Géographie.

Sremski Karlovci est situé sur la rive droite du Danube, à de Novi Sad. Bien qu'elle soit intégrée au district de Bačka méridionale, la ville se trouve dans la région de Syrmie, à proximité immédiate du parc national de la Fruška gora.

Histoire.

Dans l'Antiquité, à l'emplacement de la ville actuelle, existait une petite forteresse romaine.  La ville est mentionnée pour la première fois en 1308 sous le nom de "Karom", une forteresse édifiée sur les vestiges de la construction romaine. Jusqu'en 1521, Karom fit partie du Royaume de Hongrie, appartenant aux nobles familles Báthory et Morović.  Le chef ottoman Bali-beg la conquit en 1521 et elle resta aux mains de la Sublime Porte pendant 170 ans.  Le nom slave de la ville, Karlovci, est mentionné pour la première fois en 1532-1533. Pendant la période ottomane, la ville était principalement peuplée de Serbes, avec une petite minorité turque. En 1545, Karlovci comptait 547 foyers chrétiens (Serbes). La cité possédait trois églises orthodoxes et un monastère.  Du au , se tint à Karlovci un congrès qui mit fin aux hostilités entre l'Empire ottoman et la Sainte Ligue, une coalition de divers peuples européens comprenant l'Empire d'Autriche, la Pologne, la République de Venise et la Russie ; à l'issue de ce congrès fut signé le traité qui porte le nom de Traité de Karlowitz. Aux termes de ce traité, la ville entra dans les possessions des Habsbourg et fut intégrée à la province de la Frontière militaire.  En 1753, la ville comptait habitants, dont Serbes. Siège de l'éparchie de Karlovci, la ville se dota d'une école serbe et, en 1791, un Lycée y ouvrit ses portes. En 1794, fut aussi créé un séminaire orthodoxe, le plus ancien du monde après celui de Kiev ; il est encore en activité aujourd'hui. Les Serbes de la région réunirent une assemblée à Karlovci en 1848 ; on y déclara l'unification de la Syrmie, du Banat, de la Bačka et de la Baranja (en y incluant des parties de la Frontière militaire) ; toutes ces régions formèrent la Voïvodine de Serbie. La première capitale en fut Karlovci, puis elle fut déplacée à Zemun, à Veliki Bečkerek (Zrenjanin) puis à Temišvar.  En 1849, la Voïvodine serbe fut transformée en une nouvelle province appelée Voïvodat de Serbie et du Banat de Tamiš. Karlovci ne fut pas incluse dans cette province mais réintégrée à la Frontière militaire. En 1881, après la suppression de la Frontière, la ville fit partie du Royaume de Croatie-Slovénie, autonome au sein de l'Autriche-Hongrie.  En 1918, la ville fit partie du Royaume des Serbes, Croates et Slovènes. En 1920, elle devint le quartier général des militaires russes blancs conduits par Piotr Nikolaïevitch Wrangel. Elle fut également le siège du Saint-Synode de l'Église orthodoxe russe hors frontières.  Entre 1929 et 1941, la ville fit partie de la Banovine du Danube, une province du Royaume de Yougoslavie. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la ville fut occupée par les troupes de l'Axe et rattachée à l'État indépendant de Croatie. Durant cette période, Karlovci s'appela "". Après la guerre, la ville fit partie de la province autonome de Voïvodine, au sein de la République fédérative socialiste de Yougoslavie.  Entre 1980 et 1989, Sremski Karlovci fut une des sept municipalités composant Novi Sad. Mais elle est aujourd'hui une unité administrative à part entière.

Organisation administrative.

Sremski Karlovci est la seule localité de la municipalité qui porte son nom.

Démographie.

Données de 2002.

Données de 2011.

En 2011, l'âge moyen de la population était de 42,2 ans, 40,9 ans pour les hommes et 43,4 ans pour les femmes.

Religions (2002).

Sur le plan religieux, Sremski Karlovci est peuplée par une majorité de Serbes orthodoxes. La ville est le siège de l'éparchie de Syrmie (en serbe cyrillique : ) ; elle abrite le palais patriarcal de l'éparchie et une cathédrale dédiée à Saint Nicolas.  En 2002, les Catholiques représentaient un peu plus de 13 % de la population. Leur culte relève du diocèse de Syrmie, qui a son siège à Sremska Mitrovica ; ce diocèse dépend de l'archidiocèse de Đakovo-Osijek, dont le siège est en Croatie.

Politique.

Élections locales de 2004.

À la suite des élections locales serbes de 2004, les sièges à l'Assemblée municipale se répartissaient de la manière suivante :

Élections locales de 2008.

À la suite des élections locales serbes de 2008, les sièges à l'assemblée municipale de Sremski Karlovci se répartissaient de la manière suivante :  Milenko Filipović, membre du parti G17 Plus, déjà élu président de la municipalité en octobre 2004, a été réélu à ce poste ; né le , il est diplômé de la Faculté de droit de l'Université de Novi Sad. Il conduisait la liste « Pour un Karlovci européen », prolongement local de la coalition Pour une Serbie européenne soutenue par le président Boris Tadić lors des élections législatives serbes du ; à Sremski Karlovci, la liste regroupait des membres du Parti démocratique et du G17 Plus. Rajko Marinković, lui aussi membre du G17 Plus, a été élu président de l'Assemblée municipale.

Élections locales de 2012.

À la suite des élections locales serbes de 2012, les 25 sièges de l'assemblée municipale de Sremski Karlovci se répartissaient de la manière suivante :

Culture.

Parmi les institutions culturelles les plus importantes de Sremski Karlovci figurent le Musée municipal et la galerie de peinture de l'Institut du Peuple serbe.

Architecture.

Sremski Karlovci conserve un certain nombre de bâtiments importants datant du . Parmi les églises importantes de la ville, on peut citer la Chapelle de la paix, ainsi que l'église catholique de la Sainte-Trinité, mentionnée pour la première fois en 1735 et plusieurs fois remaniée. L'église de l'Entrée dans le temple de la Très Sainte Mère de Dieu ; édifiée en 1746, elle possède une iconostase baroque peinte par Dimitrije Bačević, un des peintres les plus célèbres de Sremski Karlovci. La Cathédrale Saint-Nicolas, construite en 1758 dans un style typiquement baroque, possède une iconostase a été peinte par Teodor Kračun et, après la mort de l'artiste, par Jakov Orfelin. Le Lycée de Sremski Karlovci a été construit à la fin du ; il possède une bibliothèque riche d'environ livres considérée comme la plus ancienne bibliothèque scolaire de Serbie. Le séminaire orthodoxe de Sremski Karlovci, créé par le métropolite Stevan Stratimirović, a ouvert ses portes le . L'un des monuments les plus connus de Sremski Karlovci, la Fontaine aux quatre lions, a été édifié en 1799, pour célébrer la mise en eau du premier service de canalisations de la ville.  Le est également représenté, avec l'Hôtel de ville, construit entre 1808 et 1811, dans un style néoclassique. Le Patriarcat de Sremski Karlovci a été construit entre 1892 et 1894 sur des plans de l'architecte Vladimir Nikolić ; son architecture présente un mélange de style baroque et de style néo-Renaissance.  L'architecture du début du se caractérise encore par le style néoclassique. Parmi les édifices les plus importants de cette époque, on peut signaler le Stefaneum, construit en 1903 ; il abrite aujourd'hui l'Institut du Peuple serbe et de la communauté serbe internationale.

Éducation.

Sremski Karlovci possède un important lycée (en serbe : et ), qui a ouvert ses portes en 1792. Le Lycée abrite également une société littéraire appelée "Strazilovo", destinée à promouvoir les talents de ses élèves ; il publie également des livres, notamment des recueils de poésies ou des nouvelles.  La ville abrite également le séminaire orthodoxe Saint-Arsenije Sremac, fondé en 1794 par le métropolite Stefan Stratimirović.

Sremski Karlovci, en serbe cyrillique , en allemand , en français , en croate , en hongrois et en turc , est une ville et une municipalité de Serbie situées dans la province autonome de Voïvodine. Sremski Karlovci fait partie du district de Bačka méridionale. Au recensement de 2011, elle comptait habitants.

Sremski Karlovci (, , ) is a town and municipality located in the South Bačka District of the autonomous province of Vojvodina, Serbia. It is situated on the banks of the Danube, from Novi Sad. According to the 2011 census results, it has a population of 8,750 inhabitants. The town has traditionally been known as the seat of the Serbian Orthodox Church in the Habsburg Monarchy. It was the political and cultural capital of Serbian Vojvodina after the May Assembly and during the Revolution in 1848.


Biographie.

Déjà à l'âge de sept ans, il tient l'orgue dans sa ville natale. À douze ans, il entre au conservatoire de Munich, où il surpasse bientôt ses camarades d'études, en produisant de nombreuses œuvres. À dix-neuf ans, on lui confie un poste d'enseignement du piano et plus tard de l'orgue et de la composition, poste qu'il conserve presque jusqu'à la fin de sa vie.  Sans faire beaucoup de battage, il fait partie des compositeurs célèbres de son temps. Depuis 1877 maître de chapelle de la cour du roi de Bavière, Louis II, il joue un grand rôle dans la musique d'église catholique en Allemagne. Il compose en latin des messes et des motets, en suivant les préceptes des réformateurs céciliens. Comme professeur de composition, il est mondialement connu et a comme élèves notamment Engelbert Humperdinck, Ermanno Wolf-Ferrari, Wilhelm Furtwängler et toute une génération de jeunes compositeurs américains, comme Horatio Parker et George Chadwick. Il reçoit de nombreuses distinctions : la croix de commandeur de l'ordre de la couronne de Bavière et le titre de docteur honoris causa de l'université de Munich.  En 1867, il épouse la poétesse Franziska von Hoffnass ("Fanny"), qui écrit plusieurs des textes de ses œuvres vocales, en particulier la cantate de Noël "L'Étoile de Bethléem".

Postérité.

Il fait partie des compositeurs de la seconde moitié du qui, après être tombés dans l'oubli, sont redécouverts par les chercheurs et les musiciens.  Il se définissait comme un classique convaincu, dont les modèles étaient Bach et Mozart. Il reste le grand maître et représentant de la culture musicale de la fin de la période classico-romantique. Pour rendre hommage à son œuvre, la Société internationale Josef Gabriel Rheinberger fut fondée en 2003"."

Œuvre.

Josef Rheinberger laisse un catalogue de . Son œuvre est très diversifiée : 197 numéros d'opus : piano, orgue, musique de chœur sacrée et profane, lieder, musique de chambre, symphonies, ouvertures de concert, musiques de scène et opéras.

Josef Gabriel von Rheinberger (né à Vaduz le , mort à Munich le ), compositeur et pédagogue allemand originaire du Liechtenstein.

Josef Gabriel Rheinberger (17 March 1839, in Vaduz – 25 November 1901, in Munich) was an organist and composer, born in Liechtenstein and resident for most of his life in Germany.


Facture.

Traditionnellement réalisé en terre cuite il a en général 50 à 60 cm de diamètre et ne comporte qu'une large ouverture. C'est un ustensile culinaire dont l'emploi a manifestement été détourné. Pour la musique, il est important qu'il n'ait jamais été utilisé en cuisine auparavant afin qu'il ne soit pas imprégné d'eau. Par contre il doit être spécialement huilé. C'est un instrument fragile et lourd qui peut casser au moindre choc.  Au Cachemire on fixe une courroie avec une clochette sur le "nût" ou des grelots sur le "garâ".  Le "gagrî" est en métal (cuivre).

Jeu.

L'instrument est soit posé sur les jambes du percussionniste assis, soit sur un anneau en fibre végétale, soit porté à l'épaule. Le son est produit en faisant résonner le corps de l'instrument en le frappant du plat ou de la tranche des mains, du poignet ou du bout des doigts ou phalanges ou ongles. Le musicien se sert également de son abdomen pour obturer l'ouverture du ghatam, modulant ainsi les sons graves, à moins qu'il ne le fasse à la main. Il peut aussi se servir de bagues métalliques.  Le ghatam est l'un des instruments d'accompagnement de la musique carnatique avec le mridangam, le moorchang ou la kanjira. On y emploie les mêmes formules rythmiques ("bôl"). Il est aussi utilisé dans la musique folklorique au Nord, mais dans des versions plus petites.  Ses plus fameux interprètes sont Vikku Vinayakram et son fils V. Selvaganesh.

Le ghatam, ghata, ghara, garâ, gagrî, dilo, nût, mâkti ou kutam est un instrument de musique à percussion idiophone en forme de vase ou de pot. Son utilisation en Inde (et au Pakistan) remonte au ("ghatavâdya" en sanskrit) et son aire de distribution concerne autant le sud du pays que l'ouest ou le nord.  Ce genre de pot sert également de résonateur au villâdivâdyam et à de nombreuses variétés de membranophones tel le mizhavu.  Il ne faut pas le confondre avec un instrument plus petit d'Afrique connu sous le nom d'udu.

The ghaṭam ( "ghatam", "ghaṭah", "ghatam", "ghatam", , "ghatam") is a percussion instrument used in various repertoires across India. A variant played in Punjab and known as "gharha" as is a part of Punjabi folk traditions. Its analogue in Rajasthan is known as the "madga" and "pani mataqa" ("water jug").  The ghatam is one of the most ancient percussion instruments of India. It is a clay pot with narrow mouth. From the mouth, it slants outwards to form a ridge. Made mainly of clay backed with brass or copper filings with a small amount of iron filings, the pitch of the ghatam varies according to its size. The pitch can be slightly altered by the application of plasticine clay or water.  Although the ghatam is the same shape as an ordinary Indian domestic clay pot, it is made specifically to be played as an instrument. The tone of the pot must be good and the walls should be of even thickness to produce an even tone.  Ghatams are mostly manufactured in Manamadurai, a place near Madurai in Tamil Nadu. Though this instrument is manufactured in other places like Chennai and Bangalore, too, Manamadurai ghatams have special tonal quality. It is believed that the mud is of special quality. The Manamadurai ghaṭam is a heavy, thick pot with tiny shards of brass mixed into the clay. This type of ghaṭam is harder to play but produces a sharp metallic ringing sound which is favored by some players.


Contexte.

L'Exposition universelle de Londres, en 1851, attire plusieurs dizaines de milliers de visiteurs des pays étrangers. Le Britannique Howard Staunton, considéré comme le meilleur joueur d'échecs d'Europe, souhaite se mesurer à l'élite européenne. En conséquence, plusieurs pays envoient leurs meilleurs joueurs au tournoi préparé par les soins de Staunton. Les Allemands désignent Anderssen et Carl Mayet. Staunton ne redoute pas Anderssen, alors relativement inconnu en Grande-Bretagne. En demi-finale, tous deux se font face. En cinq parties, Anderssen élimine Staunton sur le score de 4 à 1. Une défaite que Staunton, homme sombre, ne goûte guère, mais qui assoit définitivement la réputation d'Anderssen comme l'un des meilleurs joueurs d'échecs de l'époque.  Quelque temps après avoir gagné le tournoi, Anderssen, le cœur léger, joue des parties libres, c'est-à-dire des parties sans enjeu et impromptues. S'il gagne, tant mieux ; s'il perd, son manque de préparation explique en grande partie le résultat. Dans l'une de ces parties libres, il affronte Lionel Kieseritzky. C'est cette partie qu'Ernst Falkbeer appela, en 1855, « la partie immortelle » dans le magazine autrichien "Wiener Schachzeitung".  Selon Alexandre Kotov, cette partie date de , avant la domination du jeu positionnel et il n'est, dans ces conditions, pas si étonnant qu'un maître comme Kieseritzky se soit laissé aller à un appétit de pions et de pièces qui a permis à son adversaire de le mater.

Partie commentée.

Adolf Anderssen - Lionel Kieseritzky  Londres, 1851  Gambit du roi 1. e4 e5 2. f4 exf4 3. Fc4 Dh4+ 4. Rf1 b5  C'est Kieseritzky qui a découvert ce coup. Le but est d'écarter le fou du roi de la diagonale a2-g8, tout en préparant une attaque ultérieure de pions.  5. Fxb5 Cf6 6. Cf3 Dh6  Ici, les noirs se trompent. La place de la dame est en h5. Ce coup vient à l'encontre de la suite logique du coup en 5.  7. d3 Ch5 8. Ch4! Dg5 9. Cf5! c6 10. g4 Cf6?!  Les noirs sont maintenant acculés à la défensive. Meilleur pour les noirs aurait été 10...g6!? 11. h4 Df6 avec un jeu tendu.  11. Tg1! 11...cxb5?  Accepter ce magnifique sacrifice du fou ôte tout espoir de contre-attaque aux noirs. Les pièces noires développées doivent retourner à leur base.  12. h4 Dg6 13. h5 Dg5 14. Df3 Cg8  À cause de 15. Fxf4, les noirs sont contraints d'assurer une case de retraite pour leur dame. Un cas tragi-comique !  15. Fxf4 Df6 16. Cc3  Toutes les pièces noires sont revenues à leur base, ou presque.  16...Fc5? 17. Cd5  Ce coup direct n'est pas le meilleur. 17.d4! suivi de Cd5 gagne rapidement.  Là encore, 18. Te1! permet de continuer l'attaque plus sereinement.  18... Fxg1  Les noirs ne peuvent prendre le Fd6, car la suite est forcée : 18...Fxd6 19. Cxd6+ Rd8 20. Cxf7+ Re8 21. Cd6+ Rd8 22. Df8 mat. Les Blancs ont une telle avance de développement que la décision ne saurait tarder. Il était encore possible de jouer 18...Dxa1+ 19.Re2 Db2! qui laisse un espoir aux noirs (ou encore 19...Fxg1). L'attaque contre le pion c2 permettait aux Noirs de défendre la case c7 et aussi d'attaquer le roi blanc par la menace Dxc2+.  19. e5!  La dame noire est privée de la grande diagonale. Une menace de mat, commençant par 20. Cxg7+, est aussi dans l'air.  19...Dxa1+ 20. Re2 Ca6??  Kieseritzky s'imagine que la menace de mat est écartée, car la case c7 est protégée (mais le fou en c8 bloque la dernière porte de sortie du roi noir). C'est maintenant qu'Anderssen le surprend !  21. Cxg7+ Rd8 22. Df6+!! Cxf6 23. Fe7 mat La coordination des pièces blanches, au nombre de trois, tout comme la position des pièces noires, toutes présentes sur l'échiquier mais mal coordonnées, ont valu à cette partie le qualificatif d'immortelle. « Les Blancs terminent par un mat "modèle", c'est-à-dire que toutes les pièces blanches participent au mat, mais que chaque pièce blanche ne contrôle qu'une seule case du réseau de mat. Falkbeer, qui publia une analyse détaillée de cette partie en 1855 dans la magazine "Wiener Schachzeitung", décida de l'appeler « l'Immortelle ». ».

Postérité.

Selon François Le Lionnais, Richard Réti a trouvé la réfutation de la combinaison d'Anderssen : « Après le 19 coup, les Noirs, au lieu de se montrer trop gourmands en capturant la Tg1, pouvaient sauver la partie en jouant ( 18. ... Dxa1+ 19. Re2 ) Db2!, après quoi les Blancs ne peuvent plus gagner. »  Michel Rosten a écrit un roman, "L'Immortelle", dans lequel il lie le destin de ses personnages à celui des pièces et des pions sur l'échiquier. Ce roman retrace le portrait de toutes ces personnes, anonymes ou non, qui ont précipité la chute de l'URSS.  En 2013, le court métrage "Bienvenue dans l'expérience" d'Alain Deneuville met en scène deux femmes qui disputent une partie d'échecs qui reprend, coup pour coup, la partie immortelle.  L'épisode 4 de la saison 2 de Mr. Robot, 21ème minute, reprend la position finale avant 22. Df6!!  Dans le jeu vidéo Dragon Age Inquisition, les personnages de Solas et Iron Bull s'affrontent à l'aveugle en reprenant coup par coup le déroulement de la partie immortelle.

La partie immortelle est une célèbre partie d'échecs jouée par Adolf Anderssen et Lionel Kieseritzky le . William Hartston l'a jugée .

The Immortal Game was a chess game played by Adolf Anderssen and Lionel Kieseritzky on 21 June 1851 in London, during a break of the first international tournament. The bold sacrifices made by Anderssen to secure victory have made it one of the most famous chess games of all time. Anderssen gave up both rooks and a bishop, then his queen, checkmating his opponent with his three remaining . In 1996, Bill Hartston called the game an achievement "perhaps unparalleled in chess literature".


Historique.

Commencé en 1070, elle sera terminée aux alentours de l'an 1300, mais sera endommagée par le feu dès 1328, puis de nouveau en 1531. La nef ouest et le transept seront détruits, mais pas reconstruits avant les années 1900.  En 1709, encore une fois de plus, la cathédrale sera ravagée par les flammes, puis frappée par la foudre en 1719, et de nouveau touchée par un incendie.  La reconstruction du monument commencera en 1869 sous l'égide de l'architecte allemand , puis des norvégiens et Henrik Bull. La restauration prendra officiellement fin en 2001.

Importance au Moyen Âge.

Durant le Moyen Âge, et depuis l'indépendance en 1814, la cathédrale accueille le sacre des rois de Norvège. Au Moyen Âge, elle fera de Trondheim l'un des lieux de pèlerinage chrétien les plus populaires avec Jérusalem, Rome et Saint-Jacques-de-Compostelle, le plus important de Scandinavie, lieu de convergence des routes en provenance d'Oslo et des régions suédoise du Jämtland et du Värmland.  Elle est devenue cathédrale luthérienne au moment de la Réforme protestante.

De nos jours.

Le roi Haakon VII fut le dernier roi à être couronné dans la cathédrale. Depuis Olav V en 1957, le couronnement est remplacé par une consécration. En 1991, le roi Harald V et la reine Sonja furent consacrés dans la cathédrale. Le 24 mai 2002, leur fille, la princesse Märtha Louise y épousa l'écrivain Ari Behn.  De nos jours, la route de pèlerinage menant au tombeau de saint Olaf est restaurée. Elle porte le nom de "Sankt Olavs vei" (le « chemin de saint Olaf » en français). La route principale, qui mesure environ , débute à Oslo en direction du nord, passe par le lac Mjøsa, franchit la vallée de et la chaîne de montagnes du Dovrefjell, emprunte enfin la vallée d'Oppdal pour aboutir à la cathédrale, à Trondheim.

La cathédrale de Nidaros est la cathédrale de la ville de Trondheim en Norvège.  Construite à l'emplacement de la tombe du roi de Norvège saint Olaf, tué à la bataille de Stiklestad le 29 juillet 1030, elle est située au bord de la rivière Nidelva et regorge sur sa façade de multiples exemples de sculptures à la fois romane et gothique, ce qui en fait probablement l'un des plus beaux édifices médiévaux de Scandinavie.  Siège d'un diocèse catholique, puis de l'archidiocèse de Nidaros, de 1030 jusqu'en 1537, il s'agit aujourd'hui de la cathédrale médiévale la plus septentrionale, ainsi que la seconde plus importante, en taille, de Scandinavie. Aux côtés de la cathédrale, on trouve le palais de l'archevêque.  Elle est aujourd'hui de nouveau le siège d'un diocèse de l'Église de Norvège qui est de confession luthérienne.

Nidaros Cathedral () is a cathedral of the Church of Norway located in the city of Trondheim in Trøndelag county. It is built over the burial site of King Olav II (c. 995-1030, reigned 1015-1028), who became the patron saint of the nation, and is the traditional location for the consecration of new kings of Norway. It was built over a 230 year period, from 1070 to 1300 when it was substantially completed. However additional work, additions and renovations have continued intermittently since then; the most recent changes were completed in 2001. Nidaros was designated as the cathedral for the Diocese of Nidaros in 1152. After experiencing the turmoil and controversies of the Protestant Reformation of the 16th century, it was taken from the Catholic Church by the newly established state Church of Norway in 1537, which adopted the teachings and reforms of Martin Luther, Phillip Melancthon and others, becoming an Evangelical Lutheran church. Nidaros is the northernmost medieval cathedral in the world.  The cathedral is the main church for the "Nidaros og Vår Frue" parish, the seat of the Nidaros domprosti (arch-deanery), and the seat of the Bishop of the Diocese of Nidaros. The Preses of the Church of Norway is also based at this cathedral. The large, stone church seats about 1,850 people and it was historically used as the site of coronation of the kings of Norway.


Synopsis.

Après une carrière de prêteur sur gages, Chili Palmer (John Travolta) s'est reconverti en producteur de cinéma, très influent. Ses deux premiers films, "Get Leo" et "Get Lost", ayant très bien marché, Chili veut percer dans un autre milieu : l'industrie musicale. L'assassinat de son meilleur ami, Tommy Athens, le pousse à reprendre l'affaire de ce dernier : le label indépendant NTL. Il s'allie à la veuve de Tommy, Edie Athens (Uma Thurman), pour l'aider à relancer son entreprise en déclin. Chili découvre ensuite la jeune chanteuse Linda Moon (Christina Milian), alors que celle-ci est en représentation avec son groupe. Il décide de la prendre sous son aile malgré les menaces de Raji (Vince Vaughn), un maquereau minable qui croit être le mentor de Linda.  Chili devra aider Edie à lancer Linda et à remettre sa société sur pied afin d'empêcher ses ennemis de lui mettre le grappin dessus. Parmi eux, Nick Carr (Harvey Keitel), leader de l'ancien label de Linda et autrefois excellent ami de Tommy ; Sin LaSalle (Cedric the Entertainer), un autre producteur véreux et pourri qui en veut à Edie et une bande de truands russes...

Production.

Genèse du projet.

"Be Cool" est l'adaptation cinématographique du roman éponyme d'Elmore Leonard, lui-même suite de "Get Shorty". "Get Shorty" avait été porté à l'écran en 1995 dans "Get Shorty" de Barry Sonnenfeld.  À l'origine, Brett Ratner devait réaliser le film avant que F. Gary Gray, habitué à la culture hip-hop, ne soit choisi.

Distribution des rôles.

C'est John Travolta qui suggéra Uma Thurman, sa partenaire de "Pulp Fiction", pour le rôle d'Edie. Auparavant, les noms de Jennifer Connelly, Charlize Theron, Naomi Watts et Halle Berry avaient été cités pour ce personnage.  "Be Cool" est le dernier film de Robert Pastorelli, qui joue ici Joe Loop. Il est décédé en 2004 avant la sortie du film.  Joe Pesci s'était engagé pour jouer dans le film. Mais il a quitté la production peu de temps avant le début du tournage, pour des raisons inconnues.  Eric Balfour apparaît dans une scène finalement coupée au montage.

Tournage.

Le film a été tourné majoritairement à Los Angeles. La scène du match de basket a été tournée le au Staples Center durant une confrontation entre les Lakers et les Kings de Sacramento. Quant au concert d'Aerosmith où chante le personnage de Linda Moon, il a été tourné au Tweeter Center de Mansfield dans le Massachusetts le .

Notes et références.

Be Cool est un film américain réalisé par F. Gary Gray, sorti en 2005. Adapté du roman homonyme d'Elmore Leonard, il fait suite au film "Get Shorty" (1995).

Be Cool is a 2005 American crime-comedy film adapted from Elmore Leonard's 1999 novel of the same name and the sequel to Leonard's 1990 novel "Get Shorty" (itself adapted into a 1995 film of the same name) about mobster Chili Palmer's entrance into the music industry.  The film adaptation of "Be Cool" began production in 2003. It was directed by F. Gary Gray, produced by Danny DeVito (who produced and co-starred in the first film), and starred John Travolta, reprising his role from the first film. The film opened in March 2005 and was released to video and DVD distribution on June 7, 2005. This was Robert Pastorelli's final film, as he died one year before its theatrical release.


But.

Le but principal de BPMN est de fournir une notation qui soit facilement compréhensible par tous les utilisateurs de l'entreprise, depuis les analystes métier qui créent les ébauches initiales des processus, jusqu'aux développeurs responsables de mettre en place la technologie qui va exécuter les processus applicatifs correspondants, et finalement, jusqu'aux utilisateurs de l'entreprise qui vont mettre en œuvre ces processus. BPMN vise de plus à rendre l'orchestration des processus "exécutable" (automatisable) par une transposition des modèles en langage BPEL.  BPMN et UML sont deux spécifications de modélisation élaborées par l'OMG qui ne sont pas en compétition mais complémentaires. UML met l'accent sur l'analyse et la conception d'un système d'information alors que BPMN vise l'analyse et la conception des processus métiers qui font intervenir et interagir des systèmes. On peut ainsi passer d'un diagramme de processus définissant les exigences métier en BPMN à des diagrammes de cas d'utilisation en UML pour documenter les exigences pour les systèmes impliqués.

Principes.

BPMN repose sur trois types de modèles: BPMN permet de représenter les procédures d'entreprise internes, mais également des procédures B2B, par le biais de processus publics et des chorégraphies, ainsi que des concepts d'orchestration de processus avancés, comme la gestion des exceptions et la compensation des transactions.  Ces modèles combinent les éléments de base principaux suivants: De nombreuses variantes de ces éléments de base et des marqueurs d'activités permettent de préciser davantage la signification du modèle.

Comparaison avec d'autres modèles de processus.

BPMN a une expressivité comparable aux chaines de processus événementielles (EPC) et aucune des deux notations n'est supérieure à l'autre pour la modélisation de processus. En effet un modèle BPMN peut être transformé en modèle EPC. Inversement, un modèle EPC peut être transformé en modèles BPMN avec une faible déperdition d'information. Une étude a ainsi montré que, pour un même processus, le modèle BPMN nécessitait près de 40% d'éléments de moins qu'avec les EPC et serait donc plus facile à lire. La conversion entre les notations peut par ailleurs être automatisée.  BPMN peut également être comparé à un sous-ensemble des diagrammes d'activité d'UML, car les diagrammes d'activité disposent d'éléments ayant une sémantique comparable aux éléments de base de BPMN. Une étude a montré que la lisibilité des deux types de diagrammes était comparable.  Un sous-ensemble de BPMN peut être directement transposé en WS-BPEL qui est une expression d'un processus directement exécutable par un moteur de flux de travaux.

BPMN a été développé au départ par la Business Process Management Initiative (BPMI), et est maintenu par l'Object Management Group (OMG) depuis la fusion de ces deux Consortium en juin 2005. La version actuelle de BPMN est la 2.0.2 et date de 2013. Elle est une norme ISO depuis juillet 2013 .

Business Process Model and Notation (BPMN) is a graphical representation for specifying business processes in a business process model.  Originally developed by the Business Process Management Initiative (BPMI), BPMN has been maintained by the Object Management Group (OMG) since the two organizations merged in 2005. Version 2.0 of BPMN was released in January 2011, at which point the name was amended to Business Process Model "and" Notation to reflect the introduction of execution semantics, which were introduced alongside the existing notational and diagramming elements. Though it is an OMG specification, BPMN is also ratified as ISO 19510. The latest version is BPMN 2.0.2, published in January 2014.


Les origines.

Le DB-1 "Bolo" est développé par la Douglas Aircraft Company en réponse à une fiche programme de l’USAAC émise en 1934 pour remplacer les Martin B-10. Boeing répond également à ce programme avec son Model 299 tandis que Martin offre son model 146.  Cette fiche programme concerne un appareil pouvant transporter de bombes sur une distance de ().  Si lors de la compétition le prototype de Boeing se montre supérieur, le crash de ce dernier (dû à une erreur de pilotage) plus son coût supérieur (4 moteurs au lieu de 2 pour les prototypes de Douglas et Martin et un coût unitaire de contre pour le DB-1) fait que l’USAAC choisit le DB-1 de Douglas, qui est désigné comme B-18.  L’USAAC passa donc une première commande de 99 B-18 et malgré tout 13 Y1B-17. Le Model 299 de Boeing devient le Boeing B-17 Flying Fortress.Sur la commande initiale, 38 appareils furent profondément modifiés par un fuselage plus étroit et une dérive plus grande, façon B-17.

Engagements avec les États-Unis.

Le contrat initial est porté à 133 exemplaires. Douglas propose par la suite une modification avec son DB-2 qui incorpora une tourelle de nez motorisée. Cette option n'est pas retenue. La version A est construite à 177 exemplaires et dispose de moteurs plus puissants.  La plupart des B-18 sont déployés sur des bases avancées américaines, et en 1941 la plupart des 33 B-18 stationnés à Pearl Harbor sont détruits pendant l’attaque du 7 décembre 1941.  En 1942, le B-17 remplace tous les B-18 en première ligne. Le B-18 entame alors une nouvelle carrière en tant qu’appareil de patrouille et de lutte ASM.  122 appareils sont modifiés en appareils de lutte ASM, par la suppression du poste du bombardier qui est remplacé par un radar et le rajout d’un détecteur MAD ("Magnetic Anomaly Detector").  Tous ces appareils sont utilisés dans la région des Caraïbes. Un de ces appareils coule le U-Boat U-512 au large de Cayenne en Guyane française le 2 octobre 1942.  Tous les B-18 sont remplacés par des B-24 et retirés du service actif en 1943. Les appareils survivants servent soit en tant qu'appareils d'entraînements soit en appareils de transports (C-67).

Engagements avec autres pays utilisateurs.

Craignant les débuts d’un conflit en Europe, une commission britannique demanda à évaluer le B-18. Mais ce dernier fut rejeté par la RAF qui le trouva sous-motorisé, mal armé et avec des performances modestes.  Néanmoins Douglas vendit 20 exemplaires du B-18 à la Royal Canadian Air Force qui le dénomma Douglas Digby Mk 1. Ils furent principalement employés à la lutte anti-sous-marine au-dessus de l’Atlantique Nord. Les Digby canadiens effectuèrent plus de 11 attaques sur les sous-marins allemands durant leur service. Une à deux d'entre elles réussirent à envoyer par le fond un sous-marin allemand. La mieux connue est celle de l'équipage du "Flying Officer" F. Raymes du de bombardement et de reconnaissance du "Commandement Aérien de l'Est" de la Royale Canadian Air Force qui réussit à couler le U-520 le 30 octobre 1942 à à l'est de St-John à Terre-Neuve. Les Digby de la RCAF furent eux aussi remplacés par des Liberator en 1943-44.  Trois appareils furent vendus à la Força Aérea Brasileira en 1942 comme transport mais transformés plus tard en avion ASM.

Développement ultérieur.

En novembre 1938, l’US Army Air Corps, modifia sa demande pour un appareil mieux motorisé, plus grand. Un B-18 fut modifié avec la dérive façon B-17, 2 moteurs Wright R-2600-3 et une tourelle caudale. Cet appareil devient le B-23 Dragon. Il fut aussi le premier bombardier américain à disposer d’une tourelle de queue.

Opérateurs.

Força Aérea Brasileira Aviation Royale Canadienne United States Army Air Force

Le Douglas B-18 "Bolo" fut la modification du DC-2 en bombardier stratégique à long rayon d'action. Bien que totalement obsolète à l'entrée en guerre des États-Unis en 1941, il est à cette époque le bombardier le plus important de par son nombre en service au sein de l'USAAF au début de la Seconde Guerre mondiale.

The Douglas B-18 Bolo is an American medium bomber which served with the United States Army Air Corps and the Royal Canadian Air Force (as the Digby) during the late 1930s and early 1940s. The Bolo was built by the Douglas Aircraft Company, based on its DC-2, and was developed to replace the Martin B-10.  By 1940, it was considered to be underpowered, to have inadequate defensive armament, and to carry too small a bomb load. Many were destroyed during the attacks on Pearl Harbor and the Philippines in December 1941.  In 1942, the surviving B-18s were relegated to antisubmarine, transport duty, and training. A B-18 was one of the first American aircraft to sink a German U-boat, on 22 August 1942 in the Caribbean.


Biographie.

Enfance et formation.

Né à Bucarest en Roumanie, il est élevé à Vienne, dans l'Empire austro-hongrois.  Moreno est issu d'une fratrie de six enfants dont le père, commerçant, est régulièrement absent. Il est principalement élevé par sa mère, jeune orpheline juive roumaine. À partir de l'âge de 12 ans, il est élevé par son frère aîné.  Moreno entame des études de philosophie avant de s'orienter vers la médecine. Il se consacrera également au théâtre et mettra ultérieurement en scène ses fantasmes personnels et les pathologies de ses patients, ce qui lui permettra de jeter les bases du psychodrame. En effet, lors d’une séance pendant laquelle une actrice était invitée à jouer ses problèmes de couple, Moreno découvrira les effets bénéfiques de la catharsis : « Les scènes de théâtre font disparaître les scènes de ménage », observe-t-il. Ces observations sont étroitement liée avec la psychanalyse. À cet égard, il rencontre brièvement Freud en 1912, à la sortie d’un cours sur les rêves télépathiques, mais le courant ne passe pas entre les deux hommes. Moreno aurait déclaré : « Et bien docteur Freud, je commence là où vous vous arrêtez. Vous rencontrez les autres dans le cadre artificiel de votre cabinet, je les rencontre chez eux, ou dans leur milieu habituel. Vous analysez leurs rêves, j’essaye de leur insuffler le courage de rêver encore. » .

Carrière scientifique.

Dès 1913, il commence à s'intéresser aux populations défavorisées. Il aide notamment les prostituées de Vienne à s'organiser et à se prendre en charge collectivement.  En 1917, il devient médecin à Vienne et exerce pendant la Première Guerre mondiale de 1914-1918 au sein du camp de réfugiés sud-tyroliens de Mittendorf an der Fischa (Gramatneusiedl, en Basse-Autriche). Cette expérience initiera les fondements de la sociométrie : il essayera de regrouper des réfugiés par centres d'affinités et d'intérêts, ce qui les aidera à mieux survivre et à surmonter leur détresse affective.  Après la guerre, il est médecin du travail pour la municipalité de Vienne, ainsi que dans une usine de textiles, la Kammgarnfabrik. Il soigne gratuitement les patients à Bad Vöslau de 1918 à 1924. Il fréquente aussi assidûment les cafés de Vienne et crée en même temps la revue Daimon (1918-1922), à laquelle vont collaborer notamment Max Brod, Martin Buber, Arthur Schnitzler, Franz Werfel, Oskar Kokoschka, Alfred Adler.  En 1925, face à la montée de l'antisémitisme en Europe, il immigre aux Etats-Unis.

Ouvrage de référence : Who Shall Survive?

En 1934, il publie son ouvrage de référenc"e "Who Shall Survive? (Qui survivra ?)". Une seconde édition est parue en 1955.  Devenu un ouvrage de référence scientifique, l’auteur illustre ses démonstrations principalement en utilisant des graphes en initiant des règles graphiques (couleurs, formes) représentant l’ensemble des relations entre les sujets du groupe. Ces sociogrammes ont initié la représentation graphique et la visualisation de l'information dans la recherche scientifique.  Parmi ses expérimentations, il démontre les affinités entre élèves de classes de divers degrés, représentées sous la forme de sociogrammes suivants :

Psychothérapie de groupe.

Après la Seconde Guerre mondiale, Jacob Moreno lance une approche thérapeutique à tendance psychodramatique qui se différencie de celle de Carl Rogers, qualifiée de "clinique".  En 1936, il travaille comme médecin à New York puis à Beacon, à l'hôpital puis en libéral. Il crée une clinique psychiatrique privée dotée d'un théâtre thérapeutique avec l'aide de Gertrude Franchot Tone et travaille avec la sociologue Helen Jennings sur les regroupements de prisonniers par affinités. Il crée la maison d'édition Beacon House et publie des articles sur la théorie des rôles et de la spontanéité créatrice. Il assure des enseignements à et donne des discours et des conférences. Il élabore sa théorie du psychodrame humaniste.  À la fin de la Seconde Guerre mondiale, à la suite du Congrès international de criminologie de Paris qui se tient en en même temps que le Congrès international de psychiatrie, Moreno se rend à Paris, invité par Juliette Favez-Boutonier, responsable de la section de psychothérapie de ce congrès de psychiatrie. Il prend des contacts, surtout avec des psychanalystes, fin 1950 et , en vue de regrouper ceux qui s'intéressent aux méthodes de groupe.  Il fonde le « Conseil international de psychothérapie de groupe » et organise des rencontres entre praticiens de ces nouvelles sciences, ainsi qu'avec les sociologues Georges Gurvitch, Jean Stoetzel... Pendant plus de vingt ans, il participera à de multiples congrès (psychothérapie de groupe, psychodrame, sociométrie...).  En 1967, la clinique de Moreno, à Beacon, ferme ses portes mais les séminaires de formation continuent durant plusieurs années. En 1973, il fonde l'« Association internationale de psychothérapie de groupe » (IAGP). Moreno était l'époux de Zerka T. Moreno (1917-2016), également psychothérapeute, avec laquelle il a longtemps travaillé.

Jacob Levy Moreno, né le à Bucarest, et mort le à Beacon (États-Unis), est un médecin américain d'origine roumaine.  Il est l'un des pionniers de la recherche sociométrique selon une approche sociologique des phénomènes sociaux mais également selon une approche psychiatrique en initiant la psychothérapie de groupe (1932).

Jacob Levy Moreno (born Iacob Levy; May 18, 1889 – May 14, 1974) was a Romanian-American psychiatrist, psychosociologist, and educator, the founder of psychodrama, and the foremost pioneer of group psychotherapy. During his lifetime, he was recognized as one of the leading social scientists.


Le peuple Atacama.

C'était un peuple d'agriculteurs et d'éleveurs (élevage de camélidés) qui réussit à utiliser les très maigres ressources en eau de l'endroit pour obtenir d'abondantes récoltes. De même que les Quechuas, ils créèrent un système de cultures en terrasses, dans le but d'empêcher l'eau de dévaler et d'éviter l'arrachage de la couche organique et fertile du sol.  Leurs cultures furent variées : potirons, courges, piments, pois, tabac (utilisé avant tout à des fins rituelles), figuiers de Barbarie ou "tunas", maïs et surtout pommes de terre et quinoa.  Ils engraissaient leurs cultures avec le guano des oiseaux de la côte, qu'ils transportaient à dos de lama. Ils réalisaient aussi un commerce de troc avec les pêcheurs nomades Changos, qui étaient établis sur la côte ; ils échangeaient ainsi leur viande principalement sous forme de charqui (viande salée et séchée au soleil), contre des fruits de mer et des poissons.  Les Atacamas utilisaient les lamas comme animaux de charge et s'alimentaient également de leur viande et se vêtaient de leur peau et de leur laine. Ils protégeaient leurs agglomérations par des murailles construites en pierres, véritables forts appelés "pucará" ou "pukará" (mot "runa simi" ou "quechua" dont la prononciation correcte semble être "púkara"). Ils développèrent un important artisanat en céramique, et en outre, ils furent le premier peuple qui commença à utiliser le minerai de cuivre qu'ils extrayaient de Chuquicamata, et l'or de la mine d'Incahuasi (Catamarca).  D'accord avec les vestiges archéologiques trouvés et les investigations réalisées dans cette partie de l'Amérique du Sud, les noms de leurs établissements subsistent à ce jour, comme les oasis de Quitor, Chiu-Chiu, Lasana, Turi, Topayín, Susques, Calama, Antofagasta de la Sierra ainsi que l'un des plus importants centres de leur culture, l'oasis de San Pedro de Atacama près de l'ancienne ville de Tastil.  Les populations Atacama ou Lickan-antay qui vivaient dans les régions côtières développèrent une culture quelque peu différenciée (quoique l'unité ethnique ait été maintenue) qui se traduisit par la culture des Changos.  Les descendants des Atacamas vivent en grande partie sur les terres ancestrales, quoique très mélangés. Ils forment une partie de la population créole ou sont inclus dans le mélange complexe des autochtones appelés aujourd'hui Collas. Selon le recensement de 2017, Les Atacamas seraient 25 262 vivant sur leur terre ancestrale.

Leur langue.

Leur idiome était le kunza, récemment éteint, encore que des mots de ce langage se maintiennent dans divers toponymes. Il subsiste aussi quelques mots dans le langage courant de la région, mais habituellement on les croit d'origine quechua.

Religion.

Les Atacamas croyaient en différents dieux, qui selon eux, habitaient les sommets du volcan Licancabur. Ils croyaient aussi en une vie après la mort, et c'est pourquoi ils enterraient leurs morts avec tout le nécessaire pour le long voyage qui les attendait.

Période agraire et céramique de la culture des Atacamas.

Première étape.

Elle se situe entre 400 et 900. Elle se caractérise par une poterie rouge pâle, par des cruches anthropomorphes et l'usage d'ornements ainsi que de vases en or.

Seconde étape.

Entre 900 et 1200, il y a emploi d'une céramique noire polie. On remarque l'influence de la culture de Tiwanaku, par l'utilisation de tablettes pour aspirer des hallucinogènes, principalement le cebil et le cactus San Pedro ou huanto, avec des figures sculptées d'hommes, de condors et de félins, ainsi que l'usage de la "tambetá" (mot d'origine guaraní) ou ornement labial. L'usage des hallucinogènes ou des enthéogènes, comme pour toutes les autres ethnies autochtones d'Amérique avant la conquête européenne, était purement rituel, c’est-à-dire que l'on pouvait consommer ceux-ci uniquement dans des situations très spécifiques, par exemple lorsqu'un chaman devait essayer de faire une divination et se mettre en contact avec les dieux. C'est du moins ce qu'ils croyaient.

Troisième étape.

Celle-ci, comprise entre 1200 et 1500, montre l'influence de la civilisation incaïque et nous laisse en témoignage la construction de forteresses ou "púkara" faites de pierres, entourées de murailles, avec des rues étroites et des habitations serrées.

Centres archéologiques et musées.

San Pedro de Atacama.

La petite cité de San Pedro de Atacama fut la principale oasis de la culture des Atacamas, centre de son développement culturel. Depuis la fin du , la principale activité économique de la ville est le tourisme, suivie de l'agriculture des communautés autochtones de la région.

Musée archéologique R.P. Gustavo Le Paige.

Dans ce musée situé à San Pedro, se trouve toute l'histoire et l'archéologie de la culture des Atacamas. L'histoire du musée remonte à l'arrivée au Chili du prêtre jésuite d'origine belge Gustave Le Paige, qui s'installa à San Pedro de Atacama en 1955. À son arrivée dans la région, son intérêt pour la culture atacama s'éveilla, et il commença à investiguer les cimetières préhistoriques, les ateliers lithiques et tous les lieux imprégnés de la culture de ce peuple. Il commença ainsi à réunir une collection énorme, aujourd'hui hébergée par le ""Museo Arqueológico"", inauguré en 1957.  Cette impressionnante réunion de matériel archéologique de valeur appréciable, contient plus de 380.000 pièces et compte parmi celles-ci des céramiques, du matériel lithique, des textiles et des métaux pré-hispaniques, ainsi que des momies.

Les Atacamas (atacamas en Argentine, atacamens ou "atacameños" au Chili) s'auto-dénomment Lickan-antay dans leur langue, le kunza, ce qui peut se traduire par "les habitants du territoire." Également appelés Alpatamas, Kunzas, Likan-antai ou Likanantaí, ils sont une ethnie autochtone d'Amérique du Sud qui habitait l'intérieur du désert d'Atacama (Nord du Chili et de l'Argentine et sud-ouest de la Bolivie), depuis les alentours du cours du río Loa au nord (d'Antofagasta), jusqu'à Copiapó au sud. Ils occupaient les ravins et les vallées de ce désert, ainsi que les flancs de la Cordillère des Andes, y compris toute la Puna de Atacama.

The Atacama people, known as atacameños or atacamas in Spanish and Kunzas, Likan-antai or Likanantaí in English, are indigenous people from the Atacama Desert and altiplano region in the north of Chile and Argentina and southern Bolivia.  According to the Argentinean Census in 2010, 13,936 people identified as first-generation Atacameño in Argentina, while Chile was home to 21,015 Atacameño people as of 2002.


Origine et développement.

La doctrine de la Luftwaffe ayant mis l'accent sur les bombardiers moyens rapides, l'industrie allemande s'intéressa assez peu à l'emploi de tourelles défensives sur les bombardiers lourds. Pourtant dès 1938 la firme Rheinmetall-Borsig développa en collaboration avec le DVL une tourelle télécommandée baptisée FA-13, qui fit l'objet d'essais sur un bimoteur Bf 110. À la suite de ces essais le RLM émit un cahier des charges pour un bimoteur rapide polyvalent pouvant recevoir deux tourelles FA-13. Deux projets furent soumis au T.Amt, mais l' était trop révolutionnaire pour retenir l'attention. C'est donc le projet E 240 d'Arado, confié à l'ingénieur Hans Rebeski, qui fut retenu.  Le futur appareil se présentait comme un classique bimoteur à aile médiane, empennage bidérive et train classique escamotable. Deux hommes devaient prendre place dans un poste de pilotage pressurisé aménagé en tandem.

Quatre prototypes.

Le premier prototype, Ar 240V-1, prit l'air le 25 juin 1940, sans armement, la mise au point de la tourelle FA-13 connaissant de multiples retards. On releva immédiatement des problèmes de pilotage et une tendance à la surchauffe des moteurs DB 601A au roulage. Pour régler les problèmes de stabilité du bimoteur, le second prototype, Ar 240V-2, fut modifié pour recevoir des ailerons plus importants et une surface verticale supplémentaire sur les aérofreins, tandis que de petits radiateurs furent fixés sur les jambes du train d'atterrissage principal pour améliorer le refroidissement au roulage. Les tourelles FA-13 n'étant toujours pas disponibles, ce prototype prit finalement l'air le après un nouveau chantier de modification. Il fut en effet achevé avec 2 canons MG 151/20 de dans la pointe avant du fuselage et 2 mitrailleuses MG 17 de dans les emplantures d'aile. Ce prototype restait très instable en vol et fut finalement conservé par Arado pour des essais-constructeur, un nouveau prototype étant mis en chantier.  L'Ar 240V-3 se distinguait des deux premiers prototypes par un fuselage allongé de , l'avancement du poste de pilotage et la suppression des aérofreins, remplacés par des surfaces verticales additionnelles. Cet appareil qui prit l'air au printemps 1941 offrait de meilleures qualités de vol et fut alors équipé de deux tourelles FA-13 (dorsale et ventrale) équipées chacune d'une mitrailleuse de . Au début de l'été 1941 les mitrailleuses furent déposées, remplacées par deux caméras Rb 50/30. Livré pour évaluation au "3./Aufklärungsgruppe Oberbefehlshaber der Luftwaffe" stationné dans le nord de la France, cette machine effectua plusieurs sorties sur la Grande-Bretagne pilotée par l’Oberst Knemeyer, échappant facilement à toute tentative d’interception en raison de ses performances. Cet appareil retourna ensuite en usine pour être modifié comme Ar 440V-1. Un dernier prototype, l'Ar 240V-4, prit l'air le avec des moteurs DB 603A et de nouveaux aérofreins montés dans la pointe arrière du fuselage, puis une série de 40 exemplaires fut commandée à l'usine AGO d'Oschersleben.  Équipé à l’origine de DB 601E, le Ar 240A-03 fut par la suite remotorisé avec deux moteurs en étoile BMW 801TJ de . Enfin les et 05 à moteurs de volèrent fin 1942, non armés. Les avions A-03 et A-05 furent mis à la disposition d’unités opérationnelles sur le front russe, les 3.(F)/10 et 3.(F)/100, tandis que le A-04 remplaça le A-02 auprès du 2.(F)/122, passé à Pérouse, au nord-est de Rome. Souffrant en permanence de troubles moteurs, il fut renvoyé en Allemagne, révisé, puis réaffecté sur le front russe.

Les raisons d'un échec.

L'Arado Ar 240 aurait logiquement du succéder au Messerschmitt Bf 110 comme "Zerstorer" (Chasseur lourd) standard de la Luftwaffe. Avec un poste de pilotage pressurisé, un pare-brise dégivré thermiquement, un vitrage optimisé pour le meilleur champ de vision possible, un armement défensif moderne et des performances très intéressantes, il semblait avoir tous les arguments nécessaires pour rivaliser avec les Mosquitos britannique ou P-38 Lightning américain. Le programme fut pourtant abandonné en décembre 1942 après la sortie de quelques appareils de présérie. De nombreux problèmes techniques retardèrent en permanence le programme Ar 240 : retards dans le programme de mise au point du moteur Daimler-Benz DB 603 pour lequel l'avion avait été dessiné, et dont le développement fut entravé par les services officiels allemands ; difficultés de mise au point des tourelles télécommandées ; disponibilité tardive des roquettes air-air devant équiper cet avion d'assaut. Il a aussi été dit que cet avion n'avait pas la confiance des pilotes.  Il faut aussi, et plus probablement voir dans la décision d'abandonner un avion finalement au point, l'intervention de la firme Messerschmitt, qui avait les faveurs d'Adolf Hitler et de Hermann Göring, pour imposer le Messerschmitt Me 210, de conception moins innovante mais dont le développement fut plus rapide grâce à l'expérience acquise par Messerschmitt avec le Bf 110.

L'Arado Ar 240 est un chasseur lourd bimoteur allemand de la Seconde Guerre mondiale, développé par Arado Flugzeugwerke GmbH pour succéder au Messerschmitt Bf 110. Handicapé par des problèmes de développement, ce programme ambitieux fut finalement annulé en 1942 au profit du Messerschmitt Me 210.

The Arado Ar 240 was a German twin-engine, multi-role heavy fighter aircraft, developed for the "Luftwaffe" during World War II by Arado Flugzeugwerke. Its first flight was in 1940, but problems with the design hampered development, and it remained only marginally stable throughout the prototype phase. The project was eventually cancelled, with the existing airframes used for a variety of test purposes.


Biographie.

Peter Thelenius et Cesar Zamini lancent le groupe en 1992, et recrutent par la suite la chanteuse Zetma. En 1993, les membres signent un contrat avec EMI Records, et publient leur premier single intitulé '. En 1994, ' est suivi par des hits comme ', qui atteint la troisième place des classements suédois. Ils publient ensuite leur premier album, ' la même année.  En 1995, Zetma, enceinte, quitte le groupe, et Saunet Sparell la remplace. Avec elle, le groupe publie son deuxième album ', qui contient les singles ' et '. Aussi, Peter et Caesar ne parviennent pas à trouver d'accord concernant l'avenir du groupe, et mène donc au départ de Cesar. Peter continue alors seul aux côtés des autres membres du groupe. Leur troisième album, ' contient des sonorités plus tirées disco des années 1970. Sparell quitte ensuite le groupe, pensant que Thelenius ne s'intéressait uniquement à la gloire et le projet reste en suspens. En 1997, Peter publie un album solo intitulé ' sous le nom de scène Petrus. En 1998, Basic Element revient avec un nouvel album, qui contient leur sonorité eurodance originale, avec Marie Fredriksson (ne pas confondre avec la chanteuse de Roxette). Dès 1999, les deux membres restent inactifs jusqu'en 2005, année durant laquelle le groupe se recompose pour une reprise de leur album ' avec comme nouveau membre Mathias Olofson.  En février 2006, ils publient un nouveau single intitulé '. Le 7 février 2007, le groupe l'album '. Plus tard en 2007, Marie Fredriksson quitte le groupe et est remplacée par Andrea Myrander, et Jonas Wesslander au rap. En 2008, l'album ' est publié. Le groupe publie la chanson ' en 2010. Le groupe annonce, en janvier 2011, sur son site officiel, le départ officiel d'Andrea Myrander. Quelques mois plus tard en mai 2011, ils annoncent un nouveau single intitulé ' pendant un concert. En avril 2012, Basic Element signe un contrat de distribution avec le label suédois Family Tree, et puis publie, le 24 avril, une chanson intitulée ', en featuring avec Max C and Taz sur YouTube.

Basic Element est un groupe d'eurodance suédois, originaire de Malmö. Le groupe, formé en 1993 est originellement produit par Cesar Zamini jusqu'en 1996, puis par Stefan Andersson. Les premiers membres incluent Peter Thelenius, qui est à l'origine du projet, accompagné de Zetma Prenbo au chant, remplacée en 1995 par Saunet Sparrell, en 1998 par Marie Fredriksson, et finalement remplacée par Andrea Myrander. Peter Thelenius, chanteur et leader du groupe est toujours présent, aus côtés de Jonas Wesslander et de Myrander.

Basic Element is a Swedish Eurodance hip-hop group formed in 1992. The group returned in 2005 and is still releasing new material.  From Malmö in Sweden the group originally consisted of rapper/singer Peter Thelenius (Petrus), and keyboardist Cesar Zamini, accordion Branko J. Nuss, and vocalist Zetma Prembo. Later vocalists were Saunet Sparell, Marie Fredriksson (not to be confused with the Roxette singer Marie Fredriksson). Currently, the band consists out of Peter Thelenius and Jonas Wesslander. Branko J. Nuss continues to post on his YouTube channel, "Branko w/ an Accordion", but only independent works after he left the group in 2014.


Historique.

Il a été décrit par Maurice Raynaud en 1862.

Épidémiologie.

La maladie de Raynaud est beaucoup plus fréquente. Une cause secondaire n'est retrouvée que dans 10 à 20 % des cas.  Une participation héréditaire a souvent été constatée.

Physiopathologie.

Il est dû à une baisse de la pression de perfusion, augmentation de la viscosité sanguine, et diminution du calibre (spasme) de l'artère digitale sont les facteurs plus ou moins intriqués du phénomène.

Symptômes.

Ils concernent les doigts et/ou les orteils mais aussi, dans certains cas plus rares, le nez et les oreilles.  Les symptômes surviennent par crises et comportent, le plus souvent après une exposition au froid, deux phases : une première « phase blanche » comportant une décoloration brutale des doigts, avec un engourdissement, une perte de sensibilité, suivie d'une « phase bleue » où le doigt devient cyanosé, douloureux. Il peut être unilatéral ou bilatéral, la première évoquant une cause artérielle locale.  Un phénomène proche est le « vasospasme du mamelon » survenant à la suite d'une tétée.  L'atteinte du pouce est évocatrice d'une connectivite, de même que la sévérité des crises, pouvant aller jusqu'à la formation d'ulcères, ou leur caractère rapproché.

Diagnostic.

Il est évident de manière clinique. Le problème est celui de la détermination de la cause : syndrome ou maladie de Raynaud.  Différents examens peuvent être faits pour rechercher une cause :  Malgré un bilan normal, conclure sur une maladie de Raynaud n'est cependant pas définitif : dans un tiers des cas, un diagnostic de sclérodermie est fait au bout de quelques années. Ce risque est cependant beaucoup plus faible si la capilloroscopie est normale ainsi que la recherche d'anticorps à la sclérodermie.

Causes.

Les syndromes de Raynaud iatrogènes doivent être évoqués à l'interrogatoire. Sont souvent en cause : Les bêta bloquants, les dérivés de l'ergot de seigle, certaines drogues chimiothérapiques.  Il en est de même pour les syndromes d'origine professionnelle avec la maladie des engins vibrants, et l'intoxication par le chlorure de polyvinyle (décrouteurs d'autoclaves).  Des signes cliniques inhabituels orientent vers une cause : D'autres connectivites peuvent s'accompagner d'un phénomène de Raynaud bilatéral : syndrome de Sharp, polymyosite, polyarthrite rhumatoïde, vascularites, notamment. Certaines maladies hématologiques sont également responsable de ce syndrome : maladie de Vaquez, leucémies, certains troubles de la coagulation, cryoglobulinémies.  Enfin un phénomène de Raynaud bilatéral peut se voir dans l'athérome banal, surtout en cas de tabagisme.  Un syndrome de Raynaud unilatéral ou franchement asymétrique, dans la mesure où il ne se bilatéralise pas rapidement, doit évoquer une cause artérielle locale. L'echo-doppler et l'artériographie permettent de diagnostiquer un syndrome compressif (Défilé des scalènes), un anévrisme, une sténose artérielle athéromateuse ou inflammatoire, ou un phénomène embolique.

Traitement.

Le traitement cible les symptômes mais aussi la maladie causale.  Les manœuvres pour réchauffer les doigts permettent de juguler plus rapidement les crises. Cependant les crises sont parfois sévères et un traitement médicamenteux peut alors être proposé.  Les vasodilatateurs sont les médicaments les plus utilisés pour lutter contre la maladie de Raynaud. Ils vont permettre d'augmenter le flux sanguin vers les extrémités cyanosées. Par exemple, les inhibiteurs calciques, comme la nifédipine ou l'amlodipine, réduisent le nombre de crises et diminuent leur sévérité. l'application de dérivés nitrés en pommade lors d'une crise permet également l'amélioration des symptômes. Des extraits de ginkgo biloba semblent avoir une certaine efficacité qui reste cependant moindre que celle de la nifédipine. Le losartan peut constituer une solution de rechange.  Il existe des médicaments plus efficaces mais nettement plus chers, comme l'Iloprost ou les inhibiteurs de l'endothéline comme le Bosentan. Ils sont réservés aux formes sévères. les statines pourraient également avoir une action favorable.  Un antiagrégant plaquettaire est souvent prescrit, sans, cependant, preuve d'efficacité.  Dans les cas rebelles, une intervention chirurgicale, de type sympathectomie au niveau des doigts, peut être proposée.

Le syndrome de Raynaud est un trouble de la circulation sanguine se manifestant par un engourdissement ou des douleurs des extrémités (le plus souvent les mains). Ce syndrome peut être secondaire à la prise de certains médicaments ou à d'autres maladies, ce qui l'oppose à la maladie de Raynaud (appelé aussi « syndrome de Raynaud primitif » par opposition au « syndrome de Raynaud secondaire » ou syndrome de Raynaud), aux mêmes manifestations mais sans cause définie. Le « phénomène de Raynaud » est la simple manifestation au niveau des doigts, sans préjuger de sa cause.  Le syndrome est beaucoup plus rare par rapport à la maladie et sa gravité dépend alors de la maladie causale.

Raynaud syndrome, also known as Raynaud's phenomenon, is a medical condition in which spasm of arteries cause episodes of reduced blood flow. Typically, the fingers, and less commonly the toes, are involved. Rarely, the nose, ears, or lips are affected. The episodes result in the affected part turning white and then blue. Often, numbness or pain occurs. As blood flow returns, the area turns red and burns. The episodes typically last minutes, but can last several hours. Episodes are often triggered by cold or emotional stress. Primary Raynaud's, aka idiopathic, means that it is spontaneous and unrelated to another disease. Secondary Raynaud's occurs as a result of another condition. Secondary Raynaud's can occur due to a connective-tissue disorder, such as scleroderma or lupus, injuries to the hands, prolonged vibration, smoking, thyroid problems, and certain medications, such as birth control pills. Diagnosis is typically based on the symptoms. The primary treatment is avoiding the cold. Other measures include the discontinuation of nicotine or stimulant use. Medications for treatment of cases that do not improve include calcium channel blockers and iloprost. Little evidence supports alternative medicine. Severe disease may rarely be complicated by skin sores or gangrene. About 4% of people have the condition. Onset of the primary form is typically between ages 15 and 30 and occurs more frequently in females. The secondary form usually affects older people. Both forms are more common in cold climates. It is named after the French physician Maurice Raynaud, who described the condition in 1862.


Biographie.

Emmy Destinn apprend d'abord le violon, puis le chant avec la mezzo Maria Löwe-Destinn, dont elle adopte le nom par reconnaissance. Elle débute à Dresde, puis à Berlin. Elle excelle dans le répertoire italien, mais aussi dans le répertoire wagnérien, et devient la protégée de Cosima Wagner. C'est d'ailleurs à Bayreuth que sa carrière démarre vraiment dans le rôle de Senta, énorme succès en 1901. Elle crée le rôle-titre de "Madame Butterfly" à Covent Garden en anglais en 1905. Elle chante le rôle-titre lors de la première à Berlin de "Salomé" de Richard Strauss sous la direction du compositeur. En 1910, elle crée le rôle de Minnie dans "La fanciulla del West" de Puccini au Metropolitan Opera sous la direction d'Arturo Toscanini avec Caruso. Caruso la demande en mariage, mais elle refuse sa demande pour épouser Dinh Gilly, un baryton français d'Algérie.  En mai 1910, le théâtre du Châtelet donne une série de représentations , destinées à la société d'élite qui se trouve réunie à Paris au printemps, avec le concours des grands solistes, Caruso, Emmy Destinn, Louise Homer, Frances Alda, Leo Slezak, Antonio Scotti, des chœurs, du corps de ballet, dans les décors et avec les costumes du Metropolitan Opera venus de New-York, avec l'orchestre dirigé par Arturo Toscanini : Parmi les femmes, nous avions l'occasion d'applaudir des voix splendides d'un choix unique comme celle d'Emmy Destinn qu'avait bien voulu prêter Covent-Garden et que nous entendîmes avec Caruso dans Aida, Emmy Destinn, dont l'organe, d'une exquise pureté, dont l'art passionné avaient laissé d'impérissables souvenirs dans le cœur de tous ceux qui avaient entendu "Salomé" au Châtelet... Dès son entrée en scène jusqu'au duo final, Mme Emmy Destinn nous a ravis par sa voix si suave, son incomparable talent de cantatrice, la pureté de son style et l'ardeur dramatique de son jeu ; aussi n'étions-nous pas étonnés du succès que lui faisait le public du premier soir, et qui devait se renouveler toutes les fois qu'elle interprétait, en cette saison d'opéra italien, un rôle où elle était de tout point remarquable.Elle remporte ses plus grands succès à Londres et New-York. Elle revient chanter à Prague à la veille de la guerre 1914-18 dans l'opéra patriotique de Smetana, "Libuše". Les autorités autrichiennes l'assignent à résidence pour la durée de la guerre. Elle se met à écrire une pièce dramatique, "Rahel". La Tchécoslovaquie devenue indépendante, elle prend le nom de "Destinnová" et se fait rare. Elle revient sur scène, continue à se produire en concert, notamment au Met, à Londres, jusqu'en 1926, année où elle fait ses adieux. Elle se retire alors dans son château de Bohême.

Emmy Destinn, de son vrai nom Emmy Kittl, née Emílie Pavlína Věnceslava Kittlová le à Prague, à l'époque en Autriche-Hongrie, et morte le à Ceske Budejovice en Tchécoslovaquie, est une cantatrice d'opéra.

Emmy Destinn ( (); 26 February 1878 – 28 January 1930) was a Czech operatic soprano with a strong and soaring lyric-dramatic voice. She had a career both in Europe and at the New York Metropolitan Opera.


Carrière de joueur.

Il commence sa carrière dans le championnat junior en 1995-96 pour le club de la capitale de la Finlande : le HIFK. Deux saisons plus tard, il fait ses débuts dans le championnat senior (SM-liiga) en jouant 8 matchs avec l'équipe senior. En 1998-99, il commence la saison avec le HIFK avant de rejoindre en fin de saison le club de sa ville natale, le Blues Espoo. Il est élu meilleur joueur finlandais de moins de 20 ans.  En 1999, lors du repêchage d'entrée dans la Ligue nationale de hockey, il est choisi en tant que (troisième ronde) par les Panthers de la Floride.  Il ne rejoint pas pour autant l'Amérique du Nord mais reste jouer dans son pays pour le Kärpät Oulu qui évolue alors en deuxième division (1 divisioona). Il participe à la remontée de son équipe en première division.  En 2001-2002, il quitte l'Europe et rejoint la franchise des Panthers avec qu'il jouera jusqu'au milieu de la saison 2005-2006. Entre-temps, il aura participé au 53 Match des étoiles de la LNH en 2003 et au cours du lock-out 2004-2005 de la LNH, il est retourné jouer en Europe mais cette fois dans le championnat Suisse (LNA) pour le HC Davos. Il gagne alors le championnat.  Au milieu de la saison 2005-06, les Panthers l'échangent aux Stars de Dallas contre un choix de septième ronde lors du repêchage de 2007. Le 1er juillet 2008 il signe un contrat de quatre ans avec les Maple Leafs de Toronto pour 12 millions de dollars. Le , il est impliqué dans une mégatransaction entre les Flames de Calgary et les Maple Leafs impliquant sept joueurs. Ainsi, il est accompagné à Calgary par les attaquants Jamal Mayers et Matt Stajan et le défenseur Ian White. En retour, l'équipe torontoise met la main sur le défenseur étoile Dion Phaneuf, l'attaquant Fredrik Sjoström et l'espoir Keith Aulie.

Carrière internationale.

Il représente la Finlande lors des compétitions suivantes :

Niklas Hagman (né le à Espoo en Finlande) est un joueur professionnel finlandais de hockey sur glace. Son père, Matti, a été le premier joueur finlandais a évoluer dans la LNH.

Niklas Hagman (born December 5, 1979) is a Finnish former professional ice hockey forward. He was a third round pick of the Florida Panthers, 70th overall, at the 1999 NHL Entry Draft and made his National Hockey League (NHL) debut with Florida in 2001. He has also played for the Dallas Stars, Toronto Maple Leafs, Calgary Flames and Anaheim Ducks in the NHL, Lokomotiv Yaroslavl in the KHL, HIFK, Espoo Blues and Kärpät in the SM-liiga and HC Davos in the Swiss National League A.  An accomplished international player, Hagman has represented Finland at three Winter Olympic Games, winning a silver medal in 2006 and bronze at 2010. He played on the Finnish team that reached the final of the 2004 World Cup of Hockey, has appeared in five World Championships and twice played at the World Junior Championships, winning a gold medal in 1998.


Origine du phénomène.

L'origine de ce flash est à rechercher dans la nature dégénérée de l'hélium accumulé au cœur de l'étoile au cours de la phase de fusion de l'hydrogène par réaction proton-proton tandis que ces étoiles parcourent la séquence principale pour atteindre le stade de géante rouge. La pression exercée sur cette masse d'hélium est en effet compensée par la pression de dégénérescence électronique, indépendante de la température car résultant du principe d'exclusion de Pauli, de sorte que son énergie thermique est inférieure à l'énergie de Fermi : la température de cette matière dégénérée, qui est par ailleurs un excellent conducteur de la chaleur, peut augmenter sans dilatation et n'est donc pas régulée par l'expansion thermique. Or la cinétique de la réaction triple alpha est corrélée au carré de pression et à la quarantième puissance de la température : ce terme en T induit une sensibilité extrême à toute élévation de la température, d'où un emballement immédiat et massif de la réaction de fusion de l'hélium à travers tout le cœur dégénéré de l'étoile, qui s'échauffe en quelques secondes à volume constant jusqu'à ce que son énergie thermique devienne supérieure à l'énergie de Fermi et que la matière qui le constitue cesse d'être dégénérée, provoquant la dilatation du cœur de l'étoile<ref name="10.1086/165319">  Les étoiles qui ont une masse supérieure à ne connaissent pas de flash de l'hélium car elles sont suffisamment massives pour déclencher la fusion de l'hélium dans leurs couches en équilibre hydrostatique, sans passer par une phase de matière dégénérée à ce niveau.

Flash des naines blanches.

Les naines blanches qui ont un compagnon stellaire et accrètent de la matière à partir de ce compagnon sont également susceptibles de connaître un flash de l'hélium. En effet, l'hydrogène qui s'accumule à la surface de la naine blanche est converti en hélium par fusion nucléaire, comme dans une étoile, et cet hélium peut être le siège d'un flash si sa température est suffisante, donnant alors naissance à une nova.

Flash de l'hélium en coquille.

Un flash de l'hélium en coquille est un évènement assez analogue mais beaucoup moins violent, d'allumage de l'hélium sans emballement, ayant lieu en l'absence de matière dégénérée. Ils surviennent périodiquement dans les étoiles de la branche asymptotique des géantes (AGB) dans une coquille située autour du cœur. Ceci se produit tardivement dans la phase géante de la vie d'une étoile. L'étoile a brûlé la grande majorité de l'hélium disponible dans le cœur, qui est maintenant composé de carbone et d'oxygène. La fusion de l'hélium continue dans une coquille mince entourant son cœur, puis s'arrête quand l'hélium vient à manquer. Cela permet la fusion de l'hydrogène située dans une couche au-dessus de la couche d'hélium. Après qu'assez d'hélium s’est de nouveau accumulé, la fusion de l'hélium est réamorcée, produisant une impulsion thermique qui fera temporairement gonfler et briller davantage l'étoile (l'impulsion de luminosité est retardée car il faut plusieurs années pour que l'énergie produite par le redémarrage de la fusion de l'hélium atteigne la surface). De telles pulsations peuvent durer quelques centaines d'années, et on pense qu'elles se produisent périodiquement tous les . Après le flash, la fusion de l'hélium continue à un rythme exponentiellement décroissant pendant 40 % du cycle pendant que la coquille d'hélium est consommée. Les impulsions thermiques peuvent provoquer la formation de coquilles circumstellaires de gaz et de poussière.

Le flash de l'hélium est un phénomène extrêmement puissant et bref survenant typiquement au sein d'étoiles de masse comprise entre 0,5 et 2,0 parvenues au sommet de la branche des géantes rouges dans le diagramme de Hertzsprung-Russell et dont le cœur, constitué d'hélium à l'état dégénéré, atteint la température critique d'environ cent millions de degrés permettant l'amorçage de la fusion de l'hélium en par réaction triple alpha.  Ce phénomène ne dure que quelques secondes à peine, la zone de fusion nucléaire se propageant dans toute la masse du cœur d'hélium dégénéré, qui est de l'ordre de , produisant une puissance supérieure à la puissance nominale de l'étoile, c'est-à-dire autant qu'une galaxie tout entière. Le flash prend fin lorsque l'énergie thermique dégagée devient supérieure à l'énergie de Fermi, et qu'ainsi l'état dégénéré du cœur de l'étoile laisse place à l'état gazeux classique.  Cette énergie dégagée demeure invisible en surface car entièrement absorbée par le plasma de l'étoile, dont la surface s'échauffe cependant tout en conservant une luminosité globale à peu près constante, ce qui la fait se déplacer horizontalement vers la gauche sur le , le long de ce qu'on appelle pour cette raison la "branche horizontale".

A helium flash is a very brief thermal runaway nuclear fusion of large quantities of helium into carbon through the triple-alpha process in the core of low mass stars (between 0.8 solar masses () and 2.0 ) during their red giant phase (the Sun is predicted to experience a flash 1.2 billion years after it leaves the main sequence). A much rarer runaway helium fusion process can also occur on the surface of accreting white dwarf stars.  Low mass stars do not produce enough gravitational pressure to initiate normal helium fusion. As the hydrogen in the core is exhausted, some of the helium left behind is instead compacted into degenerate matter, supported against gravitational collapse by quantum mechanical pressure rather than thermal pressure. This increases the density and temperature of the core until it reaches approximately 100 million kelvin, which is hot enough to cause helium fusion (or "helium burning") in the core.  However, a fundamental quality of degenerate matter is that increases in temperature do not produce an increase in volume of the matter until the thermal pressure becomes so very high that it exceeds degeneracy pressure. In main sequence stars, thermal expansion regulates the core temperature, but in degenerate cores this does not occur. Helium fusion increases the temperature, which increases the fusion rate, which further increases the temperature in a runaway reaction. This produces a flash of very intense helium fusion that lasts only a few minutes, but briefly emits energy at a rate comparable to the entire Milky Way galaxy.  In the case of normal low mass stars, the vast energy release causes much of the core to come out of degeneracy, allowing it to thermally expand, however, consuming as much energy as the total energy released by the helium flash, and any left-over energy is absorbed into the star's upper layers. Thus the helium flash is mostly undetectable to observation, and is described solely by astrophysical models. After the core's expansion and cooling, the star's surface rapidly cools and contracts in as little as 10,000 years until it is roughly 2% of its former radius and luminosity. It is estimated that the electron-degenerate helium core weighs about 40% of the star mass and that 6% of the core is converted into carbon.


Analyse de l’œuvre.

Cette toile est en apparence une scène de genre du type portrait de groupe mais dont l'artiste a ici cassé les codes.

Description générale.

La scène se passe dans l'atelier de Courbet à Paris, sans doute au 32 rue Hautefeuille. Elle est divisée en trois parties : au centre, l’artiste, avec derrière lui, un modèle nu. À sa droite, les élus, les bons ; à sa gauche, ceux qui vivent de la mort et de la misère. Le tableau, qui est une allégorie — réelle ou rêvée ? —, se présente à la fois comme un cénacle organisé en sociotypes, un portrait de la société, et un témoignage de l'état moral de l'artiste comme il en témoigne lui-même dans une lettre qu'il adresse à son ami Champfleury en : « C'est l'histoire morale et physique de mon atelier, première partie. Ce sont les gens qui me servent, me soutiennent dans mon idée, qui participent à mon action. Ce sont les gens qui vivent de la vie, qui vivent de la mort. C'est la société dans son haut, dans son bas, dans son milieu. En un mot, c'est ma manière de voir la société dans ses intérêts et ses passions. C'est le monde qui vient se faire peindre chez moi. » Cependant l'interprétation de cette toile pose encore aujourd'hui de nombreuses questions.

Iconographie.

Avec "l'Atelier du peintre", Courbet remet en cause la hiérarchie des genres en livrant là une sorte de manifeste personnel, il élève la scène de genre au rang de la peinture historique, dont il utilise d’ailleurs le format et des thèmes. Il rejette également l'Académie en clouant au pilori un mannequin qui figure un saint Sébastien percé de flèches et représente l'art académique.  Courbet mêle dans ce tableau toutes les catégories traditionnelles : le paysage, la scène de genre, le nu, le portrait de groupe, la nature morte (avec un chapeau à plume, une guitare et un poignard au pied du chasseur), les sujets religieux : jugement dernier, descente de croix, Memento mori (avec le crâne posé en serre-papier sur un numéro froissé du "Journal des débats", réponse de Courbet aux attaques de ce quotidien)… La toile est, de fait, une galerie de portraits, c’est-à-dire une réunion de figures connues, d’allégories ou simplement de différentes catégories sociales. Il cherche ainsi à donner à tous ces genres leurs lettres de noblesse. Par les mots « allégorie réelle », le peintre prévient son public que chacun des personnages représente une idée en même temps qu'un être de chair, alors que la peinture allégorique se meurt au . Sous l'influence de Proudhon il se fait moralisateur et c'est le monde qu'il entend juger. Le nu peut être perçu comme une représentation allégorique de la peinture qu'il admire et qui inspire l’art de Courbet. Le sous-titre donne par ailleurs la mesure du propos ambitieux et un peu énigmatique du peintre. Courbet cherche en effet à faire une sorte de bilan de son œuvre à travers ce tableau. Le thème de la création artistique n’est pas inhabituel mais Courbet le renouvelle en se plaçant au centre, en se positionnant en tant qu’acteur principal. Il revendique ainsi son statut d’artiste.

Composition.

Courbet commente ainsi le tableau dans une lettre : « Le tableau est divisé en deux parties. Je suis au milieu, peignant ». Très peu de peintres se sont, jusque-là, représentés au centre de leurs œuvres. Ses élus et réprouvés sont comme départagés par une « religion nouvelle », celle de l’artiste ou de l’art, « religion » commune aux socialistes utopiques, aux romantiques, ainsi qu’à Proudhon, ami et confident du peintre. Courbet se définissait lui-même comme un républicain « de naissance ».

Partie centrale.

Au centre, le peintre, son modèle et les souvenirs épars de son passé. Sur le chevalet figure un paysage de Franche-Comté, plus précisément un paysage d’Ornans que Courbet est en train de peindre, il privilégie ses origines, son milieu, son paysage natal. L'artiste dans une position orgueilleuse (Courbet est un homme ) est assis sur une chaise, de profil. Il porte un pantalon à carreaux et un veston à col rayé. Courbet, dans cette composition joue donc le rôle de médiateur, de régulateur. À ses pieds se trouve un chat blanc. Devant la toile, un petit berger comtois, pieds nus dans ses sabots, avec les cheveux en bataille, regarde la toile. Il est le symbole de l'innocence, de la liberté et de la vie. À droite du peintre se trouve une femme nue (représentation de la Vérité selon l'iconographie traditionnelle), sa muse (son modèle ?) qui regarde le peintre travailler ; elle est de profil et est coiffée d’un chignon ; elle retient avec ses deux mains une grande draperie qui traîne sur le sol ; ses habits sont jetés négligemment sur un tabouret. Courbet .

Gauche.

Selon Courbet, il y a, « à gauche, l'autre monde de la vie triviale, le peuple, la misère, la pauvreté, la richesse, les exploités, les exploiteurs, les gens qui vivent de la mort ».  L'historienne de l'art française Hélène Toussaint y voit un juif au turban avec sa cassette de bois couleur acajou (représenté par le Ministre des Finances Achille Fould) ou un homme à la toque (Lajos Kossuth évoquant la Hongrie), un curé (représenté par Louis Veuillot, journaliste catholique), un braconnier portant une blouse blanche et un foulard brun (représenté par le général Garibaldi), un fripier qui propose un vieux tapis et des oripeaux (Victor de Persigny, ministre de l’Intérieur de Napoléon III, en « commis voyageur » des Idées napoléoniennes publiées par le prince en 1839), un faucheur (représentant du monde agricole) et un ouvrier (représentant du monde du travail) symbolisant peut-être des nations en lutte révolutionnaire pour leur indépendance (Italie, Hongrie, Pologne), un croque-mort (Émile de Girardin, fondateur de journaux populaires, tenu pour « fossoyeur de la République »), un Chinois portant une tunique d'Arlequin à carreaux rouges et jaunes et une plume rouge à son chapeau, un pauvre vieux ancien républicain de 1793 (représenté par le savant et homme politique Lazare Carnot), et enfin un chasseur sur une chaise acajou portant une pèlerine verdâtre qui ressemble à Napoléon III (avec ses bottes cuissardes de couleur fauve et sa barbiche caractéristiques).

Droite.

Toujours selon Courbet, on trouve « à droite tous les actionnaires, c'est-à-dire les amis, les travailleurs, les amateurs du monde de l'art. », en tout douze personnages, les amis « élus » du peintre.  Au premier plan, Charles Baudelaire, lisant assis sur une table ; il symbolise la poésie. À ses côtés un couple bourgeois visitant l’atelier, ce sont donc des amateurs mondains. Certains y reconnaissent le couple Sabatier, collectionneurs montpelliérains et fouriéristes militants. À leurs pieds, leur enfant qui lit, c’est l’enfance studieuse. Au milieu du groupe un couple s'embrasse pour figurer l’amour libre. Champfleury, l'ami du peintre, se trouve sur un tabouret et représente la prose, son domaine artistique. Jeanne Duval, maîtresse de Baudelaire, masquée dans un repentir à la demande de l'écrivain, est réapparue, à la gauche de la porte, par les phénomènes d'exsudation du liant et de la peinture au bout d'une cinquantaine d'années. Le couple habillé luxueusement serait Alfred Mosselman, riche mécène franco-belge et Apollonie Sabatier, demi-mondaine et salonnière.  Dans le fond, Pierre-Joseph Proudhon, avec ses fines lunettes, pour la philosophie sociale, Alphonse Promayet (1822-1872) pour la musique, Max Buchon pour la poésie réaliste, Urbain Cuenot (1820-?), un ami intime de Courbet, et enfin, Alfred Bruyas (le mécène de Montpellier).

Dessin.

Courbet a une très bonne connaissance de l’art espagnol ce qui se ressent dans "l’atelier" ; en effet il s’inspirait souvent de Ribera et de Zurbaran. Courbet a eu recours à la photographie pour son modèle. Chaque personnage est unique avec une expression du visage qui lui est propre.

Couleurs.

Les tons dominants sont les couleurs ocre, or et marron et la tonique est le blanc.

Lumière.

La lumière vient de droite par une fenêtre : elle éclaire donc les « bons » et le dos du modèle ; cette lumière est assez diffuse et prend une coloration jaune. Le tableau reste cependant assez sombre, cela vient sûrement du fait que Courbet avait l’habitude de peindre au préalable ses toiles en noir pour revenir petit à petit vers les tons clairs. Le tableau au centre, Courbet, son modèle et l'enfant sont mieux éclairés et ressortent de la toile.

Situation historique de l'œuvre.

Dans la carrière de l’artiste.

"L’Atelier" est perçu comme une œuvre majeure et caractéristique de Courbet. La toile est exécutée à Ornans en novembre et , et dans les quatre premiers mois de 1855 : pressé par le temps pour réaliser sa trentaine de personnages, Courbet s'inspire de portraits préexistants (Baudelaire, son ami d'enfance le violoniste Alphonse Promayet en rouge, à côté son mécène Alfred Bruyas).  L’année 1855 et plus particulièrement ce tableau marquent son bilan personnel. C’est une époque où Courbet tente de prendre ses distances avec la peinture. Il faut ajouter que son tableau, "La rencontre", est pour sa part accepté à l’exposition universelle de la même année.  L’Atelier de Courbet a donc une forte valeur emblématique, c’est une œuvre moderne et révolutionnaire, dans le sens où il élève "son" histoire au rang de peinture d’histoire, ainsi que ses idées et connaissances.  Ce tableau, assez décrié en 1855, est aujourd’hui considéré un grand modèle artistique, représentant non seulement l’œuvre de Courbet mais aussi un mouvement artistique à part entière, le Réalisme. Il y a aussi le désir et le pouvoir de protéger la forme et la couleur des choses contre la déchéance, ce qui valut à Courbet d'être classé comme réaliste. Les interprétations de ce tableau restent multiples on peut compter trois niveaux de lecture: le tableau de genre avec le portrait de groupe, le paysage et le nu ; les personnifications et les allégories. Parce que Courbet utiliserait aussi son propre atelier comme les tréteaux de sa mise en scène de soi médiatique et performative, son atelier au 32, rue Hautefeuille a été un des plus visités de son temps.  En 1977, l'historienne de l'art Hélène Toussaint émet l'hypothèse que le peintre s'est inspiré d'un travail de Henri Valentin, auteur de "L'Atelier de Clesinger" (1849) : cette toile de 54 x 61 cm, passée en vente en 2016, de nombreux points communs avec le grand tableau de Courbet qui avait pour habitude d'utiliser des gravures, des photographies et des dessins durant son travail préparatoire. La toile de Valentin fut d'ailleurs traduite en gravure dans "Le Magasin pittoresque" de .

Dans l’histoire de l’art.

Les critiques de l’époque ont qualifié l’œuvre de « vulgaire ». En revanche, on connaît à ce sujet l’opinion positive d'Eugène Delacroix : « Je vais voir l’exposition de Courbet qu’il a réduite à 10 sous. J’y reste seul pendant près d’une heure et j’y découvre un chef-d’œuvre dans son tableau refusé ; je ne pouvais m’arracher à cette vue. On a rejeté là un des ouvrages les plus singuliers de ce temps mais ce n’est pas un gaillard à se décourager pour si peu. ». Jean-Jacques Henner, lui, en dit alors : « Voilà un fond que Velázquez n’aurait pas mieux peint. Et cette figure nue, avec quel talent, quel goût elle est faite. »  Champfleury disait que, devant Courbet, « la femme apparaît avec plus de franchise qu'elle ne s'en accorde à elle-même devant son miroir ». Contrairement à "L'après-dîner à Ornans", au "Retour des paysans de la foire de Flagey" ou bien aux "Casseurs de pierre", qui sont des scènes de genre et des peintures de petit format, "L'Atelier" est un grand format mêlant tous les genres que Courbet a pu peindre. Ce n'est pas une peinture qui a un rapport avec sa région et Ornans plus précisément.  Le tableau fait partie des « 105 œuvres décisives de la peinture occidentale » constituant "Le Musée imaginaire de Michel Butor"

L'Atelier du peintre est une huile sur toile de Gustave Courbet. Son titre complet est : "L’Atelier du peintre. Allégorie Réelle déterminant une phase de sept années de ma vie artistique (et morale)". Exécutée en 1855, elle est actuellement exposée au musée d'Orsay, rez-de-chaussée, dans la salle Courbet (grands formats).  Refusée à l’Exposition universelle de 1855 alors que onze de ses œuvres sont acceptées, l’œuvre est dévoilée au public lors d'une exposition personnelle de l’artiste au Pavillon du Réalisme (édifice provisoire qu'a fait édifier Courbet à ses frais avenue Montaigne presque en face de l'Exposition universelle), sous le numéro 1. Le tableau sera tout d'abord racheté par sa veuve à la vente posthume Victor Antoine Desfossés, et servira de toile de fond au théâtre amateur de l'Hôtel Desfossés (6 rue Galilée à Paris).  Elle est acquise en 1920 par le musée du Louvre pour francs, offerts en partie par l'association les amis du Louvre, complétés par une souscription publique et une contribution de l’État.  Une restauraution publique dans l'enceinte du musée débute le avec le soutien de pour plus de collectés par le biais d'un financement participatif et complété par un mécénat de .

The Painter's Studio: A real allegory summing up seven years of my artistic and moral life ("L'Atelier du peintre") is an 1855 oil on canvas painting by Gustave Courbet. It is located in the Musée d'Orsay in Paris, France.  Courbet painted "The Painter's Studio" in Ornans, France in 1855. "The world comes to be painted at my studio," said Courbet of the Realist work. The figures in the painting are allegorical representations of various influences on Courbet's artistic life. On the left are human figures from all levels of society. In the center, Courbet works on a landscape, while turned away from a nude model who is a symbol of Academic art. On the right are friends and associates of Courbet, mainly elite Parisian society figures, including Charles Baudelaire, Champfleury, Pierre-Joseph Proudhon, and Courbet's most prominent patron, Alfred Bruyas.  The 1855 Paris World Fair's jury accepted eleven of Courbet's works for the Exposition Universelle, but "The Painter's Studio" was not among them. In an act of self promotion and defiance, Courbet, with the help of Alfred Bruyas, opened his own exhibition (The Pavilion of Realism) close to the official exposition; this was a forerunner of the various Salon des Refusés. Very little praise was forthcoming, and Eugène Delacroix was one of the few painters who supported the work. Of the painting, Courbet stated that "The Painter's Studio" "represents society at its best, its worst, and its average."


Le roman.

Sujet.

Pendant les Guerres napoléoniennes, lors du siège de Saragosse (1809), un officier français prisonnier fait la lecture à son geôlier d'un étrange manuscrit découvert dans une maison abandonnée.  Ce récit raconte l'arrivée du jeune Alphonse Van Worden en Espagne avec le grade de capitaine des Gardes wallonnes. Il se voit entraîné dans une étrange aventure, qui prendra l’allure d’une épreuve initiatique. Pendant les deux mois qu’il va passer dans la chaîne des Alpujarras de la Sierra Morena, plusieurs personnes vont ainsi lui raconter l’histoire de leur vie. À l'intérieur de ces récits, d'autres narrations faites par d’autres personnes qui relatent à leur tour des histoires qu’elles ont entendues, survenues des années auparavant, viendront s'intercaler, jusqu'à créer une quintuple mise en abîme.  Le texte comprend soixante-six « journées », à la manière de "L'Heptaméron" de Marguerite de Navarre ou du "Décaméron" de Boccace, chacune d'entre elles renfermant plusieurs nouvelles qui s'emboîtent les unes dans les autres.

Sort du texte et révélation tardive.

Le texte du "Manuscrit" demeura presque inconnu au . Seule une traduction en polonais, faite en 1847, donnait le texte dans son intégralité. Ce n'est qu'en 1958 que Roger Caillois fait redécouvrir ce livre et publie une première édition en français (langue originale du roman), mais qui ne représente alors qu'environ un quart du texte. Il faut attendre 1989 pour que René Radrizzini donne une version complète de ce roman baroque, une des merveilles de la littérature de langue française des années 1750-1850.  Des publications partielles, faites du vivant de l'auteur, mais longtemps attribuées à Charles Nodier, sont parues sous les titres "Avadoro, histoire espagnole" (1813) et "Dix journées de la vie d'Alphonse Van Worden" (1814). Elles sont en leur temps tellement peu remarquées que la seconde fait en outre l'objet, en 1841-1842, d'un plagiat manifeste, qui fait scandale, sous le titre "Mémoires inédits de Cagliostro".

Commentaires.

Dans la dixième journée de la vie d'Alphonse van Worden, le héros trouve sur la table un gros volume, écrit en caractères gothiques, dont le titre était "Relations curieuses de Hapelius" et ouvert au début d'un chapitre où est relatée l"'Histoire de Thibaud de la Jacquière". Or, en 1822, Charles Nodier publia un récit dans "Infernaliana" (Éd. Sanson) sous le titre "Les Aventures de Thibaud de la Jacquière". Dans ses notes accompagnant l'édition des "Contes" de Charles Nodier aux Éditions Garnier, Pierre-Georges Castex observe que la formulation « publié par Ch. N. » ne signifie nullement que Charles Nodier en soit, à proprement parler, l'auteur. En fait on retrouve l'origine de cette histoire dans "Les Histoires tragiques de nostre temps" de François de Rosset, qui avaient connu dès leur publication, en 1614, un succès exceptionnel "(Histoire X : D'un démon qui apparaissait en forme de damoiselle au lieutenant du chevalier du guet de la ville de Lyon. De leur accointance charnelle, et de la fin malheureuse qui en succéda)".

Manuscrit trouvé à Saragosse est un roman fantastique de l'écrivain polonais francophone Jean Potocki (1761-1815), composé initialement sur le modèle du "Décaméron". Potocki en a écrit trois versions différentes : une de 1794, une autre en 1804, composée de quarante-cinq journées et abandonnée, puis une dernière en 1810, composée de soixante-et-une journées achevées se terminant par un épilogue.

The Manuscript Found in Saragossa (; also known in English as "The Saragossa Manuscript") is a frame-tale novel written in French at the turn of 18th and 19th centuries by the Polish author Count Jan Potocki (1761–1815). It is narrated from the time of the Napoleonic Wars, and depicts events several decades earlier, during the reign of King Philip V (r. 1700–46).  The novel was adapted into a 1965 Polish-language film, "The Saragossa Manuscript" (), by director Wojciech Has, with Zbigniew Cybulski as Alfonse van Worden.