanc, Paulette Jourdain brave le tabou et regarde par le trou de la serrure : dans sa chambre-atelier, Soutine est en train de découper, déchirer, brûler des toiles. Comme Madeleine Castaing, elle raconte les ruses auxquelles il

Bonheur avec « Garde » (1937-1940).

Jours tranquilles.

En 1937, Soutine emménage, toujours dans le même quartier, au de la villa Seurat, où il a pour voisins Chana Orloff, Jean Lurçat et Henry Miller. Un jour, au "Dôme", des amis lui présentent une jeune femme rousse, Gerda Michaelis Groth, juive allemande ayant fui le nazisme. Séduite par ce qu'elle trouve de chez le peintre, elle demande à visiter son atelier, capharnaüm jonché de mégots où elle s'étonne de ne voir aucun tableau : il prétend ne pouvoir peindre qu'à la lumière du printemps. Gerda l'invite quelques jours après à un thé chez elle, mais Soutine, qui n'a jamais d'heure, n'arrive que sur le soir, et l'emmène à un match de catch, son sport favori. Or là, il est subitement pris de malaise. L'ayant ramené villa Seurat, la jeune femme le dorlote et reste auprès de lui pour le veiller. Au matin il refuse de la laisser partir : "" Gerda Groth devient pour tous Garde.  Besoin de soins, de tendresse, ou amour véritable, c'est la première fois que

La guerre et la séparation.

La quiétude de ce couple de Juifs immigrés est bientôt menacée par le contexte international de la fin des années 1930, dont Soutine, grand lecteur de journaux, mesure la gravité avec lucidité. Comme on lui a recommandé l'air de la campagne, il passe l'été 1939 avec Gerda dans un village de l'Yonne, Civry-sur-Serein. Il y peint des paysages en augmentant sa palette de nouvelles nuances, en particulier de verts et de bleus. Il compte sur l'appui du ministre de l'Intérieur Albert Sarrault, qui lui a acheté plusieurs toiles, pour renouveler son permis de séjour arrivé à échéance, puis

L'errance des dernières années (1940-1943).

Une nouvelle compagne.

Soutine paraissait sincèrement attaché à Gerda mais ne s'est pas risqué à essayer de la tirer de son internement, d'autant qu'à partir de l'été et de l'automne 1940 se succèdent les lois antijuives du régime de Vichy et des autorités allemandes d'occupation. Obtempérant aux injonctions du gouvernement, Chaïm Soutine se fait recenser en octobre 1940 comme réfugié russe, estampillé « Juif » sous le numéro 35702. Dès lors, il est susceptible d'être arrêté à tout moment pour être envoyé dans un des camps installés en zone sud, et il entre dans une semi-clandestinité.  Bien que Soutine ait pris un peu ses distances avec elle, Castaing s'est mis en tête de lui

Refuge en Touraine.

Dès le début de l'année 1941 commence pour Soutine une vie d'errance clandestine. De chez Marie-Berthe, rue Littré, il se réfugie rue des Plantes où elle a des amis, le peintre Marcel Laloë et sa femme. Ceux-ci, craignant une dénonciation de leur concierge, s'occupent quelques mois plus tard de faire fuir le couple, muni de faux papiers, dans un village d'Indre-et-Loire, Champigny-sur-Veude. Chassés de plusieurs auberges où on leur reproche leur malpropreté ou les éclats de

La fin.

L'angoisse de se savoir traqué et ses disputes continuelles avec sa compagne ne manquent pas d'aggraver encore son état de santé : Soutine au début de l'été 1943 n'absorbe plus que du lait, et se traîne le long des chemins appuyé sur une canne, cherchant toujours, malgré tout, des sujets à peindre.  Début août, une crise plus violente que les autres le conduit à l'hôpital de Chinon, où est préconisée une opération d'urgence que lui-même réclame : mais l'interne de service, prenant Marie-Berthe Aurenche pour l'épouse légitime de Soutine, s'incline devant sa volonté d'emmener le malade dans une clinique parisienne réputée du . Inexplicablement, entre la Touraine et la Normandie, afin

La peinture de Soutine.

Le peintre au travail.

Préparation et rapport au sujet.

Technique.

Périodes et évolution.

La carrière de Soutine peut se diviser en périodes selon les sujets qu'il privilégie, et les déformations qu'il leur inflige : avant Céret (natures mortes, portraits torturés), Céret (paysages chaotiques parfois jusqu'à la confusion), le Midi (paysages plus lumineux où tout semble prendre vie), milieu des années 1920 (retour aux natures mortes avec les écorchés), années 1930 et début 1940 (paysages moins bousculés, portraits moins tuméfiés). L'évolution globale tend vers une moindre épaisseur de la matière et un relatif apaisement des formes, sans que soient perdus le mouvement ni l'expression.

Les déformations.

Le traitement qu'impose Soutine à ses sujets continue à interroger, voire à susciter le rejet : visages bosselés, comme meurtris, silhouettes humaines ou animales déjetées, maisons et escaliers qui ondulent, paysages secoués par quelque tempête ou séisme . En 1934, Maurice Sachs parlait ainsi de sa peinture des :  Certains contemporains du peintre, Élie Faure le premier, ont soutenu qu'il souffrait de ces déformations, signes de son écartèlement entre son désordre intérieur et une quête éperdue d'équilibre, de stabilité. Maurice Sachs lui-même supputait ses efforts pour assagir, afin de rejoindre des canons classiques, cette . C'est de fait essentiellement à cause de ces déformations que Soutine a désavoué et

Évolution par genres.

Vers un sens de l'œuvre.

Expression de soi.

Peindre la mort et la vie.

Un peintre « religieux » ?

Au-delà des étiquettes divergentes, les regards portés sur l'œuvre de Soutine se rejoignent dans le constat de son engagement absolu dans son art.  Peintre de la (Waldemar-George) ou du (Courthion) ; peintre du (J.-J. Breton) ou du (D. Klébaner) ; peintre charnel offrant grâce au la plus belle expression du visible (É. Faure) ; qui assigne à la peinture la finalité quasi mystique d'exprimer ; peintre du paradoxe, expressionniste et baroque, qui peint malgré l'interdit, prend modèle sur les grands maîtres mais en toute liberté, cherche un point fixe au sein du mouvement et atteint l'esprit à travers la chair : même les lectures tragiques de l'œuvre, vue comme expression exacerbée d'une angoisse existentielle, suggèrent les singularités par lesquelles elle s'inscrit dans l'histoire de la peinture, et un aspect « religieux » indépendant des sujets.  Soutine ne représente jamais le "shtetl" et peint envers et contre la tradition judaïque ; de même, s'il semble avoir fugitivement songé à se convertir au catholicisme, quand il choisit pour motif par exemple des enfants de chœur, c'est en référence à

Filiations et postérité.

Influences et confluences.

Pris dans les débats de son temps.

Les expressionnistes abstraits.

Un peintre maudit ?

Il est certain que : cela ne fait pas pour autant de lui un peintre maudit.  De nos jours il apparaît, après la redécouverte et la réinterprétation de son travail par les artistes américains de l'après-guerre,

Aperçu des œuvres.

Les auteurs du "Catalogue raisonné" recensaient en 2001, dans les collections publiques et

Dans la culture.

Portraits.

Huiles, dessins et photographies sont reproduits dans les catalogues des

Voir aussi.

Bibliographie.

Articles et ouvrages sont

Chaïm Soutine (en , ; en , ) est un peintre juif russe émigré en France, né en 1893 ou 1894 dans le village de Smilovitchi, à cette époque dans l'Empire russe, et mort à Paris le .  Il semble qu'il ait eu une enfance difficile dans les ghettos de l'ancienne Russie mais sa vie est mal connue avant son arrivée à Paris, probablement en 1912. Souvent décrit comme très timide voire insociable, il traverse plusieurs années de misère parmi la bohème de Montparnasse, la reconnaissance n'arrivant que dans les années 1920, après sa « découverte » par le collectionneur américain Albert Barnes. Soutine a toujours entretenu des relations compliquées avec ses mécènes ainsi qu'avec l'idée même de succès ou de fortune. Quoique très tôt miné par l'ulcère à l'estomac qui devait l'emporter, il a peint énormément, habité par une énergie étonnante. Son exigence l'a conduit en revanche à détruire beaucoup de ses œuvres. Les quelque cinq cents tableaux dont l'authenticité a été établie sont le plus souvent signés mais jamais datés.  Soutine, qui s'est très peu exprimé sur ses conceptions picturales, est l'un des peintres rattachés habituellement, avec Chagall ou Modigliani, à ce qu'il est convenu d'appeler l'École de Paris. Il se tenait cependant à l'écart de tout mouvement et a développé en solitaire sa technique et sa vision du monde. Tout en se référant volontiers aux grands maîtres, à commencer par Rembrandt, et en se cantonnant à trois genres canoniques de la peinture figurative , il a créé une œuvre singulière, difficilement classable. D'une palette vive et contrastée, violente même, qui peut rappeler celle d'Edvard Munch ou d'Emil Nolde, émergent des formes convulsives, des lignes tourmentées jusqu'à la déformation du sujet, suscitant une ambiance dramatique. Mais les toiles de Soutine se signalent plus encore par un travail en épaisseur qui pousse toujours plus loin l'expérience de la peinture en tant que matière, dans le sillage d'un Van Gogh et ouvrant la voie aux expériences artistiques de la seconde moitié du . Les couleurs flamboyantes et l'aspect torturé de ses œuvres les ont souvent fait rapprocher de l'expressionnisme, bien qu'elles soient déliées de leur époque et ne traduisent aucun engagement. Dans les années 1950, les expressionnistes abstraits de l'École de New York reconnaissent en Soutine un précurseur.

Chaïm Soutine (13 January 1893 – 9 August 1943) was a Belarusian painter who made a major contribution to the expressionist movement while living and working in Paris.  Inspired by classic painting in the European tradition, exemplified by the works of Rembrandt, Chardin and Courbet, Soutine developed an individual style more concerned with shape, color, and texture over representation, which served as a bridge between more traditional approaches and the developing form of Abstract Expressionism.


Ethnonymie.

Selon les sources, on peut rencontrer les variantes suivantes de l'ethnonyme : Bamom, Bamoums, Bamoun, Bamum, Bamun, Banun, Mom, Moum, Moums, Mum, Mun, Pa-môm, Shupamam, Shupaman.

Histoire.

Dès 1394, les Bamouns ont construit un royaume qui a connu son apogée au , puis fut rapidement démantelé par la colonisation française. Aujourd'hui, le roi des Bamouns – d'une des plus anciennes dynasties de l'Afrique – règne encore sur un royaume Bamoun qui correspond à plusieurs villes dans le département du Noun.

Langue.

Leur langue, le bamoun, appartient au groupe des langues semi-bantoues au sein de la famille des langues nigéro-congolaises. Le nombre de locuteurs du bamoun a été estimé à en 1982.

Religion.

Traditionnellement, les Bamouns pratiquaient une religion traditionnelle mêlant sagesse à propos du Dieu universel (appelé "Nyi-nyi"), culte de l'esprit des ancêtres et animisme. Les Bamouns pensaient notamment que les femmes rendaient le sol fertile. Les masques et les statuettes sont importants dans la pratique de ces cultes.  Au début du , le roi Ibrahim Njoya se convertit au christianisme, puis à l'islam, avant de créer sa propre religion "nwet kuete" (qui signifie « cherche et trouve »). Il aurait déclaré que l'interdiction de la polygamie dans la religion chrétienne et celle de l'alcool dans l'islam étaient des contraintes trop dures à supporter. Depuis, les Bamouns ont été nombreux à se convertir à l'islam ou au christianisme.

Musique.

Les Bamoun ont une grande variété de styles musicaux; Les Kpalum, Mundu, Soro ', Kpalum-Mundu, Kpalum Moderne et plus. Pour écouter tous ces styles, vous pouvez accéder au site Web https://musicbamoun.com

Culture.

Écriture.

Les Bamouns sont l'un des rares peuples d'Afrique subsaharienne à avoir développé une écriture. Cette écriture fut inventée par le roi Njoya au début du . Le roi Njoya bâtit une école afin d'encourager l'usage de ce système d'écriture. Néanmoins, l'arrivée des Français sonna la fin de la monarchie et de l'écriture bamoun qui fut remplacée par l'utilisation de l'alphabet latin en parallèle avec la langue française.

Grandes personnalités Bamoun.

Les Bamouns sont célèbres pour l'histoire de leur royaume, en particulier pour la vie et les œuvres des différents rois et sultans. Mais beaucoup d'autres hommes et femmes ont contribué au développement de la société et de la culture de ce peuple. Quelques-unes de ces personnalités seront présentées ici :

Les Bamouns sont un peuple d'Afrique centrale établi à l'ouest du Cameroun, dans la région du Grassland où vivent également les Bamiléké et les Tikar, proches d'eux par leurs ancêtres communs, leurs structures sociales voisines et leurs langues. Ils vivent de l'artisanat, du commerce et de l'agriculture.

Ashur-uballit I "(Aššur-uballiṭ I)", who reigned between 1365 and 1330 BC, was the first king of the Middle Assyrian Empire (1365–1050 BC). After his father Eriba-Adad I (1392-1366 BC) had broken Mitanni influence over Assyria, Ashur-uballit I's defeat of the Mitanni king Shuttarna II marks Assyria's ascendancy over the Hurri-Mitanni Empire, and the beginning of its emergence as a powerful empire. Later on, due to disorder in Babylonia following the death of the Kassite king Burnaburiash II, Ashur-uballit established Kurigalzu II on the Babylonian throne, in the first of what would become a series of Assyrian interventions in Babylonian affairs.


Histoire, applications.

Elle a été reprise dans des contextes proches, ainsi le Principe 10 de l'article 2 de la convention sur la diversité biologique signée à Rio de Janeiro lors du Sommet de la Terre de 1992 dispose que "".  Elle a été complétée par un amendement sur les organismes génétiquement modifiés (OGM), et par un autre sur les émissions de polluants (protocole sur les registres des rejets et transferts de polluants (protocole PRTR) de 2003, entré en vigueur le et transposé en droit européen par le règlement ).  Elle s'est traduite par plusieurs directives dont la directive 2003/4/CE qui dispose notamment que toute collectivité doit donner toute l'information qu'elle détient en matière d'environnement à toute personne qui la lui demande (sans que cette personne ait à justifier son identité ni du pourquoi de la demande). Toutefois, l'accès peut en être restreint dans le cadre de nuisances aux relations internationales, à la sécurité publique ou à la défense nationale. Dans cette directive, les États sont aussi considérés comme des collectivités.  Des directives instituant une obligation d'organiser le débat du public sur les projets d'aménagement ayant une incidence sur l'environnement, et sur les plans et programmes concernant l'environnement (les décisions amont visant à organiser l'activité autour d'enjeux environnementaux, par exemple les SDAGE).  En France, les principes de la convention d'Aarhus ont été repris dans la charte de l'environnement, adossée à la Constitution et qui rappelle que (article 7). C'est une des conditions généralement reconnues de la soutenabilité du développement, que les administrations françaises doivent intégrer .

Accès aux informations environnementales.

Le droit à l’accès à l'information est le droit qu'a toute personne ou organisme de demander à une collectivité ou service public d’obtenir une copie de documents ou informations détenues par cette collectivité ou service public. Ce droit porte sur un document existant, en l’état où il existe, et dans le format où il existe dans le service. Cela se traduit souvent par la délivrance de photocopies de tout ou partie de document, par de la consultation sur place, ou, si l’information est disponible sous format numérique, par une copie de fichier (aux formats disponibles couramment dans l’administration) sur support physique ou par envoi par message électronique.  L'information environnementale doit être détenue, reçue ou établie par un service public (État ou collectivités) ou par un organisme privé ayant une mission de service public liée à l’environnement. Le fait que le document ne soit pas créé par ce service ne permet pas d'en refuser l’accès. Cependant, certaines de ces informations sont exclues du droit d’accès, principalement parce qu’elles sont protégées par des secrets :  La convention d'Aarhus insiste sur la diffusion des informations environnementales sur des sites Internet. Cette incitation est renforcée dans le directive 2003/4/CE par une réelle obligation de moyen de diffuser autant que possible les informations environnementales sur Internet.  Le Portail français Toutsurlenvironnement.fr est une réponse de l'engagement de l'État français au premier pilier de la convention d'Aarhus.

Ouverture proactive et obligatoire de certaines données géographiques par certaines autorités administratives.

Une partie croissante de l'information environnementale est géoréférencée. Elle est de plus en plus organisée et valorisée sous forme numérique, interactive de bases de données géographiques (plus ou moins interopérables), au sein de systèmes d'information géographique.  En mars 2007, une directive européenne, dite « Directive Inspire » crée une infrastructure d’information géographique visant spécifiquement à favoriser la protection de l'environnement en Europe et avec les États-membres, en ouvrant systématiquement (hors quelques cas particuliers) au public trente-quatre types (ou "« thèmes »") de donnée géographique dès lors qu'elles sont disponibles sous forme numérique. La directive encourage aussi une mise en cohérence des services d’information disponibles sur Internet pour mieux diffuser et faire partager ces données géographiques. Les autorités publiques doivent désormais rendre ces données accessibles au public en les publiant sur Internet, et d'autre part les partager entre elles. Les collectivités détenant des données géographiques existantes ou qui seraient collectées à l’avenir et entrant dans le champ de la directive, doivent produire un catalogue des métadonnées (en respectant des règlements et des guides techniques mis à disposition par la commission européenne). Elles doivent aussi publier leurs données et métadonnées sur internet et sous une forme interopérable.  Dans un premier temps, le Conseil de l'Europe a souhaité (via un amendement) créer des dérogations à l'application de cette directive de 2003 afin que certaines données restent confidentielles. Les eurodéputés ont souhaité que le principe de l'ouverture des données environnementales soit conservé, comme l'impose la directive 2003/4/CE qui traduit la convention d'Aarhus dans le droit européen. Un accord entre le Parlement et le Conseil de l'Europe a finalement permis que la directive INSPIRE intègre les dispositions de la Convention Aarhus. Les États-membres doivent donc proposer des services gratuits de recherche et, sous certaines conditions, de consultation des séries de données géographiques. Les restrictions d'accès public des « services de consultation en réseau » sont limitées à quelques cas, quand ils permettent d'afficher des vues panoramiques, et qu'il y a risque pour les relations internationales, la sécurité publique ou la défense nationale ou l'environnement (ex. : localisation trop précise d'espèces rares ou menacée).  La commercialisation de cette information peut être limitée (pour le commerce électronique notamment) dans certains cas (confidentialité de certains travaux des autorités publiques, menace pour les relations internationales ou la sécurité publique, droits de propriété intellectuelle détenus par un tiers qui refuse la publication de ses données, ou protection de personnes ayant fourni des données sur une base volontaire…).

Participation du public aux décisions.

Les notions de participation et d'écocitoyenneté sont associées et développées depuis le sommet de la terre de Rio.  Au-delà de l'information du public, il s'agit de l'associer à la préparation et aux prises de décisions, ainsi qu'à une meilleure évaluation des incidences des grands projets notamment.

Accès à la justice pour les ONG.

En Europe, en 2012, Le Tribunal de l'Union européenne a confirmé que les ONG avaient également accès à la justice en matière d'environnement dans le cadre de la convention d'Aarhus. Les ONG peuvent donc contester des actes de portée générale pris par les institutions communautaires, qui seraient contraires aux principes de protection de l'environnement. Cette précision a été donnée dans le contexte d'un contentieux opposant deux ONG à la Commission concernant le règlement 149/2008 fixant des limites maximales de résidus de pesticides dans les denrées alimentaires. Cet accès est permis car la Convention d'Aarhus prévoit que . Le tribunal européen a considéré que cette disposition de la convention d'Aarhus ne peut être interprétée comme se référant uniquement aux mesures de portée individuelle. De fait, le règlement 1367/2006, en ce qu'il limite la notion d'« actes » de l'article 9, paragraphe 3, de la convention d 'Aarhus aux seules « mesures de portée individuelle », a été jugé incompatible avec la convention d'Aarhus. Cette décision a toutefois été annulée par la Cour de Justice par son arrêt du 13 janvier 2015.

En France.

Le rapport de 2017 a été soumis à participation/consultation du public durant dix-sept jours après avoir intégré certaines modifications demandée par "".

La convention d'Aarhus sur l'accès à l'information, la participation du public au processus décisionnel et l'accès à la justice en matière d'environnement, signée le par trente-neuf États, est un accord international visant la . Ses trois grands objectifs sont :  Les parties doivent périodiquement transmettre à la Réunion des Parties de la Convention un rapport national destiné au suivi de l'application de la Convention dans chaque État. . Le prochain examen de ces rapports se fera lors d'une "Réunion des Parties" prévue à Budva (Monténégro) du 11 au 14 septembre 2017.

The UNECE Convention on Access to Information, Public Participation in Decision-making and Access to Justice in Environmental Matters, usually known as the Aarhus Convention, was signed on 25 June 1998 in the Danish city of Aarhus. It entered into force on 30 October 2001. As of March 2014, it has 47 parties—46 states and the European Union. All of the ratifying states are in Europe and Central Asia. The EU has begun applying Aarhus-type principles in its legislation, notably the Water Framework Directive (Directive 2000/60/EC). Liechtenstein and Monaco have signed the convention but have not ratified it.  The Aarhus Convention grants the public rights regarding access to information, public participation and access to justice, in governmental decision-making processes on matters concerning the local, national and transboundary environment. It focuses on interactions between the public and public authorities.


Histoire.

Les origines.

Chantilly fut d'abord une ancienne forteresse médiévale cantonnée de sept tours et entourée de douves en eau, construite sur un terrain marécageux de la vallée de la Nonette, qui contrôlait la route de Paris à Senlis. Le château appartenait primitivement à Guy de Senlis, « bouteiller » du roi Louis VI à la fin du . La famille ajouta à son patronyme le nom de cette fonction (Bouteiller de Senlis), et conserva le château jusqu'au .  Pillée en 1358 par les Jacques, la forteresse est vendue en 1386 par Guy de Laval, héritier des Bouteiller, à Pierre d'Orgemont, ancien chancelier de Charles V. Celui-ci commence la reconstruction du château en 1386 qui sera achevée en 1394, après sa mort, par son fils Amaury ; cette famille le posséda pendant trois générations du au .  En 1484, Pierre III d'Orgemont, sans enfant, lègue Chantilly à son neveu Guillaume de Montmorency (†1531).

Le domaine des Montmorency.

La puissante famille des Montmorency possède Chantilly du au et y fait réaliser d'importants travaux de modernisation. C'est le plus illustre membre de cette famille, le connétable Anne de Montmorency (1492-1567), qui fait rénover la forteresse par Pierre Chambiges en 1528 et, en 1551, construire, au pied de la vieille forteresse, la Capitainerie ou Petit Château, par l'architecte Jean Bullant, qui avait travaillé dans son château d'Écouen. Il fait également aménager en 1538 la terrasse sur laquelle se dresse actuellement sa statue équestre et édifier sept chapelles dont deux ont été conservées à l'intérieur du parc. C'est également lui qui fait tracer les premiers jardins.  Henri I de Montmorency fait construire dans la partie haute du parc "La Chaumière" ("Maison de Sylvie") qui subsiste aujourd'hui, quoique remaniée. Destiné à recevoir Henri IV, ce petit pavillon fut le refuge du poète Théophile de Viau, condamné au bûcher. Il reçut l'asile de Marie des Ursins, qu'il a chantée sous le nom de Silvie (Sylvie), d'où vient le nom du parc et de la maison. Le poète y passa les derniers mois de sa vie († 1626) sous la protection du maréchal Henri II de Montmorency.  En révolte contre l'autorité royale, Henri II de Montmorency est exécuté à Toulouse en 1632 ; sa veuve, Marie des Ursins entre alors au couvent et leurs biens sont confisqués par Louis XIII, qui en restitue la majeure partie aux sœurs du maréchal mais conserve Chantilly, qui l'intéresse du point de vue cynégétique.  En 1643, Anne d'Autriche restitue le domaine, par lettres patentes, à la dernière des sœurs d'Henri II de Montmorency, Charlotte de Montmorency, femme d'Henri II de Bourbon-Condé, dont le fils Louis II de Bourbon-Condé venait de remporter la bataille de Rocroi. Chantilly passe ainsi à la maison de Condé, branche cadette de la maison de Bourbon.

Le domaine des Condé.

Du au , le sort de Chantilly s'identifie à celui des Condé dont le domaine constitue la principale propriété.

Chantilly au temps du Grand Condé.

Louis II de Bourbon-Condé (1621-1686), dit "Le Grand Condé", ayant pris parti contre Mazarin pendant la Fronde, se fait confisquer Chantilly en 1652 et ne recouvre le domaine qu'en 1659 (Paix des Pyrénées). En 1664, "Monsieur Le Prince" comme on l'appelle, vient définitivement habiter Chantilly.  Éloigné de Versailles, il consacre tous ses soins à son domaine; il fait dessiner le parc par André Le Nôtre, qui n'a pas encore travaillé à Versailles, qui canalise la Nonette pour créer "Le Grand Canal" (1671-1673), dessine les parterres français au Nord du château, fait construire par Daniel Gittard "Le Grand Degré", et crée la perspective actuelle allant de la grille d'honneur à la terrasse.  Le Grand Condé reçoit à Chantilly des écrivains comme La Fontaine, La Bruyère, Bossuet, Madame de La Fayette, Madame de Sévigné : en leur honneur, les deux allées parallèles, qui encadrent les parterres de Le Nôtre, prennent le nom d'allées des Philosophes. de Scudéry, l'auteur de "Clélie" rencontre Condé arrosant des œillets, sa fleur préférée, et lui adresse ces vers :  La Bruyère trouve dans les visiteurs de Chantilly plus d'un modèle pour ses " Caractères", et le philosophe Nicolas Malebranche s'y rencontre avec Bossuet qui doit prononcer l'oraison funèbre de son hôte. On donne à Chantilly des fêtes magnifiques. Molière y crée "Les Précieuses ridicules" en 1659 et y joue "Tartuffe".  Sous la direction du célèbre maître d'hôtel François Vatel, la chère y est raffinée. En avril 1671, le Grand Condé scelle sa réconciliation avec Louis XIV en le recevant à Chantilly ; selon de Sévigné, c'est à cette occasion que Vatel se serait suicidé en ne voyant pas arriver la marée ou livraison de poisson attendue (l'authenticité de l'anecdote est généralement tenue pour très douteuse).  Condé consacre sa grande fortune à l'acquisition de tableaux, d'objets d'art et de meubles de prix et à enrichir les collections de manuscrits et de livres rares, dont le premier fonds avait été constitué par le connétable de Montmorency.

Les embellissements du.

« Son Altesse a fait accommoder le dedans de tous les appartements qui n'ont pas été rebâtis à neuf (...) a fait bâtir la chapelle et l'a rendue telle qu'elle est (et) a fait abattre et rebâtir trois faces de la cour du château, savoir celle par où l'on entre, celle du grand escalier, et celle qui regarde le petit château ». (Louis de Sarrobert, capitaine des chasses de Chantilly, 1760 - cité par Edmond Pilon, "Senlis et Chantilly", Arthaud, 1937, ). Vers la fin de sa vie, le Grand Condé charge Mansart de restaurer l'intérieur du château, puis son fils, Henri Jules de Bourbon-Condé (1643-1709), dit « Condé Le Fol », lui fait moderniser le château et dépense des sommes énormes pour enlever tout caractère médiéval à l'ancien édifice. En 1721 les travaux sont achevés par Jean Aubert. De 1723 à 1726, ce dernier construit également pour Louis IV Henri de Bourbon-Condé (1692-1740), dit « Monsieur Le Duc », les Grandes Écuries.  Principal ministre de Louis XV de 1723 à 1725, il affectionne Chantilly (où il est d'ailleurs exilé en 1726) : il fait décorer les appartements du Petit Château par Oudry, Desportes, Huet et Nattier, aménage un cabinet d'histoire naturelle et crée la manufacture de porcelaine de Chantilly, dont la marque au cor de chasse rouge, rappel de ces grands veneurs, est devenue célèbre.  À partir de 1720, Monsieur Le Duc fait aménager la partie boisée située à l'Est du château et dénommée Petit Parc ou "parc de La Caboutière", nom d'un bâtiment construit au temps de Louis XIII pour acclimater la tulipe hollandaise, ce à quoi s'occupe un riche amateur, un avocat parisien du nom d'Antoine Caboud.  Monsieur le Duc fait tracer une allée en direction de La Caboutière, appelée allée du Quinconce car elle rejoint un quinconce planté derrière ce bâtiment. Cette allée forme alors une patte d'oie avec l'allée du Pont du Roi, située dans l'ancien axe d'entrée du parc (Est-Ouest) et l'allée de la Porte-Vaillant à gauche. Dans les deux secteurs délimités par cette patte d'oie furent aménagées des salles de verdure reliées par des allées en zigzag.  L'avenue de droite mène à un carré boisé où l'on construit un jeu de l'oie géant, avec ses différentes stations – le pont, le puits, la prison... – qui fut l'une des grandes attractions du parc de Chantilly entre 1730 et 1770. Derrière "La Maison de Sylvie" on aménage d'autres salles de verdure et un petit labyrinthe, tandis qu'un grand labyrinthe est construit dans "Le Parc de Sylvie", aujourd'hui séparé du domaine par la sente d'Avilly. Il ne reste rien de tous ces embellissements.  La mort prématurée du duc de Bourbon fait passer ce domaine sur la tête d'un enfant de cinq ans qui, lorsqu'il a l'âge d'homme, Louis V Joseph de Bourbon-Condé (1736-1818), édifie le Jeu de Paume en 1756 et, entre 1769 et 1772, fait construire par Jean-François Leroy le "château d'Enghien", long bâtiment de style classique situé à droite de la grille d'honneur.  En 1774, il fait dessiner un « jardin anglo-chinois », inauguré le jour de Pâques 1775, et construire un hameau qui inspirera Marie-Antoinette lorsqu'elle fera construire le hameau de la Reine à Trianon.

Les destructions révolutionnaires.

Pendant la Révolution française, Louis V Joseph émigre le , au lendemain de la prise de la Bastille. Le domaine est mis sous séquestre le en application de la loi sur les émigrés. Le château est envahi par un groupe de gardes nationaux. Vidé de son mobilier, le Petit Château est transformé en prison sous la Terreur, les jardins de Le Nôtre sont en friche faute d'entretien. Une première partie est vendue par lots entre 1793 et 1795 : l'ancien potager, le jardin des cascades, les derniers terrains disponibles le long de l'actuelle rue du Connétable et autour de l'actuelle petite pelouse ainsi que les maisons de la ville appartenant au Prince. Une bonne partie de ces premières aliénations ne réintègreront jamais le domaine. Le reste du domaine est loti en 1798 et vendu progressivement. En 1799, les adjudicataires du château, Damoye et Boulée, entreprennent aussitôt de le démolir pour récupérer les matériaux de construction. Seuls sont épargnés le Petit Château et les Grandes Écuries, les entrepreneurs s'étant vu retirer le marché avant d'avoir pu les détruire. La partie du parc située à l'ouest du château, qui abritait les jeux d'eaux conçus par Le Nôtre, est lotie; des noms de rue – comme la rue des Cascades – en rappellent le souvenir, ainsi que "Le Pavillon de Manse", qui abritait la machine hydraulique conçue par le fermier général Jacques de Manse. Occupées par l'armée, les Grandes Écuries sont sauvées de la destruction et très peu abîmées ; pour récupérer du plomb, on envoie à la fonte la statue et sa fontaine dans la cour des Chenils ainsi que la renommée qui surplombait le dôme. Sous l'Empire, Chantilly est inclus dans l'apanage d'Hortense de Beauharnais, qui possède à proximité le château de Saint-Leu.  En 1814, lorsque Louis V Joseph de Bourbon-Condé rentre en possession du domaine à son retour d'émigration, c'est un vieillard de 78 ans; il se borne à faire faire quelques réparations sommaires pour mettre le château hors d'eau, parvient à racheter une partie des terrains, mais il ne peut reconstituer le parc, désormais coupé en deux par la route de Chantilly à Vineuil-Saint-Firmin, créée à l'époque révolutionnaire. Pour la masquer, son fils, Louis VI Henri de Bourbon-Condé, plus connu sous son titre de duc de Bourbon, fait traiter la partie occidentale du parc en jardin "à l'anglaise", créé entre 1817 et 1820 par son architecte Victor Dubois.

Le domaine du duc d'Aumale.

En août 1830, à la mort du et dernier prince de Condé, Louis VI Henri de Bourbon-Condé, qui passait pour être le premier propriétaire foncier de France, c'est le jeune Henri d'Orléans duc d'Aumale son petit-neveu et filleul, avant-dernier fils de Louis-Philippe I, qui hérite de la quasi totalité de son énorme patrimoine, en particulier du domaine de Chantilly, du fait que son fils unique le duc d'Enghien, a été fusillé dans les fossés de Vincennes sur l'ordre de Bonaparte.  Arasé au niveau du rez-de-chaussée, le Grand Château a presque disparu.  Sous la monarchie de Juillet, le duc d'Aumale projette des travaux de reconstruction qu'il ne parvient pas à mener à bien car après la chute de la monarchie de Juillet, il prend le chemin de l'exil et réside de 1848 à 1870 à Twickenham, près de Londres, où il s'emploie à réunir de très importantes collections de livres précieux (dont 800 reliures "aux armes", 760 manuscrits, 670 incunables, 1 460 imprimés de 1501 à 1550 et 9 150 imprimés du ), peintures, dessins et objets d'art, conservés aujourd'hui à Chantilly. Il revient en France en 1871, veuf et ayant perdu ses deux fils jeunes. Il fait deux achats massifs de livres : en 1851 pour 133 0000 francs les 3 504 volumes de la bibliothèque paternelle au château de Bizy (Eure), composée notamment de celle du bibliophile italien Melzi (que lui avait léguée son acquéreur Frank Hall Standish), puis en 1852 les "épaves" de celles du palais des Tuileries et du château de Neuilly.  De 1876 à 1882, le duc fait reconstruire le château sur les anciennes fondations, sur les plans de l'architecte Honoré Daumet et y place et enrichit encore ses considérables collections.  La dernière grande fête familiale qui se déroula au château fut en avril 1896 le mariage de Marguerite d'Orléans, fille du duc de Chartres, et de Patrice de Mac-Mahon, de Magenta, fils du maréchal de Mac-Mahon. Le 7 mai 1897 Henri d'Orléans, veuf et sans enfants, mourait dans son domaine sicilien du Zucco ; il avait légué cet ensemble unique à l'Institut de France en créant la Fondation des Princes de Condé en 1886, ce qu'il justifie ainsi dans son testament (3 juin 1884) :  Voulant conserver à la France le domaine de Chantilly dans son intégrité, avec ses bois, [...], ses édifices et ce qu’ils contiennent, trophées, tableaux, livres, archives, objets d’art, tout cet ensemble qui forme comme un monument complet et varié de l’art français dans toutes ses branches et de l’histoire de ma patrie à des époques de gloire, j’ai résolu d’en confier le dépôt à un corps illustre [...] qui, sans se soustraire aux transformations inévitables des sociétés, échappe à l’esprit de faction, comme aux secousses trop brusques, conservant son indépendance au milieu des fluctuations politiques.  « Cette maison que j'ai bâtie, où j'ai vécu, je veux qu'elle disparaisse avec moi. Non qu'elle soit démolie ni transformée radicalement (...). Aspect extérieur, silhouette, disposition générale, rien ne sera changé, mais ce ne sera plus une maison. Nul n'y habitera, hors le personnel de service dans les logements prévus par moi et aménagés selon mon désir. Ne subsisteront que la chambre de ma femme et la mienne (...). Le château ne sera plus qu'un musée et un lieu de travail. Je veux qu'y aient accès tous ceux qu'attirent des collections, des archives, une bibliothèque dont je ne crois pas qu'elles soient médiocres ».  (Le duc d'Aumale cité par R.Burnand, op.cit, et 211).

Architecture.

Le Petit Château et le Château Neuf.

De la forteresse médiévale des Orgemont ne subsiste que la base des tours. C'est donc le Petit Château du connétable de Montmorency, construit en 1551, qui constitue aujourd'hui la partie la plus ancienne du château.  Le Petit Château comprend, au premier étage, les grands appartements. Ceux-ci comprennent deux salles décorées au (l'antichambre et la salle des gardes), élevées sur l'ancien bras d'eau qui séparait le Petit Château du Grand Château, ainsi que les appartements des princes de Condé décoré vers 1720 par Jean Aubert de lambris comprenant la chambre de Monsieur le Duc, le cabinet d'angle, le boudoir décoré d'une grande de Christophe Huet, "la Galerie des Actions de Monsieur le Prince", et le salon de Musique. Au rez-de-chaussée du Petit Château se trouvent les appartements privés du duc et de la duchesse d'Aumale. Le duc d'Aumale les fit aménager en 1844-1846 par le peintre et décorateur romantique Eugène Lami peu après son mariage. C'est l’un des rares appartements princiers datant de la Monarchie de Juillet qui soit resté intact.

Le château d'Enghien.

C'est un bâtiment tout en longueur adossé à la forêt et situé de l'autre côté du grand degré vis-à-vis du château. Construit en 1769 par l'architecte Jean-François Leroy, il a pour fonction originelle de loger les invités des princes. Il doit son nom à Louis Antoine de Bourbon-Condé, duc d'Enghien, fils du dernier prince de Condé, qui fut logé avec ses nourrices dans le bâtiment après sa naissance en 1772.  Il est composé d'une succession de quatre logements accolés marqués par quatre entrées propres surmontées chacune d'un petit fronton triangulaire le tout couronné d'une balustrade, qui sont de nos jours le logement de fonction de la conservatrice du Musée Condé, et les anciens logements attribués aux trois académiciens membres du collège des conservateurs du domaine.

Le Jeu de Paume.

Le Jeu de paume est construit à partir de 1756. Les décorations sculptées sur la façade sont confiées Henri-Nicolas Cousinet. C'est l'un des premiers bâtiments construits spécifiquement pour ce jeu. Il est inauguré le . Il comprend la salle de jeu proprement dite et dans l’entrée « la Dépouille », où les joueurs se changent et se préparent. En 1758, le jeu de paume est agrémenté d'une terrasse, d'un mur de soutien et d'un escalier.  Le bâtiment est transformé en salle d'exposition pour des œuvres de grand format au . Visitable, il accueille aujourd'hui une maquette représentant le château et son parc au .

La Maison de Sylvie.

Cette maison est construite au fond du parc du même nom en 1604 par Henri de Montmorency. Ce bâtiment accueille en 1623 le poète Théophile de Viau protégé par Henri II de Montmorency. Sa femme Marie-Félicie des Ursins vient régulièrement le visiter et c'est lui qui la surnomme Sylvie. Ce nom reste attaché au bâtiment et à cette partie du parc.  Il est reconstruit par Henri Jules de Bourbon-Condé, le fils du Grand Condé et à nouveau transformé par le duc d'Aumale vers 1880-1895, qui y adjoint une rotonde polygonale. Bien que n'ayant jamais servi de relais de chasse, il est pourtant décoré, toujours au , de boiseries du , de peintures et de tentures en lien avec la vénerie. Le bâtiment ne se visite pas en dehors d'événements privés.

Les Grandes Écuries.

Les Grandes Écuries ont été construites par l'architecte Jean Aubert entre 1719 et 1740. Longues de , elles sont exceptionnelles par leurs dimensions tout comme par leur magnificence. Le prince de Condé en était si fier qu'il n'hésitait pas à recevoir à dîner sous le dôme, haut de , où se réunirent notamment Louis XV, le futur Tsar Paul et Frédéric II de Prusse. Les écuries pouvaient abriter 240 chevaux et 500 chiens, utilisés pour les chasses quotidiennes dans la forêt de Chantilly.  En 1982, le musée du cheval est installé par Yves Bienaimé et y organise les premières démonstrations de dressage équestre. En 2006, les écuries sont réunies au château par Karim Aga Khan IV dans le cadre de la Fondation pour la Sauvegarde du domaine de Chantilly. Le musée est entièrement réaménagé en 2013.  En 1989, à l'occasion du bicentenaire de la Révolution, Yves Bienaimé offre gracieusement à l'Institut de France, propriétaire des Grandes Écuries une copie de la renommée disparue sous la Révolution. La pose de la réplique permet de s'apercevoir que la charpente du dôme est écartée de 60 cm et que les sommiers du dôme reposent directement sur la voûte en pierre. La coupole des Grandes Écuries est ainsi restaurée par la même occasion.

Le parc.

Le parc de Chantilly couvre 115 hectares, dont 25 hectares de plans d'eau, auxquels il faut ajouter les 60 hectares du parc de Sylvie. La forêt de Chantilly, qui s'étend sur hectares, fait partie intégrante du domaine.

Le jardin de Le Nôtre.

Chantilly était la création préférée de Le Nôtre. Selon son habitude, il a structuré le parc autour de deux axes perpendiculaires : le premier, Nord-Sud, dans l'axe de la majestueuse terrasse édifiée par le connétable de Montmorency, est perpendiculaire aux courbes de niveau et met en évidence le vallonnement du site; le second, Est-Ouest, est occupé par Le Grand Canal, le long de la vallée.  Entre la terrasse et Le Grand Canal, au Nord du château, Le Nôtre a ménagé des parterres "à la Française". Ces parterres sont agrémentés de bassins et ornés de vases et de statues de pierre, dont la plupart datent du et représentent les personnages illustres liés au riche passé du domaine. Les parterres étaient originellement de forme trapézoïdale, ce qui les faisait paraître plus vastes en contrecarrant la perspective. Cet effet, d'un très grand raffinement, a été supprimé par la reconstitution du , qui leur a donné la forme de rectangles parfaits. Des broderies végétales, il en subsiste des témoignages dans le Jardin de la Volière (au pied du château, côté Ouest) ainsi que dans le jardin de La Maison de Sylvie (1671).  De l'autre côté du Grand Canal, l'amphithéâtre du Vertugadin, prolongé par une allée forestière, prolonge l'axe des parterres à travers la forêt. C'est là que se trouve notamment une copie en fonte de la Vénus d'Arles.  La grille d'honneur se trouve située en contrebas par rapport au château et surtout à la terrasse. En arrivant au château, celle-ci masque la perspective, qui se découvre tout d'un coup lorsque le visiteur y accède : l'effet est saisissant.  Vers 1890, le duc d'Aumale commande et fait installer sur la terrasse deux cerfs assis à Auguste Cain, qui réalisa pour le domaine d'autres groupes animaliers comme les chiens "Lumineau et Séduisant" et "Fanfareau et Brillador", afin d'évoquer la passion pour la vènerie des princes de Condé

Le Petit Parc.

Le Petit Parc ou "parc de La Cabotière", est situé sur le plateau calcaire qui surplombe la vallée depuis les parterres jusqu'au Grand Rond. Espace de transition entre la forêt et le parc, il est aménagé par Le Nôtre qui y trace des allées et des bosquets le reliant à la forêt environnante. Son neveu Desgots y dessine en 1679 un labyrinthe qui sera détruit vers 1770.  Au , Henri-Jules de Bourbon-Condé le relie à la terrasse en jetant Le Pont du Roi par-dessus le fossé sec qui marque la limite du plateau. Ce jardin devient alors un espace de divertissements et de promenades, ponctué de chambres de verdures, dont certaines sont toujours visibles, telle La Chambre du Sanglier.  Vers 1738 ou 1739, un jeu de l'oie géant, dont le pions étaient les joueurs eux-mêmes, est aménagé sous la forme d'une spirale de de long, dont certains éléments restent encore visibles, comme le pont ou le puits, ou encore certaines dalles de pierres numérotées figurant les cases. Très en vogue auprès des visiteurs des princes durant une bonne partie du siècle, il fut volontairement arasé et nivelé vers 1770, lorsque la mode en fut passée.

Le Jardin anglo-chinois.

À l'est des parterres de Le Nôtre, le jardin anglo-chinois aménagé dans la prairie en 1772 par l'architecte Jean-François Leroy. Il est ponctué de fabriques au détour de petits chemins serpentant au milieu de canaux conçus pour être parcourus en "pirogues". Quelques-unes de ces fabriques (le rocher, les petits ponts de pierre) ont été conservées.  En 1774, y fut adjoint un hameau d'agrément. Le hameau de Chantilly comportait sept petites maisons rustiques dont cinq ont été conservées : salon, billard, salle à manger, cuisine et moulin ; il servait de lieu de fêtes et de plaisirs estivaux.

Le jardin anglais.

Adossé à la route de Chantilly à Vineuil-Saint-Firmin et Creil, le jardin anglais, dessiné par l'architecte Victor Dubois en 1817, incorpore quelques vestiges des aménagements de Le Nôtre (l'île d'Amour, les Fontaines de Beauvais) intégrés sous forme de fabriques. Les allées sinueuses ménagent des vues intéressantes sur le château. Une seule des fabriques introduites dans le jardin lors de sa création a subsisté jusqu'à ce jour, "Le Temple de Vénus".

Programmation culturelle.

Nuits de feu.

À partir de 1991, le château de Chantilly accueille un concours de feux d'artifice international appelé « les Nuits de feu », organisé par le comité départemental du Tourisme de l'Oise et se déroulant tous les deux ans. Il reçoit sept équipes internationales devant composer un tableau pyrotechnique autour d'un thème renouvelé à chaque édition. Faute de financements publics, ils se sont déroulés pour la et dernière fois les 17 et 18 juin 2011. Cinq ans plus tard, l’hippodrome de Compiègne accueillera la première édition des « Masters de Feu », événement ressemblant fortement aux « Nuits de feu » de Chantilly.

Jardins en scène.

En 2011, le domaine participe au festival « Jardins en scène », organisé par le conseil régional de Picardie, fin juin-début juillet, avec des spectacles se déroulant dans les jardins. Un opéra ("Madame Butterfly") est programmé en septembre 2011. Le domaine participe chaque année aux Journées européennes du patrimoine, l'accès au parc est à cette occasion gratuit mais l'accès au château reste payant.

Chantilly Arts & Elegance Richard Mille.

Depuis 2014, le domaine accueille le concours d'élégance automobile du Chantilly Arts & Elegance Richard Mille, qui se déroule le temps d'un week-end, les années impaires. Plus de 850 voitures de collectionneurs viennent des quatre coins du monde s'exposer sur les pelouses Le Nôtre et les jardins du Domaine de Chantilly, et participer au Concours d'Élégance, au Concours d'État ou au Grand Prix des Clubs.  La manifestation cantilienne est récompensée du prix du « Plus bel événement automobile de l’année » en 2014 et 2015 aux International Historic Motoring Awards.

Le château de Chantilly est un château français situé à Chantilly, dans le département de l'Oise, en région des Hauts-de-France, dans la vallée de la Nonette, affluent de l'Oise. À l'exception du « Petit Château », construit au par Jean Bullant, le château actuel est une reconstruction du sur des plans de l'architecte Honoré Daumet pour l'avant-dernier fils du roi Louis-Philippe , Henri d'Orléans, duc d'Aumale (1822-1897), héritier du domaine, qui y installa ses collections de peintures, de dessins et de livres anciens.  Il lègue l'ensemble à l'Institut de France, sous le nom de musée Condé. Le château occupe l'emplacement d'une forteresse médiévale. Les Grandes Écuries, construites de 1719 à 1740, chef-d'œuvre de l'architecte Jean Aubert abritent aujourd'hui le musée du cheval. Les jardins sont une des plus remarquables créations d'André Le Nôtre. La ville de Chantilly s'est développée à l'ouest du château pendant et après la Révolution française. Le château et ses dépendances font l'objet de plusieurs protections au titre des monuments historiques durant l’année 1988 après une première protection par arrêté du 2 avril 1963, annulée.

The Château de Chantilly () is a historic French château located in the town of Chantilly, Oise, about 50 kilometres (30 miles) north of Paris. The site comprises two attached buildings: the Petit Château built around 1560 for Anne de Montmorency and the Grand Château, which was destroyed during the French Revolution and rebuilt in the 1870s. It is owned by the Institut de France, to which it was bequeathed in the will of Henri d'Orléans, Duke of Aumale.  An historic monument since 1988, it is open to the public. The château's art gallery, the Musée Condé, houses one of the finest collections of paintings in France. It specialises in French paintings and book illuminations of the 15th and 16th centuries.