Histoire.

Naissance de la communauté chrétienne de Beauvais.

À la fin du , Lucien originaire de Rome serait arrivé en Gaule avec Denis et Rieul pour évangéliser la Gaule du nord. Il se serait installé à Beauvais ("Bellovacum"), prêchant et convertissant au christianisme des habitants. Ainsi serait née la première communauté chrétienne du Beauvaisis.  Vers 290, l’empereur

La cathédrale carolingienne.

De la première cathédrale, il ne reste aujourd'hui que quelques travées de la nef. Ce premier édifice date sans doute de la deuxième moitié du , ce qui correspond aux règnes de Lothaire et de son fils Louis V. Il s'agit d'une église de style carolingien tardif. Elle était beaucoup plus longue que l'édifice actuel puisque la nef ne contient plus aujourd'hui que les trois premières travées occidentales sur les neuf qu'elle avait dans sa plus grande extension, ce qui en faisait une des plus grandes églises de l'époque. Les Beauvaisiens la nomment "la Basse-Œuvre" en opposition avec la "Haute-Œuvre" qui est la cathédrale gothique Saint-Pierre.  Les fouilles menées par Émile Chani sous la cathédrale gothique ont montré la présence d'un grand transept d'époque carolingienne. Les opinions divergent pour savoir si ce transept est d'origine ou

La cathédrale gothique.

Un début de construction rapide.

En 1225, après un énième incendie, le chœur de l'ancienne église cathédrale fut complètement détruit. L'évêque-comte Milon de Nanteuil (1217-1234) choisit alors d'entreprendre la construction d'un nouvel édifice un peu plus à l'est. Le chantier de la nouvelle cathédrale entraîna la destruction progressive de la partie est de l'ancienne église qui devint alors la Basse-Œuvre. Ce qui constitue aujourd'hui la Basse-Œuvre occupe l'emplacement initialement prévu pour la construction d'une nef gothique. Vers 1230, les travaux commencés du côté nord-ouest continuèrent du côté sud-ouest.

Effondrement de voûtes (1284).

C'est probablement une tempête qui a provoqué, un vendredi de novembre 1284 une catastrophe : une partie des voûtes s'effondre sur les travées droites du fait d'une faiblesse au niveau de la deuxième pile séparant les bas-côtés, provoquant la rupture de l'arc-boutant supérieur. L'abside, renforcée par sa structure en arc, n'a pas beaucoup souffert. La charpente est elle aussi restée en place, formant un pont entre l'abside et le côté ouest qui, plus large, était resté presque intact.

La reprise de la construction dans la première moitié du.

Il fallut attendre 150 ans après l'édification du chœur pour que les travaux reprennent dans le transept, sous l'impulsion du comte-évêque Louis de Villiers de L'Isle-Adam. En 1499, le maître maçon Martin Chambiges se vit confier l'élévation du transept qui, après sa mort le 29 août 1532, fut achevée par son fils Pierre. Avec la fin

Construction et effondrement de la tour-lanterne dans la seconde moitié du.

En 1550, le chapitre de la cathédrale décida de faire construire une tour-lanterne et non pas la nef (sans doute pour que la cathédrale, comme ses voisines, se vît de loin…). Les travaux commencent en avril 1563. Achevée en 1569, cette flèche fit de Saint-Pierre de Beauvais l'édifice le plus haut de la chrétienté en atteignant alors les de hauteur. Mais la fragilité de l'ensemble apparut à tous. En effet la tour était suspendue au-dessus d'un gigantesque espace vide, reposant uniquement sur les quatre piliers particulièrement légers de la croisée du transept, préexistants à la tour, constituant déjà en eux-mêmes une construction hardie, et qui ne

Le mobilier des.

L'année 1604 vit les derniers travaux : le voûtement de la première travée de la nef et l'érection d'une cloison recouverte d'ardoise fermant l'église à l'ouest. Le chantier de la cathédrale Saint-Pierre s'arrêta définitivement. Aux

Révolution française, une cathédrale déchue.

Durant la Révolution, en octobre 1793, les sans-culottes détruisirent les statues du tympan du portail sud. L'édifice perdit également une

Les restaurations hasardeuses du.

En 1822, l'église Saint-Pierre de Beauvais redevint cathédrale et reconstitua peu à peu son patrimoine religieux dispersé dans le Beauvaisis. En 1840, elle figura sur la première liste des monuments historiques de 1840. En 1842, l'architecte Daniel Ramée proposa de rallonger la cathédrale de deux travées à l'ouest pour contrebuter l'église et d'édifier du côté méridional une tour en style néogothique. Ce projet fut approuvé par la Commission des arts et édifices religieux représentée par Prosper Mérimée, Eugène Viollet-le-Duc et Henri Labrouste. En réaction, Eugène Delacroix écrivit ironique, dans son journal, le (, tome 1) : Daniel Ramée finit par être renvoyé pour négligence des chantiers. Son projet n'eut pas de suite ce qui permit de sauver une partie de la cathédrale du vouée à une destruction certaine.  Alors qu'il était déjà architecte diocésain d'Amiens pour le palais épiscopal et le séminaire depuis 1850, l'architecte Aymar Verdier fut nommé pour poursuivre en parallèle

Les dommages occasionnés par la Seconde Guerre mondiale.

Si pendant la Première Guerre mondiale, la cathédrale de Beauvais ne subit aucun dommage, il n'en fut pas de même pendant la Seconde. En 1939, tous les vitraux représentant des scènes figurées furent démontés et mis

L'instabilité de l'édifice à la fin du.

Dans les années 1960, les derniers tirants de fer jugés inesthétiques et inutiles furent retirés, provoquant des désordres. Quelque 20 ans plus tard, des fissures apparurent en s'amplifiant, posant la question de la fermeture de l'édifice au milieu

Les restaurations du.

Aujourd'hui, les tirants métalliques intérieurs et extérieurs, mis en place par les architectes du Moyen Âge et qui consolidaient l'édifice ont peu à peu été remis en place. Des échafaudages sont installés presque en continu autour de sa structure en fonction des nombreux travaux toujours en cours. Au début du et bien qu'étroitement surveillée, la cathédrale reste un édifice fragile face aux vents et aux tempêtes. Pourtant, contrairement à une légende tenace, l'édifice est solidement ancré sur des fondations parfois profondes de plus de dix mètres pour reposer sur un sol stable composé de roches dures. Les mesures effectuées durant la décennie 2000 ont confirmé ces données, mais la très grande hauteur de la cathédrale et le fait qu'elle ne soit pas épaulée à l'ouest par une nef provoque une plus grande fragilité.  En 2006 des chutes de pierres détachées de l'édifice ont imposé des travaux urgents de "« purge »", tandis qu'en mars 2016 un grand échafaudage montant jusqu’à un peu plus de a été dressé au chevet de la cathédrale pour restaurer un pinacle dont le sommet était tombé.

Plan et élévation.

La cathédrale est érigée sur un plan en forme de croix latine, plan tronqué puisque seule la première croisée de la nef a été construite. Elle

Matériaux de construction.

La cathédrale est construite en pierre de taille, essentiellement de la craie blanche datant du Crétacé supérieur, et plus précisément ici de l'étage du Coniacien, datant d'environ 88 millions d'années. Cette craie provient des carrières du sud de la ville, près du village de

Architecture extérieure.

Commencée en 1225, la cathédrale de Beauvais fait partie de la seconde génération de l'âge d'or gothique. Les cathédrales de Chartres, Bourges, Paris, Rouen sont déjà debout.

Problèmes structurels.

Dans leur course à l'élévation de l'édifice, les constructeurs du poussèrent les techniques de l'époque à leurs limites. Bien que la structure de l'édifice fût très élevée, ils réduisirent l'épaisseur des s des arcs-boutants équipés de tirants afin de faire pénétrer un maximum de lumière naturelle dans la cathédrale. Le 28 novembre 1284, douze ans seulement après son achèvement, une tempête exceptionnelle fit céder un des arcs-boutants sujet à la force des vents, ce qui entraîna l'effondrement d'une partie de la voûte du chœur, en même temps que quelques-uns des autres contreforts supérieurs. Il a depuis lors été démontré que cet effondrement résultait des vibrations causées par la mise en résonance des

Le chevet.

Sa construction remonte pour l'essentiel au . Les contre-forts sont très rapprochés du fait de la hauteur

Façade sud.

La façade du croisillon sud du transept est décorée de la sculpture de style gothique flamboyant. De chaque côté, la façade est flanquée d'une tourelle octogonale arrondie à la base avec escalier intérieur. Les corniches sont décorées d'animaux fantastiques, de grotesques, d'anges sculptés. Le chiffre du roi avec un F surmonté de la couronne royale y est également sculpté.  Les vantaux en bois du portail sont décorés de sculptures œuvre

Façade nord.

L'édification de cette façade a pu pour partie être réalisée grâce à la générosite du roi François Ier, au début du .  Les portes de la cathédrale du côté nord sont sculptées de l'emblème du roi , la salamandre surmontée de la couronne de France. Derrière les portes sud et nord étaient également sculptées des fleurs de lys, emblème de la monarchie française, qui ont été détruites lors de la Révolution de 1789.  Les vantaux sculptés sont attribués à Jean Le Pot ont été réalisés à partir de 1530. Sur la partie gauche on reconnait les évangélistes, sur la partie droite, les docteurs de l'Église. Tous les personnages

Architecture intérieure.

La cathédrale gothique de Beauvais se compose d'un choeur avec déambulatoire, d'un transept à deux collatéraux et d'une seule travée pour la nef. Sur le déambulatoire s"ouvre onze chapelles.

Le chœur.

Les modifications architecturales.

Le chœur se compose de trois travées droites et d'un hémicycle de sept travées. Le déambulatoire communique avec quatre chapelles rectangulaires et sept chapelles rayonnantes. L'écroulement de la voûte en 1284 amena sa modification : les trois premières voûtes furent transformées en voûtes sexpartites grâce à un doubleau supplémentaire. Le chœur compte aujourd'hui 19 arcades

Les grilles du chœur.

Dans la cathédrale Saint-Pierre de Beauvais, Jérôme Beausire a donné quatre plans de grilles pour remplacer la clôture en pierre datant du . Cet ensemble de ferronneries est dû aux ferronniers Antoine Pichet, Benoît et Gabriel Parent, de Paris, et composé de deux grandes portes et des ferronneries des deux travées du sanctuaire. Il a été posé le 26 août 1739.

Le transept.

Le transept se compose d'une croisée centrale carré et de deux bras au nord et au sud couvert de voûte d'ogives sur lesquelles ont été inscrites plusieurs dates : 1537,

Vitraux.

La cathédrale de Beauvais conserve un ensemble remarquable de vitraux anciens des , . Ils ont été complétés par ceux de Max Ingrand, Michel Durand, Jacques Le Chevallier, Jean Barillet... dans la seconde moitié du .

Vitraux du.

La plus ancienne verrière, dans la chapelle axiale Notre-Dame, date de 1240. Elle représente un arbre de Jessé et une histoire de

Vitraux du.

Les « vitraux en litre » du montre que le chlorure et sulfure d’argent introduits dans la technique ont permis d’illuminer cheveux, nimbes et ornements divers. Mais les conditions difficiles de ce siècle (guerres, pestes, famines) ont débouché sur

Vitraux du.

Pendant la Renaissance, dès 1491, l’une des plus grandes dynasties du vitrail français, la famille beauvaisienne des Leprince reprend le chantier et orne les deux façades du transept de roses, tandis que leur chef de file, Engrand Leprince, réalisa une grande verrière. Son talent est

Vitraux de la seconde moitié du.

Après la Seconde Guerre mondiale, plusieurs artistes contemporains furent appelés à développer leur art

Vitraux restaurés au début du.

En mars 2016, les vitraux contemporains du déambulatoire et du triforium dont des éléments manquaient (remplacés

Le mobilier.

L'horloge médiévale.

La cathédrale conserve la plus ancienne horloge médiévale à carillons toujours en état de marche. Elle se trouve non-loin de l'horloge astronomique, dans la chapelle Sainte-Thérèse dans la partie nord du déambulatoire, contre le mur de la sacristie

L'horloge astronomique.

La cathédrale de Beauvais possède une horloge astronomique, construite par Auguste-Lucien Vérité entre 1865 et 1868 et fut placée dans la chapelle du Saint-Sacrement, située dans le bras nord du transept, en 1876. C'est la pièce maîtresse du mobilier de la cathédrale.  Elle compte environ 90 000 pièces mécaniques en acier et en

Le monument funéraire du cardinal de Forbin-Janson.

Ce monument funéraire est situé près de la sacristie dans le bas-côté nord. Œuvre de Nicolas Coustou, datée

Les tableaux.

La cathédrale conserve

Les sculptures.

La cathédrale conserve

Les tapisseries.

Elle conserve deux ensembles de tapisseries de chœur remarquables () : sur les onze pièces qui constituaient "La Vie de saint Pierre", 6 subsistent aujourd'hui. Ces tapisseries du

Les orgues.

La cathédrale de Beauvais possède deux orgues: le grand orgue de tribune Des Oliviers, 1532 / Cosyn, 1827 / Danion-Gonzalez, 1979 (4 claviers et pédalier, 77 jeux) ; et un orgue de chœur Ducroquet, 1850 / Gutschenritter, 1943 (2 claviers et pédalier, 21 jeux).

L'orgue de tribune.

L'instrument a été construit en 1979 par les établissements Danion-Gonzalez. Il remplace en réutilisant une bonne part du matériel ancien l'orgue construit en 1827 par Cosyn, sous la direction de P.M. Hamel. Il a été placé dans l'unique travée de la nef.  L'instrument est réparti en deux buffets, le grand corps et le positif dorsal. La façade du Positif s'articule autour de

Orgue de chœur.

L'orgue a été construit en 1850 par Ducroquet. Il a été restauré et modifié par Gutschenritter en 1943. Le buffet est de style néogothique. Deux plates-faces surélevées de 9 tuyaux encadrent une grande plate-face centrale qui possède également 9 tuyaux. Le buffet mesure de largeur, environ de hauteur et de profondeur.

Le trésor.

Saint-Pierre de Beauvais possédait, au Moyen Age, l'un des plus beaux trésors de cathédrale en France, constitué de plus d'un millier d'objets. Pour poursuivre la construction de la cathédrale, pour le paiement de la rançon du roi François Ier, pour financer les réparations à la suite de la chute de la flèche, le chapitre cathédral en vendit une partie. A la Révolution française, le trésor fut dispersé, le 18 août 1791, le district de Beauvais envoya à la Monnaie de Paris, ciboires, calices, ostensoirs, statues en argent, reliquaire. En 1792, une représentation en argent de saint

Le cloître et la salle du chapitre.

Le cloître fut construit au vraisemblablement sous l'épiscopat de Pierre de Savoisy, le bâtiment à colombage qui le surmonte est construit en brique. Il avait autrefois quatre côtés, il n'en reste que deux. Il est formé d'une série d'arcades trilobées sur quatre travées soutenues par trois contreforts. Cette partie du cloître n'est pas voûtée, le plafond plat est surmonté par des poutres reposant sur des corbeaux de bois décorés des armoiries sculptées des dignitaires de la cathédrale. Dans le bâtiment au dessus du cloître, avant la Révolution française, se trouvait la bibliothèque du chapitre cathédral.  Au , on construisit, dans le prolongement du cloître, un bâtiment en pierre qui abrite à l'étage la salle du chapitre éclairée par des fenêtres à meneaux avec des volets de bois au décor en plis de serviette. Dans le prolongement de la salle du chapitre, se trouve la salle des archives. Au centre du cloître un petit jardin a été aménagé avec au milieu une croix de fer fixée sur un socle formé d'une colonne en pierre du . Le sol du jardinet est rehaussé de 60 centimètres par rapport au niveau du cloître.

La cathédrale Saint-Pierre de Beauvais est une église catholique située à Beauvais, dans le département français de l'Oise en région Hauts-de-France. Elle est la cathédrale du diocèse de Beauvais.  Sa construction est contemporaine de celle des cathédrales de Chartres, de Reims, de Bourges et d'Amiens...  Elle possède le plus haut chœur gothique au monde () sous voûte. De 1569 à 1573 la cathédrale de Beauvais fut avec sa tour de la plus haute construction humaine du monde. Ses concepteurs avaient l'ambition d'en faire la plus grande cathédrale gothique de France devant celle d'Amiens. Victime de deux écroulements, l'un au , l'autre au , elle reste aujourd'hui inachevée, seuls le chœur et le transept ont été construits.  Elle est affiliée à la paroisse "Saint-Pierre-Saint-Paul en Beauvaisis" de Beauvais-Centre.

The Cathedral of Saint Peter of Beauvais () is a Roman Catholic church in the northern town of Beauvais, France. It is the seat of the Bishop of Beauvais, Noyon, and Senlis. Construction was begun in the 13th-century. The cathedral is of the Gothic style. It consists only of a transept (16th-century) and choir, with apse and seven polygonal apsidal chapels (13th-century), which are reached by an ambulatory.  A small Romanesque church dating back to the 10th-century, known as the "Basse Œuvre", still occupies the site destined for the nave of the Beauvais Cathedral.


Biographie.

Né à Hanovre, Klages étudie d'abord la physique et la chimie, puis la psychologie et la philosophie à Leipzig, Hanovre et Munich. Après avoir rencontré le sculpteur Hans-Busso von Busse, il fonde avec lui et Georg Meyer l’Association allemande de graphologie en 1894.  C’est à Munich qu’il rencontre également l’écrivain Karl Wolfskehl et le mystique , avec qui il forme, en y insérant l’écrivain , un groupe connu comme le Cercle cosmique de Munich, auquel on associe parfois le poète Stefan George. Klages écrivit d’ailleurs un livre élogieux sur la poésie de George en 1902. C’est au sein de ce groupe qu’il aborde certains des thèmes qu’il reprendra et développera ultérieurement, comme la critique du monde moderne, essentiellement inspirée par le romantisme allemand du et des auteurs comme Nietzsche, Bergson et, surtout, d’après Wolfskehl, Johann Jakob Bachofen (1815-1887), un anthropologue suisse connu pour ses travaux sur les sociétés matriarcales.  En 1914, Klages se rend en Suisse où il subvient à ses besoins grâce aux revenus de ses écrits et de ses conférences. Il ne retourne en Allemagne que dans les années 1920, où on lui accorde en 1932 la médaille Goethe pour l’art et la science.  Il est attaqué en 1936 par les autorités nazies pour son manque de soutien, et une campagne de dénonciation violente est menée à son encontre par les journaux allemands en 1942, à l’occasion de son anniversaire. Il sera au contraire honoré par le gouvernement d’après-guerre, spécialement pour ses 80 ans, en 1952.  Son œuvre a été abondamment commentée en Allemagne, où il a représenté une référence intellectuelle incontournable, notamment Benjamin ou Hermann Hesse, ou présente dans les œuvres de Robert Musil (le personnage de Meingast dans "L'homme sans qualités") et Thomas Mann, sous des traits ambivalents. Cioran, dont il a été le maître, dira de lui :

Thèmes de l’œuvre.

Klages créa une théorie complète de la graphologie à laquelle son nom reste attaché, tout comme les concepts de niveau de forme, de rythme et l’interprétation de la bi-polarité.  À la suite de Nietzsche et Bergson, il anticipe la phénoménologie existentielle, et développe le concept de logocentrisme dans les années 1920.  Fortement marqué par la philosophie de la vie de Nietzsche ("Lebensphilosophie"), il porta cette dernière « à ses conclusions les plus extrêmes ». Sa pensée est principalement exposée dans "L’Esprit comme antagoniste de l’âme" ("Geist als Widersacher der Seele"), peut-être son œuvre la plus connue. Il remarque et soutient dans cette dernière que l’esprit et l’hyper-rationalisme parasitent le rythme naturel de la vie et de l’âme : c'est pourquoi Cuvillier, déplorant la place des idées de Klages en caractérologie, dénonce en lui un représentant du courant innéiste et « anti-intellectualiste allemand ».  Klages oppose ainsi l'esprit à la vie et présente l'être humain en conflit avec ces deux pôles. Pour lui le courant du Romantisme est un appel de la vie contre l'Esprit. Il prédit toutefois une victoire totale de l'Esprit qui risque de détruire la force vitale. Ces concepts furent violemment débattus dans l’entre-deux-guerres allemand et notamment autour de la révolution conservatrice et, à l’instar de l'opposition « culture/civilisation », difficile à rendre dans d’autres langues : en français, par exemple, l'antagonisme entre les deux termes est beaucoup moins marqué.  Il est aussi l’un des principaux précurseurs des mouvements écologistes européens, notamment avec la conférence qu’il prononça au Haut-Meissner en 1913, conférence intitulée « L’homme et la terre », où il prophétise et dénonce l’extinction d’espèces animales, le pillage des ressources naturelles, les ravages du tourisme de masse, le progrès (« rien d’autre que la négation de la vie ») et la volonté de puissance de l’homme, principalement occidental. Ce texte fut redécouvert par les courants écologistes allemands, et notamment les Verts, au début des années 1980, et représente l'un des premiers manifestes du genre.  Lors de sa mort, le philosophe allemand Jürgen Habermas soutient que Habermas caractérisa ces réalisations comme « non datées » et même en avance sur son temps.

Publications.

Principales œuvres traduites en français :

Ludwig Klages de son nom complet Friedrich Konrad Eduard Wilhelm Ludwig Klages, né le à Hanovre, mort le à Kilchberg, est un philosophe de la nature et de la vie allemand, un psychologue et le fondateur de la graphologie psychologique scientifique.

Ludwig Klages (10 December 1872 – 29 July 1956) was a German philosopher, psychologist and a theoretician in the field of handwriting analysis. He was nominated for the Nobel Prize in Literature.


Biographie.

La vie de Cziffra comprend deux grandes périodes : la première se déroule essentiellement en Hongrie et s'achèvera par la fuite du pays lors de l'insurrection d' ; la seconde période commence avec l'exil vers l'Autriche puis la France qui deviendra sa patrie d'adoption.

Jusqu'à octobre 1956.

György Cziffra est le puîné de trois enfants d'une famille de musiciens tziganes. György Cziffra père est cymbaliste et joue durant les années 1910 dans les restaurants et cabarets parisiens. Survient la Première Guerre mondiale. Le père est emprisonné en tant que citoyen d'un pays en guerre contre la France et la mère expulsée dans son pays d'origine. Elle vivra chichement avec ses deux filles dans une chambre de Budapest. Son mari, libéré de prison après la fin de la guerre, rejoint sa famille. Les retrouvailles se soldent par la naissance du petit György Cziffra le .  Dès son enfance, ce dernier montre un don particulier pour la musique. Son père lui donne ses premières leçons de piano, et à l'âge de quatre ans, il reproduit à l'oreille ce que joue sa sœur aînée. À cinq ans, il interprète des airs suggérés par le public d'un cirque itinérant dont il est, pendant quelques semaines seulement, la vedette. Il est, à neuf ans, le plus jeune élève jamais admis dans la prestigieuse Académie Franz Liszt de Budapest. Il y est formé par István Thomán et Ernő Dohnányi. À 13 ans, il finit l'opérette d'un autre compositeur en un temps record. Dès l'âge de seize ans il débute les tournées à travers l'Europe, notamment en Hongrie, Pays-Bas et Scandinavie.  György Cziffra épouse Soleilka, une femme d'origine égyptienne, en 1941. Elle lui donnera un fils, également nommé György Cziffra, qui deviendra chef d'orchestre.  La Deuxième Guerre mondiale contraint Cziffra à cesser d'étudier la musique. Il est envoyé combattre sur le front de l'Est avec l'Armée hongroise.La Hongrie est alors alliée de l'Allemagne. Il est fait prisonnier par des partisans soviétiques. Transféré quelques mois plus tard dans un camp de prisonniers, il est enrôlé dans la nouvelle armée hongroise qui se forme à la libération du territoire hongrois par l'Armée Rouge. Après avoir servi pendant plus d'un an comme instructeur, il est démobilisé et rejoint en 1946 sa femme et son fils qu'il n'avait pas revus depuis 1942.  Il reprend l'étude du piano en 1947 auprès de György Ferenczy tout en gagnant sa vie en se produisant dans des bars de Budapest, en particulier avec son ami Elek Bacsik. Opposé au régime communiste hongrois, il est arrêté lors de sa tentative de traverser la frontière clandestinement avec sa famille. Il reste prisonnier politique de 1950 à 1953 , condamné aux travaux forcés où il exécute la dure tâche de porteur de pierres. Il lui en restera des séquelles qui lui vaudront, à sa libération, de longs mois de rééducation et des douleurs persistantes aux articulations. D'où son fameux bracelet de cuir au poignet droit qu'il portera plusieurs années encore après son exil.  Il est alors enfin reconnu comme un pianiste exceptionnel par le ministère hongrois des Affaires culturelles qui lui permet entre 1953 et 1956 d'accéder à une carrière d'interprète virtuose et de donner de nombreux concerts en Hongrie, sans pouvoir encore jouer à l'étranger. En 1955, il obtient le prix Franz Liszt de la virtuosité pianistique remis pour la première fois à un pianiste qui n'est pas lui-même compositeur. Le , à l'occasion de la célébration de l'anniversaire de la Révolution d'Octobre, il donne au théâtre Erkél de Budapest une interprétation magistrale du Concerto de Bartók, un concerto d'une difficulté extrême qu'il a appris en à peine six semaines grâce à un labeur acharné. Les spectateurs, enthousiastes, en sortent transportés : ""Ces quelque deux mille personnes, d'ordinaire si disciplinées, se ruèrent hors de la salle en scandant l'hymne national, arrachant sur leur passage dans les rues et boulevards avoisinants tout ce qui ne portait pas les couleurs nationales seules"". C'est alors le début de l'Insurrection de Budapest.

À partir d'octobre 1956.

Lors de la répression qui suit l'insurrection, et la fuite de dizaines de milliers de Hongrois, il profite de la brève ouverture de la frontière pour fuir le régime communiste et s'échapper vers l'Autriche avec sa famille. Profitant de ce qu'il se produit à Vienne, il demande l'asile politique et part pour la France avec sa femme et son fils de 14 ans. Il est apprécié par le public dès son arrivée à Paris (« "Pianiste du siècle, réincarnation de Liszt, pianiste des pianistes, virtuose au bracelet de cuir…" ») où il enregistre sa fameuse interprétation des "Rhapsodies hongroises" de Liszt (1956) qui restera son compositeur de prédilection avec Chopin. Certains critiqueront à ses débuts l'étroitesse d'un répertoire de "saltimbanque". À cette époque, Liszt n'était pas considéré comme un compositeur suffisant pour remplir une carrière de pianiste. Cziffra s'essaiera, avec brio, à de nombreux autres compositeurs : Chopin bien sûr, Beethoven, et aussi Bartók, Ravel, Rachmaninov, Balakirev, Grieg, Rameau, Couperin…  Cziffra dans de nombreuses œuvres, allait plus loin que l'interprétation, il s'est aussi prêté au jeu de l'arrangement, par exemple avec les "Danses hongroises" de Brahms, dont il a fait beaucoup plus qu'une simple transcription pour piano à deux mains, ou encore avec "Le Vol du bourdon" (extrait de l'opéra "Le Conte du tsar Saltan" de Rimsky-Korsakov). On lui a souvent reproché une certaine excentricité, l'influence de son humeur sur son jeu lors de ses concerts, sa recherche d'un public "populaire", avec le côté « "classiques favoris" » de ses récitals. En fait, son immense talent, sa virtuosité hors du commun, avaient réussi à le propulser au premier plan, mais en dehors des chemins traditionnels qui mènent les pianistes au panthéon de la renommée…  En 1966, il fonde le festival de musique de La Chaise-Dieu en Auvergne avec l'aide du Georges Mazoyer et de son épouse Suzanne Chaleyé-Mazoyer, et donne l'impulsion nécessaire pour restaurer les grandes orgues Marin Carouge de l'abbaye. Il est naturalisé français en 1968 et devient Georges Cziffra. En 1975, il crée la Fondation Cziffra (toujours en activité) qui a pour but de soutenir de jeunes talents qui deviendront des pianistes talentueux comme Jean-Gabriel Ferlan. Il achète alors l'ancienne chapelle royale Saint-Frambourg à Senlis, laissée à l'abandon et tombée en totale décrépitude. Après d'énormes travaux de restauration, il y crée l'auditorium Franz-Liszt. La même année, il signe l'avant-propos du livre de Michel Sogny, "L'admiration créatrice chez Liszt."  En 1981, la mort de son fils György, chef d'orchestre, dans l'incendie de sa maison a des répercussions très négatives sur les apparitions en public de Georges Cziffra. Ses concerts se font de plus en plus rares et plus jamais il ne rejouera avec orchestre. « "La seule vue d'un piano me donnait envie de vomir, la nuit, j'agressais les passants, whisky, vodka, deux bouteilles par jour... Jusqu'en 1984, je ne me suis pas relevé, et brusquement j'ai compris que tout cela ne changerait rien à la mort de mon fils, j'ai eu terriblement honte, j'ai cessé de boire et de manger, je me suis imposé, sans l'aide de personne, d'avoir faim sept jours sur sept. J'ai perdu vingt-trois kilos et j'ai recommencé à travailler, quatre à cinq heures par jour, jamais je n'avais eu faim de musique à ce point". » Il a tout repris à zéro, musculairement, mentalement et son grand retour a lieu en 1986. « "On m'a dit que c'était un concert magnifique, mais je sais bien que je n'étais pas moi-même. Autrefois j'étais d'une sûreté absolue ; je ne suis plus qu'à quatre-vingt pour cent. J'ai perdu bien de ma virtuosité, mais je la retrouve, petit à petit, j'ai gagné !" »  En et , il enregistre à Senlis plusieurs œuvres de Liszt (EMI Pathé Marconi 2704171 / PM 375) dans un disque qu'il dédiera - de sa main - à la mémoire de son fils Gyorgy.  Il retrace les étapes significatives de sa vie mouvementée dans son livre "Des canons et des fleurs" avec, à la fois, beaucoup d'émotion, de simplicité, d'authenticité et de ferveur. On y découvre comment il s'en est fallu de peu que le destin ne prive la communauté musicale du d'un de ses plus grands interprètes. Cependant sa carrière musicale n'y est pas retracée. L'un de ses disciples, le pianiste Pascal Amoyel a créé un spectacle-hommage, "Le pianiste aux 50 doigts", retraçant sa vie, de l'enfance jusqu'à son premier grand concert.  Atteint d'un cancer du poumon, il meurt, selon son entourage, d'un infarctus du myocarde le à Morsang-sur-Orge, à l'âge de 72 ans.  On peut légitimement le considérer comme l'un des plus grands pianistes du .

Vidéos.

Cziffra joue le "Vol du Bourdon" à Budapest en 1954.  Autre version (sans la reprise) du "Vol du Bourdon" en concert à Paris en 1957.  La "Danse Macabre" de Liszt (version abrégée), avec Roberto Benzi à la baguette :  L"'Ouverture de Tannhäuser" de Wagner (les cinq dernières minutes), transcrite pour piano par Liszt, arrangée par Cziffra (1959) :  Cziffra répète la "Toccata" de Schumann (1960) dans sa propriété de Montigny-lès-Cormeilles. Un mélange de tierces, de quartes, de quintes, de sixtes, de septièmes et d'octaves :  Cziffra à Bruxelles vers 1960. Après une interview - où il parle à vrai dire très peu - il improvise sur une "Danse Slave" op.72 n°2 de Dvořák : Cziffra joue en concert la " étude d'exécution transcendante" de Liszt sur piano Gaveau.  Récital de piano sous les caméras de la Télévision française. Bernard Gavoty, qui présentait l'émission, observe de loin. Cziffra joue ici la "Ronde des Lutins" de Liszt :  Concert télévisé dans les années 1970. Cziffra termine le concert par le "Capriccio en fa mineur" de Dohnányi :

György Cziffra (Georges Cziffra, ) (Budapest, - Longpont-sur-Orge, ) est un pianiste virtuose hongrois naturalisé français en 1968.  Surtout connu pour son interprétation des œuvres virtuoses de Franz Liszt, György Cziffra a également enregistré plusieurs compositions de Chopin et de Schumann. Son interprétation du "Carnaval de Vienne" de ce dernier a été particulièrement appréciée par Alfred Cortot. Considéré comme un des meilleurs pianistes du , il est également connu pour ses transcriptions pour piano de différentes œuvres, dont "Le Vol du bourdon" de Nikolaï Rimski-Korsakov qui présente une stupéfiante imbrication d'octaves alternées.

György Cziffra (in Hungarian form Cziffra György ; 5 November 192115 January 1994), also known as Georges Cziffra and George Cziffra, was a Hungarian-French virtuoso pianist and composer. He is considered to be one of the greatest pianists of the twentieth century. Among his teachers was István Thomán, who was a favourite pupil of Franz Liszt.  He became a French citizen in 1968. Cziffra is known for his recordings of works of Franz Liszt, Frédéric Chopin and Robert Schumann, and also for his technically demanding arrangements of several orchestral works for the piano, including Nikolai Rimsky-Korsakov's "Flight of the Bumblebee" and Johann Strauss II's "The Blue Danube".


Biographie.

Alfred Brehm (surnommé Chalihl Effendi), fils du pasteur Christian Ludwig Brehm (1787-1864) et de sa seconde femme Bertha, grandit dans le village d’Unterrenthendorf, en Thuringe. Son père s’est fait connaître des experts en tant qu’ornithologue grâce à ses publications et à une vaste collection d’oiseaux empaillés. Il accumule dans sa maison plus de spécimens, donnant un aperçu du monde des oiseaux en Europe. Les recherches de son père suscitent très tôt l’intérêt d’Alfred pour la zoologie, mais ce dernier souhaite devenir architecte.  Au printemps 1844, Alfred Brehm entre en apprentissage chez un maître d’ouvrage à Altenbourg. Il apprend jusqu’en 1846 la maçonnerie et sort diplômé de l’École d'art et d'artisanat d'Altenbourg. Il se rend à Dresde fin 1846 afin d’y étudier l’architecture, mais abandonne ses études après deux semestres, car le baron Johann Wilhelm von Müller (1824-1866), ornithologue alors célèbre, recherche quelqu’un pour l’accompagner dans une expédition en Afrique. Le , il part en tant que secrétaire et assistant du baron pour une expédition de cinq ans qui l’emmène en Égypte, au Soudan et sur la péninsule du Sinaï. L’apport scientifique de cette expédition fut si important que Brehm devint, à l’âge de seulement 20 ans, membre de la Leopoldina.  Après son retour en 1853, Brehm commence des études de sciences naturelles à l’université d'Iéna. Tout comme son frère Reinhold, il devient un membre actif de l’association étudiante "Corps Saxonia Jena". En raison de son voyage scientifique à travers l’Afrique du Nord, il reçoit de ses camarades membres le surnom respectueux de Pharao. Il obtient son doctorat en 1855 après seulement quatre semestres d’études. En 1856, il réalise avec son frère un voyage de deux ans en Espagne. Il s’installe ensuite à Leipzig comme écrivain indépendant et rédige de nombreux textes de vulgarisation scientifique pour le célèbre "Die Gartenlaube" et d’autres revues. Il entreprend entre-temps en 1860 une expédition en Norvège et en Laponie.  En mai 1861, Brehm épouse sa cousine Mathilde Reiz, avec laquelle il aura cinq enfants. Mais sa soif de voyage le conduit bientôt à repartir, et en 1862, il accepte une invitation du duc Ernest II de Saxe-Cobourg et Gotha (1818-1893), qui lui propose de l’accompagner lors d’un voyage en Abyssinie (actuelle Éthiopie). Par la suite, il se rend encore plusieurs fois en Afrique, ainsi qu’en Scandinavie et en Sibérie. Au cours des années 1878-1879, il entreprend deux voyages en Hongrie et en Espagne à la suite de l’invitation du prince héritier Rodolphe d'Autriche (1858-1889), amateur d’ornithologie et qui conservera des relations amicales avec Brehm jusqu’à sa mort.  Ses essais et comptes-rendus de voyage sur le monde animal connaissent un franc succès auprès d'une grande partie de la Bildungsbürgertum, la bourgeoisie cultivée de l'époque, si bien que l'éditeur Herrmann Julius Meyer (1826-1909) lui commande en 1860 une vaste œuvre en plusieurs volumes sur le monde animal pour l’Institut bibliographique de Hildburghausen. Publiée sous le nom de "Illustrirtes Thierleben" ("Vie des animaux illustrée") de 1864 à 1869, puis "Brehms Thierleben" ("Vie des animaux selon Brehm") dans les éditions ultérieures, l’œuvre rend son auteur célèbre dans le monde entier. Bien que l’interprétation que fait Brehm du comportement des animaux soit de nos jours considérée comme erronée, l’œuvre reste néanmoins une référence. Les illustrations de la deuxième édition ont été réalisées par Gustav Mützel (1839-1893).  La vie de Brehm est riche en travaux écrits et en voyages de recherche et de conférence. Néanmoins, il accepte en 1862 sa nomination au poste de premier directeur du Parc zoologique de Hambourg, poste qu’il conserve jusqu’en 1867. Il s’installe ensuite à Berlin et y fait construire en 1869 un somptueux aquarium, où il travaille jusqu’au cours de l’année 1874.  Au cours de l’hiver 1883-1884, Brehm entreprend un voyage de conférence aux États-Unis. Peu avant son départ, ses quatre enfants vivant avec lui sont atteints de diphtérie. Brehm, veuf depuis 1878, décide malgré tout de faire le voyage, car il ne parvient pas à trouver l’argent nécessaire au paiement des frais d’annulation. À la fin du mois de janvier, il apprend la mort de son fils cadet. À cette souffrance morale s’ajoute alors la malaria, dont Brehm souffre depuis sa jeunesse passée en Afrique. Il rentre à Berlin le . Afin de trouver le calme, il s’installe à nouveau dans sa région natale près de Renthendorf, où il meurt le . À cet endroit se trouve aujourd’hui le Mémorial Brehm. Un monument dédié à Brehm, créé par le sculpteur tyrolien Norbert Pfretzschner (1850-1927), a été érigé à Altenbourg.

Œuvres traduites en français.

"Collection : Merveilles de la nature. L'homme et les animaux", J.B. Baillière et fils, Paris

Alfred Edmund Brehm est un zoologue et écrivain allemand né le à Unterrenthendorf (aujourd’hui Renthendorf, près de Neustadt an der Orla), et décédé le à Renthendorf. À travers son livre "Brehms Tierleben" ("La Vie animale selon Brehm"), son nom devient synonyme de vulgarisation scientifique de la littérature zoologique.

Alfred Edmund Brehm () (2 February 1829 in Unterrenthendorf, now called Renthendorf – 11 November 1884 in Renthendorf) was a German zoologist, writer, director of zoological gardens and the son of Christian Ludwig Brehm, a famous pastor and ornithologist.  Through the book title "Brehms Tierleben", which he co-authored with Eduard Pechuël-Loesche, Wilhelm Haacke, and Richard Schmidtlein, his name became a household word for popular zoological literature.


Histoire.

Le graveur Marcantonio Raimondi avait, à la Renaissance, utilisé un procédé mixte, associant la gravure au burin et des gris obtenus en dépolissant la plaque de cuivre à la pierre ponce, pour ensuite repolir au brunissoir les parties devant apparaître en clair sur l'épreuve (fig. 1). Ce procédé particulier à un graveur exceptionnel semble s'être ensuite perdu. Certains graveurs ont rendu les demi-teintes par le pointillé, consistant à semer laborieusement des petites entailles dans le cuivre.  En 1642, un graveur amateur allemand, Ludwig von Siegen, inventa, pense-t-on, la manière noire. Il se peut que l'idée ait surgi à la suite de grattage d'eaux-fortes trop intenses. Von Siegen gravera, en 1642, le premier portrait en manière noire (fig. 2). Le prince Rupert du Rhin, artiste amateur (fig. 3), développa la technique en inventant le berceau, et son assistant, Wallerant Vaillant (fig. 4), l'adaptera à un usage commercial à Amsterdam, dans les années 1660.  Le procédé est particulièrement en vogue dans le dernier tiers du , et au , en particulier en Angleterre où l'on parle de l'art des deux Smith — John Smith et John Raphael Smith (fig. 5) – de Elisha Kirkall, et de Jacob Christoph Le Blon, lequel invente un procédé en couleurs dans lequel on utilise 3 ou 4 cuivres encrés en différentes couleurs et imprimés sur un même papier (fig. 9).  Elle est appréciée pour la transposition et la diffusion des portraits peints, comme ceux d'Antoine van Dyck. Ses noirs veloutés et ses gris profonds sont à même de restituer le coloris subtil de ses tableaux et de traduire la fine observation que celui-ci accorde aux textures ainsi qu’aux jeux de la lumière sur les surfaces.  En dépit de la grande variété qu’elle offre, les limites de cette technique la font rapidement passer de mode. Tout au long du , les variantes de l'eau-forte, comme la gravure au lavis, puis l'aquatinte, se substituent progressivement à la manière noire. Au cours de la seconde moitié du , des graveurs comme Mario Avati la remettent à l'honneur.

Le procédé.

Le premier travail consiste à grainer la plaque uniformément de petits trous, à l’aide d’un outil appelé "berceau" (Planche ci-contre : A et B), un demi-cylindre hérissé de pointes fixé sur un manche. L'outil découvert par von Siegen fut confié à l'anglais John Evelyn qui l'évoquait en 1662 dans son ouvrage intitulé "Sculptura". Il fut ensuite perfectionné par Abraham Bloteling.  Selon Jacob Christoph Le Blon et Antoine Gautier de Montdorge, l'affûtage est fastidieux : .  Un mouvement de balancement du manche, d'abord d'avant en arrière puis de gauche à droite entame le métal de façon régulière et uniforme . Le grain doit être régulier pour retenir l'encre lors de l'impression et permettra ainsi d'obtenir un aplat profond.  On parle d'un "tour" lorsqu'on a effectué un premier passage dans les trois directions principales (de haut en bas, de gauche à droite et en diagonale) sur la surface de la plaque. Les graveurs des et préconisaient vingt tours afin que la plaque soit correctement grainée. Le grainage peut aussi être obtenu par une "roulette" (fig. 7a), ce qui permet de gagner du temps, mais donne un rendu plus médiocre.  Le graveur va aplanir les régions de la plaque qui doivent moins retenir l'encre à l'aide d'un grattoir ou d'un brunissoir (Planche ci-contre : F). On obtient ainsi une estampe qui comporte des tonalités de gris.  La technique et l'outillage a, depuis l'époque de cette citation, bien évolué. Le berceau d'abord n'a plus un rainurage rayonnant mais parallèle, et son affutage est simplifié par l'emploi de divers instruments.

Processus technique actuel.

Long et délicat, le processus technique mis en œuvre pour l'obtention d'une manière noire monochrome comprend plusieurs étapes bien différenciées :  1. Le biseautage : Les biseaux de la plaque de cuivre ordinairement non polie peuvent être réalisés à l'aide de différents outils appelés "biseauteurs" (fig. 6) ou simplement ébauchés à la lime, puis terminés soit à la toile émeri, soit au "grattoir" (fig. 7e) et au "brunissoir" (fig. 7d) pour émousser les bords coupants de la plaque. Les autres métaux que le cuivre ne conviennent guère à la manière noire.  2. Le grainage : il est habituellement réalisé au "berceau" (fig. 7f), outil pourvu d'un tranchant semi-circulaire plus ou moins finement dentelé qui laisse sur le cuivre une ligne pointillée, beaucoup plus rarement à la "roulette" (fig. 7a) moins efficace, ou à la machine à bercer, peu répandue. L'opération consiste à couvrir le cuivre de minuscules cavités aux côtés desquels se forment des picots qui ont la propriété de retenir l'encre. Il existe des berceaux de diverses tailles et de différentes finesses. Le berceau peut être tenu à la main à peu près verticalement ou fixé à l'extrémité d'une "canne anglaise" (fig. 8), appareil destiné à faciliter le grainage. La position du berceau par rapport au cuivre, ou, plus précisément, l'angle d'attaque des dents sur la plaque est susceptible de modifier le grainage et l'avancement du berceau sur le cuivre. Il varie sensiblement d'un graveur à l'autre. Certains sont partisans d'un angle aigu, d'autres d'un angle obtus, d'autres encore d'un angle droit. Chaque graveur à sa méthode de grainage qui, pour obtenir un noir profond, doit inclure au moins une trentaine de passages dans toutes les directions. Les graveurs utilisent souvent un schéma où les angles sont indiqués, ou, comme dans la figure 3, un plateau circulaire tournant. Il faut en effet changer régulièrement la position de la plaque de cuivre, par exemple d'ajouter 10° d'angle à chaque tour, pour obtenir un grainage satisfaisant. Lorsque le cuivre est mat, le graveur « lit » le cuivre à l'aide d'une loupe ou d'un compte-fils pour vérifier que ne subsiste aucune surface brillante, signe que la plaque a été suffisamment bercée. Il faut compter au moins dix heures de temps pour bercer une plaque de 20 x 30 cm.  3. Le dessin : l'esquisse ou le report du dessin se fait ordinairement au crayon directement sur le cuivre grainé ou à l'aide d'un papier carbone pour reporter, le cas échéant, un dessin préparatoire.  4. La gravure : le travail de gravure est réalisé habituellement au "grattoir" pour araser ou ratisser le grain, puis au "brunissoir" pour aplanir la surface de façon à obtenir les gris clairs ou les blancs sur les zones importantes, voire directement au brunissoir ou à la pierre d'agate. Plus le grain est ratissé ou aplani, plus la valeur obtenue sera claire lors de l'impression. L'avancement du travail est contrôlé par le graveur à l'aide d'un écran lumineux généralement constitué d'un calque tendu devant une lampe. En faisant varier l'angle de la plaque de cuivre posée sur un "coussin de gravure" par rapport à l'écran, la gravure se révèle dans ses moindres détails. Certains graveurs enduisent la plaque de charbon de bois pour contrôler l'état de la gravure. Le graveur peut s'aider en outre d'une loupe binoculaire pour exécuter les détails.  5. Le tirage : il permet au graveur de contrôler le rendu de son travail. Ce sont d'abord les fameux tirages d'artistes traditionnellement marqués E.A. (épreuve d'artiste) au crayon en bas à gauche de la "cuvette" laissée dans le papier lors de l'impression. Le papier utilisé doit être mouillé ou humidifié au vaporisateur avant emploi. Il est habituellement épais (environ ) et doux, peu ou pas encollé, dit « amoureux » de l'encre, capable de rendre tous les détails. Pour un tirage en noir, différents types d'encre peuvent être employés. L'encrage de la plaque est délicat. Le cuivre est souvent chauffé pour fluidifier une encre trop épaisse et éviter d'ajouter de l'huile qui peut, à la longue, être à l'origine de taches sur l'estampe. La plaque encrée uniformément est "essuyée" à la tarlatane, puis soit "paumée" à l'aide du blanc de Meudon, soit essuyée au papier de soie pour enlever le léger film d'encre qui recouvre les zones claires ou blanches. Le biseau de la plaque est ensuite essuyé au chiffon. Le cuivre posé sur le plateau de la presse à taille-douce réglée de façon à obtenir une forte pression. Le papier humide est posé sur le cuivre, puis recouvert par deux ou trois "langes".  6. Les rectifications : le travail du cuivre est repris pour éliminer les défauts repérés sur l'épreuve de contrôle. Les rectifications sont suivies d'un nouveau tirage de contrôle. Quand celui-ci est satisfaisant pour le graveur, l'épreuve devient le « bon à tirer », c'est-à-dire le tirage de référence pour l'imprimeur qui fera éventuellement les tirages commerciaux.  7. L'aciérage : cette opération facultative qui a pour but de rendre le cuivre dur comme l'acier, devient nécessaire si l'on souhaite tirer plus d'une trentaine d'estampes. Elle consiste à recouvrir par électrolyse le cuivre d'une très fine couche de fer. Les impressions successives sous forte pression ont en effet tendance à écraser le grain du cuivre et donc à détériorer la gamme de valeurs de la manière noire.

Manière noire en couleurs.

Il existe plusieurs procédés pour obtenir une manière noire en couleurs dont le plus simple consiste à colorier manuellement à l'aquarelle un tirage en noir (fig. 9 et 10).  La trichromie, qui est à l'origine de l'industrie moderne de l'illustration en couleur, fut inventée par Jacob Christoph Le Blon vers 1712. Elle consiste à utiliser une plaque par couleur. En principe, trois couleurs suffisent, un rouge, un jaune, un bleu ; cependant, Le Blon employa cinq plaques différentes pour imprimer en 1739 le Portrait de Louis XV (fig. 11). Le procédé est repris par le français Jacques Fabien Gautier d'Agoty qui publie en 1746 sa "Myologie complette en couleur et grandeur naturelle" (fig. 12). Malgré l'intérêt suscité, le procédé trop complexe ne connaitra pas le succès commercial escompté. De nos jours, quelques rares graveurs ont repris le procédé. Parmi eux citons le graveur français Laurent Schkolnyk installé à Nantes qui réalise des manières noires en trichromie, c'est-à-dire avec les trois couleurs primaires .  Un troisième procédé employé par exemple par William Ward, frère du peintre James Ward, est l'impression en couleurs sur une seule plaque encrée à la poupée en différentes couleurs (fig. 13 et 14). Pour sa reproduction de "La Mort d'Œudipe" d'après Füssli, il a utilisé le noir, le brun, le rouge, le bleu, le jaune et le vert. Cette méthode a largement été utilisée en Grande-Bretagne aux .  Aujourd'hui, la plupart des graveurs de manière noire en couleurs utilisent un procédé mixte avec encrage à la poupée sur une ou deux plaques de cuivre.

La manière noire (gravure noire, mezzotinte, ou mezzo-tinto) est un procédé de gravure en taille-douce qui permet d'obtenir des valeurs ou niveaux de gris, sans recourir aux hachures ou aux pointillés pour la première fois dans l'histoire de la gravure. Cette technique autorise une grande variété de teintes, d'où le nom de « mezzotinte » ou « mezzoteinte » qu'on lui donne parfois, et donnent l'impression au spectateur que les formes .

Mezzotint is a printmaking process of the intaglio family, technically a drypoint method. It was the first tonal method to be used, enabling half-tones to be produced without using line- or dot-based techniques like hatching, cross-hatching or stipple. Mezzotint achieves tonality by roughening a metal plate with thousands of little dots made by a metal tool with small teeth, called a "rocker". In printing, the tiny pits in the plate retain the ink when the face of the plate is wiped clean. This technique can achieve a high level of quality and richness in the print.  Mezzotint is often combined with other intaglio techniques, usually etching and engraving. The process was especially widely used in England from the eighteenth century, to reproduce portraits and other paintings. It was somewhat in competition with the other main tonal technique of the day, aquatint. Since the mid-nineteenth century it has been relatively little used, as lithography and other techniques produced comparable results more easily. Robert Kipniss and Peter Ilsted are two notable 20th-century exponents of the technique; M. C. Escher also made eight mezzotints.


Univers.

Synopsis.

Johan, l'intrépide écuyer, et son compagnon d'aventures, le nain Pirlouit (et sa fidèle Biquette), vivent dans un Moyen Âge de fantaisie, où ils font partie de la cour du roi.

Historique.

Création de la série.

Le , Peyo, un ancien gouacheur de dessin animé mis au chômage après la faillite de la Compagnie belge d'actualités, lance dans le quotidien bruxellois, "La Dernière Heure", un personnage nommé Johan. Il se recycle dans la bande dessinée, un marché porteur après la seconde Guerre mondiale ; cette dernière ayant interrompu l'importation de séries américaines en Europe, les éditeurs belges sont obligés de se tourner vers des auteurs belges pour remplacer les séries absentes. Après quelques séries éphémères ("Pied-Tendre" dans "Riquet" et "Une enquête de l'inspecteur Pik"), il parvient à placer Johan dans le grand quotidien après avoir rencontré le responsable des pages « jeunesse » par l'intermédiaire d'une femme qui chante dans la même chorale que lui. La première apparition de Johan est modeste, il s'agit d'un gag en quatre cases, sans paroles, qui met en scène un page blond vivant au Moyen Âge. Le second gag paraît le et s'intitule "Les Aventures de Johan". Le troisième, publié le , fait apparaître l'un des futurs personnages récurrents de "Johan et Pirlouit" : le Roi, qui a déjà sa barbe blanche, son manteau d'hermine et sa couronne. Au début de l'année 1947, la série devient « à suivre » et Peyo parvient à développer un peu son univers avec deux courtes histoires de quelques planches où il parvient à affiner le trait de son dessin. Il délaisse néanmoins la série et en crée d'autres comme "Capitaine Coky" et surtout "Poussy" dans le journal "Le Soir".  Avec le petit succès de sa série "Poussy", Peyo obtient en 1951 un plus grand espace pour placer ses planches. Il décide alors de reprendre le personnage de Johan abandonné quatre ans plus tôt. Sous le titre "Johan, le petit page", il recycle le scénario d'une des histoires parues dans "La Dernière Heure" qui raconte l'enlèvement de la princesse par un vassal. Si l'histoire est très ressemblante, le découpage est différent et de meilleure qualité, ce qui permet de créer un suspense entre les épisodes. Le style graphique est également totalement modifié et ressemble à du semi-réalisme. La seconde histoire paraît du au et s'intitule "L'Attaque du château". Il s'agit d'une histoire de sept planches (publiée au rythme d'une demi-planche par semaine) qui raconte la suite de l'histoire précédente. Le dessin s'améliore et Peyo n'hésite pas à jouer avec les contrastes du noir et du blanc.

Arrivée à "Spirou".

En 1951, Peyo rencontre par hasard l'un de ses anciens collègues de la Compagnie belge d'actualités qu'il avait perdu de vue, André Franquin, devenu l'un des principaux dessinateurs du journal "Spirou". De son côté, Peyo essuie plusieurs refus dans sa volonté d'entrer aux éditions Dupuis, propriétaires du journal "Spirou". Il profite de ces retrouvailles pour intégrer "Spirou", grâce à l'intervention d'André Franquin qui présente lui-même les dessins de Peyo à Charles Dupuis. Franquin sent que Peyo veut absolument faire de la bande dessinée et trouve naturel de lui donner un coup de main, bien que les dessins de Peyo ne soient pas encore parfaits. Après une troisième histoire parue dans "Le Soir", il prépare son entrée à "Spirou". L'aspect graphique de Johan est modifié, notamment sa couleur de cheveux qui passe du blond au noir, et Peyo passe à des histoires en quarante-quatre planches. André Franquin l'aide et lui conseille notamment de refaire les quatre premières planches de son histoire intitulée "Le Châtiment de Basenhau" en modifiant les expressions des personnages ou le cadrage de la scène d'ouverture du tournoi de joute.  La série commence sa publication dans le de "Spirou", daté du . Dès le début, Peyo est victime de la censure française. Il lui est reproché une scène de torture à la planche dix où un bourreau fait boire des dizaines de litres d'eau à un troubadour pour qu'il révèle les plans de son maître. Charles Dupuis, qui craint plus que tout la censure de la commission, ne laissera pas la planche être publiée. Ainsi la première histoire de "Johan" chez Dupuis compte quarante-trois planches et un mystère puisque sans cette planche, le troubadour attrape un gros ventre sans explication. Au rythme d'une planche par numéro, "Le Châtiment de Basenhau" termine sa publication dans le de "Spirou "du avec une grande et impressionnante bataille où le trait de Peyo commence à devenir de plus en plus ferme.  À peine deux mois plus tard, commence la publication de l'histoire "Le Maître de Roucybeuf" dans le du . Dès le début, l'histoire est marquée par l'évolution du personnage de Johan qui devient un jeune homme qui gagne en indépendance. Dans cette histoire au scénario peu original (le fils du baron de Roucybeuf recherche son père mystérieusement disparu), Peyo va démontrer son sens du découpage, inspiré directement d'Hergé qu'il admire comme narrateur, et son développement des personnages secondaires de l'histoire pour éviter de tomber dans les clichés des récits sur le Moyen Âge comme la sorcière Rachel, qui fait sa première apparition dans cette histoire, et qui derrière son apparence de méchante sorcière de conte va utiliser ses pouvoirs pour sauver le héros. Peyo démontre aussi sa manière de raconter une histoire sans pause. À la fin de l'histoire, il évite des discussions inutiles en révélant l'intrigue dès la planche trente-six et offre ainsi au lecteur une course-poursuite et un combat à l'épée. Cette histoire termine sa publication dans le du avec une scène de banquet qu'affectionne Peyo. Toujours en 1954, les deux premières aventures de la série sont publiées sous forme d'album broché.

La création de Pirlouit.

Pour sa troisième histoire dans le journal "Spirou", Peyo réutilise une idée simple déjà exploitée deux fois auparavant, celle de la nièce du Roi enlevée par un seigneur rival. Maintenant qu'il est à "Spirou" il ne peut plus se contenter d'un scénario aussi court et a l'idée d'ajouter un faire-valoir à Johan pour enrichir sa série. Pour son nouveau personnage, Peyo ne souhaite pas un grand costaud qui ferait de l'ombre physiquement à Johan et préfère donc un personnage de petite taille comme un nain. Pirlouit apparaît à la planche sept de l'histoire "Le Lutin du Bois aux Roches" qui a commencé sa publication dans le journal "Spirou" du . Avant de dévoiler sa trouvaille, Peyo entretient un peu le suspense. Ainsi, durant les six premières planches de l'histoire, on entend Pirlouit crier sans le voir pour autant ni savoir de quoi il s'agit. L'énigme est résolue lorsque Johan découvre par hasard le nain qui dérange les villageois par ses farces. Pirlouit entré en scène, Peyo peut développer plus sérieusement son ancien scénario et rajoute une péripétie avec Pirlouit qui est au centre d'un complot qui le voit être accusé à tort de l'enlèvement de la princesse. Johan sera chargé, en plus de délivrer la princesse, de le faire innocenter.  Au moment de la parution du "Lutin du Bois aux Roches", qui se termine dans le du , le nombre de pages de "Spirou" augmente. Ceci entraîne un nouveau rythme de parution des séries. Du coup, les lecteurs doivent patienter six mois avant de retrouver les héros de Peyo. La nouvelle histoire, intitulée "La Pierre de Lune", commence sa publication dans le de "Spirou" daté du , avec le retour de Pirlouit qui a été instantanément adopté par les lecteurs du journal, alors qu'au départ il était prévu pour ne vivre qu'une unique aventure. Dans cette histoire, Peyo parvient à introduire pour la première fois un véritable méchant avec une personnalité vraiment intéressante, le Sire de Boustroux. Néanmoins Peyo est rattrapé par la censure avec ce personnage, le déguisement choisi pour le Sire ne convient pas à Charles Dupuis, qui demande alors que le personnage soit redessiné avec un déguisement moins impressionnant pour les jeunes lecteurs. À la fin de cette histoire, il fait, pour la seule fois dans son œuvre, mourir l'un de ses personnages, en l'occurrence le Sire de Boustroux qui se noie. Peyo profite de cet épisode pour introduire un nouveau personnage qui deviendra récurrent, l'enchanteur Homnibus.

Un auteur qui prend du galon.

Depuis trois ans qu'il publie dans "Spirou", Peyo est en train de devenir un auteur vedette du journal. C'est à ce titre qu'il participe à l'aventure "Risque-Tout", un nouveau journal de bande dessinée lancé par les éditions Dupuis en 1955. Il dessine une histoire complète de quatre planches de "Johan et Pirlouit" intitulée "Le Dragon vert" pour le , puis "Enguerran le Preux" dans le , "Sortilège au Château" dans le et "A l'Auberge du Pendu" dans le . Il n'en délaisse pas pour autant les histoires longues et publie, à partir du de "Spirou" daté du , l'histoire "Le Serment des Vikings". Comme à son habitude, le synopsis de départ est assez banal, mais Peyo va faire marcher son génie narratif et son goût pour les grandes batailles pour rendre cette histoire passionnante et impressionnante graphiquement. Néanmoins, Peyo oublie de mettre la pointe de fantaisie qui caractérise habituellement ses récits. Cette histoire prend fin dans le du .  Deux mois plus tard, débute la publication de la dixième histoire de la série (la sixième longue histoire) dans le du . Le scénario de "La Source des dieux" est une nouvelle fois banal : après un naufrage, les deux héros se retrouvent dans un village frappé par la malédiction d'une sorcière et d'un seigneur local. Avec cette histoire, Peyo se rattrape de l'histoire précédente et insère de la fantaisie typique de son imagination. Il insère aussi plusieurs gags qui ne coupent pas la narration du récit et donnent un nouvel axe de lecture en plus de l'aventure et du merveilleux. Cette histoire considérée par beaucoup comme la meilleure de la série, termine sa publication dans le du . Un mois après, il publie une histoire de deux planches pour le spécial Noël intitulée "Veillée de Noël" qui met Pirlouit en vedette.  "La Flèche noire" qui commence sa publication dans le du , marque deux changements dans les histoires de Peyo. D'une part il change son lettrage pour adopter une écriture minuscule au lieu des majuscules qu'il utilisait jusque-là, afin d'être lu par les plus jeunes qui apprennent d'abord les minuscules à l'école. D'autre part il modifie sa façon de découper les planches : il abandonne son découpage de douze cases égales pour adopter un style qui fait varier la taille de la case selon l'action à placer dedans. Pour cette histoire, il reprend une idée qu'il avait utilisé pour une histoire publiée dans "Le Soir" intitulée "L'Attaque du Château", celle d'un traître utilisant la nuit pour prévenir ses complices ennemis du château. Avec le personnage de Pirlouit, il va donner plus de consistance à ce scénario sommaire. À partir de cette histoire, il va exploiter le talent de mauvais chanteur de Pirlouit pour en faire un gag récurrent de la série ; idée qui sera reprise par Goscinny et Uderzo avec le personnage du barde Assurancetourix. "La Flèche noire" termine sa publication dans le du .  Peyo enchaîne rapidement avec une courte histoire de deux planches intitulée "Les Mille écus" et publiée dans le , puis une nouvelle histoire à suivre titrée "Le Sire de Montrésor". Elle commence sa publication dans le du et ici c'est Pirlouit qui prend la vedette. Pirlouit est confondu avec le Seigneur de Montrésor et décide de jouer le jeu. Outre le gag de l'imposture, Peyo donne un aspect et une personnalité humoristique à l'ensemble des personnages qu'il a créés pour cette histoire. Peyo insère plusieurs niveaux de lecture dans cette aventure, puisque Pirlouit ne fait pas que profiter des avantages d'un Seigneur, il joue aussi son rôle pour faire démasquer des bandits qui emprisonnent le véritable Enguerran de Montrésor. Avec cette histoire il montre qu'il arrive désormais à écrire des scénarios plus complexes qui ne reposent pas seulement sur son talent de conteur et sa fantaisie.

L'arrivée des Schtroumpfs.

Dans le du , commence dans le journal "Spirou" la publication de l'histoire "La Flûte à six trous". Peyo ne le sait pas encore, mais ce récit va changer sa vie et paradoxalement signer le début de la fin de "Johan et Pirlouit". L'histoire commence pourtant classiquement : Pirlouit trouve une flûte tombée de la charrette d'un marchand, et celle-ci va se révéler être enchantée. D'abord, il s'agit de la première histoire de Peyo en soixante planches : il a eu l'accord de son éditeur pour sortir du standard traditionnel de pagination de quarante-quatre planches. Ensuite, à la planche trente-sept, publiée dans le du , des petits lutins bleus font leur apparition, après plusieurs semaines d'attente pour le lecteur, puisque depuis la planche dix-huit les lutins sont entrés en scène, sans pour autant être montrés. "Les Schtroumpfs" ont surgi de l'imagination de Peyo lorsqu'il a fallu trouver qui a fabriqué cette flûte magique ; au lieu d'une sorcière, il invente des petits êtres. Pour le nom, il se souvient d'une soirée l'été précédent durant laquelle, au cours d'un dîner avec le couple Franquin il avait demandé la salière avec le mot , ce à quoi André Franquin a répondu et la soirée avait continué en langage Schtroumpf. Pour la couleur bleue des lutins, c'est sa femme Nine qui est aussi sa coloriste qui la trouve par élimination puisque le vert se serait noyé dans le décor, que le rouge aurait été trop voyant, et que le rose aurait été trop humain.  Si les Schtroumpfs amusent Peyo, c'est moins le cas de son éditeur Charles Dupuis qui craint la réaction de la censure française du fait que les Schtroumpfs parlent un français imagé. L'auteur le rassure sur le fait que les lutins bleus sont une création éphémère, vouée à disparaître rapidement. D'ailleurs dans cette histoire, ils ne sont que des sous-personnages et l'histoire ne tourne pas autour de leurs apparitions. Pourtant, il ne résiste pas à les faire revenir dès l'histoire suivante, intitulée "La Guerre des sept Fontaines" qui commence dans le de "Spirou" du . Dans la première partie de ce récit, Peyo exploite pour la première fois la vie après la mort. Johan et Pirlouit, perdus dans la forêt, arrivent dans un château abandonné, qui va se révéler être hanté par l'ancien seigneur local. La seconde partie met surtout en scène une foule, Peyo dessine ici les planches les plus difficiles de sa carrière, mais, malgré les nombreux protagonistes et les batailles, l'ensemble des scènes reste parfaitement lisible. Finalement, l'histoire "La Guerre des sept Fontaines" est celle que Peyo .

Le déclin.

Le succès des Schtroumpfs font qu'ils s'émancipent de "Johan et Pirlouit" pour leur série propre à partir de , ce qui va prendre de plus en plus de temps à Peyo. De plus, Peyo livre chaque semaine un gag de "Poussy " au journal "Le Soir" et crée "Benoît Brisefer" en 1960. Avec ses quatre séries parallèles, Peyo est maintenant connu pour ses nombreux retards au sein de la rédaction. Néanmoins, la nouvelle histoire de "Johan et Pirlouit" intitulée "L'Anneau des Castellac" débute dans "Spirou" du après six mois d'absence. Pour ce récit, il réutilise un thème déjà abordé dans "Le Sire de Montrésor", celui d'un affrontement entre deux seigneurs pour s'emparer d'un trône. Pour changer, il n'utilise aucune fantaisie et écrit plutôt un scénario policier avec des personnages, surtout les méchants, particulièrement réussis. L'histoire prend fin dans le du . S'ils n'apparaissent pas dans cette histoire, les Schtroumpfs sont de plus en plus plébiscités par les lecteurs et dans la nouvelle histoire, "Le Pays maudit", publiée à partir du daté du , il va faire des Schtroumpfs des personnages principaux de ce récit puisque les deux héros doivent délivrer les Schtroumpfs réduits en esclavage par Monulf. Ce personnage va créer une polémique puisqu'il possède les cheveux crépus, un nez busqué et jure ou insulte en yiddish, ce qui semble en faire une sorte de caricature antisémite. L'idée d'utiliser des caractères hébreux pour exprimer des jurons vient d'Yvan Delporte, qui avait trouvé cette idée pour remplacer les caractères chinois trop utilisés selon lui. Malheureusement il découvre trop tard la malheureuse adéquation de son idée avec le physique caricatural du personnage. Pour la première fois sur cet album, Peyo engage un assistant pour l'aider sur "Johan et Pirlouit" en la personne de Francis alors âgé de vingt-quatre ans. Francis est chargé de réaliser les décors et le lettrage de cette histoire. Les deux hommes ne s'entendront pas et leur collaboration n'ira pas plus loin. Preuve que Peyo est devenu un auteur important des éditions Dupuis, "L'Anneau des Castellac" est la première histoire de "Johan et Pirlouit" publiée directement en album cartonné, ce qui est un privilège décerné à une poignée d'auteurs d'importance.  En 1963, Peyo redessine l'histoire "Les Schtroumpfs noirs" pour l'adapter en format album. Si au départ il pense qu'il ne va faire que redessiner les histoires parues en mini-récits, le succès commercial de cet album et les demandes des lecteurs font qu'il est rapidement obligé de produire des histoires inédites des Schtroumpfs en grand format en plus de ses autres séries. Si bien que la nouvelle histoire de "Johan et Pirlouit" commence sa publication dans "Spirou" du après cinq ans d'absence dans les pages du journal. Depuis la dernière histoire la vie de Peyo a beaucoup changé. Son statut a changé car il est devenu un auteur incontournable de "Spirou" et de la bande dessinée franco-belge. Ses Schtroumpfs ont dépassé le cadre de la bande dessinée pour déborder sur celui du merchandising, ce qui occupe beaucoup Peyo. D'autre part, il a ouvert un petit studio dans sa nouvelle maison où il accueille des auteurs débutants pour les aider à produire leurs planches. Néanmoins au départ il souhaite s'occuper seul de cette nouvelle histoire intitulée "Le Sortilège de Maltrochu", mais "Les Schtroumpfs" l'ont tellement influencé que son dessin est très marqué ; ainsi ses personnages sont plus petits et plus rondouillards. Peyo s'en aperçoit et dès la planche sept, son enthousiasme de reprendre "Johan et Pirlouit" est déjà retombé et il doit faire appel à son studio (François Walthéry et Gos), ainsi qu'à son ami André Franquin. La collaboration du studio n'est pas satisfaisante puisque Gos n'arrive pas à reproduire le trait clair de Peyo et doit sans arrêt reprendre son dessin. Peyo perd aussi la force de reproduire des scènes d'action comme il aimait le faire et à la place dessine des scènes théâtrales aux longs dialogues. L'histoire doit s'interrompre dans le "Spirou" daté du à la planche trente-et-une, car Peyo ne parvient plus à fournir une planche par semaine.  Au début de l'année 1969, alors qu'il commence à se remettre à la suite de l'histoire "Le Sortilège de Maltrochu", Peyo est victime d'un infarctus qui l'oblige à stopper le travail pendant six semaines. Durant cette période, ses amis auteurs lui envoient chaque jour une demi-planche d'une histoire de "Johan et Pirlouit" sous forme de cadavre exquis qui va rapidement déraper pour prendre une tournure sexuelle, ce qui va énormément amuser Peyo. Après ce repos, Peyo reprend "Le Sortilège de Maltrochu" avec enthousiasme et place même quelques scènes de combat. Peyo a aussi engagé un nouvel assistant en la personne de Marc Wasterlain qui l'aide à dessiner quelques décors dont ceux de la chapelle. La dernière planche, qui paraît dans le de "Spirou" du , est dessinée entièrement par Peyo.

L'aventure animée.

En 1976 sort au cinéma une adaptation animée de l'histoire "La Flûte à six schtroumpfs". Cette œuvre est le fruit d'une collaboration entre les deux géants et concurrents de la bande dessinée belge : Dupuis et Le Lombard (via sa filiale Belvision). Si Peyo préfère Belvision pour réaliser ce film, c'est qu'il n'est guère convaincu par les productions de TVA Dupuis — le studio d'animation de sa propre maison d'édition — alors que Belvision a montré son savoir-faire avec des longs-métrages d"'Astérix" et de "Tintin". Peyo a rencontré le directeur de production de Belvision, José Dutillieu, lors de la Foire du Livre de Bruxelles. Ce dernier est très intéressé par l'adaptation des Schtroumpfs en dessin animé. José Dutillieu convainc Peyo de choisir le cinéma plutôt la télévision, car le studio bruxellois n'est pas en mesure de tenir le rythme d'une série télévisée de qualité. Après une rencontre au sommet entre les patrons de Dupuis et du Lombard, un contrat est signé pour l'adaptation avec des fonds apportés majoritairement par Dupuis.  Peyo hésite longuement pour choisir l'histoire qui sera portée à l'écran. Il choisit finalement "La Flûte à six schtroumpfs" plutôt qu'une nouvelle histoire. L'histoire est modifiée pour mettre plus en avant les Schtroumpfs qui ont connu un fort succès depuis la création de l'histoire quinze ans plus tôt. De peur que les enfants ne connaissent pas les personnages de Johan et Pirlouit, ils sont présentés dans une séquence d'ouverture rallongée par rapport à la version dessinée. Peyo participe activement à la partie animation, étant souvent obligé d'intervenir auprès de l'équipe pour les aider à traduire son univers en dessin animé. Un album du film sort en même temps, il est réalisé en un week-end par François Walthéry et Pierre Seron sur des textes d'Yvan Delporte.

Après Peyo.

Après son décès, la série est reprise avec Alain Maury au dessin, et Yvan Delporte ainsi que Thierry Culliford (le fils de Peyo) au scénario (pour l'album "La Rose des Sables", le scénario est dû à Luc Parthoens et Thierry Culliford), mais de piètres résultats financiers en librairie conduiront les auteurs à arrêter définitivement la série. À la même période, le personnage de Biquette (la monture de Pirlouit) avait de plus fait un caméo dans un album de "Benoît Brisefer", "L'île de la Désunion". Johan et Pirlouit apparaissent également, comme personnages secondaires, dans "Les Schtroumpfeurs de flûte", un album hors-série des "Schtroumpfs".  Hanna-Barbera Productions a produit une série de courts-métrages d'animation d'après "Les Schtroumpfs" en 1982, dans laquelle Pirlouit apparaît parfois comme personnage secondaire.  Le , lors d'une interview donnée à la Radio-Télévision belge de la Communauté française, la question de l'adaptation de la série sur grand écran est évoquée, sans toutefois aboutir à une réponse précise.

Johan et Pirlouit est une série de bande dessinée jeunesse belge créée par Peyo, publiée pour la première fois dans le journal "Spirou" le , et éditée en album, avec "Le Châtiment de Basenhau", en par les éditions Dupuis. Après la mort de l'auteur, elle est reprise en 1994 par Yvan Delporte (au scénario) et Alain Maury (au dessin).

Johan and Peewit () is a Belgian comics series created by Peyo. Since its initial appearance in 1947 it has been published in 13 albums that appeared before the death of Peyo in 1992. Thereafter, a team of comic book creators from Studio Peyo continued to publish the stories.  The series is set in Medieval Europe and includes elements of sword-and-sorcery. "Johan et Pirlouit" provided the framework for the first appearances of "The Smurfs".


Biographie.

Fondateur du mouvement écologiste géorgien en 1998, il est nommé à la présidence du Parlement de Géorgie par le président Edouard Chevardnadze. Il reste un important allié politique de Chevardnadze mais se rallie à la « "Révolution des roses" » avec Nino Bourdjanadze (laquelle prend sa suite à la présidence du Parlement) et Mikheil Saakachvili.  Après le remplacement de l'ancienne classe politique formée au temps de l'Union soviétique par des acteurs plus jeunes et plus proches de l'Europe occidentale et des États-Unis, Jvania est alors nommé premier ministre le 9 février 2004.  Jvania tente de faire passer des réformes économiques libérales et de lutte contre la corruption mais se heurte à plusieurs reprises au président Saakachvili. Des dissensions se font de plus en plus visibles dans le triumvirat issu de la « Révolution », Saakachvili cherchant à isoler Jvania sur le plan politique.  Zourab Jvania meurt par intoxication au monoxyde de carbone au domicile de l'un de ses amis le vice-gouverneur de la région de Basse Kartlie. La thèse de l'accident est privilégiée par les enquêteurs locaux et authentifiée par le FBI, mais les médias occidentaux mettent en cause une action terroriste menée par les indépendantistes d'Ossétie du Sud.  Le 26 septembre 2007, l'ancien procureur général et ministre de la Défense au moment des faits, Irakli Okrouachvili, révèle que Jvania n'est pas mort dans l'appartement, mais que son corps y a été transporté après son décès. Il est immédiatement arrêté et jeté en prison.

Zourab Bessarionis dze Jvania (en géorgien : ზურაბ ბესარიონის ძე ჟვანია ; né le à Tbilissi en Géorgie et décédé le à Tbilissi) est un homme politique géorgien, ancien Premier ministre de Géorgie du jusqu'à sa mort.

Zurab Zhvania (; 9 December 1963 – 3 February 2005) was a Georgian politician, who served as Prime Minister of Georgia and Speaker of the Parliament of Georgia. Zhvania began his political career at young age, making his first political steps as a member of Green Party, in the beginning of 90s. In 1992 Zhvania was elected chairman of Eastern European Green's and was first Eastern European to serve at the post. In 1993 Zhvania made first serious steps in Georgian politics as he was elected as General Secretary of Citizen's Union. From that point Zhvania served important role in Georgian politics until his death in 2005. 1995 he became the chairman of parliament and maintained the post until his resignation in 1999, which was followed with discharge of other ministers, whom Zhvania suspected in Corruption. From 1993 till 2003 Zhvania remained in opposition fighting against Shevardandze's government. In 2003, Zhvania united with other opposition leaders, mainly Burdjanadze and Saakashvili, held non-violent protests against the government. Protests ended with resignation of Shevardnadze and election of Saakashvili as the president. Zhvania became prime minister and served the post until his death in 2005.


Biographie.

Entraîneur.

Bien qu'il n'ait pas été le premier entraîneur de l'équipe nationale, il compte parmi ses fondateurs. Il est aussi l'artisan des premiers succès allemands, surtout de la victoire surprise en 1954 face à la Hongrie, dit le « miracle de Berne ». Ce succès fut considéré en Allemagne comme l'un des moments clé du renouveau identitaire, ce qui aida à forger le mythe.  Il prit les rênes de l'équipe nationale après l'échec lors des Jeux olympiques d'été de 1936, et commença un travail de construction à long terme. Sa position passive face au nazisme lui posa d'ailleurs quelques problèmes après la Seconde Guerre mondiale. Il fut présenté, par la suite, par ses joueurs comme apolitique, la politique et les exigences du parti nazi étant savamment ignorées lors des entraînements de l'équipe nationale. Cependant, ses télégrammes de l'époque étaient signés par « Heil Hitler ».  Son travail de « construction de l'équipe idéale » (à sa mort, il laissa une quantité très importante de notes) porte ses fruits en 1954, lorsque son équipe, axée sur des joueurs comme Fritz Walter ou Helmut Rahn, est sacrée championne du monde face à la Hongrie pourtant archi-favorite. À la suite de ce titre, il peine à rajeunir l'effectif, restant très attaché à ses anciennes vedettes. Malgré les déceptions successives, il reste longtemps indiscutable à son poste en raison de la forte impression laissée par son titre mondial. Il n'est finalement remplacé par Helmut Schön que dix ans plus tard. Celui-ci conservera son poste jusqu'en 1978, l'Allemagne n'ayant ainsi connu que deux entraîneurs pendant plus de 40 ans.  Herberger reste dans l'histoire du football allemand comme le premier grand entraîneur, et est définitivement associé au renouveau des années 1950. Plusieurs phrases de base du vocabulaire footballistique allemand lui sont attribuées, telles que « Der Ball ist rund und ein Spiel dauert 90 Minuten » ("La balle est ronde et une partie dure 90 minutes."), « Der schwerste Gegner ist immer der Nächste » ("L'adversaire le plus dur est toujours le prochain") ou « Nach dem Spiel ist vor dem Spiel » ("Après le match, c'est avant le match").  Il fut sélectionné 3 fois en équipe d'Allemagne de football.  Le stade Sepp-Herberger à Weinheim sa ville natale lui est dédié. Son épouse Eva est décédée en 1989.

Josef « Sepp » Herberger (, Mannheim - , Weinheim, Allemagne), a été entraîneur de l'équipe d'Allemagne de football de 1936 à 1942 et de 1949 à 1964 et aussi entraîneur par intérim de l'Eintracht Francfort (1945-1946).

Josef "Sepp" Herberger (28 March 1897 – 28 April 1977) was a German football player and manager. He is most famous for being the manager of the West German national team which won the 1954 FIFA World Cup final, a match later dubbed "The Miracle of Bern", defeating the overwhelming favourites from Hungary. Previously he had also coached the Breslau Eleven, one of the greatest teams in German football history.  Born in Mannheim, Herberger played three times for the German football team between 1921 and 1925 before becoming assistant to Otto Nerz in 1932. Herberger succeeded him as national coach after Germany's uninspired loss to Norway in quarter finals at the 1936 Olympics. After the war, he had a short spell as interim coach with Eintracht Frankfurt, before being recalled as national team coach in 1950. He remained the position until 1964, when he was succeeded by Helmut Schön. He died of pneumonia in Weinheim–Hohensachsen (), aged 80.


Une mère d'empereur.

Carlo Maria Buonaparte a à peine dix-huit ans quand son oncle lui fait épouser le Letizia Ramolino âgée de treize ans.  Présente aux côtés de son époux, dans la résistance des Corses à l'annexion par la France en mai 1768, au cours de la guerre de l’indépendance, elle partage souvent les périls de son mari. Elle le suit à cheval dans ses expéditions, même pendant sa grossesse de Napoléon. Le , lors de la retraite de Ponte-Novo, enceinte de Napoléon, elle aurait répété plusieurs fois, dans l’ascension du Monte Rotondo, où les patriotes corses avaient trouvé refuge : .  Après l’échec décisif de la bataille de Ponte-Novo le , elle se retire avec son mari sur le sommet del Monte Rotondo, ayant reçu du comte de Vaux des passeports pour se rendre à Ajaccio. Ses larmes et les supplications de Lucien Bonaparte, archidiacre d’Ajaccio, oncle de son mari, font renoncer celui-ci au dessein qu’il avait formé de suivre Paoli dans son exil.  Napoléon naît le à Ajaccio, une légende rapportée par Las Cases (chroniqueur le plus proche de Napoléon) voulant que cette naissance ait eu lieu sur un tapis représentant César. Une rumeur persistante, défendue notamment par les auteurs Hervé le Borgne et Edmond Outin, a fait du comte de Marbeuf, d'après une supposée liaison adultérine avec Letizia, le père de Napoléon Bonaparte qui, selon les défenseurs de cette thèse, est né, non à Ajaccio, mais à Sainte-Sève dans le Finistère, Letizia ayant suivi Marbeuf rentré en Bretagne en . Selon cette thèse, le comte fut le protecteur de Napoléon et lui obtint l'accès au collège militaire de Brienne qui n'était accessible qu'avec huit quartiers de noblesse. Cette hypothèse est rejetée par les historiens, pour Jean Tulard car il n'est pas possible que le séjour de Letizia en Bretagne n'ait pas été documenté. Cette hypothèse adultérine est également infirmée par les analyses ADN concordantes entre Napoléon Bonaparte et un descendant de son plus jeune frère Jérôme.  La famille Bonaparte connait la pauvreté au décès de son mari en 1785. Seule l'entrée dans le métier des armes de son second fils Napoléon, permet à la famille de renouer avec un semblant de prospérité. En 1793, elle doit fuir la Corse insurgée et s'installer à Marseille dans l'hôtel de Cipières. De cette époque, elle conserve un goût certain pour l'austérité et l'économie.  Un tel caractère ne peut s'entendre avec l'extravagante Joséphine de Beauharnais que le futur Empereur des Français épouse en 1796. Contrairement à ce que peut laisser croire le célèbre tableau de David, sur lequel elle figure, Maria Letizia n'assiste d'ailleurs pas au sacre de son fils en 1804 en raison de leurs désaccords sur son mariage et son couronnement. Pour autant, elle est élevée, par décret du , au rang d'altesse impériale et Madame Mère. Vivant loin de la cour, elle s'installe au château de Pont-sur-Seine, offert par son fils, et demeure à l'Hôtel de Brienne lors de ses rares visites à Paris.  Profondément religieuse, elle se met sous la protection du Pape lors des exils napoléoniens et s'installe à Rome, d'abord au palais Falconieri chez son demi-frère le cardinal Joseph Fesch, puis au palais Rinuccini. Le général Bertrand, devant la santé déclinante de Napoléon, lui écrit une lettre lui demandant de faire venir un médecin et un prêtre à Sainte-Hélène. Croyant que son fils a quitté Sainte-Hélène par suite d’une intervention divine (Madame Mère et le cardinal Fesch, cloîtrés et atteints de mysticisme, sont sous l'influence d'une voyante autrichienne), elle refuse l'envoi d'hommes de qualité, n'y dépêchant qu'un vieil abbé corse hémiplégique, Antoine Bonavita, accompagné de l'ignorant abbé Vignali et du médecin François Antommarchi qui débarquent dans l'île le .  C'est à Rome qu'elle apprend la mort de son fils Napoléon le . Elle y décède quinze ans plus tard le . Enterrée à Corneto, sa dépouille sera transférée à Ajaccio en 1851, puis, dans cette même ville, en 1860 à la Chapelle impériale récemment construite, sur l'ordre de Napoléon III, son petit-fils  Elle est à l’origine de l’expression , qu’elle employait en évoquant les victoires de son fils, Napoléon I ( disait-elle avec l'accent corse).

Famille Bonaparte.

Elle épouse Charles Bonaparte le et lui donne treize ou quatorze enfants dont huit survivent (trois meurent en bas âge et deux à la naissance) :

Maria Letizia Bonaparte, née Maria-Letizia Ramolino le , morte le , est la mère de Napoléon I, connue sous son titre de « Madame Mère ». Elle est la fille de Jean-Jérome Ramolino (capitaine dans l'armée génoise puis inspecteur général des Ponts et Chaussées de l'île de Corse) et d'Angela Maria Pietra-Santa (issue d'une famille noble originaire de Sartène).  Sa famille est originaire d’Italie et serait issue des comtes de Coll'Alto ; le premier Ramolino établi à Ajaccio avait épousé la fille d'un doge de Gênes, et reçut de cette République de grandes distinctions.

Nob. Maria Letizia Buonaparte, "née" Ramolino (Marie-Lætitia Ramolino, Madame Mère de l'Empereur; 24 August 1750 – 2 February 1836), was an Italian noblewoman, mother of Napoleon I of France.


Biographie.

Études.

Baramidze sort diplômé de la Faculté des technologies chimiques de l'Université technique de Géorgie en 1992. Il part ensuite étudier au "Centre européen George Marshal pour l'économie de la sécurité et de la défense" en Allemagne en 1995 avant de partir à l'Université de Georgetown entre 1998 et 1999 en tant que chercheur à l'école du service étranger.

Politique et Organisations non-gouvernementales.

Entre 1991 et 1992, il s'implique dans la politique nationale en tant que secrétaire exécutif du parti Vert de Géorgie, puis en tant que vice-responsable du "Conseil des relations internationales et des droits de l'Homme", puis comme chef du département des droits civils et politiques de Géorgie.

Parlementaire.

Député de 1992 à 1995, Guiorgui Baramidze rejoint l'Union des Citoyens d'Edouard Chevardnadze en 1994. Il redevient député de 1195 à 1999 puis de 1999 à 2003. Il devient en 2002 un des leaders du parti d'opposition "Démocrates unis" et joue un rôle actif dans la Révolution des Roses de novembre 2003.

Responsabilités gouvernementales.

Après la Révolution des Roses, Guiorgui Baramidze est nommé ministre de l'Intérieur en novembre 2003. Le , il devient le premier civil à occuper la place de ministre de la Défense de la Géorgie. Baramidze est ensuite chargé par le nouveau président Mikheil Saakachvili de s'occuper de l'intégration de la Géorgie dans l'OTAN et du rapprochement avec l'Europe occidentale. Il occupe aussi le poste de vice-premier ministre. Il est politiquement un proche du premier ministre Zourab Jvania.  À la suite de la mort de Zourab Jvania le , Guiorgui Baramidze devient pour une courte période le Premier ministre par intérim. Le 8 février, Zourab Noghaïdeli est chargé par le président Mikheil Saakachvili de former un gouvernement, il obtient la confiance du Parlement le 17 février et Baramidze cesse donc d'être intérimaire.

Personnalité.

Baramidze parle russe, anglais et français. Il est marié et père d'un enfant.

Guiorgui Baramidze (en géorgien : გიორგი ბარამიძე, né le à Tbilissi) est un homme politique géorgien, Premier ministre par intérim de la Géorgie entre le 3 et le .

Giorgi Baramidze (, born January 5, 1968) is a Georgian politician who served as Vice-Prime Minister of Georgia and State Minister for Euro-Atlantic Integration from 2004 to 2012. On October 21, 2012, he was elected as a vice-speaker of the Parliament of Georgia.


Gisements ardoisiers en France.

Statut juridique des ardoisières.

Le code minier de 1810 a classé les ardoisières dans la famille des carrières souterraines. Depuis 1946, les ardoisiers sont assimilés au statut de mineur.

Quelques repères historiques.

Anjou.

Aux , les principaux centres de production de l'ardoise se situent en Anjou. Les mines ardoisières se développent à Angers, Combrée, La Pouëze, Noyant-la-Gravoyère, Saint-Barthélemy-d’Anjou, Trélazé, et Renazé en Mayenne angevine. On compte près de ouvriers qui font vivre plus de personnes. Au fil des siècles, Trélazé s’affirme comme le centre le plus important, pour la quantité comme pour la qualité. Le gisement angevin fournit l’essentiel de la production française. Le maximum est atteint en 1905 avec .

Ardennes.

Entre le , le département des Ardennes possédait également d'importantes exploitations (Fumay, Haybes, Rimogne, etc.) qui ont toutes cessé leur activité vers 1971.

Autres régions.

On trouve aussi des bassins ardoisiers en Bretagne (ardoisières de Maël-Carhaix), en Corrèze, dans les Alpes (Morzine) ou dans les Pyrénées.

Répartition géographique par département.

Le gisement le plus important en France se situait sur le territoire de la ville de Trélazé jouxtant Angers, en Maine-et-Loire. On y produisait entre et d'ardoise par an au sein de deux exploitations souterraines. Le 25 novembre 2013, faute de pierre exploitable, la direction des Ardoisières d'Angers annonça la fermeture des ardoisières. La société employait encore 153 salariés. Malgré l'opposition des mineurs et d'une partie de la population locale, et l'étude de différentes options pour une reprise, le plan social est signé le 28 mars 2014.

Quelques données géochimiques sur l'ardoisière angevine.

L'ardoise angevine s'est formée il y a 460 millions d'années, à l'ordovicien et est issue de la transformation d'argiles océaniques compactées, peu à peu métamorphisées en schiste très pur.

Extraction et fabrication.

L'extraction peut s'effectuer à ciel ouvert ou bien de manière souterraine. Certaines régions, Corrèze et Anjou, ont vu les deux techniques coexister. Dans d'autres, comme dans les Ardennes, la Savoie, elle est ou fut exclusivement souterraine. Le principal facteur qui conditionne le mode d'extraction repose sur le pendage de la veine.  Ensuite, les blocs sont découpés en blocs proches des formats d'ardoises à fabriquer, étape au cours de laquelle le fendeur veille à placer le longrain, qui correspond à la direction selon laquelle la roche a été plissée, dans le sens de la longueur de la future ardoise. Ensuite, vient l'étape du fendage qui consiste à diviser le bloc dans son épaisseur, en désolidarisant les feuillets de la roche. La dernière étape, la taille, consiste à donner à l'ardoise sa forme définitive.

Gisements ardoisiers en Amérique du Nord.

À Saint-Marc-du-Lac-Long, au Québec, se trouve la plus importante ardoisière exploitée en Amérique du Nord, à ciel ouvert, comparable aux exploitations françaises.

Utilisation.

Couverture de bâtiments.

L'ardoise constitue le matériau employé pour la couverture des bâtiments (on parle alors d"'ardoises"). Les régions traditionnelles de production sont aussi les régions où ce type de couverture est privilégié : il s'agit par exemple, en France de la Bretagne, du Maine-et-Loire de la Touraine et des Ardennes ainsi qu'en altitude dans les Pyrénées.  La durée de vie d'une ardoise est de 70 ans à 300 ans. La qualité du gisement, le type d'extraction (machine ou main) et bien sûr l'épaisseur, le type de pose (sur crochet ou cloutée), le pureau, ont une incidence sur cette durée. Il n'y a pratiquement pas d'entretien (démoussage) sur les ardoises. Pour les plus fiables, il faudra changer le support avant l'ardoise (changement de volige ou même de charpente). C'est pour cela qu'il y a un marché d'occasion pour les ardoises, et que les monuments historiques (leurs architectes et artisans spécialisés) préconisent en rénovation des ardoises à longue durée de vie.  Les ardoises de mauvaise qualité sont sujettes à la rouille. Ce défaut provient de la présence de minerai de fer (la forme la plus connue est celle de la pyrite, mais on rencontre également des grenats, de la magnétite) contenu dans certaines veines du gisement ou dispersée. C'est donc après l'extraction que les lots défectueux peuvent être mis de côté systématiquement par un test à l'acide. Le traitement des ardoises sur le toit est possible avec le passage d'un produit chimique (réaction acide-base)  En règle générale, l'ardoise est aujourd'hui moins utilisée, du fait de l'apparition de matériaux de construction synthétiques moins onéreux, dont certains imitant l'apparence de l'ardoise.

Autres usages extérieurs.

Dans le domaine de la construction, l'ardoise ne se contente plus de couvrir les toits mais sert aussi en parement protecteur et en dallage.  On l'utilise aussi en paillis comme couvre sol.  En outre, l'ardoise se sculpte et se grave. Des plaques commémoratives, ou funéraires, des plaques de rues ou décoratives sont réalisées par des artisans.

Usages intérieurs.

L'ardoise fut largement utilisée sous forme de plaque mince en tant que support d'écriture effaçable.  Elle s'utilise en aménagement intérieur comme dallage ou comme plan de travail en cuisine ou salle de bains.  Dans la fabrication des billards, la table comprend une (ou plusieurs) plaque en ardoise assemblée sur un châssis métallique. Cette ardoise est rectifiée, opération de précision qui ajuste le plan au de millimètre (gage de qualité du billard). Aucun autre matériau n'a pu remplacer à ce jour l'ardoise pour la qualité du roulement. La densité et l'effet de masse évitent les déformations de la table dans le temps.

Économie.

Selon les enquêtes de l’UNICEM, en 2005, le chiffre d'affaires global des producteurs français est de dont à l'exportation, dans 39 entreprises ou sections d'entreprises.  La dernière grosse exploitation d'ardoise en activité en France ferme en mars 2014.  Toutefois, il existe encore aujourd’hui plusieurs petits producteurs régionaux comme les Ardoisières de Corrèze (19), Les Ardoises de Plevin (22), les Ardoisières du Neez (65), l’Ardoisière des Pyrénées (65) et Ardoisiere des 7 Pieds (74).

Musées.

Les communes suivantes abritent un musée de l’ardoise qui traite également de son exploitation locale :

Couleur.

L'ardoise est d'une couleur gris très foncé, allant du gris neutre au gris bleuté. On dit aussi « gris ardoise » ou « bleu ardoise »:  Il en existe d'autres couleurs dans le monde : de lableu-vert voire mordorée et de la violette en Amérique du Sud.

L’ardoise est une roche métamorphique issue d'une argile ayant subi un métamorphisme général faible. Elle appartient à la famille des schistes à l'intérieur de laquelle elle se distingue par la qualité de son grain, très fin et homogène, et sa fissilité : sa capacité à se fendre en raison de son dans le sens de la sédimentation. Ces propriétés font qu'on peut l'utiliser comme matériau de couverture.  L'ardoise est résistante et sa couleur peut varier du blanc au noir, en passant par toutes sortes de gris, de rouges sombres et de verts. Elle a un aspect lustré en raison de la présence de petits micas blancs embryonnaires (variété appelée séricite) issus de la transformation minéralogique des argiles en schistes ardoisiers. L'ardoise de couverture peut être droite (rectangulaire) ou en forme d'écaille. Son épaisseur varie de 3 à . Entre 20 et , il s'agit de lauze, autre schiste plus massif et moins cisaillé. La pose à l'ancienne est la pose au clou, fin apparaît la pose sur crochet.

Slate is a fine-grained, foliated, homogeneous metamorphic rock derived from an original shale-type sedimentary rock composed of clay or volcanic ash through low-grade regional metamorphism. It is the finest grained foliated metamorphic rock. Foliation may not correspond to the original sedimentary layering, but instead is in planes perpendicular to the direction of metamorphic compression.  The foliation in slate is called "slaty cleavage". It is caused by strong compression causing fine grained clay flakes to regrow in planes perpendicular to the compression. When expertly "cut" by striking parallel to the foliation, with a specialized tool in the quarry, many slates will display a property called fissility, forming smooth flat sheets of stone which have long been used for roofing, floor tiles, and other purposes. Slate is frequently grey in color, especially when seen, en masse, covering roofs. However, slate occurs in a variety of colors even from a single locality; for example, slate from North Wales can be found in many shades of grey, from pale to dark, and may also be purple, green or cyan. Slate is not to be confused with shale, from which it may be formed, or schist.  The word "slate" is also used for certain types of object made from slate rock. It may mean a single roofing tile made of slate, or a writing slate. They were traditionally a small, smooth piece of the rock, often framed in wood, used with chalk as a notepad or notice board, and especially for recording charges in pubs and inns. The phrases "clean slate" and "blank slate" come from this usage.