Géographie.

Distante de 47 km de Macerata, la ville de Camerino est située entre le val du Chienti et de la Potenza, sur une colline au centre de la région montagneuse de la province de Macerata, cernée au sud par le massif des monts Sibyllins et au nord par le mont San Vicino. Le territoire environnant est essentiellement composé de collines alternées de champs cultivés, petits bois et chênes centenaires.

Histoire.

Des traces d’habitations remontant au néolithique ont été trouvées dans la région de Torre Beregna et dans les grottes de mont Primo.  Camerino est une ville ancienne peuplée par des Umbrii-Camerti. Une légende veut que les "Camertis" vaincus par le peuple des pélagiques aient abandonné leur ville natale, Kamars. Pour cette raison, afin de rappeler leur ancienne patrie, ils donnèrent à l'endroit le nom de Cameria, ou Camerte. Les Camertes (habitants de Camerino) et les Romains conclurent un traité d’alliance avec des conditions de traitement égales : l'Aequum Foedus (309 ). Ce privilège de citoyenneté romaine est confirmé par Caius Marius en 101 et par Septime Sévère en 210, garantit encore l'importance de la ville Camerte au .  Il ne semble pas que Camerino ait été directement affectée par les graves effets des invasions barbares. Divers écrits, cependant, font référence traditionnellement à un siège gothique de la Ville.  Selon une légende, c’est le saint patron qui a empêché Camerino d’être prise, apparaissant au-dessus des murs et luttant aux côtés des habitants. Défaits des Goths en 552, la ville appartînt aux Byzantins jusqu’en 592.  Camerino vit apparaître plus tardivement que l’Ombrie voisine les grands complexes monastiques (San Lorenzo di Doliolo près de l’antique Settempeda (actuel San Severino Marche) ou Santa Maria de Rambona ). Cependant, la quasi-totalité des édifices sacrés attestent encore aujourd'hui du haut niveau technique et artistique auquel est parvenue la Ville à partir du .  Aux environs de 1050, le Marquis Bonifacio occupe la Ville pour la donner par la suite à sa fille, la comtesse Mathilde, laquelle en 1077 la cède à l'Eglise .  Autour de l’an 1000, Camerino est une ville florissante et indépendante qui bat monnaie à l’effigie des saints Venanzio et Sant'Ansovino.  A l’origine Gibeline, elle devient forteresse guelfe et siège de la délégation pontificale (1240) raison pour laquelle elle subit une destruction en 1259 de la part des troupes impériales de Manfred de Hohenstaufen, conduites par Perceval Doria. Une grande partie de la population est massacrée.  En 1382, pour la défense du territoire de Camerino Giovanni Da Varano fait construire un mur long de douze kilomètres jonché de tours, de fossés et digues faites de gros troncs taillés d’où le nom d’une ligne dite « Intagliata ». Par la suite, la famille Da Varano gouverne pratiquement la ville pendant trois siècles.  En 1377, le pape Grégoire XI attribue le titre d"'Etude générale de l'ancienne école" (l'équivalent d'Université) aux différentes écoles de droit, de médecine et de lettres qui s'y étaient formées à partir du .  Au cours de l’époque seigneuriale, la ville bénéficie d' une prospérité économique et d'une croissance démographique provoquant une transformation urbanistique qui modifie sa structure médiévale. Les normes fixées par les statuts pour la défense, l’hygiène et les services publics sont détaillées et rigoureuses. En 1502 toutes les rues arrivaient sur la loge César Borgia qui prit la place des Da Varano et tua Jules César Varano avec trois de ses fils.  En 1503, les Borgia construisent la forteresse des Borgia (les tours cylindriques et le puissant donjon, exemples d’architecture militaire de la Renaissance) pour contrôler la ville sur le versant sud-ouest. Après quoi, Giovanni Maria, troisième enfant rescapé de Jules César de Varano, retourne en ville et gouverne le duché de Camerino jusqu'en 1527.  L’histoire du s’articule autour de la multiplicité des statuts particuliers. L’Etat est divisé en plus de 100 communautés, dirigées par 3 vicariats.  Au , la petite capitale de la Seigneurie est réduite à un grand bourg agricole avec une économie limitée et quelques industries.  En 1861, Camerino devient italienne, l'université de Camerino est reconnue par le nouvel État et en 1958 et devient université publique.  Durant la Première Guerre mondiale, 260 habitants trouvèrent la mort, 84 lors de la Seconde Guerre mondiale.  En 1997 et 2016, la Ville de Camerino a été dévastée par deux violents tremblements de terre. Le centre-ville est en 2019, fermé à la circulation et surveillée par les forces militaires.

Économie.

En raison des deux tremblements de terre de 1997 et de 2016, les structures universitaires, hospitalières, sociales et artisanales de la ville sont sinistrées.

Le tremblement de terre de 1997.

À partir du se produisent des secousses sismiques qui atteignent un point culminant le ) avec l'épicentre localisé dans l’Apennin umbro-marchesan. Celles-ci causent de nombreux dommages à la ville de Camerino. De nombreuses habitations et églises, dont la cathédrale et Santa Maria in Via son endommagées.  Récemment, des travaux de consolidation et de reconstruction ont fait revenir à la lumière d’importantes pièces archéologiques sur la place du centre historique de la ville.

Le tremblement de terre de 2016.

19 ans après le tremblement de terre de 1997 et les derniers travaux de reconstruction achevés, l’Apennin est de nouveau été frappé par une série d’événements sismiques violents. La nuit du 24 août, une forte secousse a presque complètement détruit la ville d'Amatrice, la ville de Camerino ayant aussi subi des dommages, avec la fermeture des principales églises ; même quelques édifices privés, principalement dans le centre historique, se sont avérés endommagés. Mais après deux mois où l’essaim sismique semblait s’être presque complètement atténué, le soir du 26 octobre une nouvelle secousse très violente, avec épicentre près de Ussita, a causé des effondrements importants et de graves dommages à presque tous les bâtiments du centre historique, ainsi qu’au quartier populaire de la périphérie des "Vallicelles", le plus proche de l’épicentre. La secousse avait été précédée par une autre, plus légère, qui ont poussé la population a abandonner leur habitation avant la réplique destructrice. L’effondrement le plus notable est celui du clocher de Santa Maria in Via tombé sur un édifice privé situé derrière l’Église, et le détruisant. Le matin du 30 octobre, une autre secousse avec épicentre près de Norcia a causé de nouveaux dégâts. Le tremblement de terre de 2016 a provoqué le déplacement de , blessés et morts, dont 3 indirectement à cause d’une crise cardiaque due à la peur.

Culture.

De nombreuses œuvres ont été éparpillées dans les musées italiens et étrangers, parmi lesquels les trois retables de Carlo Crivelli : "La Crucifixion", à la pinacothèque de Brera à Milan, le "Polittico di San Domenico di Camerino ", appelé aussi "Triptyque de Camerino", démembré entre la Pinacothèque de Brera à Milan, le Städel de Francfort et la collection Abegg-Stockar de Zurich, et la "Vierge à l’Enfant entourée de saints" à la Gemälde de Berlin et une "Vierge à l’Enfant" de 1270 désormais au Fogg Art Museum, Harvard University de Cambridge dans le Massachusetts, USA.

Éducation.

L'université de Camerino fut classée première par le Censis parmi les « petites académies » italiennes ("Piccoli Atenei") en 2007. L'université comptait plus d'étudiants que la ville ne comptait d'habitants (le rapport, en 2005, est de 1354 étudiants pour 1000 résidents).

Administration.

Hameaux.

Agnano, Arcofiato, Arnano, Campolarzo, Capolapiaggia, Caselle, Colle Altino, Mecciano, Mergnano San Pietro, Mergnano San Savino, Mistrano, Morro, Paganico, Palentuccio, Perito, Piampalente, Pian d'Aiello, Piegusciano, Polverina, Pontelatrave, Ponti, Pozzuolo, Rocca d'Aiello, Sabbieta Alta, San Luca, San Marcello, Santa Lucia, Sant'Erasmo, Sellano, Sentino, Selvazzano, Sfercia, Strada, Torrone, Tuseggia, Valle Vegenana, Varano

Communes limitrophes.

Caldarola, Castelraimondo, Fiastra, Muccia, Pievebovigliana, Pioraco, Sefro, Serrapetrona, Serravalle di Chienti

Camerino est une commune italienne d'environ habitants, située dans la province de Macerata, dans la région des Marches, en Italie centrale.

Camerino is a town in the province of Macerata, Marche, central-eastern Italy. It is located in the Apennines bordering Umbria, between the valleys of the rivers Potenza and Chienti, about from Ancona.  Camerino is home to the University of Camerino, founded in the Middle Ages.


Biographie.

Francisco Tárrega est né le à Vila-real, dans la province de Castellón en Espagne. Son père, Francisco Tárrega Tirado, était huissier, sa mère, Antonia Eixea, mourut alors que Francisco était très jeune. Francisco tomba dans un canal d'irrigation dans sa prime jeunesse, altérant sa vue de manière définitive. Partiellement à cause de cet incident, la famille déménagea à Castellón et l'inscrivit en classe de musique. Ses deux premiers professeurs de musique, Eugeni Ruiz et Manuel Gonzalez, étaient aveugles.  En 1862, le concertiste Julián Arcas, en tournée à Castellón, entendit parler du talent du jeune Francisco et conseilla au père de Tárrega de l'autoriser à venir à Barcelone étudier avec lui. Le père de Tárrega accepta, mais insista pour que son fils prenne également des leçons de piano. La guitare était alors perçue comme un instrument d'accompagnement pour les chanteurs, alors que le piano était très en vue à travers l'Europe. Cependant, Tárrega dut arrêter ses leçons peu de temps après quand Arcas partit pour une tournée de concerts à l'étranger. Bien que Francisco Tárrega fût seulement âgé de 10 ans, il fugua et essaya de commencer une carrière musicale de son propre chef à travers les cafés et restaurants de Barcelone. Il fut bientôt retrouvé et ramené à son dévoué père, qui eut à faire de grands sacrifices pour faire progresser l'éducation musicale de son fils.  Trois ans plus tard, en 1865, il fugua pour Valence où il rejoignit un groupe de bohémiens. Son père le rechercha et le ramena à la maison une fois de plus, mais il fugua une troisième fois, encore à Valence. Au début de son adolescence, Tárrega était bon musicien aussi bien à la guitare qu'au piano. Pour un temps, il joua avec d'autres musiciens lors d'évènements locaux pour gagner de l'argent, mais par la suite il retourna à la maison pour aider sa famille.  Tárrega entra au conservatoire de Madrid en 1874, sous le mécénat d'un riche marchand du nom de Antonio Canesa. Il amena avec lui une guitare récemment acquise, fabriquée à Séville par Antonio de Torres. Ses qualités sonores supérieures l'inspirèrent aussi bien dans son interprétation que dans le potentiel créatif de l'instrument. Au conservatoire, Tárrega étudia la composition avec Emilio Arrieta qui le convainquit de se focaliser sur la guitare et d'abandonner l'idée d'une carrière de piano.  À la fin des années 1870, Tárrega enseignait la guitare (Emilio Pujol et Miguel Llobet étaient deux de ses élèves) et donnait régulièrement des concerts. Tárrega rencontra beaucoup de succès pour son interprétation et commença à voyager dans d'autres régions d'Espagne pour se produire. C'est alors qu'il composa ses premières œuvres pour guitare, en plus de jouer celles d'autres compositeurs.  Durant l'hiver 1880, Tárrega remplaça son ami Luis de Soria pour un concert à Novelda, Alicante, où un homme d'importance lui demanda d'écouter sa fille, María José Rizo, qui apprenait à jouer de la guitare. Ils se fiancèrent bientôt.  En 1881, Tárrega se produisit en première à l'Opéra de Lyon et au Théâtre de l'Odéon à Paris, pour le deuxième centenaire de la mort de Pedro Calderón de la Barca.  Il joua également à Londres, mais n'y apprécia ni la langue ni le climat. Il existe une anecdote à propos de sa visite en Angleterre. Après un concert, quelques personnes remarquèrent que le maestro avait l'air mélancolique. « Qu'est-ce qui se passe ? » lui demandèrent-ils. « Votre pays vous manque ? Votre famille, peut-être ? », ils lui conseillèrent de projeter cet instant de tristesse dans sa musique. Ainsi il conçut le thème d'une de ses œuvres les plus mémorables, "Lágrima(Larme en espagnol)". Après avoir joué à Londres, il retourna à Novelda pour son mariage. À Noël 1885, Tárrega se maria avec María José Rizo.  Il commença bientôt à transcrire des œuvres pour piano de Beethoven, Chopin, Mendelssohn, Albéniz et d'autres pour élargir son répertoire musical de guitare, et, sans doute, pour mettre à profit sa connaissance considérable des musiques pour clavier. Tárrega et sa femme déménagèrent pour Madrid, gagnant leur vie en donnant des cours particuliers et se produisant en concerts, mais après la mort de sa jeune fille, Maria Josefa, ils s'installèrent de manière permanente à Barcelone en 1885. Parmi ses amis à Barcelone figuraient Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina et Pablo Casals.  Peu après une tournée de concerts à Valence, Tárrega rencontra une riche veuve, Conxa Martinez, qui devint son mécène. Elle l'autorisa ainsi que sa famille à occuper sa maison à Barcelone, où il écrivit la plupart de ses meilleures œuvres. Plus tard elle le fit aller à Grenade, où le guitariste conçut le thème de son fameux "Recuerdos de la Alhambra", qu'il composa à son retour et dédia à son ami Alfred Cottin, un Français qui lui organisait ses concerts à Paris.  En 1900 Tárrega visita Alger, où il entendit un rythme répétitif sur un tambour arabe. Le matin suivant, il composa sa fameuse "Danza Mora" basée sur ce rythme de tambour.  À partir de la fin des années 1880 jusqu'en 1903, Tárrega continua de composer, mais limita ses concerts à l'Espagne. Vers 1902, il se coupa les ongles et créa une sonorité qui devait devenir typique des guitaristes associés à son école. L'année suivante il vint en tournée en Italie, donnant des concerts à grand succès à Rome, Naples, et Milan.  En janvier 1906, il fut affecté d'une paralysie du côté droit, et bien qu'il retrouvât par la suite son niveau de concertiste, il ne récupéra jamais complètement. Il finit son dernier travail, Oremus, le 2 décembre 1909. Il mourut treize jours plus tard à Barcelone, le .

Style musical.

En tant que compositeur, Tárrega était conservateur, confinant son style aux tendances générales de la seconde moitié du . En tant que virtuose sur son instrument, il était connu comme le « Sarasate de la guitare ».  Tárrega est considéré comme le créateur des bases de la guitare classique du , et pour avoir accru l'intérêt de la guitare comme un instrument de récital. Andrés Segovia utilisa beaucoup d'œuvres techniques et de compositions de Tárrega pour les jouer en concert à travers l'Europe.  Tárrega préférait les petites auditions intimes lors des étapes de tournée. Certains croient que c'était parce qu'il jouait sans ongles, requis pour avoir plus de volume. D'autres disent que c'est lié à son traumatisme infantile.

Compositions.

La musique et le style de Francisco Tárrega devinrent très influents dans le . Il joua un rôle majeur au rétablissement de la guitare comme un instrument solo dans les récitals et concerts. L'ensemble de son œuvre contient 78 pièces originales et 120 transcriptions - principalement à usage personnel - de grands classiques. Parmi ses plus populaires œuvres pour guitare figurent : "Recuerdos de la Alhambra", "Capricho Árabe" et "Danza Mora". Tárrega arrangea pour la guitare des pièces d'autres compositeurs, notamment de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin et Felix Mendelssohn.  Il est aussi le compositeur de ce qui a été proclamé "la musique au monde probablement la plus écoutée" : la sonnerie de Nokia, aussi utilisée dans des spots publicitaires, basée sur son œuvre pour guitare solo "". En 1984, sa musique inspira aussi Mike Oldfield, dont l'instrumental "Etude", extrait de l'album "The Killing Fieds", est basé sur les trémolos de Tárrega dans la pièce pour guitare solo "Recuerdos de la Alhambra".  De la même manière que quelques-uns de ses contemporains espagnols, tel son ami Isaac Albéniz, il attacha de l'intérêt à combiner la tendance romantique dominante en musique classique avec les éléments populaires espagnols, et transcrivit quelques pièces pour piano d'Albéniz (notamment "Asturias") pour guitare. Le compositeur et guitariste contemporain Angelo Gilardino écrivit que les 9 préludes de Tárrega sont .

Francisco Tárrega ( à Vila-real, Espagne - à Barcelone, Espagne) est un guitariste et un compositeur espagnol. Il a été l'un des guitaristes les plus influents dans le monde et il est considéré comme le père de la guitare classique moderne.

Francisco de Asís Tárrega y Eixea (21 November 185215 December 1909) was a Spanish composer and classical guitarist of the Romantic period. He is known for such pieces as "Recuerdos de la Alhambra". He is often called "the father of classical guitar" and is considered one of the greatest guitarists of all time.


Biographie.

Enfance.

Mauro Giuliani est né à Bisceglie. Il a étudié le violoncelle, la guitare, et peut-être aussi le violon.

Début de carrière.

À 25 ans il était déjà une célébrité. Mauro Giuliani a un enfant, Michele, avec Marie Joséphine del Monaco.

Vienne et le virtuose voyageur.

Il exerça à Vienne de 1807 à 1819, puis en Italie où il séjourna jusqu'à sa mort. Il rencontra, dans la capitale autrichienne, de nombreux succès comme soliste, mais aussi dans le cadre de la musique de chambre.

Fin de carrière.

En 1828 sa santé commence à se détériorer. Il meurt à Naples en 1829.

Famille.

Son frère cadet Nicolas Giuliani ("fl." 1847) était maître de chapelle à Saint-Pétersbourg, attaché au service de l'Impératrice de Russie. Il est l'auteur d'un traité d'harmonie ("Introduction au Code d'Harmonie pratique et théorique, ou Nouveau système de Basse Fondamentale") publié en 1847.  Sa fille extraconjugale Emilia Giuliani-Guglielmi (1813-1850) était guitariste virtuose et compositeur.  Son fils Michele Giuliani (1801-1867) était guitariste, compositeur et professeur de chant au Conservatoire de Paris de 1850 à 1867.

Œuvres.

Mauro Giuliani a composé plus de 240 œuvres et 1000 piècesessentiellement pour son instrument mais aussi pour des formations plus importantes. Ses trois concertos pour guitare et orchestre, ainsi que les six "Rossiniane" comptent parmi ses pièces les plus marquantes.  Son style est à la fois virtuose et élaboré. Comme dans l'œuvre de Niccolò Paganini l'aspect mélodique et harmonique est fortement inspiré par Rossini. Souhaitant hisser la guitare au même rang que le piano ou le violon, il compose pour elle des sonates et des pièces aux développements ambitieux et souvent exigeantes pour le guitariste. Bien que plus jeune de quelques années que Beethoven, Giuliani a suivi les principes plus classiques de Mozart et de Haydn.  On peut diviser son œuvre en trois périodes :

Méthode, études, et compositions pour les élèves.

Mauro Giuliani a écrit une méthode de guitare, six recueils d'études, ainsi que des pièces pour les élèves et les amateurs.

Méthode (Étude de la guitare opus 1a).

La méthode de Mauro Giuliani qui a pour titre français "Étude de la guitare opus 1a" a été publiée dans une édition trilingue italien, français et allemand chez plusieurs éditeurs (Edition Peters à Leipzig et Artaria à Vienne) et a bénéficié d'une second édition chez Artaria du vivant de Giuliani.  Il s'agit d'une méthode ambitieuse destinée aux élèves et amateurs avancés mais aussi aux professionnels. Elle est le fruit d'une recherche personnelle concernant la technique de la guitare. L'Avant-propos débute par la phrase suivante: ""L'étude de la guitare a toujours été mon occupation favorite, dans laquelle j'aspirai de toutes mes forces à la perfection.""  L"'Étude de la guitare opus 1a" porte le même numéro d'opus que les "Grandes Variations pour deux guitares sur l'air (Di tanti palpiti) de l'opéra Tancredi opus 1" de Rossini mais a peut-être été écrite ultérieurement.

Études.

Mauro Giuliani a composé plus de cent études rassemblées dans six recueils. Contrairement à ses compositions Giuliani précise les doigtés dans l'édition de nombreuses études, comme les 24 Prime Lezioni, opus 139.

Concertos.

Mauro Giuliani a composé quatre concertos pour guitare et orchestre. Le quatrième concerto est aujourd'hui perdu.

Concerto nº 1 pour guitare, opus 30.

Le Concerto nº 1 pour guitare, opus 30 de 1808 en la majeur est aujourd'hui le plus joué. Il serait le premier concerto pour guitare et orchestre interprété en public.  Le concerto a été originellement composé pour guitare et orchestre (cordes et vents). Le concerto a été joué par Giuliani le 3 April 1808 à la Redoutensaal de Vienne.  Il a été publié pour la première fois, dans une version avec accompagnement d’orchestre, par le "Bureau des Arts et d'Industrie" à Vienne vers 1808-1810 ("Violin I & II; Viola; Bassi e Violoncelli; Violin I & II Ripieno; Flauto I & II; Oboe I & II; Clarinetto I & II; Fagotto I & II; et Corno I & II").  Une deuxième édition pour guitare et quatuor à cordes a été réalisée par le "Bureau des Arts et d'Industrie" à Vienne vers 1808-1810.  En 1822 Anton Diabelli réalise une troisième édition dans une version pour guitare et piano. Les nombreuses modifications font alors ressembler le concerto à un ‘’Grand Duo Concertant’’ dans lequel la guitare et le piano ont un rôle plus ou moins égal.  Lors de la création qui a été un succès plusieurs critiques musicaux ont loué la qualité de la composition et le grand talent d'interprète de Giuliani, tout en considérant que la guitare était plus à sa place comme instrument d'accompagnement que comme instrument soliste.

Concerto nº 2 pour guitare, opus 36.

Le Concerto nº 2 pour guitare, opus 36 de 1812 en la majeur compte trois mouvements : Maestoso; Andantino; Rondo Allegretto. Il est similaire au premier concerto par sa tonalité et sa construction mais est plus développé harmoniquement et également plus modérée dans le caractère.  Ce concerto n’est pas connu pour avoir existé dans une version pour orchestre complet mais seulement pour guitare et quatuor à cordes. Il est cependant parfois joué avec accompagnement d’orchestre à cordes.  Comme pour le Concerto opus 30 Anton Diabelli a réalisé un arrangement avec piano en apportant de nombreuses modifications. Pour le Concerto il a réalisé cet arrangement pour guitare tierce (ou terz) ce qui fait que bien qu’écrit en La majeur il sonne une tierce au-dessus en Do majeur.

Concerto nº 3 pour guitare, opus 70.

Le Concerto nº 3 pour guitare, opus 70 de 1824 a été composé pour guitare tierce (ou terz) et orchestre complet.  Une édition pour guitare et quatuor à cordes a été réalisée.  Comme pour les Concertos opus 30 et nº 2 opus 36 Anton Diabelli a réalisé un arrangement avec piano, mais en apportant peu de modifications à la partie de guitare.  Giuliani a aussi réalisé une version pour guitare seul du deuxième mouvement du concerto ("Variations opus 70") ainsi qu'une version pour deux guitares de la polonaise du troisième mouvement ("Polonaise Concertante opus 70").

Concerto nº 4 pour guitare, opus 129.

Nous connaissons peu de choses sur le quatrième concerto dont la partition a été perdue.

Variations.

Mauro Giuliani a composé plus de quarante variations pour guitare et deux variations pour deux guitare et deux variations pour guitare et pianoforte et deux variations pour flûte ou violon et guitare. Il s'agit du genre le plus représenté dans l'œuvre de Mauro Giuliani.

Sonates.

Mauro Giuliani a composé trois ou six sonatines ("Tre Sonatine opus 71" (c. 1810), et "Tre Sonatine" (c. 1828)) et cinq sonates ("Sonata opus 15" (c. 1812), "Tre Sonate Brillanti opus 96", et la "Gran Sonata Eroica opus 150" (c. 1843)).  Parmi elles les deux plus importantes sont la "Sonate en do majeur opus 15" et la "Sonate "héroïque" en la majeur opus 150".

Sonate en do majeur, opus 15.

La "Sonate en do majeur, opus 15" est peut-être la plus élaborée des Sonates et Sonatines de Giuliani. Elle comporte trois mouvements: Allegro spirito; Adagio con grand espressione; Finale.

Trois Sonatines opus 71.

Les "Tre Sonatine opus 71" sont de forme classique.

Trois Sonates opus 96.

Le "Trois Sonates brillantes opus 71" sont les moins élaborées des Sonates et Sonatines de Giuliani et sont peut-être plus destinées au amateurs. Elles n'ont que deux mouvements et débutent par un mouvement lent suivi d'un mouvement vif.

Sonate "héroïque" en la majeur, opus 150.

la "Grand sonata eroica" est une des dernières œuvres de Mauro Giuliani. Il s'agit d'une de ses compositions les plus ambitieuses avec les concertos et "Le Rossiniane". Elle est dédiée à Filippo Isnardi. La Sonate héroïque comporte un mouvement (Allegro maestoso). Par le terme "eroica" elle peut être rapprochée au style « héroïque » de Ludwig van Beethoven (1803-1812) et notamment à la Symphonie nº 3 de Beethoven, communément appelée Eroica et dédiée à Napoléon Bonaparte.

Préludes, Fugue.

Les "Six Préludes" de Giuliani ("Sei Preludi, opus 83"), comme la petite fugue ("Fughetta, opus 113") semblent être inspirés par Johann Sebastian Bach. Sa fille Emilia Giuliani-Guglielmi composera également six préludes ("Sei Preludj, Opus 46", Vienne, 1841).

Bagatelles opus 73.

les dix "Bagatelle opus 73", peut-être composées vers 1810, sont des pièces comparables aux "Bagatelles" composées pour d'autres instruments durant la même période, comme les Bagatelles pour piano de Beethoven.

Choix de mes Fleurs cheries ou Le Bouquet Emblématique opus 46.

"Choix de mes Fleurs cheries" ou "Le Bouquet Emblématique" opus 46 est une œuvre en dix mouvements dédiée à Jules Giraud. Il s'agit peut-être de la composition de Giuliani la plus développée sur le plan harmonique. Chaque mouvement miniature évoque une fleur différente.

Sinfonia.

Mauro Giuliani a composé des sinfonias pour une et deux guitares.

Divertissements.

Mauro Giuliani a composé plusieurs divertissements pour guitare, et un pour violon ou flûte et guitare.

Rondos.

Mauro Giuliani a composé plus de dix rondos pour guitare et deux rondos pour deux guitare.

Le Rossiniane.

"Le Rossiniane" est une œuvre composée de six fantaisies sur des airs d'opéras de Gioachino Rossini composée entre 1822 et 1828. La "Rossiniana I opus 119", fait partie des œuvres les plus jouées de Mauro Giuliani.

Autres compositions pour guitare.

Mauro Giuliani a également composé un Caprice et d'autres pièces comme la "Grande Ouverture, opus 61" (1809)

Ouverture, opus 61.

La "Grande Ouverture" a une forme classique avec une brève introduction lente en mineur suivie d'un développement en majeur de forme sonate. La pièce est virtuose et n'est pas exempte d'humour. La Grande Ouverture rappelle les ouvertures d'opéra de Rossini.

Musique de chambre.

Mauro Giuliani a également composé pour voix et guitare, violon ou flûte et guitare, pianoforte et guitare, et d'autres formations comme guitare et quatuor à cordes.

Mauro Giuliani, né le à Bisceglie et mort le à Naples, est un guitariste virtuose et un compositeur italien. Il est le père de Michele Giuliani (1801-1867), guitariste, compositeur et professeur de chant au Conservatoire de Paris, et d'Emilia Giuliani-Guglielmi (1813-1850), guitariste et compositrice, et le frère aîné de Nicolas Giuliani (fl. 1847), maître de chapelle à Saint-Pétersbourg, attaché au service de l'Impératrice de Russie.

Mauro Giuseppe Sergio Pantaleo Giuliani (27 July 1781 – 8 May 1829) was an Italian guitarist, cellist, singer, and composer. He was a leading guitar virtuoso of the early 19th century.


Aperçu général du réseau.

Le réseau du métro de Budapest comprend quatre lignes, s'étend sur et compte 52 stations, dont trois en surface.  Le métro fonctionne de 4 h 30 à 23 h 30 avec une fréquence de 90 secondes à 10 minutes.  Il existe des offres tarifaires très différenciées, comme des passes de 3 jours. Le métro de Budapest est un réseau de transport ouvert (qui ne comporte aucun portillon ou autre système de contrôle à l'entrée). Des vérifications ponctuelles de billets sont effectuées dans les trains ou auprès de tous les passagers entrant dans une station.  Presque toutes les stations souterraines sont équipées d'escalators ; on ne trouve par contre d'ascenseurs que dans les stations rénovées. Les escalators sont réversibles, c’est-à-dire qu'on peut, en fonction des besoins, les faire fonctionner dans le sens de la montée ou de la descente.

Matériel roulant.

Trois différents types de véhicules circulent actuellement sur le réseau :

Les automatismes du métro.

Le niveau d'automatisation est très différent selon les lignes :

La Ligne Millennium (M1).

La ligne M1 du métro de Budapest (en hongrois : "Budapesti M1-es metróvonal") ou train souterrain du Millénaire ("Millenniumi Földalatti Vasút") a été mise en service le , à l'occasion des festivités du millénaire de la Hongrie. C'est le deuxième métro d'Europe (après le métro de Londres), le premier métro d'Europe continentale. La ligne comporte 11 stations et son tronçon actuel est de 4,4 kilomètres. Cette ligne relie la Place Vörösmarty ("Vörösmarty tér") à l'Avenue du Mexique ("Mexikói út"). Elle suit principalement le cours de l'Avenue Andrássy ("Andrássy út"). Cette avenue avec son métro furent classés en 2002 au patrimoine mondial de l'UNESCO.Construction de la ligne du Millénnium (M1).

La construction de la ligne.

En 1893, la Compagnie budapestoise des trains urbains électriques ("Budapesti Városi Villamosvasút", abrégé BVVV) et la Société des transports hippomobiles de Budapest ("Budai Közúti Vaspálya Társaság", abrégé BKVT) étudièrent la mise en place d'une ligne de tramway commune sur Andrássy út, achevée depuis 1876. Ce projet échoua.  Le directeur de la BVVV, Mór Balázs, proposa alors de réaliser le projet de construction d'un tramway souterrain soumis par Siemens & Halske. Cette réalisation venait à point, car les autorités de la ville préparaient les fêtes du Millénaire de la fondation de la Hongrie (896). Les célébrations devaient avoir lieu au Városliget. La société "Siemens & Halske", qui souhaitait également construire un métro à Berlin, fit valoir que le métro, s'il était construit, serait le premier du continent européen et que cela rejaillirait sur le prestige de la ville. Il fut donc décidé de construire la ligne de métro et de l'achever pour les Festivités du Millénaire de 1896.  Finalement les deux sociétés de transport de Budapest confièrent à la société Siemens & Halske l'exécution des travaux. La première phase commença fin . Deux ans plus tard, le , la ligne fut mise en service de long dont de tunnel et 460 mètres en surface. La ligne était également nommée « chemin de fer sous les pavés », car elle n'était située qu'à 3 mètres de profondeur. Les coûts dépassèrent les prévisions, mais les travaux furent achevés dans les temps.  La nouvelle ligne fut baptisée "földalatti", dénomination inspirée du mot anglais "underground" utilisé pour désigner le métro de Londres.

La ligne Est - Ouest (M2).

La construction de la ligne.

Dès l'ouverture de la première ligne de métro, il avait été prévu que d'autres lignes soient construites, mais celles-ci ne furent réalisées qu'un demi-siècle plus tard. Après la Seconde Guerre mondiale, la croissance de la population de Budapest (1,7 million d'habitants en 1947) entraîna la création d'un réseau qui devait comprendre une ligne nord-sud et une ligne est-ouest. La construction de la ligne est-ouest commença en 1950. Le premier tronçon allait de la station "Deák Ferenc tér" située près du centre jusqu'à la station "Népstadion" située dans l'est. Une fois achevée, cette ligne, aujourd'hui baptisée M2, devait relier "Népstadion" en passant par "Keleti pályaudvar" (Gare de l'Est) et le centre, passer sous le Danube pour s'achever à "Déli pályaudvar" (Gare du Sud). La ligne devait en tout faire .  En 1953, trois kilomètres avaient été construits. Par la suite, la situation économique de la Hongrie s'aggrava si rapidement que les travaux du métro durent être interrompus. Le tunnel amorcé servit d'entrepôt alimentaire jusqu'en 1963. À cette date, les travaux furent repris. Les plans de la ligne furent une fois de plus modifiés : vers l'est, elle devait désormais être prolongée de deux stations vers "Örs vezér tere". Entre les stations "Deák Ferenc tér" et "Blaha Lujza tér", une nouvelle station baptisée "Astoria" devait être créée près de l'hôtel du même nom.  L'esthétique des stations reprenait le fastueux modèle soviétique. Toutefois il ne fut pas installé de grands luminaires comme dans le métro de Moscou, car le plafond était moins élevé. Le revêtement des stations utilisait une pierre qui devait ressembler à du marbre ; les stations comportaient de longues rangées de sièges, que les autres réseaux de métro de nos jours ont abandonné, car elles se transformaient en dortoir pour les sans-abri.  Le premier tronçon de métro moderne fut mis en service en 1970 entre les stations "Deák Ferenc tér" et "Örs vezér tere". Dès la première année, 250 000 passagers l'empruntaient chaque jour. Parallèlement commencèrent les travaux entre les stations "Örs vezér tere" et "Pillango utca"  Deux ans plus tard, en 1972, était inauguré le tronçon "Deák Ferenc tér-Déli pályaudvar", long de , comprenant une traversée sous-fluviale du Danube. Le nombre de passagers quotidiens doubla, passant à 500 000. La ligne M2 était désormais achevée.  Début 2004, la station "Népstadion" à 4 voies fut rebaptisée "Stadionok".  La ligne M2 est aujourd'hui longue de et comprend 11 stations. Entre mai et , une partie de la ligne fut rénovée (tunnel et gares).  Depuis 2012, la ligne est équipée des véhicules construits par la société Alstom série Metropolis.

La ligne Nord - Sud (M3).

La construction de la ligne.

Les travaux de construction d'une nouvelle ligne commencèrent quelques semaines après l'inauguration de la ligne M2. Le premier tronçon de la future ligne Nord-Sud, qui est complètement incluse dans le quartier de Pest, va de la station du centre-ville "Deák Ferenc tér", où les lignes M1 et M2 se croisent jusqu'à la station "Nagyvárad tér". Ce tronçon comporte 5 stations et est long de . La ligne est construite à une profondeur intermédiaire entre celle de la ligne du Millénium construite à fleur de terre faute d'expérience à l'époque, et de la ligne M2 construite jusqu'à 60 mètres de profondeur avec des tunneliers selon les techniques en vigueur en Union soviétique. Une liaison souterraine fut construite à la station "Deák Ferenc tér" avec la ligne M2, car le seul atelier d'entretien des rames se trouvait alors sur cette ligne.  Après quatre années de travaux, le tronçon "Deák Ferenc tér" - "Nagyvárad tér" fut inauguré fin 1976. Les travaux se poursuivirent dans les quartiers nord et sud, car il devenait urgent de disposer d'une liaison par métro du fait de la surcharge que connaissait les lignes de tramway et de bus existantes. Après quatre ans de travaux, la ligne fut prolongée en 1980 jusqu'à la station "Kőbánya-Kispest". Un atelier d'entretien fut également ouvert au terminus pour l'entretien des rames de la ligne 3, car il était devenu nécessaire de soulager l'atelier surchargé de la ligne 2.  Un an et demi plus tard, fin 1981, le tronçon nord de la ligne M3 qui avait désormais son terminus à "Dózsa György út" fut mis en service. Comme l'axe routier "Váci út" ne pouvait pas être interrompu, ce tronçon fut construit avec un tunnelier. Il était désormais possible, en utilisant le métro au prix d'une seule correspondance, de rallier les principales gares de Budapest. La gare de l'Est ( "Keleti pályaudvar"), la gare du Sud ("Déli pályaudvar") et la gare de l'Ouest ("Nyugati pályaudvar").  Il fallut autant de temps pour prolonger la ligne d'une seule station ("Árpád híd") : celle-ci entra en service fin 1984. Après de nombreuses difficultés financières - l'économie planifiée montrait clairement ses faiblesses - la ligne M3 fut prolongée, fin 1990, jusqu'à la station "Újpest-Központ". Sur cette section, les quais sont situés de part et d'autre des voies, et un carrossage en aluminium remplace la pierre, avec des coloris identiques d'une station à l'autre.

La ligne M4 du métro.

Le choix du design du métro se fit par vote électronique et les budapestois privilégièrent un modèle inspiré du métro du Millennium.  La ligne M4 a été ouverte en 2014. Elle a une longueur de 7,4 km et comporte 10 stations. Sa direction générale est Sud-Ouest - Nord-Est. Elle joint la gare Kelenföldi Palyaudvar à la gare Keleti Palyaudvar.

Le projet de connexion métro - ligne suburbaine / Métro suburbain, ligne 5.

Le projet serait la construction d'une connexion entre la ligne de métro de Budapest M2 et la ligne de banlieue HÉV vers Gödöllő (H8) et Csömör (H9) à la station Örs vezér tere. Le projet consiste à construire une nouvelle station de métro à Örs vezér tere, une nouvelle station sur la ligne 2 reliant Puskás Ferenc Stadion et Pillangó utca, deux nouvelles stations sur le tronçon HÉV, reliant deux stations existantes en sous-sol, déviant l'extrémité est de la ligne HÉV un nouvel alignement et la construction d'un nouveau dépôt.  Ce projet fait partie d'un projet plus vaste qui consisterait à intégrer le réseau du métro avec celui des cinq lignes suburbaines, numérotées de 5 à 9, totalisant 104 km et 71 stations. Une transformation de la ligne HÉV 5 (21 km, 17 stations) en cinquième ligne de métro a été proposée. Une étude de faisabilité est en cours. Ce projet toutefois n'est pas finalisé.

Musée du métro.

Un espace d'exposition consacré au métro de Budapest a été aménagé en 1975 dans une section désaffectée de la station "Deák Ferenc tér". On peut y voir des éléments de mobilier récupérés d'anciennes stations au moment de leur modernisation (un guichet, divers panneaux, objets) et, surtout, une rame de deux voitures d'origine, composée des motrices 1 et 19 restaurées et maintenues en état de marche.

Le métro de Budapest est l'un des moyens de transport en commun de Budapest. Il y a deux gabarits différents : tout d'abord le métro dit du Millénium, inauguré pour le millénaire de la Hongrie ( ou M1) et qui est le deuxième plus ancien métro d'Europe après celui de Londres, ensuite, dans les années 1970 sous le régime communiste sont créées deux nouvelles lignes (M2 et M3), étendues par la suite, avec une quatrième ligne (M4) inaugurée le 28 mars .

The Budapest Metro () is the rapid transit system in the Hungarian capital Budapest. It is the oldest electrified underground railway system in continental Europe, and is only pre-dated by the London Underground. Budapest's iconic Line 1 was completed in 1896.  The M1 line became an IEEE Milestone due to the radically new innovations in its era: "Among the railway’s innovative elements were bidirectional tram cars; electric lighting in the subway stations and tram cars; and an overhead wire structure instead of a third-rail system for power." Since 2002, the M1 line was listed as a UNESCO World Heritage Site.


Origine de la notion.

Des rencontres avec Toni Wolff naissent les concepts d'« anima », d'« animus » et de « persona ».

Définition en psychologie analytique.

Animus et anima.

Ces deux éléments fondamentaux de la psyché ne sont pas symétriques ; en effet, l'Anima est l'archétype de la vie en soi, qui procure expérience et connaissance chez l'homme. C'est une fonction régulatrice, qui a pour but d'adapter le conscient à l'inconscient, or l'Animus est lui un "logos" désignant une fonction de discrimination. Leurs manifestations sont également divergentes :

Archétype de la fonction inconsciente.

L'anima chez l'homme et l'animus chez la femme sont les archétypes du sexe opposés, c'est pourquoi Jung nomme ce couple « contra-sexuel ». Ils ont une fonction de régulation ou d'adaptation et contiennent une certaine charge psychique les rendant relativement autonomes au Moi. L’anima est ainsi une image innée de la femme chez l’homme (c'est la part féminine de l’homme), l’animus, une image innée de l’homme chez la femme (c'est la part masculine de la femme). Tous deux sont perçus dans les rêves et se distinguent des autres archétypes personnels par la charge émotionnelle qu'ils véhiculent. Leur intégration permet de relier le conscient à l'inconscient et forme le travail préliminaire de l'individuation. Pour Jung, tout homme a une image (ou « imago ») psychique de la femme, représentant dans sa psyché personnelle sa propre relation avec l'inconscient. C'est pourquoi, pour les hommes, l'anima représente les sentiments et les affects. L'anima ne renvoie pas au complexe d'Œdipe : il s'agit d'une fonction psychique personnifiée, celle de la relation du Moi masculin à l'inconscient et qui a pour but de compenser la conscience.

Influence sur la personnalité.

Contrairement à l'anima, l'animus féminin n'est pas un homme unique mais une pluralité virile. Chez la femme, il est à l'origine de comportement et de paroles acerbes et magistrales, péremptoires. Ces deux archétypes peuvent fasciner le Moi, c'est-à-dire l'envahir psychiquement. Jung parle alors de « possession par l'animus ou l'anima » lorsque l'un ou l'autre envahit le champ du conscient. L'étude des manifestations de l'anima ou de l'animus a donné lieu à une littérature abondante, d'Emma Jung ("La Légende du Saint Graal") à Marie Louise von Franz ("La Femme dans les contes de fée"), de Clarissa Pinkola Estés ("Femmes qui courent avec les loups") à Annick de Souzenelle ("Le Féminin de l'Être. Pour en finir avec la côte d'Adam").

Figures de l'anima.

L'anima apparaît souvent dans les rêves et les fantasmes, sous les traits d'une femme séductrice ou diabolique qui est porteuse de valeurs féminines souvent très éloignées des valeurs masculines conscientes du rêveur. C'est au cours du processus d'individuation, souvent dans la seconde moitié de la vie, que l'homme se trouve confronté à cette figure de son inconscient : Dès 1921, Jung définit l'anima et l'animus dans son ouvrage "Types psychologiques" pour rendre compte de l'expérience des délires de psychotiques dont il a eu la charge au Burghölzli, et qu'il a lui-même vécu lors de sa période de confrontation à l'inconscient, après sa rupture avec Freud. C'est notamment son épisode avec Sabina Spielrein qui créa chez lui les premiers linéaments d'une théorie des archétypes sexués au sein de la psyché de chaque genre.  Les figures féminines de la catégorie anima se révèlent en général aux hommes. C’est pourquoi on la nomme la part féminine de l’homme. Dans le cadre de la clinique, ou simplement en suivant ses rêves, jour après jour, sur une longue période, et en prenant conscience de cette part féminine, ces personnages qu’il a en lui, le masculin réel de l’homme se met à se développer. Ce processus se nomme l’individuation. L’aboutissement de cette réalisation se fait en général, par la rencontre avec la figure de la femme sage vers la fin du processus. Les personnages masculins (bien que relevant en général de la psyché féminine) apparaissant parfois dans l’homme au cours de ce processus.  Constituant l'anima, Jung distingue en 1946 quatre niveaux, se révélant au fil du processus d'individuation :  Commentant le fait que la sagesse l'emporterait sur la sainteté, Jung se contente de préciser :  Chaque niveau correspond à un niveau de maturité psycho-affective. En réalité, l'anima a une fonction régulatrice :

Anima dans les rêves.

Dans les rêves, où apparaît de manière privilégiée l'anima, celle-ci joue un rôle de guide, à travers des figures féminines révélatrices : .

Anima dans la thérapie jungienne.

Confrontation avec l'anima.

La confrontation avec cet autre, étape décisive de l'individuation, est génératrice d'angoisse, aux limites de la folie, néanmoins elle permet une intégration complète et harmonieuse des différentes instances composants la psyché.

Dialogue intérieur et anima.

Dans la thérapie jungienne, la technique du dialogue intérieur, comme celle de l'imagination active, permet, par un dialogue réel avec ses contenus inconscients personnifiés, sous le contrôle critique du Moi, d'intégrer son image :  Les quatre stade de l'anima

L'anima (du latin "anima" « souffle, âme », d'où vient le terme animal) est, dans la psychologie analytique du psychiatre suisse Carl Gustav Jung, la représentation féminine au sein de l'imaginaire de l'homme. Il s'agit d'un archétype, donc d'une formation de l'inconscient collectif, qui a son pendant chez la femme sous le nom d'animus.  Cet archétype se manifeste tout au long de la vie, projeté inconsciemment, d'abord sur le parent du sexe opposé, puis sur les personnes rencontrées auxquelles sont alors prêtées les caractéristiques de cette image.

The anima and animus are described in Carl Jung's school of analytical psychology as part of his theory of the collective unconscious. Jung described the animus as the unconscious masculine side of a woman, and the anima as the unconscious feminine side of a man, each transcending the personal psyche. Jung's theory states that the anima and animus are the two primary anthropomorphic archetypes of the unconscious mind, as opposed to the theriomorphic and inferior function of the shadow archetypes. He believed they are the abstract symbol sets that formulate the archetype of the Self.  In Jung's theory, the anima makes up the totality of the unconscious feminine psychological qualities that a man possesses and the animus the masculine ones possessed by a woman. He did not believe they were an aggregate of father or mother, brothers, sisters, aunts, uncles, or teachers, though these aspects of the personal unconscious can influence a person's anima or animus.  Jung believed a male's sensitivity is often lesser or repressed, and therefore considered the anima one of the most significant autonomous complexes. Jung believed the anima and animus manifest themselves by appearing in dreams and influence a person's attitudes and interactions with the opposite sex. Jung said that "the encounter with the shadow is the 'apprentice-piece' in the individual's development … that with the anima is the 'masterpiece'". Jung viewed the anima process as being one of the sources of creative ability. In his book "The Invisible Partners," John A. Sanford said that the key to controlling one's anima/animus is to recognize it when it manifests and exercise our ability to discern the anima/animus from reality.


Histoire.

Antiquité.

Dès le , la ville aurait été habitée par des populations romanisées ; elle faisait alors partie du territoire de la ville romaine d'Olisipo, la future Lisbonne.

Moyen Âge.

Après la conquête musulmane de la péninsule Ibérique de 711, la ville de Sintra est intégrée dans l'émirat puis le califat de Cordoue, dans la région nommée Gharb al-Ândalus (ouest d'Al Andalus). Elle apparaît dans des textes géographiques (Al-Bakri, ), comme dépendance de Lisbonne et principal centre urbain après celle-ci, Santarem étant alors la principale ville de la région. La construction du fort dominant le site fut motivée par la surveillance des côtes après les raids Vikings du . Sintra fut renommée pour l'étude du fiqh (droit musulman).  Deux des principaux monuments de Sintra, le Château des Maures et le palais national ainsi que la ville elle-même, datent de l'époque musulmane.  Comme l'ensemble de la région de Lisbonne, Sintra tombe en 1147 entre les mains du roi catholique Alphonse de Portugal (premier roi du Portugal), aidé par une armée de croisés anglais et flamands, lors de la Reconquista. Cette étape marque le début de la construction de couvents et monastères dans la Serra. À compter du , le palais devenant l'un des principaux lieux de villégiature de la cour, la ville s'enrichit de nombreuses villas érigées par l'aristocratie lisboète. En 1808, c'est à Sintra qu'est signée la convention pour rétablir la paix après l’invasion du Portugal par l’armée française.  La ville devient l'un des hauts lieux de l'architecture romantique: le poète anglais Lord Byron y effectue de nombreux séjours; le prince Ferdinand de Saxe Cobourg-Gotha de Bavière achète les ruines de l'ancien monastère de Notre-Dame de la Péna édifié en 1503 et entreprend la construction du palais de Pena : celui-ci se caractérise par un mélange de styles (gothique, maure, Renaissance et manuélin); il aménage, en outre, un parc regroupant, à côté des essences locales, de nombreuses essences exotiques. Le cadre de la ville participe grandement à l'engouement de toute l'Europe pour cette ville.

Géographie.

Sintra est située dans la province de l'Estrémadure, au pied et sur le versant nord de la Serra de Sintra, une étroite chaîne verdoyante aux sommets granitiques qui s'allonge entre Lisbonne et la côte de l'Atlantique. La Serra de Sintra forme une barrière montagneuse (point culminant à la Cruz Alta : 529 m) sur laquelle se condensent les pluies venues de l'océan atlantique.  Le climat exceptionnel de cette région favorise la présence d'une végétation dense et riche en espèces au cœur d'un parc national classé par l'UNESCO. À juste titre, Byron l'avait surnommé le « Glorieux Eden ».

Économie.

L'économie locale est essentiellement axée sur le tourisme.

Patrimoine.

La ville est entourée de "retiros", luxueuses propriétés où l'on faisait retraite, et de "quintas", maisons à mi-chemin entre la ferme et le petit palais, où l'aristocratie lisboète venait chercher la fraîcheur en été.

Jumelages.

La ville de Sintra est jumelée avec :

Sintra (anciennement Cintra) est une ville et un "municipio" portugais située à au nord-ouest de Lisbonne dans le district de Lisbonne (région de Lisbonne et sous-région de la Grande Lisbonne). L’harmonie parfaite entre la nature et le patrimoine de la ville a conduit l’UNESCO à classer la ville au Patrimoine Culturel de l’Humanité, dans la catégorie « Paysage culturel », en 1995.  La population de la ville est de 33 000 habitants, celle du "municipio" (commune ou municipalité) est de habitants.  Sintra est le deuxième « município » le plus peuplé du Portugal et comprend dans son territoire 20 « freguesias » dont la plus peuplée est celle de Algueirão-Mem Martins avec habitants.

Sintra (, ) is a town and municipality in the Greater Lisbon region of Portugal, located on the Portuguese Riviera. The population of the municipality in 2011 was 377,835, in an area of . Sintra is a major tourist destination in Portugal, famed for its picturesqueness and for its numerous historic palaces and castles. Sintra is also a major luxury dining and tourism destination within the Portuguese Riviera, as well as one of the wealthiest municipalities in the country, and is known for the numerous notable events hosted in Sintra, such as Bilderberg Meetings and the Open de Portugal.  The historic center of the "Vila de Sintra" is famous for its 19th-century Romanticist architecture, historic estates & villas, gardens, and numerous royal palaces & castles, which resulted in the classification of the town and its historic passage as a UNESCO World Heritage Site. Sintra is similarly known for its numerous gardens and nature parks, including the Sintra-Cascais Nature Park and the Sintra Mountains. Sintra's landmarks include the mediaeval Castle of the Moors, the romanticist Pena National Palace and the Portuguese Renaissance Sintra National Palace.  Sintra is consistently ranked as one of the wealthiest and most expensive municipalities in both Portugal and the Iberian Peninsula as a whole. Sintra is one of Portugal's most expensive and sought after real estate markets, famed for its numerous historic villas, luxury estates, and Michelin star restaurants, and is home to one of the largest foreign expat communities along the Portuguese Riviera. Sintra is similarly known for its high standards of living, consistently ranking as one of the best places to live in Portugal.


Biographie.

Sa mère est première main chez Cristóbal Balenciaga (installé à Saint-Sébastien jusqu'en 1936) et son père officier ; pendant la guerre civile, il est colonel dans les forces républicaines et est fusillé par les franquistes en 1939. La famille quitte l'Espagne ; après une période d'internement dans les camps Ide Port-Vendres et Argelès-sur-Mer, elle s'installe en France près de Morlaix.  De 1951 à 1963, Paco fait des études d'architecture à l'École nationale supérieure des beaux-arts à Paris. Il finance ses études en produisant des croquis de mode, dessins de sacs pour Roger Model et de chaussures pour Charles Jourdan. Il publie en 1959 une série de sept robes aux lignes géométriques très épurées sous le nom de Franck Rabanne dans le "Women's Wear Daily".  En 1963, il est lauréat de la Biennale de Paris avec une sculpture habitable pour jardin, exposée au Musée d'art moderne.  À la fin de ses études, il se lance dans la fabrication artisanale d'accessoires fantaisie comme des boutons ou des broderies sans fil, ni aiguille qui s'appliquent sur des vêtements haute couture signés Balenciaga, Nina Ricci, Maggy Rouff, Philippe Venet, Pierre Cardin, Courrèges, Givenchy jusqu'en 1966. En 1965, il crée des « Pacotilles », accessoires en Rhodoïd (boucles d'oreilles, lunettes, casques) en collaboration avec Michèle Rosier, Christiane Bailly et Emmanuelle Khanh, stylistes en vogue du prêt-à-porter industriel.  En , la première collection « Manifeste » est présentée à l'hôtel George-V : « 12 robes importables en matériaux contemporains », agrémentées de sequins et plaques en rhodoïd présageant une mode futuriste.  Le est présentée une seconde collection avec des maillots de plage en rhodoïd au Crazy Horse Saloon portée par les artistes du lieu pendant le défilé.  Architecte, artisan et couturier, Paco Rabanne innove, choque et séduit par ses modèles en cuir riveté, plumes d'autruche et aluminium exposés à la galerie d'art d'Iris Clert à Paris en .  , il s'installe au 33, rue Bergère dans un décor de tubulures d'acier et murs noirs. Il se lance dans la création de modèles pour le cinéma. Ses créations sont visibles dans des films tels que "Deux ou trois choses que je sais d'elle" de Jean-Luc Godard et "Les Aventuriers" de Robert Enrico ou encore "Voyage à deux" ("") de Stanley Donen.  Entre 1967 et 1970, il connaît une période riche en expérimentations de matériaux et projets révolutionnaires comme des robes en papier, des modèles en cuir fluorescent, métal martelé, jersey d'aluminium et fourrure tricotée. Il conçoit des réalisations audacieuses qui marqueront le grand public comme une robe en plaques d'or incrustées de diamants, portée par Françoise Hardy ; vêtement moulé « Giffo » et robes tout en boutons. Il crée alors les « Rob'auto », une collection limitée de prêt-à-porter destinée à la conduite automobile. Il réalisera également des robes pour "Casino Royale", film réalisé par John Huston et "Barbarella" de Roger Vadim. Ces créations seront acquises par des musées d'art contemporain tel le MoMA (Museum of Modern Art) à New York.  En 1969, il signe un partenariat avec l'entreprise Puig et lance un premier parfum, « Calandre », qui lui apportent un certain succès. Enfin, il publie son livre "Nues" avec les photos de Jean Clemmer aux éditions Pierre Belfond.  De 1971 à 1975, il adhère à la Chambre syndicale de la couture. Paco Rabanne intègre dans ses collections du tissu effrangé, lacéré ou retissé, transforme les mouchoirs de Cholet, les foulards en robes ou les chaussettes en manches de pull-overs. C'est pendant cette période qu'apparaissent les masques, bustiers et gilets en plastique moulés et de la texture en maillon.  En 1973 est lancé un premier parfum masculin, « Paco Rabanne » pour homme.  Entre 1976 à 1989, décidément intéressé par la mode masculine, il lance une ligne de prêt-à-porter masculin. Ses autres collections Couture s'enrichissent de nouveaux matériaux traités de façon non conventionnelle comme les tissus luminescents, les papiers métallisés, le daim ajouré ou tressé de métal, les rideaux de perles de bois et de formes spectaculaires. Il élabore le plastron avec des épaulettes en métal martelé articulé, les vestes sculptées en fourrure, les manteaux cerf-volant, les pourpoints en cotte de maille et les chaussures « à la poulaine ». Après le succès remporté par ses robes dans le cinéma, il entreprend la création de costumes de théâtre pour "Par delà les marronniers" de Jean-Michel Ribes.  De 1979 à 1988, la saga Parfums signée Paco Rabanne rencontre rapidement un succès international. Il en profite pour lancer ses parfums « Métal », « La Nuit », « Sport » et « Ténéré ». À l'initiative privée de Paco Rabanne a lieu la création à Paris du Centre 57, un lieu destiné à la production d'artistes de la diaspora noire. "Salaam Bombay !", film réalisé par Mira Nair qu'il coproduit et qui obtient la Caméra d'or au festival de Cannes 1988.  1990 à 1998 : Lancement d'une ligne de prêt-à-porter féminin. Les collections Couture multiplient les effets de lumière travaillés comme les volumes sculpturaux : pastilles miroir, plexiglas, reflets lasers, fibre optique signent le style Rabanne. Les accessoires (bijoux, coiffes et chaussures) sont traités comme de véritables œuvres à part entières. Attribution du « Dé d'or » pour la collection Printemps Été 1990.  Constatant que ses parfums semblent avoir les faveurs du public, en 1993 et 1996, deux nouveaux parfums voient le jour, couronnés une fois de plus de succès, « XS » (décliné en XS pour Elle) et « Paco ». Si le premier est masculin, le second se veut mixte et se conjugue avec le lancement d'une ligne de vêtements et d'accessoires unisexes. De plus, Paco Rabanne publie une série d'ouvrages issus de son cheminement spirituel, dont la "Trilogie sur le temps", une réflexion sur la condition humaine et la quête mystique. En 2015 nait "Olympéa", un parfum qui revisite les codes de la mythologie (comme "Invictus," pour homme) et dont la bouteille a été dessinée par l'artiste et designer Marc Ange.  En 1995, il habille la chanteuse et comédienne Hélène, pour sa tournée "Hélène 95".  En 1996, la chanteuse Mylène Farmer fait également appel à lui, pour l'élaboration des costumes de son "Tour 1996".  En 2000, il reçoit la Médaille d'or du mérite des beaux-arts par le ministère de l'Éducation, de la Culture et des Sports.  Entre 1999 et 2009, il prend sa retraite du secteur de la haute couture mais reste en prêt-à-porter. Ce dernier connaît alors un nouveau développement, sous la direction artistique de Rosemary Rodriguez, puis de Patrick Robinson. Paco Rabanne est également peintre et designer. Il expose ses œuvres picturales à Valbonne, et présente au salon "Maison et objet" une collection de six chaises inspirées de ses célèbres textures.  En 1999 naît le parfum « Ultraviolet » dont la couleur et le flacon sont inédits. De 2001 à 2009 sont mis en vente successivement « Ultraviolet Man », « Black XS », « Black XS » pour elle, « 1 Million » et « Lady Million ».  En 2013 est lancé le parfum "Invictus" et en le parfum féminin "Olympéa".

Technique.

Il est réputé pour travailler des matériaux qui viennent des domaines les plus éloignés de ceux qui sont traditionnellement utilisés.  Son utilisation intensive de matériaux rigides assemblés par des anneaux donne aussi des résultats « secondaires ». Par exemple, avec ce genre de trame, le corps de la femme est entièrement révélé à travers les interstices et ne montre plus seulement ces zones de nudité placées selon les conventions de chaque époque.  Il pousse la provocation de l'inconfort jusqu'à utiliser des robes complètement métalliques tels les tabliers de protection des bouchers ou des cottes de mailles ou des robes faites de caches de diapositives ou fibres optiques.  Il substitue à la couture le rivetage. Perles et paillettes sont appliquées sur l'étoffe à l'aide de minuscules clous terminés par une boucle. Avec cette technique la broderie peut être réalisée facilement sur le vêtement terminé en temps relativement court.  L'atelier familial de broderie de Paco Rabanne composé par sa mère et ses frères et sœurs obtient rapidement l'estime d'autres stylistes comme Nina Ricci, Philippe Venet ou Gérard Pipart.

Excentricités.

Paco Rabanne est célèbre pour des déclarations excentriques sur les plateaux de télévision.  Il affirme notamment avoir eu plusieurs vies (dont celle d'une prostituée du temps de Louis XV), avoir côtoyé Jésus dans une vie antérieure, avoir vu Dieu à trois reprises, avoir reçu la visite d'extraterrestres et assassiné Toutankhamon, et avoir ans.  En 1999, il annonce avoir eu à dix-sept ans des visions de Parisiens en flammes se jetant dans la Seine et qu'après avoir étudié d'autres prophéties concordantes, il est arrivé à la conclusion que la station spatiale Mir allait s'écraser en France au moment de l'éclipse solaire du 11 août 1999, ses débris provoquant des milliers de morts à Paris et dans la région du Gers. Le , il s'engage publiquement à ne plus faire de prédictions si Mir ne s'écrase pas sur Paris le . Cependant, il prétend avoir eu une apparition de la Vierge lui intimant de continuer les prédictions. Prenant le « voyant » au mot, le Cercle zététique organise l'« apéritif des survivants » qui réunit environ 200 personnes, dénonçant par cette manifestation bon enfant l'inanité d'une telle prédiction.  En dépit de l'échec de ce dernier coup d'éclat, qui a terni sa réputation parmi le public et les médias, il continue d'apparaître régulièrement dans une presse spécialisée, abordant davantage le sujet de ses dites expériences paranormales que celui de la haute couture.

Paco Rabanne, pseudonyme de Francisco Rabaneda y Cuervo, né le à Pasaia (province du Guipuscoa, Espagne), est un couturier espagnol.  Il a marqué l'univers de la mode dans les années 1960. Dans les années 1990, il s'est également illustré dans les médias à travers des prédictions (s'étant révélées fausses) et le récit de ses prétendues vies antérieures. Également connu à cause de son excentricité, il s'est lancé avec succès dans la création de parfums.

Francisco Rabaneda Cuervo (born 18 February 1934), more commonly known under the pseudonym of Paco Rabanne (; ), is a Spanish fashion designer of Basque origin who became known as an "enfant terrible" of the 1960s French fashion world.


Biographie.

Il est diplômé en 1983 de la Faculté de génie mécanique de l'Institut polytechnique de Bucarest. Il travaille alors plusieurs années dans l'énergie à Bucarest et à Giurgiu. En 1987, il entre à la faculté de droit de Bucarest.  Son père, le général Ioan Geoană (1928-2009), qui a le contrôle des souterrains de Bucarest, apporte son soutien au renversement de Ceaucescu lors de la révolution roumaine de 1989 et l'accession au pouvoir de Ion Iliescu. Cette révolution contestée permet à l'ancienne nomenklatura communiste, dont la famille Geoană fait partie, de se maintenir au pouvoir.  Docteur en économie, ingénieur et juriste, Mircea Geoană suit également les cours de la prestigieuse ENA française, dont il sort en 1992, et des cours de management à Harvard Business School.  Mircea Geoană connait ensuite une ascension rapide au sein du Parti social-démocrate (PSD), l'ancien Parti communiste. En 1996, il est nommé ambassadeur de Roumanie aux États-Unis, à l'âge de , devenant ainsi le plus jeune ambassadeur du pays. Quelques mois plus tard, alors que Ion Iliescu et le Parti social-démocrate viennent de perdre les élections face à l'opposition anticommuniste, Mircea Geoană écrit depuis Washington au nouveau président roumain, Emil Constantinescu, pour le féliciter d'avoir battu Iliescu qu'il qualifie alors de « cancer de la démocratie roumaine».  De à , il est ministre des Affaires étrangères de Roumanie et est, à ce titre, président en exercice de l'OSCE en 2001. Il fait partie des signataires de la Constitution pour l'Europe, en tant que représentant d'un pays candidat.  Il ravit, en 2005, la présidence du Parti social-démocrate à Ion Iliescu, en obtenant contre 530, après de longues négociations en coulisses et un combat féroce entre les deux hommes (Iliescu traite même son adversaire de « petit con » devant les membres du Congrès du parti). Le , il est réélu président de son parti lors du congrès du PSD, contre Sorin Oprescu, avec sa plateforme programme « Roumanie sociale ».  Il est élu, en 2005, sénateur et président de la commission des affaires étrangères du Sénat. Il devient le président de cette assemblée en et ainsi le deuxième personnage de l'État.  Mircea Geoană se présente à l'élection présidentielle de novembre 2009 contre Traian Băsescu, président depuis 2004. Au premier tour, Mircea Geoană arrive en deuxième position avec 31,5 % des suffrages. Lors du débat d'entre-deux tours, il est accusé par le président sortant d'avoir rencontré la nuit précédente Sorin Ovidiu Vântu, homme d'affaires controversé et propriétaire d'un groupe de médias ; Mircea Geoană reconnaît cette rencontre, qui sera considérée comme une erreur majeure de sa campagne. Alors que les sondages sortis des urnes le donnent gagnant et qu'il proclame sa victoire, c'est finalement Traian Băsescu qui l'emporte avec 50,3 % des voix.  En 2010, quelques mois après avoir été remplacé à la tête du PSD par Victor Ponta, Mircea Geoană est suspendu du parti après des déclarations sur ce dernier, puis révoqué de ses fonctions de président du Sénat en . Il reste sénateur sans étiquette, avant d'être réadmis au PSD l'année suivante.

Notes et références.

(partie de sa biographie avant la révolution roumaine).

Mircea Dan Geoană, né le à Bucarest, est un homme politique roumain.  Il est notamment ministre des Affaires étrangères au sein du gouvernement Adrian Năstase de 2000 à 2004 et président du Sénat de 2008 à 2011. À la tête du Parti social-démocrate (PSD), il se présente à l'élection présidentielle de 2009, mais est battu de justesse par le président sortant de centre-droit, Traian Băsescu.

Dan Mircea Geoană (; born 14 July 1958 in Bucharest) is a Romanian politician and former ambassador who served as president of the upper chamber of the Romanian Parliament, the Senate from 20 December 2008 until he was revoked on 23 November 2011. From 21 April 2005 until 21 February 2010 he was the head of the Partidul Social Democrat (PSD, Social Democratic Party), Romania's largest party. He was the candidate of the party for the position of President of Romania in the 2009 presidential election.  He was dismissed from PSD on 22 November 2011 but rejoined the party in late 2012. Now he is the acting president and founder of P.S.RO, the Social Romanian Party founded in April 2015. He is also the president of Aspen Institute Romania, which is an apolitical and non-profit organisation.  On 17 July 2019 he was appointed deputy secretary general of NATO, replacing Rose Gottemoeller.


Règne.

À son avènement, le Portugal est en banqueroute à la suite du ralentissement des entrées d'or du Brésil. Le nouveau roi est conscient que des changements importants sont nécessaires pour redresser la situation du pays à l’intérieur et son influence à l’extérieur. Il faut affronter des problèmes politiques (échec de l’absolutisme), économiques (baisse des revenus coloniaux), sociaux (puissance de la noblesse) et culturels (carence de l’enseignement). Joseph fait appel à plusieurs secrétaires d’état, dont Carvalho e Melo, pour réaliser cette œuvre de redressement.  Le traité de Madrid de 1750 rectifie les frontières des empires coloniaux de l'Espagne et du Portugal en Amérique du Sud mais provoque l'opposition des Indiens des réductions jésuites, ce qui provoque la guerre des Guaranis.  Le , Lisbonne est presque totalement détruite par un tremblement de terre, parmi les plus destructeurs et les plus meurtriers de l'histoire. Le séisme, qui aurait fait entre et victimes, est suivi d'un raz de marée et de multiples incendies. Par miracle, la famille royale survit à l'effondrement de son palais. Afin d'éviter les pillages, Pombal fait protéger par la troupe tous les endroits sensibles et organise la distribution de vivres et l'installation de logements provisoires pour les survivants. Il fait appel à l'entraide des princes européens. La nouvelle de la catastrophe va émouvoir l'Europe entière. Voltaire composera un poème sur "le désastre de Lisbonne". Les fonds vont affluer pour rebâtir la ville, qui sera reconstruite sur un plan rectiligne s'ordonnant autour de la place Terreiro do Paço ornée de la statue équestre du roi Joseph.  Le , le roi échappe à une tentative d'assassinat, qui aurait été organisée soi-disant par la famille Távora, qui s'est jugée outragée par l'attitude du souverain envers elle : Joseph avait pris la femme d'un des Távora comme favorite, et par ailleurs, cette famille est dans la ligne de succession. Le , s'ouvrent le procès des Távora : les auteurs et les complices du régicide sont arrêtés, onze d'entre eux sont exécutés publiquement le , dont le duc d'Aveiro, le marquis et la marquise de Távora, leur fils, et le comte d'Atoguia, leurs corps brûlés et la terre salée, leurs biens confisqués, leur noms effacés. , mais cette exécution familiale reste un cas unique dans l'Europe des Lumières : le scandale est énorme (la famille sera réhabilitée par la reine Maria le ). La noblesse, en état de choc, renonce à manifester publiquement son opposition. Sebastião José de Carvalho e Melo, qui sera élevé juste après au titre de marquis de Pombal, en profite également pour combattre les jésuites qui auraient été informés du projet et se seraient ainsi compromis avec les milieux nobiliaires. Le prétexte invoqué est la publication par le Père Gabriel Malagrida, supérieur de la Compagnie, d'un ouvrage soupçonné d'hérésie. Il est arrêté avec deux de ses compagnons, livré au tribunal de l'Inquisition, soumis à la torture puis, ayant passé aux aveux, livré au bûcher le . Tous les membres de la Compagnie de Jésus sont expulsés du Portugal. Pombal les fait débarquer sur la rive des États pontificaux.  Le , pour éviter que le royaume ne tombe sous la coupe d'un prince étranger, la fille unique et héritière du roi Joseph Maria épouse son oncle paternel, le frère cadet de son père, l'Infant Pedro. Cette union est condamnée par Rome et le nonce apostolique, ayant refusé d'assister au mariage, est renvoyé de la cour.  Le , l'Espagne déclare la guerre au Portugal qui entre dans la guerre de Sept Ans. En 1765, Joseph promulgue un édit prescrivant l'arrachage du vignoble des environs du Tage, du Mondego et de la Vecga pour promouvoir la culture du blé et éviter la famine. Le pays doit apprendre à vivre en autarcie. Le , un décret royal supprime la bulle "In Cœna Domini", et le , le Saint-Office perd tout pouvoir de censure dans le pays. Le , un édit laïcise l'Inquisition qui devient un tribunal purement royal. Jamais roi de Portugal n'a aussi peu mérité le titre de « roi très fidèle » que lui avait décerné la papauté.  Le roi Joseph meurt le à l'âge de 62 ans. Sa fille Marie lui succède en partageant le pouvoir avec son époux Pierre III. Sa première décision est de révoquer le marquis de Pombal en qui elle ne voit qu'un mécréant.

Mariage et descendance.

Le , Joseph épouse la princesse espagnole Marie-Anne-Victoire d'Espagne, fille de Philippe V d'Espagne et d'Élisabeth Farnèse, union d'où naissent quatre filles :

Titre complet.

"Roi de Portugal et des Algarves, de chaque côté de la mer en Afrique, duc de Guinée et de la conquête, de la navigation et du commerce d'Éthiopie, d'Arabie, de Perse et d'Inde par la grâce de dieu"

Joseph de Portugal, le "Réformateur" (-), fut roi du Portugal de 1750 à 1777. Il était fils du roi Jean V de Portugal et Marie-Anne d'Autriche. Il modernisa son pays économiquement et artistiquement avec l'aide de son Premier ministre Sébastien José de Carvalho et Melo, marquis de Pombal qu'il nomma à ce poste en 1756.

Joseph I (, , 6 June 1714 – 24 February 1777), "The Reformer" (), reigned as King of Portugal from 31 July 1750 until his death. Among other activities, Joseph was devoted to hunting and the opera. Indeed, he assembled one of the greatest collections of operatic scores in Europe.


Évolution de la population.

De 1900 à 1955.

Source : Statistik Austria.

De 1960 à 2015.

Ces dernières décennies, l'Autriche se caractérise par une succession de périodes de forte croissance démographique, alternant avec des périodes de fort basse croissance, voire de diminution. Le début du semble être une période de croissance accélérée, du moins depuis 2003. Au milieu des années 1990 en effet, l'accroissement moyen annuel ne dépassait guère , et lors de la vague démographique précédente (en 1989-1993), le taux s'était élevé à 0,9 %. Lors de cette période de cinq ans (89-93), après quinze ans de stagnation, la population avait augmenté de , et était passée de à . Comme tous ses voisins, le pays fait en réalité partie du groupe de pays d'Europe centro-méridionale à taux de fécondité très bas, et le taux net de reproduction est de 0,68 %. L'excédent des naissances est très faible (de -1000 à + ces dernières années) et entièrement dû aux naissances étrangères. La totalité de l'accroissement de la population constaté est donc due à l'immigration, sans laquelle la population diminuerait chaque année. Sur en 2005, étaient de nationalité étrangère, et bien plus encore en comptant les naissances liées à des parents étrangers et immigrés naturalisés. Le flux d'immigration nette a dépassé en 2004 comme en 2005, soit proportionnellement près de trois fois plus qu'en France.  Le niveau des acquisitions de la nationalité autrichienne est élevé, surtout chez les jeunes et a atteint près de en 2005, après des années 2003 et 2004 records ( et ).

Projection démographique.

L'évolution probable de la taille et de la structure de la population fait l'objet d'une projection tenant compte des tendances actuelles de l'évolution de la population avec comme année de référence 2015 :

Statistiques depuis 1960.

Les naissances de mères de nationalités étrangères en Autriche ont fortement augmenté. Ainsi , selon les statistiques Autrichiennes, la part des naissances de mère de nationalité étrangère est passé de 3,2 % en 1970 à 20 % en 2015. Cette statistique ne permet que partiellement de démontrer le poids de l'immigration dans les naissances en Autriche car les femmes immigrées naturalisées Autrichiennes sont logiquement comptabilisées dans les naissances de mères de nationalité Autrichienne. Ainsi , selon les statistiques Autrichiennes, si l'on prend en compte le lieu de naissances des parents et non la nationalité, l'on constate que 67,4 % des enfants nés en 2015 ont une mère née en Autriche pour 32,6 % des enfants qui ont une mère née à l'étranger (55 % de mère née à l'étranger dans le land de Vienne pour le pourcentage le plus élevé pour 21,9 % dans le land de Carinthie le pourcentage le plus faible).Concernant les pères , le pourcentage révèle que 63,9 % des enfants nés en 2015 ont un père né en Autriche, 30,6 % un père né à l'étranger et 5,6 % ne donnent pas de réponse.

Évolution des Länder.

Les chiffres suivants sont calculés au 30 juin de chaque année :  Ce sont les länder occidentaux qui progressent nettement le plus (Vorarlberg, Tyrol et Salzbourg), ce qui s'explique par leur proximité avec la Suisse, le col du Brenner et les grands centres économiques du sud de l'Allemagne et du nord de l'Italie (Munich, Milan). À l'inverse, les régions du sud-est du pays (Carinthie, Styrie et Burgenland) tournées vers les régions moins développées de la Hongrie et des Balkans, manquent fort de dynamisme. Les länder de Basse-Autriche et Haute-Autriche font preuve d'un dynamisme moyen. Quant à Vienne, la capitale, qui progresse régulièrement, elle constitue un cas à part grâce à ses fonctions nationales et internationales. On doit souligner que sa démographie reprend enfin des couleurs. La ville avait en effet en 1916, et n'avait cessé de s'atrophier depuis lors.

Graphique.

Avertissement : les données affichées dans ce graphique divergent d'avec celles fournies par l'organisme officiel "Statistik Österreich", et ce au moins depuis l'année 1990.

Étrangers en Autriche.

L'évolution de la répartition des résidents étrangers entre 2005 et 2020 dans les différents länder autrichiens se présentait comme suit :  La population étrangère autrichienne se concentre principalement à Vienne avec plus d'un étranger sur trois qui réside dans la capitale, où ils représentent près de 30% de la population. Le chiffre est encore plus important si l'on prend en considération la population d'origine étrangère, de Vienne ont une origine étrangère ce qui représente 40,7% de la population de la ville. La répartition des personnes d'origine étrangère à Vienne est inégale, elle est supérieure à 50 % dans deux arrondissements ceux de Rudolfsheim-fünfhaus et de Brigittenau alors qu'elle ne représente que moins de 30% dans les arrondissements de Hietzing et de Liesing.  Malgré l'arrivée de l'extrême droite au pouvoir (FPÖ puis BZÖ) depuis la fin des années 1990, l'immigration se porte mieux que jamais en Autriche.  Plus de 70 % des étrangers sont originaires de pays différents de l'Europe des 25. Le nombre d'étrangers a progressé en un an de dont près de qu'à Vienne. Mais le flux réel des migrants est plus important, car ont acquis la nationalité autrichienne durant cette année, réduisant d'autant le nombre de résidents étrangers. La valeur exacte du solde migratoire vaut : différence entre le nombre d'étrangers 2004 et 2005, plus les naturalisés, plus les décès d'étrangers, moins les naissances étrangères. Ce qui fait , soit 6,12 pour mille, et correspondrait en France, toute proportion gardée, à un solde migratoire de plus ou moins .

La démographie de l'Autriche est l'ensemble des données et études concernant la population de l'Autriche. La population autrichienne est en 2018, de , soit de plus qu'en 2015. Cette croissance démographique est principalement due à l'immigration, le taux d'accroissement naturel étant nul.

This article is about the demographic features of the population of Austria, including population density, ethnicity, education level, health of the populace, economic status, religious affiliations and other aspects of the population.  Austrians are a homogeneous people, although four decades of strong immigration from other parts of Europe have significantly changed the composition of the population of Austria.  According to the 2001 population census, 88.6% are native German speakers (96% Austro-Bavarian dialects and 4% Alemanic dialects) while the remaining 11.4% speak several minority languages. The non-German speakers of Austria can be divided into two groups: traditional minorities, who are related to territories formerly part of the Habsburg Monarchy, and new minorities, resulting from recent immigration.


Le site.

Le château est implanté sur une île de l'archipel du Frioul, qui est constitué de quatre îles. L'ensemble atteint , situé environ à au large de Marseille.  L'îlot d'If se trouve à l'est des deux îles principales, l'île de Pomègues et celle de Ratonneau. Il est le plus proche de la ville.  La quatrième est l’îlot de Tiboulen du Frioul (côte ouest).  Ces îles, du fait de leur position stratégique en rade de Marseille, en ont constitué depuis longtemps les défenses avancées sur la mer. Sur chaque éminence était édifié un fort militaire, et batteries, tranchées, postes d'observations parsèment l'ensemble de l'archipel.  Dès Henri IV, un fort très important couronnait l'île Ratonneau, actuellement totalement enfoui sous les reconstructions successives. Puis ce fut l'île d'If qui fut fortifiée au .

Un espace naturel disparu.

Sur le plan géologique, l'archipel est semblable aux calanques de Marseille et aux collines de la Nerthe (l'Estaque), il présente de petites falaises de calcaire blanc (urgonien) stratifié tombant dans la mer. Mais au Frioul, ce paysage a été profondément remanié par l'homme. Au point que sur l'îlot, le château et ses remparts occupent l'intégralité de la surface.  La faune est limitée, essentiellement représentée par l'avifaune, surtout des oiseaux de mer (goéland leucophée en majorité) et d'autres, la plupart rares et protégés.  L'archipel est très sec, car il y pleut moins qu'à Marseille. Le faible relief des îles et leur étendue déchiquetée expliquent cette pluviométrie déficitaire. Combinée aux vents souvent violents qui peuvent y souffler, cette météo ne permet qu'une végétation rabougrie. Sur l'îlot d'If, il n'y a que quelques arbres (pins d'Alep, figuier sauvage) et une végétation arbustive (lentisques et plantes halophiles).  Le nom d’« If » ne vient pas de la présence d'ifs ("Taxus wallichiana") mais de la déformation du mot « hypos » qui signifiait la « petite île ».

Un rhinocéros avant le château.

C'est sur l'îlot d'If que fit escale, selon les historiens de Provence, le 23 janvier 1516, la nef portugaise qui convoyait de Lisbonne à Rome le célèbre rhinocéros indien que Manuel de Portugal offrait au pape Léon X. Cet animal avait été offert au roi du Portugal par Muzaffar Shah II, sultan du Cambay (Gujarat moderne). Cet animal était en effet le premier rhinocéros visible en Europe depuis l'an 248.  François, qui était en pèlerinage à Saint-Maximin-La-Sainte-Baume, fit le déplacement avec sa cour pour venir le voir. De nombreux Marseillais se rendirent sur l'île pour admirer l'animal. Après quelques semaines sur l'île, la bête reprit son voyage, mais le navire fit naufrage dans le golfe de Gênes. Le pape reçut bien le rhinocéros, mais celui-ci avait été empaillé, après la découverte de son cadavre à la suite du naufrage.

Toponymie gréco-romaine.

Il est possible de relier le terme « if » au verbe latin "excarpo", "excarpere", signifiant « mettre à part, retirer ». En termes de repère maritime traditionnel ou d'amer, il s'agit d'un écueil potentiel. Mais la proximité de la cité phocéenne incite à valoriser la fonction de recueil, de lieu de retraite momentanée ou de mise en quarantaine. En ce double sens, le mot lusitanien "recife" semble très proche.  "Note : Excarpo, excarpere ne se trouvent ni dans le Gaffiot ni dans l'Olivetti." Dans son Trésor du Félibrige, Frédéric Mistral signale le "Castèu d'I" comme l'évolution en provençal du bas latin « Iphium », lui même dérivé du grec « Hypea ». L'étymologie reste toutefois obscure, la cartographie médiévale parlant de « Izeta » puis « Idea », « Id » ou « It ». C'est cette dernière forme qui est retenue dans la norme classique du provençal.

Un château de défense côtière.

La construction.

Le château d'If est la première forteresse royale de Marseille. La seconde est le fort Notre-Dame construit après 1536 toujours sur l'ordre de François. Cela devint le site constitutif de la basilique Notre-Dame-de-la-Garde.  La construction d'une forteresse est un acte politique. Il s'inscrit dans le cas du château d'If dans un projet plus vaste de contrôle des côtes provençales : Marseille est au « la plus belle fenêtre du royaume de France en Méditerranée du Nord ». Le principal atout du bâtiment est sa situation au centre de la rade nord de Marseille sur les routes de navigation les plus fréquentées.  Le chantier du château d'If a débuté à la mi-avril 1529, retardé à cause du mauvais temps. La date de fin de chantier n'est pas connue. La première garnison et son gouverneur sont en place dès 1531. Une partie des matériaux de construction proviennent du siège de Marseille par les Espagnols en septembre 1524. Le lien entre le siège de 1524 et la construction du château d'If n'est pas établi.

Architecture.

Le fort a lui-même le plan d'un carré avec des côtés d'une longueur de , flanqué de cylindriques. Il se compose de trois niveaux. Chaque tour comporte de grandes ouvertures. La tour Saint-Christophe (1) dans le nord-ouest est la plus haute tour et permet de surveiller la mer, à de hauteur. La tour a été construite de 1524 à 1527, et la tour résidentielle associée ("Keep") date de 1529.  Les tours Saint-Jaume (2) et Maugovert (3) sont à l'opposé au nord-est et au sud-est du fort. Les tours sont reliées entre elles par une terrasse spacieuse sur deux étages. Le salon et la cuisine sont au rez-de-chaussée, et des casemates se trouvent au premier étage. Les trois tours rassemblaient une puissance de feu considérable, ce qui faisait du château d'If une puissante citadelle.  En 1702 Vauban fit ajouter une maison de garde, à droite avant la sortie de la forteresse, la caserne Vauban.  Le château et le mur d'escarpe entourant l'îlot ont été classés monument historique le 7 juillet 1926.

Un château-prison.

Les premiers prisonniers du château d'If sont enfermés en novembre 1540. Ce sont deux pêcheurs marseillais.  En dehors des cellules du rez-de-chaussée, dans lesquelles la promiscuité associée à une hygiène déplorable laisse aux prisonniers une espérance de vie de , il est possible, moyennant finance, de louer une cellule au premier étage, appelée aussi « chambre passable » ou « pistole » (du nom de la monnaie servant au paiement) ; plus spacieuses, ces cellules ont généralement des fenêtres et des cheminées. Les prisonniers fortunés y étaient enfermés.

Les protestants.

À partir du , le château d'If sert de prison pour . Il s'agissait de galériens huguenots arrêtés sur l'ordre du roi après la révocation de l'édit de Nantes (1685), et qui se trouvaient en transit avant d'être enchaînés sur les galères de Marseille jusqu'à leur mort.  Voici les impressions de Céphas Carrière qui écrivait en 1708 (texte en vieux français) :

Les républicains.

Cent-vingt personnes furent emprisonnées après les émeutes de 1848.  Après le coup d'État du 2 décembre 1851, le château reçut provisoirement en attente de leur déportation vers le bagne de Maison-Carrée (Algérie) ou celui de Cayenne (Guyane).  D'autres prisonniers politiques y furent également enfermés lors de la chute du Second Empire (1870), comme Gaston Crémieux, fusillé l'année suivante.  Les derniers prisonniers sont des civils alsaciens et lorrains libérés en septembre 1914.

Dans la fiction.

Dans le roman "Le Comte de Monte-Cristo" d'Alexandre Dumas, le héros, Edmond Dantès, est emprisonné au château d'If, où il se lie d'amitié avec l'abbé Faria, personnage fortement inspiré par José Custódio de Faria. Si ce dernier a réellement existé, il n'a jamais été emprisonné dans cette prison. Un cachot du premier a été reconstitué lors du tournage du film "Monte Cristo".

Un phare puis un musée.

En 1870, une baleine de treize mètres est capturée aux abords de l'île. Elle est ensuite transportée au muséum du palais Longchamp où son squelette a été exposé jusqu'à la fin du .  Jusqu'en 1950, le gardien de phare Marius Maurel et sa famille vivaient encore sur cette île.  La prison devint finalement un simple lieu de tourisme. Des navettes font actuellement la croisière depuis le Vieux-Port.

Le château d'If est une forteresse française édifiée sur les ordres du roi François, entre 1527 et 1529 sur l'îlot d'If de l'archipel du Frioul, proche des îles de Ratonneau et Pomègues au centre de la rade de Marseille.  C'est une construction carrée de trois étages mesurant sur chaque côté, flanquée de trois tours, percées de larges embrasures. Le reste de l'île, dont la dimension est seulement , est fortement défendu ; de hauts remparts avec des plates-formes d'artillerie surmontent les falaises.  Il a essentiellement servi de prison pendant ses d'utilisation officielle. Rendu célèbre par le roman d'Alexandre Dumas, "Le Comte de Monte-Cristo", il est l'un des sites les plus visités de la ville de Marseille (près de par an). Il a été classé monument historique le 7 juillet 1926.

The Château d'If is a fortress (later a prison) located on the island of If, the smallest island in the Frioul archipelago situated in the Mediterranean Sea about offshore in the Bay of Marseille in southeastern France. It is famous for being one of the settings of Alexandre Dumas' adventure novel "The Count of Monte Cristo".


Histoire.

1919-1989.

Le Parti populaire tchécoslovaque est fondé en janvier 1919. De 1921 à 1938, il fait partie de tous les gouvernements de la Première République tchécoslovaque. De 1940 à 1945, il participe au gouvernement tchécoslovaque en exil de Londres.  Après le coup de Prague en 1948, le Front national des Tchèques et des Slovaques ("") créé à la Libération avec le Parti populaire tchécoslovaque devient un simple instrument au service du Parti communiste tchécoslovaque, maintenu pour donner une apparence de pluralisme à la dictature et la direction du parti est désormais contrôlée par le comité central du parti communiste.

1990-2002.

En 1990, le parti recouvre son indépendance et change son nom pour celui d’Union chrétienne démocrate - Parti populaire tchécoslovaque. Josef Lux prend la présidence du parti. Après sa démission, la KDU-ČSL entre en coalition avec quatre autres partis : l'Union de la Liberté, l'Alliance civique démocratique et l'Union démocratique.

2002-2006.

Cyril Svoboda est président de la KDU-ČSL entre 2001 et 2003. De 2003 à 2006 le président de la KDU-ČSL est Miroslav Kalousek. La KDU-ČSL a fait partie du gouvernement avec le ČSSD et l'US-DEU.

2006-2010.

Lors des législatives de , la KDU-ČSL obtient 7,2 % des voix et sur 200. Kalousek négocie un pacte électoral en avec le premier ministre Jiří Paroubek dans lequel il accepte de gouverner avec le parti socialiste et la bienveillance du parti communiste. L'électorat du KDU est choqué par ce rapprochement vers les communistes. Miroslav Kalousek doit quitter son poste de dirigeant. Il est remplacé par intérim par Jan Kasal avant que Jiří Čunek soit élu le à la tête du parti. De 2006 à 2010, la KDU-ČSL a fait partie du gouvernement avec le Parti démocratique civique et le Parti vert. En 2009, Cyril Svoboda a été élu président du parti.

Crise du parti.

En 2009, quelques membres (par exemple Miroslav Kalousek) ont quitté la KDU-ČSL et fondé le nouveau parti TOP 09.

Depuis 2010.

Aux élections législatives la KDU-ČSL a obtenu 4,4 % et n'a pas de siège à la Chambre des députés. Le président du parti Cyril Svoboda a démissionné.

L'Union chrétienne démocrate - Parti populaire tchécoslovaque (), abrégé en KDU-ČSL) est un parti politique tchèque de type démocrate-chrétien, membre du Parti populaire européen présidé par Pavel Bělobrádek.

KDU-ČSL (Czech shortcut from the initials of the Christian and Democratic Union – Czechoslovak People's Party; ), often shortened to ('the populars') is a Christian-democratic political party in the Czech Republic. The party has taken part in almost every Czech Government since 1990 and have participated in both left-wing and right-wing coalition governments. In the June 2006 election, the party won 7.2% of the vote and 13 out of 200 seats; but in the 2010 election, this dropped to 4.4% and they lost all their seats. The party regained its parliamentary standing in the 2013 legislative election, winning 14 seats in the new parliament, thereby becoming the first party ever to return to the Chamber of Deputies after dropping out.


Biographie.

Famille et formation.

Halbwachs est le fils de Gustave Halbwachs, professeur d’allemand au lycée de Reims et au lycée Saint-Louis de Paris ; il a une sœur, la professeure de philosophie Jeanne Halbwachs.  Il est élève à l’École normale supérieure (promotion 1898), disciple d'Émile Durkheim (il entre dans l'équipe de "L'Année sociologique" en 1905, probablement grâce à François Simiand), il est agrégé de philosophie (reçu troisième en 1901), docteur en droit (1909) et en lettres, avec une thèse sur « Quetelet et la statistique morale », et une autre sur « La classe ouvrière et les niveaux de vie » (1913).  Il enseigne à Constantine de à , puis à Montpellier de mai à . De 1902 à 1908, il se met en congé pour reprendre ses études de droit, il est lecteur à l'université de Göttingen, où il séjourne en 1904, et où il écrit un ouvrage sur Leibniz, tout en s'initiant à l'économie politique allemande. En 1909 il voyage à Berlin, où il est correspondant de "L'Humanité" mais, après un article relatant la répression d'une grève par la police, il est expulsé. Il est professeur au lycée de Reims de 1908 à 1909, et à Tours de 1910 à 1914.  Il épouse en deuxièmes noces Yvonne Basch, fille de Victor Basch, cofondateur avec Ludovic Trarieux et Lucien Herr puis président de la Ligue française pour la défense des droits de l'homme et du citoyen. Ensemble, ils auront deux fils : Pierre et Francis.

Carrière universitaire.

Il est professeur de philosophie au lycée Henri-Poincaré de Nancy (1914-1918). Mobilisé, il travaille au ministère de l'Armement avec Albert Thomas de à . Il est nommé maître de conférences de philosophie à la faculté de lettres de Caen puis, en 1919, professeur de sociologie à la faculté de Strasbourg redevenue française. Il y côtoie les historiens Lucien Febvre et Marc Bloch, mais aussi le psychologue Charles Blondel, avec qui il entretient des rapports intellectuels étroits mais ambivalents, à la fois amicaux et rivaux.  Il participe en 1930 au troisième cours universitaire de Davos, avec de nombreux autres intellectuels français et allemands, et est "visiting professor" à l'université de Chicago, où il fait la connaissance de Ernest Burgess et Robert E. Park. En 1935, il obtient une chaire à la Sorbonne.  Halbwachs voyage beaucoup et est nommé président de l’Institut français de sociologie en 1938.

Déporté à Buchenwald.

Ses beaux-parents, réfugiés en zone libre, sont exécutés sommairement par la Milice en 1944. Le , il est élu à la chaire de psychologie collective au Collège de France.  En juillet son fils Pierre est arrêté par la Gestapo. Le il est lui aussi arrêté par la Gestapo, interné à Fresnes puis déporté à Buchenwald, où il meurt de la dysenterie.  Jorge Semprún, déporté avec lui, a raconté ses conversations avec le sociologue mourant.

Œuvre sociologique.

Maurice Halbwachs a été l'auteur de nombreux ouvrages de sociologie. Son œuvre, tout entière dans le sillage d'Émile Durkheim, mais également marquée par l’influence de Henri Bergson dont il a été l’élève, connaît un nouvel intérêt depuis une trentaine d'années ; cela s'est entre autres traduit par la réédition critique des "Cadres sociaux de la mémoire" par Gérard Namer en 1994.  À Strasbourg, Maurice Halbwachs publie beaucoup. Il contribue à la diffusion des œuvres d'auteurs allemands, anglais, italiens dont Vilfredo Pareto, Corrado Gini, Karl Mannheim, George Herbert Mead, Werner Sombart, Max Weber, Edvard Westermarck, Ernst Cassirer... Il participe avec le mathématicien Maurice Fréchet à l'invention de mesures statistiques et publie "Le Calcul des probabilités à la portée de tous".  Il se passionne pour la réflexion méthodologique. Il publie de nombreux articles sur des sujets très divers dont la démographie. Il publie des ouvrages dont une étude sur "Les Origines du sentiment religieux d'après Durkheim" dans laquelle il défend, face aux enseignants des facultés de théologie de Strasbourg, les thèses de Durkheim sur les fondements des religions dans la « vie sociale ». Il publie aussi une analyse de l'importance des "Cadres sociaux de la mémoire" dans l'organisation des souvenirs individuels, et une enquête sur les rapports entre l'organisation de l'espace urbain et la place des groupes sociaux intitulée "La population et les tracés de voies à Paris, depuis un siècle". Il fait en outre paraître une relecture des "Causes du suicide" dans laquelle l'analyse de Durkheim se trouve à la fois approfondie (extension du raisonnement sociologique au cas de suicides liés à des pathologies psychiatriques) et invalidée (rejet des suicides anomique et altruiste), grâce à des prospections statistiques plus raffinées.  Halbwachs multiplie les observations et les statistiques sur la situation des classes sociales. Une fois élu à la Sorbonne, il reprend ces données dans son cours sur « Les classes sociales » et s'intéresse tout particulièrement aux ouvriers dans "L'Évolution des besoins dans les classes ouvrières" (sa thèse complémentaire portait sur la théorie de l'homme moyen d'Adolphe Quetelet). Pour lui, la caractéristique essentielle de cette classe est d'être À Paris, il rédige une "Esquisse d'une psychologie des classes sociales" et "La Mémoire collective", et publie une étude des variations des spatialisations des souvenirs avec "La Topographie légendaire des Évangiles en Terre Sainte, étude de mémoire collective."

Hommages.

Plusieurs lieux portent son nom :

Maurice Halbwachs est un sociologue français de l'école durkheimienne né à Reims le et mort en déportation à Buchenwald le .  Il est l'auteur d'une thèse sur « La classe ouvrière et les niveaux de vie ». "Les Cadres sociaux de la mémoire", son œuvre la plus célèbre, étudie le concept de mémoire collective, qu'il a créé.

Maurice Halbwachs (; 11 March 1877 – 16 March 1945) was a French philosopher and sociologist known for developing the concept of collective memory. Halbwachs also contributed to the sociology of knowledge with his "La Topographie Legendaire des Evangiles en Terre Sainte;" study of the spatial infrastructure of the New Testament. (1951)