Biographie.

Sergueï Iliouchine s'intéressa à l'aviation dès 1910. Incorporé dès 1914, il reçut une formation de pilote pendant la Première Guerre mondiale.  Dès 1919, il rejoignit les rangs de l'Armée rouge nouvellement créée. Il servit comme mécanicien aéronautique durant la guerre civile russe. En 1921, il retourna à ses études qu'il termina en 1926 à l'académie militaire d'aéronautique "Prof. N. J. Joukovski" de Moscou, après avoir travaillé sur quelques projets de planeurs. Il reprit du service dans l'armée comme conseiller et dirigea à partir de 1931 son propre bureau d'études. Après s'être consacré quelque temps aux ballons de recherche en haute altitude, il développa l'appareil ZBK-30 (ZBK : bureau d'études central) qui fut rebaptisé plus tard Iliouchine Il-4 et battit plusieurs records du monde.  Ses Iliouchine Il-2 "Sturmovik" d'attaque au sol et ses bombardiers Il-4 furent utilisés à grande échelle durant la Seconde Guerre mondiale. Ensuite, les avions de lignes Il-18 et Il-62 furent largement employés.  Son premier grand succès vint en 1939 avec l'avion de combat Iliouchine Il-2. La paix revenue, il construisit des avions civils tel que l'Iliouchine Il-12 (premier vol en 1946) et quelques bombardiers.  Son fils, Vladimir Iliouchine, est un pilote d'essai connu.

Réalisations.

Ses réalisations les plus connues sont :

Honneurs.

Il fut nommé professeur à l'Académie Joukovski à partir de 1948. En 1967, il fut élevé au grade d'ingénieur-général et l'année suivante élu membre de l'Académie des sciences d'URSS. Il a été député au Soviet suprême de la à la .  Principaux titres et décorations, par ordre de préséance :

Sergueï Vladimirovitch Iliouchine (en ), né le à Dilialevo, dans le gouvernement de Vologda (Empire russe) et décédé le à Moscou (Union soviétique), est un ingénieur aéronautique soviétique qui conçut de nombreux avions et fonda le bureau d'études Iliouchine.

Sergey Vladimirovich Ilyushin (; – 9 February 1977) was a Soviet aircraft designer who founded the Ilyushin aircraft design bureau. He designed the Il-2 Shturmovik, which made its maiden flight in 1939. It is the most produced warplane, and remains the second most-produced aircraft in history, with some 36,000+ built, behind the US Cessna-172.


Carrière et œuvre.

Après des études de sociologie à l'université Louis-et-Maximilien de Munich, il fut doctorant et enseignant-chercheur à la "London School of Economics". Il fut également enseignant à la "Fondation Maison des sciences de l'homme" (FMSH) de Paris  Dans "La Société du risque" (1986), Ulrich Beck constate un changement dans la configuration de la société, en raison du développement industriel et technologique, où la question centrale est désormais la répartition du risque. Il s'interroge également sur une société à venir dans le cadre de la mondialisation où la valeur de l'avenir pourrait être le cosmopolitisme.  Beck insiste en partie sur la tolérance au risque qui, selon lui, en baissant, augmente la demande d'assurabilité. Cependant, prenant l'exemple de l'industrie nucléaire et de la longévité des déchets nucléaires, qui est selon lui mise en avant en raison du changement climatique et de la hausse des prix du pétrole, il critique dans la mesure où .  Selon lui, les choix à faire sont entre des , mais . Or, précisément, les en présentant .

Positions politiques.

Ulrich Beck a exprimé a de nombreuses reprises des positions en faveur d'un État supranational et d'un Parlement mondial. Dans la logique de ces positions, il s'est exprimé dans la presse en faveur de l'approbation de la Constitution européenne proposée au vote des Français en 2005. Il a ensuite déploré « l'insupportable légèreté du non de nombreux Européens » et demandé de « voter une seconde fois sur un texte constitutionnel sérieusement raccourci, mais, cette fois-ci, sans que les nations fassent cavalier seul. Il faudrait voter le même jour dans tous les États membres. La règle serait la suivante : si un pays vote contre la Constitution, il accepte que son statut de membre européen soit inférieur ».  En , il participe à la création du Groupe Spinelli au Parlement européen, se prononçant ainsi en faveur d'une Europe post-nationale.

Ulrich Beck (né le à Stolp, aujourd'hui Słupsk en Pologne et mort le à Berlin (Allemagne)) est un sociologue allemand, auteur de "La Société du risque" (1986).

Ulrich Beck (15 May 1944 – 1 January 2015) was a well known German sociologist, and one of the most cited social scientists in the world during his lifetime. His work focused on questions of uncontrollability, ignorance and uncertainty in the modern age, and he coined the terms "risk society" and "second modernity" or "reflexive modernization". He also tried to overturn national perspectives that predominated in sociological investigations with a cosmopolitanism that acknowledges the interconnectedness of the modern world. He was a professor at the University of Munich and also held appointments at the "Fondation Maison des Sciences de l’Homme" (FMSH) in Paris, and at the London School of Economics.


Historique.

Origine de la lignée.

Appartenant à une tradition de transmission plus large, la lignée des karmapas prend sa source au karmapa, Düsum Khyenpa (1110-1193), fils spirituel du grand maître tibétain Gampopa. La source de la lignée de transmission orale du mahamudra remonte traditionnellement au Bouddha Vajradhara et fut transmise par une chaîne ininterrompue de maîtres à disciples. La lignée débute par 2 maîtres indiens Tilopa (989-1069), et Naropa (1016-1100), suivis de maîtres tibétains : Marpa le traducteur, et Milarépa. Ces précurseurs de la lignée Kagyu et la branche Karma-kagyu sont collectivement appelés le "rosaire d'or".  Düsum Khyenpa a atteint l'illumination à l'âge de 50 ans, en pratiquant le yoga du rêve. Il est donc considéré comme le karmapa, une manifestation d'Avalokitesvara (Chenrezig), dont la venue fut prédite dans le "" et le "Lankāvatāra sūtra".  Le Karmapa, Karma Pakshi (1204-1283), fut la première personne reconnue en tant que tulkou ou lama réincarné. Le karmapa est le premier lama tibétain à avoir introduit cet aspect important du bouddhisme tibétain. Les karmapas laissent généralement une lettre pour aider les recherches de leurs tulkous comportant des prédictions.

Le grand campement des karmapas.

Le grand campement des karmapas (Karmé Garchèn), qui fut instauré par le karmapa et détruit par les forces mongoles sous le karmapa, permit aux karmapas successifs de se déplacer, accompagnés d'une importante communauté itinérante. Le grand campement des karmapas visait à proposer l'enseignement du dharma dans les lieux les plus réceptifs. Institution culturelle, elle comprenait à son apogée un institut d'étude philosophique (shédra), un collège tantrique et 500 retraitants itinérants. Un grand nombre de traités philosophiques et manuels de méditations furent écrit par les karmapas dans le grand campement. Dans ce campement fut célébré le Kagyu Mönlam Chenmo à partir du karmapa qui fonda le Kagyu Mönlam. tout au long de son existence, le grand campement des karmapas fut complètement végétarien. Le campement qui comprenait des ateliers mobiles pour les artistes offrit un terrain favorable à la création artistique. Une des 3 écoles principales de peinture tibétaine, le style du campement du karmapa, Karma Gardri (), y vit le jour. Fondé par le karmapa, il atteignit son apogée sous le karmapa. Il fut réduit pour des facilités de gestions par le . Sous le , il fut attaqué par les forces mongoles (en guerre contre le roi des Tsang) et ses occupants assassinés, tandis que le karmapa parvint à s'enfuir. Après la destruction du grand campement, les karmapas résidèrent principalement au monastère de Tsourphou.

Fin annoncée de la lignée.

Un "terma" de Guru Rinpoché déclare qu'il y aurait en tout 21 karmapa.  Selon la tradition bouddhiste, notre ère cosmique verra la manifestation de bouddhas. Le Bouddha Shakyamouni en fut le tandis que le Bouddha Maitreya en sera le . Le karmapa est, dit-on, destiné à être le . L'un des régents du karmapa, Taï Sitou Rinpoché, est considéré comme une émanation de Maitreya.

La coiffe noire.

Les karmapas sont les détenteurs de la coiffe noire (tibétain "cod-pan") et sont ainsi parfois connus comme les lamas au "chapeau noir" (tibétain "zhwa-nag"). Cette coiffe, "rangjung chopen" (la coiffe apparue d'elle-même), aurait été tissée par les dakinis à partir de leurs chevelures et offerte au karmapa en reconnaissance de sa réalisation spirituelle. On dit que la seule vue de cette coiffe peut éveiller le plus profond potentiel de l'esprit et même apporter l'illumination. La coiffe physique portée par les karmapas fut offerte au karmapa par l'empereur chinois Yongle comme une représentation matérielle de la coiffe spirituelle. Elle est actuellement conservée à Rumtek au Sikkim, qui était la dernière demeure du karmapa.

Mantra du Karmapa.

Karmapa tchènno est le mantra du karmapa, introduit initialement par le karmapa, Mikyö Dorje, dans le contexte d'un enseignement à propos de la tradition de l'« "Appel du Lama au loin" ».

Voir aussi.

Liens externes.

Du Karmapa Orgyen Trinley Dorje :  Du Karmapa Trinley Thaye Dorje :

Karmapa () est un mot tibétain venant du sanskrit signifiant « celui qui accomplit l'activité des bouddhas » et le titre du chef de l'école karma-kagyu du Tibet, issue de la lignée kagyüpa, l'une des quatre traditions majeures du bouddhisme tibétain. Il est parfois surnommé le lama à la coiffe noire. C'est aussi une lignée de réincarnation d'un maître spirituel, la première à avoir vu le jour, le premier karmapa étant né en l'an 1110. Parfois appelé chef de l'école du chapeau noir du bouddhisme tibétain, il est une importante personnalité religieuse tibétaine, comme le dalaï-lama.

The Karmapa (honorific title "His Holiness the Gyalwa" (རྒྱལ་བ་, Victorious One) "Karmapa", more formally as "Gyalwang" (རྒྱལ་དབང་ཀརྨ་པ་, King of Victorious Ones) "Karmapa", and informally as the "Karmapa Lama") is the head of the Karma Kagyu, the largest sub-school of the Kagyu (བཀའ་བརྒྱུད, ), itself one of the four major schools of Tibetan Buddhism. Karmapa was Tibet's first consciously incarnating lama.  The historical seat of the Karmapas is Tsurphu Monastery in the Tolung valley of Tibet. The Karmapa's principal seat in exile is the Dharma Chakra Centre at Rumtek Monastery in Sikkim, India. His regional monastic seats are Karma Triyana Dharmachakra in New York and Dhagpo Kagyu Ling in Dordogne, France.  Due to a controversy within the Karma Kagyu school over the recognition process, the identity of the current 17th Karmapa is disputed by some. See Karmapa controversy for details.


Biographie.

Conrad de Marbourg est un prêtre de l'ordre des Prémontrés. Ses contemporains l'appellent "magister", montrant qu'il eut une formation universitaire, probablement à Paris ou Bologne. Il est décrit comme un homme d'une grande éloquence, très bon théologien, défenseur zélé de la pureté de la foi catholique et menant une vie ascétique.  Il se signale d'abord en prêchant la cinquième croisade, proclamée en 1213 par Innocent III.  En 1225, il devient le directeur spirituel de la jeune veuve du landgrave de Thuringe, la future sainte Élisabeth de Hongrie. Il la traite avec la même sévérité que lui-même, conformément à ses souhaits. Il lui arrive cependant de restreindre son zèle et de lui interdire des mortifications excessives. Après la mort d'Élisabeth en 1231, Conrad fut chargé d'examiner les témoignages relatifs à sa vie et les miracles attribués à son intercession.  En 1227, alors qu'il est écolâtre à Mayence, il est nommé commissaire pontifical en Rhénanie.  En 1231, Grégoire IX met en application sa constitution "Excommunicamus" instituant l'Inquisition médiévale : le 11 octobre, il confère à Conrad le titre d'inquisiteur, le premier à porter ce titre en Allemagne. Le pape le dispense de suivre les obligations de la procédure canonique ("te a cognitionibus causarum habere volumus excusatum") et l'autorise à procéder au mieux contre les hérétiques, mais en respectant les décrets papaux. À sa demande, le pape édicte en 1233 la première bulle de l’histoire contre les sorcières, la "Vox in Rama" en y décrivant le sabbat des sorciers et leur culte du diable.  Conrad est laissé libre de choisir ses collaborateurs : il s'adresse aux Dominicains par l'intermédiaire des prieurs de Ratisbonne, Friesach et Strasbourg. Appuyé par le dominicain Conrad Dorso et Jean le Borgne (un laïc), il aide les évêques à réprimer l'hérésie en reprenant le rôle des « témoins synodaux », ces clercs chargés de dénoncer l'hérésie pour permettre à la procédure de s'ouvrir. Conrad de Marbourg lutte contre les « Vaudois » et « Cathares », comme on les appelle alors, sans distinction réelle entre les hérésies, ainsi que contre le groupe cathare des Lucifériens.  De l'avis même de ses contemporains, Conrad se montre trop sévère et brutal dans sa fonction. Ses deux assistants sont des ignorants fanatiques, inaptes à cette tâche. Conrad prend pour argent comptant les déclarations des suspects, et sur la foi de ces accusations, enchaîne les arrestations pour hérésie, sans chercher à vérifier l'exactitude des accusations portées. Les accusés peuvent soit confesser leur faute (et se retrouver avec la tête rasée en guise de pénitence), soit protester de leur innocence, au risque d'être jugé hérétique non repenti, et livrés au bras séculier pour finir sur le bûcher. Le nombre de ses victimes n'est pas connu avec précision. En Allemagne occidentale, son activité d'inquisiteur provoqua une panique générale. Il agit avec un tel fanatisme et de manière tellement illégale qu'il soulève la population contre lui.  Il se tourne même contre la haute noblesse, en particulier le comte Henri III de Sayn, qu'il accuse d'hérésie luciférienne. Sayn fait appel à l'archevêque de Mayence, Siegfried III von Eppstein, qui convoque pour le un synode pour vérifier les charges pesant contre le souverain. Les évêques et les nobles présents au synode voient l'activité de l'inquisiteur d'un œil hostile. Celui-ci est incapable de prouver ses accusations contre le comte Henri. Sur ce, désavoué, Conrad ne renonce pas à sa mission qu'il jugeait juste. Fort du mandat qu'il tient du pape, il entreprend de prêcher une croisade contre les nobles hérétiques. Cinq jours plus tard, le , il meurt avec son compagnon Gerhard Lutzelkolb dans une embuscade, massacré par des chevaliers sans doute proches du comte Henri alors qu'il revient à Marbourg.

Littérature.

Conrad de Marbourg est représenté dans la "Tragédie des saints" du romancier anglais Charles Kingsley. Il est aussi représenté dans les bandes dessinées "Le Troisième Testament" de Xavier Dorison et Alex Alice — dont il est le personnage central — et "Urielle" de Clarke et Denis Lapière.

Conrad de Marbourg, né durant la seconde moitié du entre 1180 et 1200, mort le 30 juillet 1233, est un prêtre chanoine prémontré, premier inquisiteur allemand.

Konrad von Marburg (sometimes anglicised as Conrad of Marburg) (1180 – 30 July 1233) was a medieval German priest and nobleman.


Caractéristiques des viroïdes.

Définition.

Les viroïdes infectent l'intérieur des cellules en tant que particules d'ARN uniquement, sans capside ni enveloppe. Ils n'ont qu'un seul ARN circulaire qui contient très peu de nucléotides (250 à 400), leur génome s’organise en bâtonnet (génome à 70 % apparié) mais la séquence nucléotidique ne code aucune protéine. Contrairement au virus dont l'ARN peut être copié dans le cytoplasme ou le noyau, l'ARN des viroïdes est copié dans le noyau ou dans les chloroplastes, selon la famille. Cette réplication se fait grâce aux enzymes de la cellule hôte comme les ARN polymérases.  Contrairement aux agents subviraux comme les acides nucléiques satellites ou les virusoïdes, ils se répliquent de manière autonome et ne dépendent pas de la coinfection avec un virus assistant. Ils infectent les plantes avec un spectre d’hôte plus ou moins large et provoquent des pathologies telles qu’une réduction de la croissance allant jusqu’à la déformation, la nécrose, la chlorose, le rabougrissement et même la mort de la plante.

Classification.

On connait une trentaine d'« espèce » de viroïdes qui se répartissent en deux familles

Modes de réplication.

La réplication du génome des viroides se déroule dans les chloroplastes ou dans le noyau. Les enzymes qui participent à la réplication sont l’ARN polymérase II ADN-dépendante pour les viroïdes à localisation nucléaire, et l’ARN polymérase NEP ("nuclear-encoded, but chloroplast-localized DNA-dependent RNA polymerase") pour les viroïdes localisé dans le chloroplaste. La réplication se fait par un mécanisme de « cercle roulant » symétrique ou asymétrique. Dans les deux cas, il y a synthèse de concatémères d’ARN qui sont ensuite clivés et recircularisés. La réplication des viroïdes serait favorisée par la lumière et la température, ce qui expliquerait d’une part qu’ils soient principalement impliqués dans des pathologies concernant des plantes tropicales, méditerranéennes ou cultivées sous serre, et d’autre part que les symptômes soient plus graves quand il fait sec ou/et chaud.

Pouvoir infectieux.

Les viroïdes n'affectent que les végétaux aux niveaux d'organisation complexes. Si certains ne causent pas ou peu de dommages apparents chez la plante, d'autres sont responsables du développement de maladies graves. Comme les viroïdes ne fabriquent aucune protéine, il est difficile de voir comment ils affectent la cellule hôte. L'hypothèse la plus probable est qu'ils perturbent l'expression normale des gènes au niveau des ARN messagers, ce qui affecterait tout le métabolisme cellulaire.

Transmission.

Il y a infection de l’épiderme végétal après un dommage mécanique de la paroi cellulaire (causé par le vent, les animaux, les outils, les machines agricoles, etc.). L’infection peut parfois se transmettre par les graines et le pollen. En général, les viroïdes ne sont pas transmis par des insectes vecteurs. L’infection d’un végétal se déroule en plusieurs étapes : pénétration dans une cellule, déplacement vers le site de réplication (noyau ou chloroplaste), réplication, contamination des cellules voisines, jusqu’à infection de toute la plante. Contrairement aux virus animaux qui doivent traverser les membranes cellulaires, les virus de plantes progressent de cellule en cellule au niveau des plasmodesmes et se déplacent dans l’ensemble de la plante via les structures vasculaires (phloème).

Interaction avec les facteurs de l’hôte.

Comme les viroïdes ne codent aucune protéine et ne sont pas associés à un virus "helper", ils sont totalement dépendants des facteurs de l’hôte pour leur transport et leur réplication. Plusieurs partenaires protéiques des viroïdes ont été identifiés, notamment les polymérases responsables de leur réplication. D’autres facteurs sont connus : la protéine Virp1 ("viroid-binding protein 1") permettrait la translocation de l’ARN viroïde PSTVd ("potato spindle tuber viroïd", viroïde du tubercule fusiforme de la pomme de terre) dans le noyau et participerait peut-être à la réplication elle-même ou à l’export des ARN. La protéine CsPP2 du concombre ("phloem protein 2 from cucumber") possède dans sa structure primaire un motif potentiel qui lie l’ARN viroïde HSVd ("hop stunt viroïd") et participerait au transport à longue distance de cet ARN dans la plante.

Pathogénicité.

Les viroïdes ne codent pas de facteurs de virulence à proprement parler. Cependant, ils peuvent modifier l'expression des protéines dans leur cellule-hôte par des mécanismes d'interférence ARN analogue à ceux identifiés pour les microARN et petits ARN interférents. En effet, l'ARN simple brin circulaire du viroïde est structuré en bâtonnet et peut être considéré par la machinerie cellulaire comme un précurseur d'ARN interférents. Les petits ARN alors générés seraient incorporés dans le complexe protéique RISC et le dirigeraient vers des ARNm de la cellule-hôte pour les cliver, les séquestrer ou inhiber leur traduction. Ainsi, le niveau d'expression de certaines protéines serait modifié, ce qui entraînerait les symptômes : modification de l'aspect et de la position des feuilles, accumulation des pigments en haut des feuilles, diminution de la taille de la plante, réduction du nombre de tubercules produits donc baisse du rendement agricole, ralentissement de la germination, et au pire mort de la plante.

Origine.

L'origine des viroïdes reste incertaine. Selon les hypothèses actuelles, ils seraient soit des agents infectieux datant du début de l'apparition de la vie, soit la fine pointe de l'évolution chez les parasites.

Impact économique des viroïdes.

Les viroïdes infectent des plantes économiquement importantes, comme la pomme de terre, la tomate, le concombre, la vigne, les arbres fruitiers, etc. L’infection des végétaux cultivés peut se révéler extrêmement dommageable, les conséquences allant de la perte de rendement jusqu’à la mort de la plante (ex : le viroïde CCVd du cadang-cadang a déjà entraîné la mort de millions de cocotiers). A l’heure actuelle il n’existe aucun traitement contre les infections viroïdaires, si ce n’est la destruction des plantes contaminées. Ainsi, l’infection viroïdaire des semences de pomme de terre produites par les agriculteurs de l’Île-du-Prince-Édouard, au Canada, a conduit les autorités sanitaires américaines à envisager un embargo alors que le commerce des semences canadiennes représente 250 millions de dollars chaque année. Cependant malgré leur côté néfaste, certains viroïdes possèdent un intérêt économique : des agrumes nains ("Citrus" spp.) peuvent par exemple être obtenus grâce à l’infection par un viroïde.

Un viroïde est une particule virale simple, composée d'un seul ARN circulaire sans capside, qu'on différencie des virus acapsidés car sa séquence n'encode "aucune protéine". Il appartient cependant au règne des virus car il se fait répliquer en infectant une cellule hôte, tout en ayant des effets pathogènes comparables à ceux des virus encodant des protéines.  Plus petites que les virus (environ 50 nm de long), ces particules ont été découvertes en 1971 par le spécialiste américain des maladies végétales Theodor Otto Diener en recherchant l’agent causal de la maladie des tubercules fusiformes de la pomme de terre. La preuve de leur nature infectieuse n’a été obtenue qu’en 1972, lorsque des infections expérimentales purent être réalisées.

Viroids are the smallest infectious pathogens known. They are composed solely of a short strand of circular, single-stranded RNA that has no protein coating. All known viroids are inhabitants of higher plants, and most cause diseases, whose respective economic importance on humans vary widely.  The first discoveries of viroids in the 1970s triggered the historically third major extension of the biosphere—to include smaller lifelike entities —after the discoveries, in 1675 by Antonie van Leeuwenhoek (of the "subvisible" microorganisms) and in 1892 by Dmitri Iosifovich Ivanovsky (of the "submicroscopic" viruses). The unique properties of viroids have been recognized by the International Committee on Taxonomy of Viruses, in creating a new order of subviral agents.  The first recognized viroid, the pathogenic agent of the potato spindle tuber disease, was discovered, initially molecularly characterized, and named by Theodor Otto Diener, plant pathologist at the U.S Department of Agriculture's Research Center in Beltsville, Maryland, in 1971. This viroid is now called Potato spindle tuber viroid, abbreviated PSTVd.  Although viroids are composed of nucleic acid, they do not code for any protein. The viroid's replication mechanism uses RNA polymerase II, a host cell enzyme normally associated with synthesis of messenger RNA from DNA, which instead catalyzes "rolling circle" synthesis of new RNA using the viroid's RNA as a template. Some viroids are ribozymes, having catalytic properties that allow self-cleavage and ligation of unit-size genomes from larger replication intermediates.  With Diener's 1989 hypothesis that viroids may represent "living relics" from the widely assumed, ancient, and non-cellular RNA world—extant before the evolution of DNA or proteins—viroids have assumed significance beyond plant pathology to evolutionary science, by representing the most plausible RNAs capable of performing crucial steps in abiogenesis, the evolution of life from inanimate matter.  The human pathogen hepatitis D virus is a subviral agent similar to a viroid.


Biographie.

Michael Schultze, ou Schultheiss (Prætorius étant la latinisation de son nom), est né à Creuzburg an der Werra, en Thuringe, dans le centre de l'Allemagne, le . Son père est pasteur luthérien. Il suit des études en théologie et en philosophie à l'université de Francfort-sur-l'Oder et apprend à parler couramment plusieurs langues. Après des études en musique, il devient organiste à Francfort en 1587. Après avoir été maître de chapelle ("Kapellmeister)" à Lunebourg, il devient, en 1592 ou 1593, secrétaire du duc Henri-Jules de Brunswick-Wolfenbüttel à la cour de Wolfenbüttel, où il est aussi organiste, puis nommé "Kapellmeister" en 1604. À partir de 1613, il est également au service de Jean-Georges I, prince-électeur de Saxe, à la cour de Dresde, où il est responsable de la musique des festivités.  Prætorius est considéré comme l'un des meilleurs compositeurs luthériens, et il a laissé une œuvre considérable. Pour la seule musique religieuse, il compose plus de mille pièces vocales et instrumentales, dont certaines figurent toujours dans les recueils de cantiques protestants . De plus, Prætorius transcrit de nombreuses œuvres dites « populaires » issues depuis des siècles du folklore allemand. Il a également publié "Terpsichore musarum" (1612), un imposant recueil de 300 compositions associées à la danse qui constitue son plus important legs de musique profane.  Ses compositions sacrées sont largement inspirées par la musique italienne, plus particulièrement par l'école vénitienne, mais également par son jeune contemporain allemand Heinrich Schütz avec qui il collabore à la cour de Dresde. Il emprunte à l'école vénitienne la forme du grand motet à double chœur avec accompagnement de cuivres qu'il emploie régulièrement pendant sa carrière. Ses premières compositions, écrites vers 1602, sont suivies de ses "Musæ Sioniæ" (1605-1610) et, en 1611, d'un recueil de chants liturgiques contenant des messes, des hymnes et des "Magnificat". En 1609, il signe l'arrangement de "Dans une étable obscure" "(Es ist ein Ros entsprungen)", un chant de Noël traditionnel allemand du qui est aujourd'hui sa composition la plus universellement connue. L'ensemble de son œuvre et son style unique se sont transmis grâce aux centaines d'élèves qu'il forme à l'orgue et au chant au cours de sa vie.  Il est également célèbre pour avoir écrit une remarquable encyclopédie, le "Syntagma musicum" (1619), un traité de musique qui étudie très précisément les divers genres musicaux utilisés depuis l'Antiquité, ainsi que des instruments de musique, une somme quasi exhaustive qui est encore aujourd'hui d'un intérêt considérable.  Michael Prætorius s'éteint à Wolfenbüttel, à l'âge exact de 50 ans, le de l'année 1621.

Œuvres.

Il laisse des milliers d'œuvres surtout vocales, parmi lesquelles :

Michael Prætorius est un compositeur et théoricien de la musique allemand, né à Creuzburg le et mort à Wolfenbüttel le .

Michael Praetorius (probably 28 September 1571 – 15 February 1621) was a German composer, organist, and music theorist. He was one of the most versatile composers of his age, being particularly significant in the development of musical forms based on Protestant hymns.


Polymorphisme paramétré.

Le polymorphisme paramétré consiste à définir des fonctions qui peuvent être appliquées à des types paramétrés. Par exemple, il est possible de définir une même fonction "concat" permettant de concaténer deux listes quel que soit le type de données qu'elles contiennent. Dans ce cas, le type de la fonction "concat" est noté : où "α" est un paramètre qui représente le type de données que contiennent les listes. "α" peut correspondre aux types entier, réel, chaîne de caractères, liste, etc.  Le polymorphisme paramétré est utilisé par les langages Caml, Haskell, PureScript et Scala. Par exemple, en Haskell, la fonction codice_1 renvoie les "n" premiers éléments d'une liste. La spécification de la fonction renvoyée par l'interpréteur est : take :: Int -> [a] -> [a] Le type "a" est une variable de type qui correspond à n'importe quel type, c'est donc une fonction qui supporte le polymorphisme paramétré.

Polymorphisme par sous-typage (héritage).

Création de types.

L'idée est de partir d'un type et de le modifier. Par exemple, on peut créer une classe de base, puis faire des classes dérivées.  Ce concept est associé à l'approche orientée objet.

En C++.

class Forme { public:  class Carre:public Forme { public: private: class Cercle:public Forme { public: private:

En Java.

public abstract class Forme { public class Carre extends Forme { public class Cercle extends Forme {

En C#.

public abstract class Forme  public class Carre : Forme  public class Cercle : Forme

En Eiffel.

deferred class  feature end class  inherit  feature  end class  inherit  feature  end

Utilisation des sous-types.

Grâce aux fonctions virtuelles, on peut faire un algorithme en n'utilisant que la classe de base qui va automatiquement appeler les fonctions des classes dérivées. On peut dire tout simplement qu'une liste polymorphe contient des objets différents, et selon le type de ces objets quand une méthode est utilisée, elle va être appliquée, à un des objets de cette liste, selon sa fonction.

En C++.

float AireTotal(Forme* tabl[], int nb) { Forme* tableau[3] = {new Carre, new Cercle, new Carre}; AireTotal(tableau,3);

En Java.

float aireTotal(Forme[] tabl) {  Forme[] tableau = { new Carre(), new Cercle(), new Carre() }; aireT = aireTotal(tableau); //aireT aura été défini comme float

En C#.

private float _aireT; readonly Forme[] _tableau = { new Carre(), new Cercle(), new Carre() };  float AireTotal(Forme[] tabl)  _aireT = AireTotal(_tableau);

En Eiffel.

aireTotal (tab: ARRAY [FORME]): REAL

Intérêt du polymorphisme.

En proposant d'utiliser un même nom de méthode pour plusieurs types d'objets différents, le polymorphisme permet une programmation beaucoup plus générique. Le développeur n'a pas à savoir, lorsqu'il programme une méthode, le type précis de l'objet sur lequel la méthode va s'appliquer. Il lui suffit de savoir que cet objet implémentera la méthode.  Ainsi, un logiciel de calcul d'intérêt pour des comptes bancaires se présenterait de la façon suivante en programmation classique (pseudo code) :  Si un nouveau type de compte bancaire PERP apparait (et avec lui un nouveau calcul), il sera nécessaire d'une part d'écrire la nouvelle méthode calculeInteretPERP, mais aussi de modifier tous les appels du calcul ci-dessus. Dans le meilleur des cas, celui-ci sera isolé et mutualisé de sorte qu'une seule modification sera nécessaire. Dans le pire des cas, il peut y avoir des centaines d'appels à modifier.  Avec le polymorphisme, toutes les méthodes porteront le même nom « calculeInteret » mais auront des codes différents (un par type de compte). L'appel sera de la forme :  Lors de l'arrivée du nouveau compte, aucune modification de ce code ne sera nécessaire. Le choix de la méthode réelle à utiliser sera fait automatiquement à l'exécution par le langage, alors que dans le cas précédent, c'est le développeur qui devait programmer ce choix. Mais le programmeur devra créer une classe objet supplémentaire pour implémenter le code correspondant qui sera appelé par une attribution de la table des méthodes virtuelles qui elle effectuera bien un case en fonction de ce composant.

En informatique et en théorie des types, le polymorphisme, du grec ancien "polús" (plusieurs) et "morphê" (forme), est le concept consistant à fournir une interface unique à des entités pouvant avoir différents types. Par exemple, des opérations telles que la multiplication peuvent ainsi être étendues à des scalaires aux vecteurs ou aux matrices, l'addition, des scalaires aux fonctions ou aux chaînes de caractères, etc. Il existe plusieurs sortes de polymorphismes fondamentalement différents : Selon le langage informatique employé, le polymorphisme peut être réalisé par différents moyens, inhérents au langage ou par emploi de patrons de conception.

In programming languages and type theory, polymorphism is the provision of a single interface to entities of different types or the use of a single symbol to represent multiple different types.  The most commonly recognized major classes of polymorphism are:


Biographie.

Charles-Lucien Bonaparte est le fils aîné du mariage en secondes noces de Lucien Bonaparte (1775-1840), frère de l'Empereur, et d'Alexandrine Jacob de Bleschamp (1778-1855).  En 1804, sa famille se rendit à Rome pour se mettre sous la protection du pape Pie VII. En 1810, à la suite d'une rupture entre le pape et Napoléon, il tente de rallier les États-Unis mais il est capturé avec sa famille par la Royal Navy en Méditerranée et retenu au Royaume-Uni jusqu’à la chute de Napoléon en 1814. Il retourne alors dans les États pontificaux.  Après son mariage en 1822, il emménage aux États-Unis avec le père de son épouse (et cousine) Zénaïde Bonaparte, Joseph Bonaparte, pour quelques années et s’installe à Philadelphie en 1823 avec une seconde résidence à Bordentown, dans le New Jersey. Son premier fils est né à Philadelphie et ses autres enfants à Rome.  En 1824, Bonaparte a tenté d'obtenir que John James Audubon, alors inconnu, soit accepté par l'Académie des sciences naturelles, mais cela a été contesté par l'ornithologue George Ord.  À la fin de 1826, Bonaparte et sa famille retournent en Europe. Il se rend en Allemagne, où il rencontre Philipp Jakob Cretzschmar, et en Angleterre où il a rencontré John Edward Gray au British Museum et a renouvelé ses relations avec Audubon. En 1828, la famille s'installe à Rome. En Italie, il est à l'origine de plusieurs congrès scientifiques, donne des conférences et écrit de nombreux articles sur l'ornithologie américaine et européenne ainsi que sur d'autres branches de l'histoire naturelle. Il est élu membre de l'American Antiquarian Society en 1845.  Ses idées démocratiques, sans doute renforcées par son expérience à Philadelphie, lui firent prendre une part active dans l'insurrection romaine de 1847-1849. En 1849, il est élu à l'Assemblée romaine et participe à la création de la République romaine. Selon Jasper Ridley, lorsque l'Assemblée est convoquée pour la première fois : ("Viva la Repubblica !"). Il devint le vice-président du conseil législatif et participe à la défense de Rome contre les quarante-mille soldats français envoyés par son cousin, Louis-Napoléon. Il quitta Rome après que l'armée républicaine eut été défaite en juillet 1849. Il débarque à Marseille, mais il doit quitter le pays sur ordre de Louis-Napoléon. Il part en exil à Leyde puis, en 1850, il est autorisé à rentrer en France. Il s'installe alors à Paris pour le reste de sa vie. Il réaffirme ses convictions politiques en 1850 en nommant un oiseau Paradisier républicain en l'honneur de l'idée républicaine.  En 1854, il devient directeur du Jardin des plantes de Paris. En 1855, il est nommé membre étranger de l'Académie royale des sciences de Suède.

Famille.

Le , il épousa à Bruxelles sa cousine Zénaïde Bonaparte, fille de Joseph Bonaparte. Le couple eut quatre fils et huit filles :

Travaux scientifiques.

C'est à Rome, que le jeune Charles-Lucien Bonaparte découvrit l'histoire naturelle et particulièrement l'ornithologie.  Parti s'installer aux États-Unis où vivait déjà son père, il participa activement entre 1823 à 1826 à la vie de la communauté scientifique de Philadelphie où il publia son premier article en 1824. Il ne cessa dès lors d'étudier les oiseaux et acquit une réputation internationale. Il devint correspondant de l'Institut de France. En 1843, il isole par précipitation alcoolique l'échidnine ou vipérine du venin de vipère et montre que cette substance reproduit tous les effets hématologiques du venin complet.

Œuvres et publications.

Il publia, de 1825 à 1833 les quatre volumes de son "American Ornithology" (Philadelphie, 1825) et "Ornithology of the North America" (1826). Lors de son séjour à Rome, il avait commencé une étude des vertébrés d'Italie. Il la termina et la publia de 1832 à 1841 sous le titre d‘"Iconografia della Fauna Italica".  Charles-Lucien Bonaparte publia de nombreux autres ouvrages dont certains écrits en italien. On peut notamment citer :  Avec M. de Pouancé, il préparait aussi un catalogue descriptif des pigeons et un autre des perroquets qui furent publiés après sa mort.  Charles-Lucien Bonaparte publia également en anglais :

Espèces décrites.

Bonaparte découvrit et nomma de nombreuses espèces. Il créa notamment l'ordre des monotrèmes.  Oiseaux :

Taxons éponymes.

Huit espèces d'oiseaux portent en français le nom de Bonaparte :  Par ailleurs, il a donné le nom de sa femme, Zenaïde, à un genre de tourterelles.

Hommage.

Une médaille posthume à l'effigie de Charles-Lucien Bonaparte a été réalisée par les graveurs Auguste Dumont et Hubert Ponscarme. Un exemplaire en est conservé au musée Carnavalet (ND 191).

Charles-Lucien Bonaparte est un homme politique et un ornithologue français, né le à Paris et mort le dans cette même ville. Fils de Lucien Bonaparte, il est aussi l'un des neveux de Napoléon Bonaparte.  Prince français en 1815 à la suite de la réconciliation de Lucien et de son frère, il hérite des titres pontificaux de son père à la mort de ce dernier, devenant ainsi le second prince romain de Canino, de Musignano et Bonaparte en 1840, et prince Bonaparte en vertu du statut de la famille impériale adopté par Napoléon III.

Charles Lucien Jules Laurent Bonaparte, 2nd Prince of Canino and Musignano (24 May 1803 – 29 July 1857), was a French biologist and ornithologist. Lucien and his wife had twelve children, including Cardinal Lucien Bonaparte.


Résumé d’Hernani.

Le roi d’Espagne Don Carlos est amoureux de Doña Sol, femme promise à Don Ruy Gomez. Doña Sol, elle, aime Hernani, un homme dont le père a été tué par le père de Don Carlos. Hernani veut se venger mais les deux hommes amoureux de Doña Sol se rencontrent, et se provoquent en duel. Celui-ci est gagné par Hernani, mais le roi lance ses gardes à sa poursuite ; Hernani disparaît. Durant les préparatifs du mariage de Don Ruy Gomez et Doña Sol, le roi lui est présent. Hernani surgit sur ces entrefaites mais Don Ruy Gomez, contraint par la loi de l’hospitalité, décide de le protéger. Gomez découvre que Doña Sol et Hernani s’aiment, mais continue de protéger Hernani.  Le roi pose un ultimatum à Don Ruy Gomez : soit il lui livre Hernani, soit il le tue. Le vieux Don Ruy Gomez refuse et Don Carlos décide d'enlever Doña Sol. Don Ruy Gomez et Hernani se mettent d’accord pour tuer le roi, en échange de quoi Hernani lui offre sa vie s'il entend le cor sonner. Don Carlos est élu empereur, il pardonne aux deux alliés et annonce le mariage de Doña Sol avec Hernani. Ce dernier révèle sa véritable identité, Jean d’Aragon, et devient Don Juan d’Aragon. Il abandonne toute idée de vengeance. Lors des noces des deux amants, le cor sonne et Hernani comprend qu'il doit quitter son amour. Doña Sol décide de mourir avec son amour et s’empoisonne avec Hernani. Don Ruy Gomez, vidé de toute envie de vivre, se poignarde sur leurs corps.

Préface.

Hugo réaffirma sa position exposée dans la "Préface de Cromwell" : il faut briser les règles du théâtre classique et réaffirmer l’ambition esthétique de la nouvelle génération, le romantisme. Il demande aussi, et surtout, la prise en compte du public, le public vrai, le peuple, car c’est par lui que les œuvres sont rendues immortelles, afin que  L’action principale se situe en Espagne en 1519 (de à ).

Acte I : Le roi (Saragosse, une chambre à coucher au palais du duc Don Ruy Gomez de Silva, la nuit).

Le roi d'Espagne Don Carlos s’introduit la nuit dans la chambre de Doña Sol dont il est secrètement amoureux. Caché dans une armoire, il assiste à la rencontre entre Doña Sol et Hernani, un banni. Hernani, fils d’un homme décapité sur ordre du père de Don Carlos, s’est promis de venger son père. Doña Sol aime Hernani mais on l’a fiancée à son oncle, Don Ruy Gomez de Silva.  Don Carlos sort de sa cachette et les deux rivaux s’apprêtent à croiser le fer. Mais le vieux duc frappe à la porte. Don Ruy Gomez de Silva s'indigne en voyant deux hommes chez sa nièce. L’inconnu découvre son visage et se présente. Le roi justifie sa présence et fait passer Hernani pour quelqu'un de sa suite. Il indique que l’heure est grave car l’empereur Maximilien, son aïeul vient de mourir. Il vient consulter Don Ruy Gomez de Silva, son fidèle sujet, et écouter ses conseils. Doit-il se porter candidat au trône du Saint-Empire ? Resté seul, Hernani, qui a retrouvé le fils de l’assassin de son père, exprime sa haine et médite sa vengeance.

Acte II : Le bandit (Saragosse, un patio du palais de Silva).

Le lendemain, à minuit, dans une cour du palais de Don Ruy, Don Carlos (le futur Charles Quint) se rend sous la fenêtre de Doña Sol. Il souhaite enlever la jeune fille avant Hernani. Trompée par l’obscurité, Doña Sol le rejoint. C’est alors que surgit Hernani. Il propose un duel au roi, qui refuse avec beaucoup de mépris car il croit qu'Hernani est un roturier ; il lui demande donc de l'assassiner mais Hernani refuse, il veut un duel. Il laisse la vie sauve au roi et lui donne son manteau pour qu’il puisse traverser sans dommage sa troupe de bandits car il estime que lui seul peut tuer le roi en duel.  Restés seuls, Hernani et Doña Sol échangent quelques mots d’amour. Mais l’armée du roi est déjà à sa poursuite. Hernani quitte Doña Sol et part rejoindre sa troupe.

Acte III : Le vieillard (Le château de Silva, dans les montagnes d’Aragon).

Quelques semaines plus tard, dans la grande salle du château du duc de Silva, dans les montagnes, le vieux duc Don Ruy Gomez de Silva va épouser Doña Sol, sa jeune nièce. On prépare le mariage. Il savoure son bonheur, d’autant qu’on lui apprend la mort probable d’Hernani. Le jour des noces, un pèlerin frappe à la porte du château de Silva.  Découvrant Doña Sol en tenue de mariée, le pèlerin déchire son habit et déclare son identité : .  La tête d’Hernani est mise à prix, mais la loi de l’hospitalité étant sacrée, Don Ruy Gomez de Silva fait barricader le château de Silva et décide de le protéger.  Hernani et Doña Sol restent seuls et dissipent tout malentendu. La jeune femme lui montre le poignard qu’elle a dérobé au roi. Hernani et Doña Sol échangent des mots d’amour et s’enlacent. C’est alors que surgit Don Ruy Gomez qui a des mots très durs sur l’attitude d’Hernani mais, au nom de l’honneur, il se refuse toujours à trahir son hôte. C’est alors que les trompettes annoncent l’arrivée du roi. Don Ruy Gomez cache Hernani dans un lieu que seul lui connait, derrière son portrait.  Le roi pénètre dans le château et est furieux d’apprendre que Don Ruy Gomez cache ce scélérat d’Hernani. Il lui propose un marché : ou Don Ruy accepte de livrer Hernani ou il sera tué. Le duc hésite, mais finalement refuse de livrer Hernani. Le Roi, impressionné par sa fidélité à la loi d'hospitalité, décide de seulement enlever Doña Sol. Après son départ, Don Ruy Gomez et Hernani complotent pour tuer le roi. Hernani offre son bras et sa vie à Don Ruy Gomez.

Acte IV : Le tombeau (Palais d'Aix-la-Chapelle, dans le tombeau de Charlemagne).

Deux mois plus tard, en , à Aix-la-Chapelle (capitale du Saint-Empire romain germanique), Don Carlos attend les résultats de l’élection impériale tout en déjouant un complot : parmi les conjurés se trouvent Don Ruy Gomez et Hernani ; ce dernier, désigné pour assassiner le roi, refuse de laisser sa place à Don Ruy Gomez, qui lui propose pourtant de rompre le pacte. Élu empereur, Don Carlos pardonne aux conjurés et annonce le mariage de Doña Sol avec Hernani ; celui-ci révèle sa véritable identité (il est noble mais né en exil): il est Jean d’Aragon et il abandonne son idée de vengeance.

Acte V : La noce (Saragosse, sur une terrasse du Palais de l'Aljaferia).

Quelques semaines après, à Saragosse dans le palais d'Hernani, redevenu Don Juan d'Aragon, les noces de Doña Sol et d’Hernani ont lieu ; mais Don Ruy Gomez, implacable, vient exiger le respect du pacte fatal ; Doña Sol s’empoisonne, imitée par Hernani. Don Ruy Gomez se poignarde alors sur leurs corps.

La théorie du drame romantique.

On ne peut parler d’Hernani sans évoquer son genre : le drame romantique. Quelques théoriciens des années 1820 comme Stendhal ou Alessandro Manzoni ("Lettre à monsieur Chauvet sur l’unité de lieu et de temps dans la tragédie") l'ont d'ailleurs étudié dans leurs œuvres. Stendhal écrivait en 1823, dans "Racine et Shakespeare" :Les romantiques ne conseillent à personne d'imiter directement les drames de Shakespeare "[sic]".Ce qu'il faut imiter de ce grand homme, c'est la manière d'étudier le monde au milieu duquel nous vivons, et l'art de donner à nos contemporains précisément le genre de tragédie dont ils ont besoin, mais qu'ils n'ont pas l'audace de réclamer, terrifiés qu'ils sont par la réputation du grand Racine. […]J'oubliais l'unité de lieu ; elle sera emportée dans la déroute du vers alexandrin.

Création de la pièce.

Après la rédaction de la "préface de Cromwell" en 1827, où il affirmait la nécessité de briser les règles du théâtre classique, Hugo est revenu à la poésie lyrique avec notamment les "Odes et Ballades" (), qui lui valent la protection du roi, et "Les Orientales" (). Comme il désirait toujours abattre les classiques sur leur terrain admis, le théâtre tragique, il enchaînait aussi les projets et les échecs, ainsi "Amy Robsart", échec à l’Odéon en . Mais le succès de "Henri III et sa cour" en 1829 de son ami Alexandre Dumas lui redonna vigueur et il s’attela à un drame historique en Espagne (les sujets français étant systématiquement censurés par le pouvoir royal, tels "Marion Delorme" ou "Un duel sous Richelieu" inspiré de la vie de la courtisane du Marion Delorme). Ce fut "Hernani".  La rédaction s’étala du 19 août au , et il lut son œuvre le 30 septembre à ses amis du cénacle romantique, qui l’approuvèrent presque sans réserve. Il obtint l’autorisation de créer sa pièce au Théâtre Français ; les censeurs désirant l’abattre une fois pour toutes, une nouvelle lecture le 5 octobre devant la troupe de la Comédie-Française du baron Taylor (commissaire royal au Théâtre Français) suscita l’enthousiasme. Aussitôt distribuée, la pièce entra en répétition alors que la cabale grondait . Taylor veut recruter une claque pour donner toutes ses chances à la pièce ; Hugo pense que ses amis livreront une plus belle bataille contre les partisans du classicisme. Cent places leur furent réservées à chaque représentation.  Les répétitions furent cependant ardues : Mademoiselle Mars, étoile de la troupe, jouant Doña Sol, avait le goût plutôt classique, même si elle désirait aider ce jeune et talentueux auteur, et se prêtait mal aux hardiesses de ton romantiques ; d’autres comme Firmin, un Hernani un peu falot, et Michelot, Don Carlos plus élégant que vigoureux, redoutaient surtout l’affrontement futur. Plusieurs, dont notamment Joanny, ancien soldat aux ordres du général Hugo, et qui désirait ainsi rendre hommage au fils en interprétant Don Ruy Gomez, étaient cependant enthousiastes de briser les carcans ampoulés du jeu classique.  Les censeurs épluchèrent le manuscrit jusqu’en janvier, la pièce étant retardée par le succès de l’"Othello" de Shakespeare mis en scène par Vigny, coupant certains passages (mais pour des raisons politiques ou religieuses, les censeurs se faisant honneur de laisser les hardiesses stylistiques, espérant que le « mauvais goût prononcé " discréditerait définitivement leur auteur), alors qu’une cabale se formait dans la presse, menée par les classiques, visant à démolir à l’avance l’œuvre nouvelle, ce qui ne fit que conforter "Hernani" dans son rang de « manifeste » de la nouvelle génération, qui eut ainsi le temps de se préparer à la bataille.  Chef de famille et chef de bande, tel est le Hugo qui attaque sa dernière Bastille : le théâtre, protégé du romantisme par la tradition et la censure. L'offensive se fait en trois temps. En 1827, acte I, théorique : "Cromwell" et sa "Préface" proclament la liberté dans l'art, la mort des « règles » classiques, la beauté moderne du « grotesque ». En 1829, acte II, politique : Charles X fait interdire "Marion de Lorme" pour atteinte à la majesté royale ; Hugo rompt avec le régime. En 1830, le rideau se lève sur "Hernani". Enfin mobilisée pour sa cause, voici l'armée des fidèles, violemment parés et décoiffés, visibles, voyants, sonores ; en première ligne, le gilet rouge de Gautier et la crinière de Dumas. Contre les « perruques » académiques et les « grisâtres » classiques, les « flamboyants » défendent, pied à pied, l'alexandrin romantique. Succès de scandale, la bataille d'Hernani s'achève sur un triomphe financier et la victoire de l'art nouveau.

Les réactions.

Lors de la première représentation, la pièce déclencha de vives et surprenantes réactions entre les classiques venus pour détruire la contestation dans l’œuvre et les romantiques venus soutenir leur champion. Ce fut la "bataille d’Hernani".  Cependant, malgré la bataille qui faisait rage, la pièce fut un vrai succès (recette de 4 940,65 francs) et l’éditeur Mame versa son dû à l’auteur et le lia séance tenante, selon la légende, par un contrat d’édition. Les représentations suivantes augmentèrent l’intensité de la bataille mais la pièce avait trouvé son public et le succès ne se démentit pas, Victor Hugo étant porté aux nues par la nouvelle génération. Ainsi, comme le note Théophile Gautier,  Hugo, contre l’éreintement systématique des tenants des classiques, tels que Charles Maurice, Sainte-Beuve ou Jean Viennet, reçut cependant le soutien de nombreuses personnes hors de sa génération, tels que Victor Pavie ou Chateaubriand qui lui écrivit au lendemain de la première :  Balzac, en revanche, livra une critique au vitriol dans le "Feuilleton des journaux politiques" du : « Tous les ressorts de cette pièce sont usés ; le sujet, inadmissible ; les caractères, faux ; la conduite des personnages, contraire au bon sens... L'auteur nous semble, jusqu'à présent, meilleur prosateur que poète, et plus poète que dramatiste. M. V.H. ne rencontrera jamais un trait de naturel que par hasard... "Hernani" aurait tout au plus été le sujet d'une ballade. »  Si Hernani a permis d'ouvrir de nouvelles voies et de servir de tremplin au romantisme, cette pièce a perdu de son importance au cours du et aujourd'hui elle est bien moins jouée et donc moins connue que "Ruy Blas" du même auteur ou "Lorenzaccio" et "On ne badine pas avec l'amour" de Musset.

Analyse de l’œuvre.

Sources.

Cette pièce tire son nom d'une ville du Pays basque espagnol où Hugo, accompagnée de ses enfants, fait halte en 1811, tandis qu’elle rejoint son époux, le général Léopold Hugo.  Victor Hugo s’inspire de sources diverses pour cristalliser dans la légende de chevalerie hispanique, comme dans "Le Cid" de Corneille, auquel il se référait volontiers, l’ambition romantique de sa génération. Il tire son sujet ainsi, selon ses dires, d’un passage d’une vieille chronique espagnole : Il tira ensuite sans doute l’ambiance hispanique de ses souvenirs de ce pays, où il habita quelque temps à la suite de son père durant les campagnes napoléoniennes, et de textes récents sur l’histoire locale, toujours selon ses dires. On peut aussi noter des analogies avec des pièces qui lui ont peut-être inspiré certains passages : "Le Tisserand de Ségovie" d’Alarcon ou "La Dévotion à la croix" de Calderon (histoires d’amour, d’honneur et de sang) mais aussi des sources moins latines, tels que "Evadne or The Statue" de Richard Lalor Sheil (la scène des portraits), "Egmont" de Goethe, "Les Brigands" de Schiller…  Hugo s'inspire aussi du mélodrame, du vaudeville, de la comedia nueva espagnole et du drame bourgeois dont il reprend l'importance accordée aux accessoires.

Adaptations.

La pièce est jouée trente-neuf fois en 1830 ; elle est reprise en 1838 avec Marie Dorval dans le rôle de dona Sol. En 1867, Meurice et Vacquerie travaillent sur une nouvelle mise en scène. En 1877,sous la direction d'Emile Perrin, la pièce est jouée par Mounet-Sully et Sarah Bernhardt : la critique est louangeuse. Hugo déclarera " vous vous êtes vous-même couronnée reine, reine deux fois, reine par la beauté, reine par le talent". Jusqu'en 1927, la pièce est reprise annuellement : à cette date, Emile Fabre conçoit une nouvelle mise en scène, et Mary Marquet joue aux côtés de Maurice Escande. En 1937, Georges Le Roy fait appel à Marie Bell et à Robert Vidalin. Entre 1952 et 1972, la pièce n'est plus jouée: la Comédie Française la remet sur le plateau dans une mise en scène de Robert Hossein avec Geneviève Casile et François Beaulieu .  Hernani a été mis en musique par Giuseppe Verdi en 1844 sous le titre de "Ernani".

Prolongement.

Le théâtre contemporain compte peu de reprises de la pièce depuis les années 1970.  1989 : "Hernani" de Victor Hugo, mise en scène de Jean-Luc Tardieu avec Jean Marais("Don Gomès"), Jean-Michel Dupuis, Espace 44 (Nantes).

Postérité.

La pièce est choisie par le ministère français de l'Éducation Nationale pour figurer au sein du programme de littérature de la classe de terminale de la série littéraire des années scolaires 2018-2019 et 2019-2020. Faisant l'objet d'une épreuve au baccalauréat littéraire, elle s'inscrit dans l'objet d'étude « Lire-écrire-publier ».

Hernani est une pièce de théâtre de Victor Hugo, représentée pour la première fois à la Comédie-Française le , et publiée la même année.  Cette pièce, parmi les plus célèbres de Victor Hugo, et dont la représentation déclencha la bataille d’Hernani, consacra le genre du drame romantique.

Hernani (Full title: Hernani, ou l'Honneur Castillan) is a drama by the French romantic author Victor Hugo.  The title originates from Hernani, a Spanish town in the Southern Basque Country, where Hugo’s mother and her three children stopped on their way to General Hugo’s place of residence.  The play was given its premiere on 25 February 1830 by the Comédie-Française in Paris. Today, it is more remembered for the demonstrations which accompanied the first performance and for being the inspiration for Verdi's opera "Ernani" than it is for its own merits. Hugo had enlisted the support of fellow Romanticists such as Hector Berlioz and Théophile Gautier to combat the opposition of Classicists who recognised the play as a direct attack on their values.  It is used to describe the magnitude and elegance of Prince Prospero's masquerade in Edgar Allan Poe's short story, "The Masque of the Red Death". Gillenormand in "Les Misérables" criticizes "Hernani".  Giuseppe Verdi's opera "Ernani", with an Italian libretto by Francesco Maria Piave, was based on the play, and first performed in Venice in 1844.


Toponymie.

', en écriture devanagari , est un toponyme sanskrit, népalais et nepalbhasha composé des termes ', « nourriture », et ', « mère » ; ' signifie donc « mère de la nourriture », « mère nourricière », « mère de la plénitude ».  Le nom de la montagne est aussi associé à la déesse Parvati, la « femme de la montagne ».

Géographie.

L'Annapurna se trouve dans le centre de l'Himalaya et du Népal, au nord-ouest de Katmandou, entre le Dhaulagiri à l'ouest et le Manaslu à l'est, au sud du Mustang. Il est délimité au nord et à l'est par le col Thorong et les vallées de la Thorong Khola et de la Marsyangdi Khola, au sud par de larges vallées où se trouve notamment la ville de Pokhara et à l'ouest par la vallée de la Gandaki.  Le massif est constitué de plusieurs crêtes le long desquelles sont situés les plus hauts sommets. La principale de ces crêtes, l'Annapurna Himal, rassemble les Annapurna I (), II (), III (), IV () et Sud (), le Bahara Shikhar (), le Khangsar Kang (), le Gangapurna (), le Lamjung Himal (), le Gandharba Chuli () et le Machapuchare (). Depuis le Khangsar Kang part en direction du nord-ouest une autre crête, la "", qui mène au pic Tilicho () d'où elle se sépare en deux, le Nilgiri Himal vers le sud-ouest d'où s'élèvent les Nilgiri Nord (), Central () et Sud () et le Muktinath Himal vers le nord jusqu'au Khatug Kang () par-delà le col Mesokantu ().

Activités.

Ascensions.

Annapurna.

L'Annapurna culmine à . La première ascension de l'Annapurna a été réussie le par Louis Lachenal et Maurice Herzog. C'est le premier sommet de plus de à avoir été gravi.

Annapurna.

L’Annapurna se situe à . Il est le sommet voisin du sommet principal. Il a été gravi par trois voies différentes : l’arête Ouest, qui provient de l’Annapurna , en 1960 par Chris Bonington, Dicky Grant et Ang Nyima ; le versant Nord en 1973 par une expédition japonaise ; l’éperon Sud en 1983 par une expédition australienne.

Annapurna.

L’Annapurna se situe à . Il a été gravi pour la première fois en 1961 sur le versant Nord. Ce versant a été gravi en 1976 par John Whittock et Linda Rutland. Cette ascension a nécessité quatorze bivouacs lors d’une ascension alpine.

Annapurna.

L’Annapurna se situe à et constitue un sommet estimé relativement facile. Il a été gravi plusieurs fois par la voie originale allemande de 1955 sur l’arête Ouest. L’ascension de 1976 de la face Sud, extrêmement raide et avalancheuse, est due aux Allemands Pitt Schubert et Heinz Baumann lors d'une ascension remarquable. Après treize jours d’ascension en technique alpine, les autres membres de l’expédition, croyant que les deux Allemands étaient morts, sont redescendus et ont abandonné tous les camps d’altitude.

Gangapurna.

Le Gangapurna se situe à . Il a longtemps été confondu avec l'Annapurna III, dont il est séparé par une haute vallée glaciaire. La première ascension a été réussie le par une expédition allemande dirigée par . L'ascension a été répétée en 1970 par une expédition japonaise conduite par Sumi Kiyoshi Shimizu, mais une avalanche a tué huit membres de l'expédition. Au , la troisième ascension a été réalisée par une autre expédition japonaise emmenée par Toshio Moshi.

Annapurna Sud.

L'Annapurna Sud se situe à . Aussi appelé Modi Peak ou Moditse, il a été gravi pour la première fois par l'expédition japonaise de H. Higuchi en 1964. Le , la face nord a été vaincue par Gérard Devouassoux, Maurice Gicquel, Yvon Masino et Georges Payot. L'arête sud-est a été conquise en 1974 par une expédition japonaise.

Trekking.

Ce massif fait l'objet d'un trek réputé et très fréquenté historiquement, sous le nom de tour des Annapurnas, bien que la plupart des trekkeurs n'en fassent généralement que la moitié nord, la plus élevée, de Chame à Jomosom.

L'Annapurna est un massif de montagnes de l'Himalaya au Népal, comprenant six principaux sommets dont le plus haut, l'Annapurna I, culmine à , ce qui en fait le dixième plus haut sommet du monde.

Annapurna (; Sanskrit, Nepali, Newar: अन्नपूर्णा) is a massif in the Himalayas in north-central Nepal that includes one peak over , thirteen peaks over , and sixteen more over . The massif is long, and is bounded by the Kali Gandaki Gorge on the west, the Marshyangdi River on the north and east, and by Pokhara Valley on the south. At the western end, the massif encloses a high basin called the Annapurna Sanctuary. The highest peak of the massif, Annapurna I Main, is the tenth highest mountain in the world at above sea level. Maurice Herzog led a French expedition to its summit through the north face in 1950, making it the first of the eight-thousanders to be climbed and the only 8,000 meter-peak to be conquered on the first try.  The entire massif and surrounding area are protected within the Annapurna Conservation Area, the first and largest conservation area in Nepal. The Annapurna Conservation Area is home to several world-class treks, including Annapurna Sanctuary and Annapurna Circuit.  Historically, the Annapurna peaks have been among the world's most treacherous mountains to climb with the particular case of the extremely steep south face of Annapurna I Main - a wall of rock that rises 3,000 meters (9,800 feet) - making it one of the most difficult climbs in the world. By March 2012, there had been 191 summit ascents of Annapurna I Main, and 61 climbing fatalities on the mountain. This fatality-to-summit ratio (1:3.1, or 32%) is the highest of any of the eight-thousanders.  In October 2014, at least 43 people were killed as a result of snowstorms and avalanches on and around Annapurna, thus resulting in Nepal's worst ever trekking disaster. The most recent report of human casualty has been that of January 17, 2020, due to an avalanche triggered by heavy snowfall.


Toponymie.

Le Kazbek tient son nom du village géorgien de Kazbegui, à l'est du sommet, rebaptisé Stepantsminda depuis 2006. Le village avait lui-même été nommé d'après le prince et poète du Alexandre Kazbegui. L'appellation géorgienne de la montagne est "Mkinvartsveri", qui signifie « glacier » ou « montagne de glace », et celle en ossète est "Urskhokh", la « montagne blanche », du fait de sa couverture neigeuse. Les Nakhs l'appellent "Bashlam", c'est-à-dire le « mont fondu » en tchétchène.

Géographie.

Le Kazbek se situe dans le Nord de la Géorgie, très près de la frontière russe et de la république d'Ossétie-du-Nord-Alanie, dans la , un massif du Nord du Grand Caucase parcouru par les gorges de l'Ardon et du Terek. Le sommet s'élève au bord de la faille de Bordjomi-Kazbegui, qui est dans le prolongement de la faille anatolienne. La région est hautement sismique. Un complexe géothermique, avec la présence de sources chaudes, entoure la montagne. Le Kazbek est un volcan endormi, potentiellement actif, constitué de trachyte et recouvert de coulées de lave d'andésite et de dacite datées de . Il a la forme d'un double cône dont la base se trouve à d'altitude et le plus haut culmine à , ce qui en fait le plus élevé du groupe volcanique de Kazbegui, qui comprend également le mont Khabarjina (), le deuxième plus haut de Géorgie et le cinquième du Caucase. La Route militaire géorgienne passe sur le versant oriental et franchit le col de Darial ().  En raison de la forte inclinaison des versants, les glaciers du Kazbek sont peu larges. Leur superficie totale représente . Le plus connu est le Dyevdorak, ou Devdaraki, qui s'épanche sur le versant nord-est dans la combe du même nom jusqu'à d'altitude. Les autres glaciers sont le Mna, le Denkara, le Gergeti, l'Abano et le Chata.  La montagne est entourée de forêts de hêtres et recouverte de prairies alpines et subalpines. De nombreuses plantes et plusieurs espèces animales sont endémiques de la région du Caucase.

Histoire.

La dernière éruption volcanique s'est produite vers le L'effondrement en 2002 du glacier de Kolka, situé dans une vallée entre le Djimara et le Kazbek, est attribué à une activité fumerollique au pied de la face nord.  L'un des tout premiers explorateurs du Caucase, Friedrich Parrot, entreprend en 1811 la première tentative d'ascension connue du mont Kazbek. Celui-ci est gravi pour la première fois le par les Britanniques Douglas William Freshfield, Adolphus Warburton Moore et Charles Comyns Tucker de l'Alpine Club de Londres. Partis la veille, ils sont accompagnés du guide chamoniard François Devouassoud et d'un ou deux chasseurs locaux. La première femme à atteindre le sommet est l'alpiniste russe Maria Preobrajenskaïa en 1900 ; elle réédite par la suite son exploit à huit reprises et construit même un observatoire météorologique.

Activités.

Ascension.

À partir de la Géorgie, le point de départ de l'ascension est la petite ville de Stephantsminda, à environ de Tbilissi, la capitale. Depuis Stephantsminda, en deux jours de marche par le col de Sabertse à d'altitude et le glacier de Gergeti, un refuge à d'altitude est atteint. De là, une longue montée sur neige et glace sur le versant méridional permet d'accéder au sommet.

Protection environnementale.

Le mont Kazbek et ses environs sont classés au sein d'une réserve naturelle depuis 1979.

Culture populaire.

Le mont Kazbek est associé dans le folklore géorgien à Amirani, l'équivalent local de Prométhée, Titan enchaîné sur la montagne pour avoir volé le feu au dieux et l'avoir donné aux mortels. L'emplacement supposé de cet emprisonnement, une grotte vers d'altitude appelée "Betlemi" (Bethléem), est devenu le site d'un ermitage de l'Église orthodoxe apostolique de Géorgie. Selon la légende, cette grotte a abrité de nombreuses reliques sacrées, notamment la tente d'Abraham et la crèche de l'enfant Jésus.

Le mont Kazbek (en ; en ) est un sommet et volcan endormi culminant à d'altitude en Géorgie, près de la frontière avec la Russie. C'est la cinquième plus haute montagne du Caucase et la deuxième de Géorgie après le mont Chkhara. Il est couvert de glaciers et son ascension ne présente que des difficultés moyennes. Il a été gravi pour la première fois le par Douglas William Freshfield, Adolphus Warburton Moore et Charles Comyns Tucker.

Mount Kazbegi is a dormant stratovolcano and one of the major mountains of the Caucasus located on the border of Georgia's Kazbegi District and Russian Republic of North Ossetia–Alania.  It is the third-highest peak in Georgia (after Mount Shkhara and Janga) and the seventh-highest summit in the Caucasus Mountains. Kazbegi is also the second-highest volcanic summit in the Caucasus, after Mount Elbrus. The summit lies directly to the west of the town of Stepantsminda and is the most prominent geographic feature of the area. Mount Kazbek is the highest peak of Eastern Georgia. The name in Georgian, "Mqinvartsveri", translates to "Glacier Peak" or "Freezing Cold Peak". The Vainakh name "Bashlam" translates as "Molten Mount".


Biographie.

Jeunesse et formation.

Giovanni Antonio Canal naît dans la paroisse de San Lio, près du Rialto. Il est fils d'un artiste vénitien, Bernardo Canal, peintre de scénographies et de décors de théâtre qui bénéficie d'une évidente autorité et d'une certaine aisance. Il existe bien à Venise une famille (da) Canal inscrite sur la Liste de familles nobles de Venise, mais sans lien avec Giovanni Antonio.  C'est dans l'atelier du père que Canaletto apprend la peinture. Dès 1716 il aide son père, avec son frère Cristoforo, à peindre les décors pour deux œuvres de Vivaldi et Fortunato Chelleri, représentés aux théâtres Sant'Angelo et San Cassiano à Venise.  En 1720, le jeune Giovanni est à Rome avec son père Bernardo

Les premières commandes.

Revenu à Venise en 1720, Canaletto s'inscrit à la guilde (la "fraglia dei pittori veniziani") des peintres. Il décide d'abandonner le décor de théâtre. Canaletto imite les "vedutisti" vénitiens qui sont ses précurseurs, et notamment Luca Carlevarijs et Marco Ricci, et commence à se consacrer à temps plein à la peinture de vues de la ville. Carlevarijs avait créé un marché propice, par ses propres tableaux de vues et de commémoration d'évènements solennels ; il avait d'ailleurs publié, dès 1703, un recueil de 103 eaux-fortes intitulé "Le Fabriche e vedute di Venezia" (Monuments et vues de Venise), où il innove en proposant des "vedute" conçues en perspective.  Les premiers clients de Canaletto sont soit vénitiens, comme Zaccaria Sagredo (1653 - 1729), collectionneur de peintures, dessins et livres, neveu du doge Nicolò Sagredo, et les frères Giovanelli, qui commandent deux "Caprices" exécutés en 1723, soit d'origine germanique, comme Johann Joseph von Wallenstein (1684-1731). Ses premières commandes de "vues" de Venise sont quatre "vedute" peintes en 1723. Elles ont peut-être été commandées par le prince Joseph Wenzel de Liechtenstein (1696-1772), soit directement,

La rencontre avec Joseph Smith.

Ayant acquis une réputation certaine, le Canaletto commence à être remarqué par des amateurs anglais : durant le , Venise était très fréquentée par les jeunes gens de l'aristocratie britannique qui accomplissaient leur "Grand Tour" dont la ville lagunaire était une des étapes obligées.  Canaletto a les premiers contacts avec des commanditaires anglais par l'intermédiaire de Owen McSwiny, un impresario d'opéra et marchant d'art irlandais. L'irlandais Owen McSwiney est installé à Venise après avoir quitté l'Angleterre pour cause de faillite. Il a une activité intermittente d'agent pour impresarios londonien et de négociant et de conseil auprès de la clientèle anglaise pour l'achat de tableaux. Le plus important de ses commanditaires est le compte de March, duc de Richmond en 1723. Il arrive à convaincre le duc d'un projet assez unique, qualifié d'« étrange et farfelu » par un contemporain : faire réaliser vingt tableaux, allégories de tombeaux commémorant les grands hommes de l'histoire anglaise récente. En outre, ces tableaux seraient d'être peints en commun par un groupe de peintres, chacun se chargeant de la partie du tableau qui lui correspond le mieux. Les peintres sont, entre autres, Canaletto pour l'architecture et les bâtiments, Giovanni Battista Cimaroli pour les paysages et Giovanni Battista Piazzetta pour les personnages. En 1726, le projet est déjà bien avancé et deux tableaux sont terminés, dont l'un représente la tombe de lord Somers, grand chancelier d'Angleterre, un autre celle de John Tillotson, archevèque de Canterbury. Le duc achète dix tableaux qu'il conserve dans sa demeure de Goodwood, dans le Sussex. En même temps, Canaletto peint des vues sur cuivre, notamment un "Grand Canal, le pont du Rialto vu du nord" (1727) qui sont toujours visible

La période anglaise.

Canaletto part pour Londres en 1746, âgé de 49 ans. De nombreux peintres italiens avant lui avaient fait des séjours en Angleterre, attirés par les possibilités offertes ; parmi eux, la famille Ricci (Canaletto admirait tout particulièrement Marco), Pellegrini, Amigoni, Bellucci. George Vertue, antiquaire, graveur, et chroniqueur, note dans un de ses carnets :  À la fin mai [1746] arrive à Londres, en provenance de Venise, le célèbre peintre de vues Canaletti de Venise, la multitude de ses œuvres faites à l'étranger pour de nobles anglais et gentilshommes lui a procuré une grande réputation & par ses excellents talents et l'excellence dans ce domaine, il est tenu en grande estime et sans doute ses vues et les œuvres qu'il réalisera ici donneront la même satisfaction - bien que beaucoup de personnes possèdent déjà beaucoup de

De retour à Venise.

Après un séjour de près de dix ans en Angleterre, Canaletto revient dans sa ville natale en 1755 ou 1756 et ne se déplacera plus.  En 1755, Canaletto peint l'intérieur de Saint-Marc. Il a comme dernier client important Sigmund Streit, un Allemand ayant réussi en affaire, et retraité à Venise depuis 1750. Il commande six tableaux à Canaletto, parmi lesquels un "Grand Canal" et un "Campo de Rialto" en 1756. Le style de ces tableaux se rapproche tant des compositions antérieures que l'on peut difficilement penser qu'ils datent d'une époque tardive, mais certains des bâtiments, et notamment le nouveau palais de Smith, sont de cette date.  Il peint également deux peintures de nuit "Veillée nocturne à San Pietro di Castello" et "Veillée nocturne au bord de Santa Marta ", toutes

"Capricci" et "vues idéales".

Les "capricci", sorte de mélanges de ruines et de bâtiments anciens dans un paysage tourmenté, est un genre que Canaletto apprécie et exerce fréquemment. Les premiers dessins, du début des années 1720, et dont la paternité est encore incertaine, sont des "capricci" fait à Rome. En 1726, il participe aussi à la confection, pour McSwiney, des tombes imaginaires. Il y a également une série de capricci de Rome, composés de ruines et de bâtiments antiques, réalisés entre 1730 et 1735, dans la collection de Smith.  Les "vues idéales" sont des compositions ou recompositions architecturales qui rassemblent, en un lieu unique, des bâtiments existants ou imaginaires, assemblés selon un schéma

La technique de Canaletto.

La Chambre noire et le "Quaderno".

La chambre noire ou "chambre optique" (en latin "camera obscura"), est un instrument d'optique utilisé fréquemment en peinture pour obtenir une image fiable de la réalité. Le dispositif consiste en une lentille, et éventuellement d'un miroir. La scène réelle est focalisée, au moyen de la lentille, et projetée sur un plan sur lequel le peintre peut, après avoir

Canaletto et la « réalité ».

Ses "vedute" prennent quelques libertés avec la stricte réalité, avec des modifications de la perspective et des déformations de certains bâtiments afin d'améliorer la composition globale de ses tableaux. Canaletto, dans ses peintures, propose une interprétation du réel, plutôt que de faire preuve d'une exactitude topographique irréprochable. Les divers dessins des lieux accumulés durant la phase préparatoire sont ensuite assemblés sur la toile selon un procédé qui ne cherche pas à éviter les distorsions ou les inexactitudes fantaisistes. Sa démarche relève de l'interprétation de la réalité, il transcrit

Le "Quaderno".

Certains de ses croquis, obtenus par la chambre noire ou dessinés sur le vif, sont achevés en atelier et deviennent des dessins ou sont gravés. La collection royale du château de Windsor en possède une riche collection. À Venise est conservé le célèbre carnet de dessins, le seul connu, appelé "Quaderno". C'est un petit volume () composé de sept fascicules. Certaines pages ont été coupées avant qu'il ne soit relié au ; il

La précision du détail.

Les "vues" sont parsemés de détails qui, s'ils se répètent d'un tableau à l'autre sous des formes variées, confèrent aux scènes une animation curieuses ou plaisante. On ne compte pas les personnages aux fenêtres, les stores mal relevés ou bancals, les

Ses successeurs.

Michele Marieschi (1710-1743) plus qu'un successeur, est un concurrent. Il s'installe à Venise en 1735, après un séjour en Allemagne, et dans son atelier il peint, secondé par d'autres spécialisés dans certains thèmes comme les personnages, un nombre impressionnant de tableaux (on en compte deux cents) en quelques années, jusqu'à sa mort en janvier 1743. Lui aussi publie un recueil de gravures, le "Manificentiores Selectionesque Urbis Venetiarum Prospectus", en 1741, qui contribue à sa renommée.  Bernardo Bellotto, son neveu, travaille dans l'atelier de Canaletto depuis son enfance. Il fait avec son oncle les voyages autour de Venise, le long du canal vers Padoue, aux alentours de 1742. Il contribue à la fabrication des vues de son oncle. Quand Canaletto part pour Londres, Bellotto reste à Venise jusqu'en 1747. Il est appelé à la cour du Prince-électeur Frédéric-Auguste II de Saxe, roi de Pologne sous le nom de Auguste III. D'après Links, le prince espérait attirer Canaletto lui-même, et Bellotto est son deuxième choix. Bellotto reste onze ans à la cour de Dresde, à peindre des vues des villes du royaume. Vers 1758, il part à Vienne, y reste deux ans. Après un court séjour à Munich, en 1760, il retourne à Dresde en 1761 et y reste jusqu'en 1766. Il part à Varsovie et y reste jusqu'à sa mort en 1780. Bellotto s'est

Critiques.

Bien entendu, Canaletto n'a laissé indifférent ni ses contemporains, ni les historiens d'art. Voici quelques avis, repris parmi ceux collectés dans : Antonio Canale qui, dans ce pays, stupéfie tous ceux qui voient ses œuvres, suit la manière de Carlevarijs; mais [dans ses tableaux] on voit luire le soleil. J'espère que [ces tableaux de Canaletto] vous plairont quand ils seront finis; je suis peut-être un peu trop exigeant dans mon choix, car sur vingt tableaux, j'en ai rejeté dix-huit. J'en ai vu par exemple plusieurs, qui avaient été envoyés à Londres, dont je ne voudrais pas chez moi et dont je ne donnerais pas deux pistoles. En fait, l'homme est avide et insatiable; et comme il est célèbre, lesgenssont ravis de payer tout ce qu'il demande. Pour la pénétration, le goût et la vérité, seuls quelques maîtres anciens sont comparables à ce peintre de "vedute" dont personne n'approche de nos jours. ...Canaletto s'est distingué dans le talent de peindre des vues, et a fait pendant longtemps des tableaux de ce genre que la finesse de la touche, la vérité qu'il y mettait, et la singularité des aspects, ont fait rechercher des étrangers, et surtout des Anglais pour lesquels il a beaucoup travaillé. Il a fait deux voyages à Londres, et il y a rempli ses poches de guinées. Il a peint dans la manière de Vanvitelli, mais je le crois supérieur. Cet édifice [le pont du Rialto d'après le projet non réalisé de Palladio] loué à juste titre par son auteur, peint et ensoleillé par le pinceau de Canaletto, dont je me suis servi, fait un effet

Principales œuvres.

Le livre de Constable révisé par Links donne une liste exhaustive des œuvres de Canaletto. Il catalogue 521 peintures, beaucoup d'entre elles en plusieurs versions, 332 dessins (sans compter les cahiers d'esquisses). Canaletto a produit aussi 34 eaux-fortes. Il n'était d'ailleurs peut-être pas le seul auteur des tableaux qu'il a produit. En témoignent les différences de qualité au sein d'une même œuvre qui pourraient être le résultat d'un travail d'atelier.  Le plus riche collection d'œuvres est la collection royale d'Angleterre qui possède, à elle seule, 54 peintures, 143 dessins et la série la plus complète d'eaux-fortes : en 1762, Joseph Smith vend sa collection des "vedute" au roi George III. Il en fait la base de sa collection de peintures de Canaletto dans sa propriété du château de Windsor, la Royal Collection. Il y a beaucoup de tableaux de l'artiste dans autres collections britanniques, parmi lesquelles la Wallace Collection de Londres, et il y a un ensemble de vingt-quatre peintures dans la salle à manger de l'abbaye de Woburn, dans le Bedfordshire.

Canaletto en France.

D'après , sont conservés

Annexes.

Bibliographie.

Le catalogue de

Giovanni Antonio Canal (Venise, - Venise, ), plus connu sous le nom de Canaletto, est un peintre vénitien célèbre pour ses panoramas ("vedute") de Venise.  Il est l'un des représentants les plus importants, avec Bernardo Bellotto et Francesco Guardi, du « védutisme » (ou peinture de paysages urbains) italien. Avec Giambattista Pittoni et Giovanni Battista Tiepolo, il est l'un des principaux Vieux maîtres italiens de la Renaissance vénitienne.  Ses peintures marient la rigueur géométrique de la perspective avec une représentation lumineuse du jeu des ombres et lumières, alliant l'ordonnancement des bâtiments avec le grouillement de la vie sur les eaux du grand canal ou la représentation commémorative des évènements solennels et fastueux. Ces représentations résultent à la fois d'une observation attentive de l'atmosphère, du choix de conditions précises de lumière pour chaque moment particulier de la journée et d'un dessin objectif selon les principes de la géométrie.

Giovanni Antonio Canal (18 October 1697 – 19 April 1768), commonly known as Canaletto (), was a italian painter from the Republic of Venice, considered important member of the 18th-century Venetian school. Painter of city views or "vedute", of Venice, Rome, and London, he also painted imaginary views (referred to as capricci), although the demarcation in his works between the real and the imaginary is never quite clearcut. He was further an important printmaker using the etching technique. In the period from 1746 to 1756 he worked in England where he painted many views of London and other sites including Warwick Castle and Alnwick Castle. He was highly successful in England, thanks to the British merchant and connoisseur Joseph "Consul" Smith, whose large collection of Canaletto's works was sold to King George III in 1762.


Biographie.

Membre de la famille Kossak, elle est la petite-fille du peintre polonais Juliusz Kossak. Elle étudie la peinture en 1912-1913 à l'École de l'Art à Varsovie puis le dessin en 1913-1914 à l'École des Beaux-Arts à Genève sur les pas de son grand-père et de son oncle Wojciech Kossak mais choisit finalement la littérature.  Elle vit en Volhynie (à l'extrême Est de la République de Pologne) où elle est victime de la brutalité de la révolution bolchevique sur ces territoires entre 1917 et 1919 ; de cette période date son antipathie vis-à-vis des Juifs engagés dans les mouvements gauchistes.  En 1936, elle reçoit les lauriers d’or de l’Académie polonaise de littérature.  En août 1942, Zofia Kossak-Szczucka publie un célèbre appel à sauver les Juifs : "Protest". En décembre 1942, elle est une des fondatrices de la Commission d'Aide aux Juifs et "Żegota", nonobstant ses prises de position antisémites d'avant-guerre. En effet, elle juge que face à l'ampleur de la tragédie d'un peuple, l'opinion politique doit laisser place à l'éthique et elle s'engage en faveur du sauvetage des Juifs.  En septembre 1943, elle est arrêtée et déportée à Auschwitz, d'où elle est libérée en juillet 1944.  De 1945 à 1957, elle réside en Grande-Bretagne, forcée à l'exil par les nouveaux dirigeants polonais. Après le « dégel de 1956 », elle rentre dans son pays natal.  En 2010, sa fille Anna Szatkowska publia un livre sur ses expériences pendant l'Insurrection de Varsovie en 1944. François Rosset, fils d'Anna, né en 1958, est un professeur de littérature française à l'Université de Lausanne.

Zofia Kossak-Szczucka ou Kossak-Szatkowska (de son second mariage) ( à Kośmin - à Bielsko-Biała en Pologne), écrivaine, essayiste, militante catholique et résistante polonaise.

Zofia Kossak-Szczucka (; 10 August 1889 – 9 April 1968) was a Polish writer and World War II resistance fighter. She co-founded two wartime Polish organizations: Front for the Rebirth of Poland and Żegota, set up to assist Polish Jews to escape the Holocaust. In 1943, she was arrested by the Germans and sent to Auschwitz Concentration Camp, but survived the war.


Description.

"Arapaima gigas" est le plus gros poisson d'eau douce d'Amérique du Sud. Avec une taille maximale pouvant atteindre pour un poids de 250 à , il fait également partie des plus gros poissons d'eau douce du monde. Il est notamment connu pour être l'un des rares animaux à opposer une parfaite résistance aux morsures des piranhas grâce à un véritable gilet pare-dents.  C'est un physostome : sa vessie natatoire communique avec l'œsophage, ce qui le rapproche des cyprinidés et des salmonidés. Sa bouche, énorme, est garnie de petites dents pointues et s'ouvre très largement en créant un tourbillon à la surface de l'eau quand l'arapaima monte « gober » une proie. L'arapaima a une langue « osseuse » équipée d'un ensemble de dents que certains peuples indigènes utilisent pour poncer. Il possède plusieurs rangées de dents en haut et en bas de sa mâchoire. Son dos très large est effilé vers la queue et porte une nageoire dorsale rejetée très en arrière.

Écologie.

Alimentation.

Le régime alimentaire de l'Arapaïma se compose de poissons, de crustacés et d'autres petits animaux. Ce poisson a une respiration aérienne obligatoire, il vient respirer en surface en utilisant sa vessie natatoire riche en vaisseaux sanguins, un avantage pour capter l'oxygène souvent rare dans les rivières d'Amazonie. Ce poisson est donc en mesure de survivre dans les eaux où l'oxygène dissous est aussi faible que 0,5 ppm. L'Arapaima peut rester sous l'eau durant vingt minutes sans prendre de respiration à la surface.

Reproduction.

En raison de l'étendue géographique de l'Arapaïma, son cycle de vie est grandement affecté par les inondations saisonnières. L'Arapaima pond ses œufs au cours des mois de février, mars et avril lorsque le niveau d'eau est faible ou au début à la hausse. Ils construisent un nid d'environ de large et de profondeur, généralement dans des zones sableuses. Les œufs éclosent environ 24 heures après la fécondation et les alevins ont la saison des crues pour se développer, du mois de mai au mois d'août. Par conséquent, le frai annuel est saisonnier, mais la même femelle peut se reproduire plusieurs fois au cours de la saison. L'Arapaima mâle contrairement à son parent, "Osteoglossum spp.", n'est pas incubateur buccal, les jeunes pourraient se réfugier dans la bouche du père en cas de danger grave pendant les premiers jours de leur vie, ensuite ils restent en groupe compact sous la surveillance constante des deux parents qui nagent en permanence en dessous d'eux. Ce travail de garde rapprochée semble être la tâche principale du mâle pendant plus d'un mois. La femelle Arapaima aide à protéger également le nuage d'alevins en intimidant les prédateurs.

Répartition et habitat.

L'arapaima est originaire des rivières d'Amazonie, en Amérique du Sud. Il a également été introduit pour la pêche en Thaïlande et en Malaisie. La pêche de cette espèce en Thaïlande peut se faire dans plusieurs lacs, où l'on voit souvent des spécimens de plus de .

Étymologie et dénominations.

Le nom "Pirarucu" vient d'une langue indienne d'Amazonie, dans laquelle ce mot signifie « poisson rouge ».

L'Arapaïma et l'Homme.

Il fait l'objet d'une pêche intensive car sa chair (légèrement sucrée et aux arêtes peu nombreuses) est recherchée. Il est servi même en période de fermeture dans tous les restaurants du bassin amazonien.  L'élevage permettra peut-être d'enrayer la disparition de l'espèce : sa croissance est rapide () et peu coûteuse (). Sur le plan halieutique : comme la carpe et le saumon, l'arapaïma se défend vigoureusement lorsqu’il est pêché à la canne mais il survit mal à une remise à l’eau.  D'autre part, les écailles de l'arapaïma suscitent l'intérêt de nombreux chercheurs en raison de leur résistance ; on envisage actuellement d'élaborer des matériaux biomimétiques inspirés de ces écailles (pour faire des protections par exemple), qui font de l'arapaïma l'une des seules espèces animales à ne pas redouter une attaque de piranhas.  Dans les années 1990, dans le bassin amazonien, cette espèce a d'abord suivi la même courbe de déclin que les autres poissons géants dans le monde (F. He et al. Glob. Change Biol. Http://doi.org/dbwb; 2019). Menacé d'extinction au Brésil, l'arapaïma (pirarucu) est inventorié dans la base de données de l'Arche du goût. Alors que, introduit à partir du Pérou par accident vers 1975, l'arapaïma (paiche) se développe rapidement dans l'Amazonie bolivienne.  Un arrangement légal, durable et communautaire, national et fédéral a été mis au point par l’Institut brésilien pour le développement durable Mamirauá créé en 1999 sous l'égide du ministère des Sciences, de la Technologie, de l'innovation et des Communications. Cette stratégie de gestion se base sur des évaluations périodiques des stocks, qui font réviser tant que de besoin les quotas de pêche gouvernementaux. Ces mesures ont été efficaces, permettant une augmentation des populations arapaima dans une zone protégée de l’Amazonie péruvienne : Là où cet accord est appliqué en Amazonie brésilienne, les populations d’arapaima sauvages ont aussi commencé à se reconstituer (augmentation de 425% localement). Par exemple dans la réserve de Mamirauá, ces accords passés avec les populations locales ont permis d'augmenter significativement les populations d'arapaïma. Un article de l'AFP fait état de 190.523 individus en 2018 contre 2.507 en 1999.

Arapaima gigas, communément appelé Arapaïma, Pirarucu ou Paiche, est une espèce de poissons de la famille des Osteoglossidés, vivant en Amazonie. C'est le plus gros poisson d'eau douce d'Amérique du Sud. Introduit en Thaïlande et en Malaisie, il est pêché principalement pour sa chair.  En Guyane française on l'appelle localement : pilauluku, "tchouri", "kihiuri", "bodeco"...

Arapaima gigas, also known as pirarucu, is a species of arapaima native to the basin of the Amazon River. Once believed to be the sole species in the genus, it is among the largest freshwater fish. The species is an obligate air-breather and needs to come to the surface regularly to gulp air.


Biographie.

Après des études de chirurgie, ce Berrichon natif de la région d'Issoudun est l'élève du chimiste Jean D'Arcet père, encore nommé Jean Darcet. Leblanc devient en 1780 médecin chirurgien au service de la maison d'Orléans. Son altesse le prince duc d'Orléans subventionne ses recherches visant à obtenir de la "soude" (comme on appelait le carbonate de sodium à l'époque) à partir du sel marin sous le contrôle de son maître en chimie et s'associe pour l'exploitation du procédé avec lui et les sieurs Henri Shée et Dizé, le premier administrateur des deniers de la maison d'Orléans et le second préparateur de chimie au collège de France.  En 1789, Nicolas Leblanc obtient du carbonate de sodium. L'usine créée à Maison-de-Seine, aujourd'hui Saint-Denis (à côté du Port Saint-Denis, au bord de la Seine), est une fabrique de soude artificielle active en 1791. Leblanc s'assure la paternité de son invention par un brevet d'invention en 1791. Elle nécessite le soutien financier du duc d'Orléans pour produire 200 à 300 kg de soude par an. Mais la Révolution survient, et très vite, la séquestration des biens du duc d'Orléans et en conséquence de la fabrique de soude, condamne la production. La mort du duc d'Orléans sur l'échafaud en 1793 marque la fermeture et le dépeçage de l'usine induisant à terme la ruine de Leblanc, contraint de rendre public son procédé et indemnisé de façon dérisoire pour son préjudice. La situation peut être analysée différemment sur le moment : pour poursuivre son activité, Leblanc répond à l'appel du comité de salut public qui invite au sacrifice généreux de toute espèce de secret pour la patrie. Il autorise la publication du procédé.  Mais puisque le financement de l'usine n'est pas toujours assuré, il vit alors de divers menus travaux. En 1794, il est contraint de procéder à l'inventaire du laboratoire de Lavoisier, en vue de la vente de ses appareils.  Les aléas de l'activité industrielle provoquent la ruine du directeur Leblanc. C'est un vieillard désespéré qui se suicide en 1806.  Le procédé Leblanc prend une grande ampleur vers 1830, il est utilisé jusque dans les années 1870, puis supplanté par le procédé Solvay. Une importante fabrique de soude artificielle selon le procédé Leblanc est en particulier dirigée par le fils de Jean Darcet, Jean-Pierre-Joseph d'Arcet, sur le site de l'université actuelle de Paris X Nanterre.  Nicolas Leblanc est le père de César-Nicolas-Louis Leblanc (1787-1835), professeur de dessin au Conservatoire des Arts et métiers et dessinateur de machines.

Nicolas Leblanc, né à Ivoy-le-Pré (France) le et mort à Saint-Denis (aujourd'hui en Seine-Saint-Denis, France) le , est un chirurgien et chimiste français.  Il est surtout reconnu pour avoir mis au point un procédé d'extraction de la soude ou carbonate de sodium à partir du sel marin, donc à partir d'eau de mer. Le procédé Leblanc est considéré comme l'acte fondateur des industries chimiques au siècle industriel.

Nicolas Leblanc (6 December 1742 – 16 January 1806) was a French chemist and surgeon who discovered how to manufacture soda ash from common salt.