Biographie.

De 1924 à 1927, Max Bill étudie à la Kunstgewerbeschule (école des arts appliqués) de Zurich. Il y entreprend une formation d'orfèvre.  Après une conférence donnée par Le Corbusier, il s'inscrit au Bauhaus à Dessau. Il suit les cours de Josef Albers, d'Oskar Schlemmer, des peintres Paul Klee, Vassily Kandinsky, László Moholy-Nagy et de l'architecte Hannes Meyer qui avait succédé à Walter Gropius.  En 1929, il retourne à Zurich et exerce les professions d'architecte et de designer. Il crée l'affiche "Negerkunst pour la Kunstgewerbeschule qui attire l'attention.  En 1932, avec le peintre Jean Arp, il rencontre Piet Mondrian et Georges Vantongerloo dont l’influence l’amène à adhérer au mouvement Abstraction-Création.  En 1935, Max Bill réalise "Ruban sans fin", une sculpture inspirée de l’anneau de Möbius.  En 1936, dans le catalogue de l'exposition "Problèmes actuels de la peinture et de la sculpture suisses" du Kunsthaus de Zurich, il formule les principes de l'art concret. Pour Max Bill,  En 1937, Max Bill participe aux activités de l'association Allianz fondée à Zurich par le peintre . Le but de cette association est de regrouper tous les artistes suisses modernes et de les faire connaître par l'organisation d'expositions et l'édition de catalogues. Dans le même temps, il collabore à l’édition complète des œuvres de Le Corbusier entreprise par l'éditeur suisse Gisberger. Cette collaboration l'amène à se rendre fréquemment à Paris. Il y édite un album de gravures, "Quinze variations sur un même thème", inspiré du manifeste de l'art concret de Theo van Doesburg publié à Paris en 1930.  En 1939, il participe à l'exposition "Konstruktivisten" organisée à la Kunsthalle de Bâle.  En 1944, Max Bill organise l'exposition "Konkrete Kunst" à Bâle où il présente une cinquantaine d’artistes rattachés au courant de l'Art concret. La même année, il est engagé comme professeur de l'étude des formes à l'École des arts appliqués de Zurich.  En 1947, il réalise sa première grande sculpture "Continuité" et "Bildsäule (Colonne historiée)" qui sera détruite par des vandales l’année suivante.  En 1948, à Bâle, il organise une exposition sur le design qu’il intitule "Die gute Form". Elle est présentée dans plusieurs villes européennes.  En 1949, il publie "La Pensée mathématique dans l'art de notre temps", ouvrage dans lequel il exprime sa volonté de créer un art rationnel et remplacer l'imagination . Il commence à peindre des tableaux de grand format au couteau et au pochoir pour obtenir des surfaces lisses et homogènes, ainsi qu'une facture impersonnelle.  En 1950, le Museo de Arte de São Paulo organise sa première rétrospective.  Il participe à la conception architecturale et pédagogique d'une école des beaux-arts destinée à prendre la suite du Bauhaus : Hochschule für Gestaltung (École supérieure de la forme), à Ulm (Allemagne).  En 1961, Max Bill fait partie du Conseil communal (législatif communal) de Zurich. En 1964, il est l'architecte en chef de la section Éduquer et créer de l'Exposition nationale de Lausanne et devient membre à titre honorifique de l'American Institut of architects. Durant la même année, il est appelé à Hambourg comme professeur pour l’environnement à la Staatliche Hochschule für Bildende Künste (École nationale des arts plastiques). Il y occupe la première chaire européenne concernant l'aménagement du territoire.  De 1967 à 1971, il représente l'Alliance des Indépendants au Conseil national (législatif fédéral).  De 1967 à 1974, il est professeur de l'Institut supérieur d'État des beaux-arts de Hambourg.  En 1972, il est nommé membre de l'Académie des arts de Berlin.  En 1985, il est nommé président de l'Association des archives du Bauhaus de Berlin.  Dans les années 1980, il reçoit des commandes de sculpture pour une compagnie d'assurances à Zurich, le siège social d'un fabricant d'automobiles à Stuttgart et celui d'une banque allemande à Francfort-sur-le-Main.  Max Bill est l'auteur de la gravure d'une pièce de monnaie commémorative d’une valeur de 5 francs suisses en 1987.

Max Bill, né le à Winterthour (Suisse) et mort le à Berlin, est un architecte, peintre, sculpteur, designer, créateur de caractères, graphiste, éditeur, théoricien de l’art et homme politique suisse.

Max Bill (22 December 1908 – 9 December 1994) was a Swiss architect, artist, painter, typeface designer, industrial designer and graphic designer.


Biographie.

Jeunesse et formation.

Fils d'un chauffeur de bus et d'une vendeuse de supermarché, Goran Višnjić (prononcer Vich-gnitch) grandit à Šibenik, sa ville natale, sur les rives de l'Adriatique.  Il fait son service militaire dans les parachutistes lorsque la guerre de Yougoslavie éclate.  Par la suite, il commence sa carrière de comédien dans des petits groupes de théâtre locaux, avant d'entrer à l'Académie d'Arts dramatiques de Zagreb, la capitale de la Croatie

Carrière.

Débuts (1980-1990).

Il fait ses débuts au théâtre et obtient plusieurs prix dont l’Orlando, équivalent local des Molière, pour son interprétation d"'Hamlet". Cette interprétation fait de lui le plus jeune acteur à avoir incarné le rôle d'Hamlet. Il interprète alors plusieurs pièces classiques, notamment "les Fourberies de Scapin" avant de faire ses débuts sur grand écran dans divers films croates.  Au début des années 1990, Goran Višnjić émigre aux États-Unis, plus précisément à Los Angeles. L'acteur se révèle grâce à sa première production anglophone en 1997 : "Bienvenue à Sarajevo" de Michael Winterbottom. La même année, il joue aux côtés de George Clooney et de Nicole Kidman dans "Le Pacificateur" de Mimi Leder.  En 1998, il joue dans le film "Les Ensorceleuses" de Griffin Dunne et a un rôle important dans le clip de Madonna de la chanson "The Power of Goodbye".

Révélation à la télévision (2000).

Mais c'est finalement à la télévision qu'il accède à la notoriété, grâce à son rôle dans la série médicale à succès, "Urgences". Son interprétation du Docteur Luka Kovač, qui rejoint la distribution principale à partir de la sixième saison, fait de lui une star du petit écran.  Sa popularité est si importante, que le célèbre magazine People le cite dans sa liste annuelle des 50 plus beaux acteurs du monde.  Il poursuit sa lancée en tournant la comédie dramatique "" avec Heather Graham et Casey Affleck, puis le drame "Bleu profond", dans lequel il seconde Tilda Swinton. Cette production est d’ailleurs particulièrement bien reçue par la critique et lui vaut notamment une proposition pour le Satellite Award du meilleur acteur dans un second rôle.  En 2002, il double le personnage de "Soto" dans le film d'animation au grand succès "L'Âge de glace" avant de jouer un hypnothérapeute dans le thriller "Hypnotic". Ce rôle lui permet de décrocher un prix d'interprétation masculine lors du Festival du film de Pula.  En 2004, il incarne "Spartacus" pour un téléfilm dirigé par Robert Dornhelm.  En 2005, avec le film "Elektra", il effectue sa première incursion dans l'univers des comics book. Mais ce blockbuster est un échec critique et public. Il renverse la tendance, en étant le premier rôle d'une série télévisée croate sur la guerre, "Duga mracna noc", qui lui vaut à nouveau quelques récompenses.  En 2007, il joue dans le clip du morceau "Burn My Shadow" du groupe "UNKLE". L'année suivante marque son départ de la série dramatique "Urgences" après avoir joué dans plus de 180 épisodes.  En 2009, juste après cet arrêt, il joue dans le long métrage dramatique "Helen" avec Ashley Judd.

Rôles réguliers et télévision (2010).

Deux ans plus tard, il est à l'affiche de deux longs métrages : "" de David Fincher et "Beginners" de Mike Mills.  Entre temps, il porte la mini-série d'aventures, "The Deep", aux côtés de Minnie Driver et James Nesbitt. Il fait aussi quelques apparitions en tant que guest star dans des séries télévisées comme "Leverage" et "Pan Am".  En 2013, il rejoint la distribution de l'éphémère série thriller "Red Widow", portée par l'actrice australienne Radha Mitchell.  Entre 2014 et 2015, il incarne le mari à l'écran de l'oscarisée Halle Berry pour la série télévisée de science-fiction produite par Steven Spielberg, "Extant". Pour la seconde et dernière saison, il est finalement écarté de la distribution principale suite à une réorientation créative amorcée par l'équipe scénaristique et est donc remplacé par Jeffrey Dean Morgan.  L'acteur joue ensuite un rôle récurrent dans la série télévisée franco-allemande "Crossing Lines", en 2015. Il fait enfin son retour en vedette, dans la série de science-fiction "Timeless". Il fait partie de la distribution principale aux côtés de Matt Lanter, Abigail Spencer et Malcolm Barrett qui voyage dans le temps afin d'arrêter le criminel interprété par Visnjic souhaitant modifier le cours de l'histoire. Faute d'audiences, le programme est annulé. Mais à la suite d'une mobilisation massive des fans, la série est repêchée par la chaîne NBC qui finance une seconde et dernière saison. La série est nommée pour le Saturn Awards et le People's Choice Awards de la meilleure série télévisée de science fiction, démontrant un certain intérêt de la part du public, en dépit d'audiences en deçà des attentes des studios de production.  Finalement, la série est annulée en 2018, mais une nouvelle mobilisation des fans pousse la production à réaliser un final événement de deux épisodes, afin de clore convenablement les intrigues. En effet, les tentatives de rachat de la série par un autre réseau ont échoué en raison d’un coût de production par épisode trop élevé.  L'année suivante, il rejoint la saison 3 de "Santa Clarita Diet" afin d'interpréter le mystérieux Poplavic.

Vie privée.

Il est marié à Eva Visnjic (anciennement Ivana Vrdoljak). Le couple à trois enfants : Tin, Vigo et Vivien respectivement adoptés en 2007, 2011 et 2013.  En 2007, l'acteur fait scandale dans la presse people après avoir reconnu une liaison dont est née une petite fille, prénommée Lana.

Voix Françaises.

En France, Stéphane Ronchewski est la voix officielle de Goran Višnjić, il le double à de nombreuses reprises depuis la série "Urgences". Mais aussi :

Daniel Lucius Vasella (né le 15 août 1953 à Fribourg) est un docteur en médecine, auteur et cadre exécutif, qui a officié comme PDG et président de l'entreprise suisse Novartis, cinquième plus grande entreprise pharmaceutique au monde. Vasella est connu pour son engagement humanitaire et philanthropique, ainsi que pour ses qualités de dirigeant et ses contributions à l'industrie pharmaceutique.  Daniel Vasella est un membre honoraire de l'Académie américaine des arts et des sciences. En 2004, le magazine Time l'a nommé dans sa liste des 100 personnes les plus influentes du monde et il a été choisi par les lecteurs du "Financial Times" comme le dirigeant d'entreprise européen le plus influent de ces 25 dernières années.

Daniel Lucius Vasella (born 15 August 1953) is a Swiss medical doctor, author, and executive who served as CEO and chairman of the Swiss pharmaceutical company Novartis AG, the world's fifth largest drug company. During his tenure Novartis shares fell 10%, compared to the industry average. In February 2013 Vasella was awarded close to $78 million in a "golden handshake"  In November 2014, Vasella was elected as a member of the board of directors at XBiotech, Inc, a biopharmaceutical company located in Austin, Texas, that focuses on the discovery and commercialization of a next generation of therapeutic antibodies which harness a human's natural immunity to fight disease. Vasella is an honorary member of the American Academy of Arts and Sciences. In 2004, "Time" magazine named him one of the world’s 100 most influential people, and he was chosen as the Most Influential European Business Leader of the Last 25 Years by the readers of the "Financial Times". He is a former member of the Steering Committee of the Bilderberg Group.


Découverte.

Il s'agit de l'empilement de quatre blocs ou autels qui ont été mis au jour lors de la construction d'une crypte sous la cathédrale Notre-Dame de Paris le lors des fouilles entreprises pour la réalisation du vœu de Louis XIII.  Les plus brillants esprits du temps s'interrogèrent sur les inscriptions révélées ; ainsi le philosophe Gottfried Wilhelm Leibniz échangea avec Sophie de Hanovre une correspondance sur la portée philologique de cette découverte.

Description.

Il est constitué d'un piédestal et de quatre blocs de forme cubique, en pierre de l'Oise, ornés de bas-reliefs représentant diverses scènes, ainsi que des divinités gauloises et romaines. L'un de ces blocs comporte une dédicace. Il est représenté en pilier dans sa reconstitution la plus récente par Jean-Pierre Adam, et c'est à ce jour le plus ancien monument autochtone daté de Paris.

Inscription.

Le pilier porte une dédicace à l'empereur Tibère, fils adoptif d'Auguste :  en latin : <poem></poem>  Les Nautes sont une confrérie d'armateurs mariniers naviguant sur les fleuves et rivières de la Gaule. Il devait s'agir d'armateurs ou de commerçants assez aisés, puisque c'est dans leurs rangs que les autres confréries navigantes (dendrophores, utriculaires) choisissaient habituellement leurs patrons.  L'inscription latine montre que les Nautes avaient une caisse commune et donc une personnalité morale, ce qui en fait la première société dont on ait trace à Paris.

Iconographie.

Un indice de la puissance des Nautes est donné par une des sculptures du pilier : on les voit défiler en armes avec boucliers et lances, privilège octroyé par les Romains, ce qui est exceptionnel moins d'un demi-siècle après la conquête de la Gaule.  Le pilier, haut de cinq mètres, était constitué de quatre dés ou autels de pierre, disposés sur un socle et ornés de bas-reliefs sculptés sur les quatre faces. Ces bas-reliefs représentent des dieux des panthéons latin et gaulois.  Sont représentés pour le panthéon latin :  Sont représentés pour le panthéon gaulois :

Interprétation.

Selon l'historienne Anne Lombard-Jourdan, les Nautes cherchaient en édifiant le pilier à montrer aux peuples de la Gaule la voie de la coopération, qu'il était désormais raisonnable de suivre. En dédiant le pilier à Jupiter, ils montraient qu'ils agréaient à la religion des Romains tout en affirmant leur fidélité aux cultes indigènes par la mention de dieux gaulois. La construction du pilier est contemporaine de l'interdiction des assemblées de druides. En donnant une figure humaine aux dieux gaulois, les Nautes contribuaient à ruiner la position d'intermédiaires des druides entre les dieux et les hommes. Pour Anne Lombard-Jourdan, le pilier aurait été situé au Lendit à proximité où se seraient réunis selon elle les druides des Gaules.  Un projet de reconstitution du Pilier des Nautes sur l'île de la Cité a été lancé en 2017 par l'association Gladius Scutumque.

Le <dfn>pilier des Nautes</dfn> est une colonne monumentale gallo-romaine érigée en l'honneur de Jupiter par les Nautes de Lutèce au , sous le règne de l'empereur Tibère. Le pilier des Nautes a été découvert au dans le sous-sol de la cathédrale Notre-Dame de Paris, et est exposé dans la salle du "frigidarium" des thermes de Cluny.

The Pillar of the Boatmen () is a monumental Roman column erected in Lutetia (modern Paris) in honour of Jupiter by the guild of boatmen in the 1st century AD. It is the oldest monument in Paris and is one of the earliest pieces of representational Gallo-Roman art to carry a written inscription .  It was found re-used in the 4th century city wall on the Île de la Cité and is now displayed in the frigidarium of the Thermes de Cluny.


Étymologie.

Le mot "carmin" provient du vieil espagnol "cremesin", qui signifiait « relatif au kermès », adapté lui-même du latin médiéval "cremesinus" pour "kermesinus" ou "carmesinus" (et sa forme contractée "carminus"), c’est-à-dire le pigment de la cochenille "Kermes vermilio", "qirmiz" en arabe (et en persan), dérivant lui-même du sanskrit "krmi-ja" (de "krmih" « ver » et "ja" « produit ») signifiant « pigment rouge produit par un ver ».  Les mots "carmin" et "cramoisi" ont la même origine étymologique.

Pigments.

Le carmin véritable est un pigment-laque organique naturel (NR4) produit à partir des femelles de cochenilles kermès ("Kermes vermilio"), parasites du chêne kermès.  Cet insecte était connu en Égypte ancienne, puis en Europe. La laque fabriquée à partir de la sécrétion de cet insecte était connue sous le nom de "laque cramoisie". Courante dans la région de Montpellier, elle a permis à la ville de développer une spécialité de la teinture de tissus écarlates ; cette teinte résultait de l'intervention d'étain dans la fabrication. Ce pigment servait aussi à colorer les manuscrits. Le composé chimique principal responsable de la couleur est l’"acide kermesique", rouge, auquel s'ajoute un colorant jaune-orangé, l’"acide laccaïque D" .  La puce cochenille, minuscule insecte du Mexique, produisait aussi une couleur rouge transparente mais fugitive, appréciée des Aztèques. Cet insecte parasite les cactus du genre "Opuntia" (Figuier de Barbarie), et produit de l'acide carminique pour se défendre. La nation aztèque Mixteco Zapotèque cultivait déjà des opuntias pour la cochenille avant l'arrivée des Espagnols. Elle fut amenée en Europe au après la découverte de l'Amérique du Sud. Elle remplaça le kermès vers 1686.  La préparation était assez complexe, demandait de grandes précautions, et donnait au moins de 12 qualités différentes de pigment.  D'autres variétés de cochenilles donnent un colorant carmin. Il y a des cochenilles sauvages, qu'on récoltait en Amérique, la cochenille de Pologne, qui donne un mélange d'acide kermésique et d'acide carminique, et la cochenille d'Arménie, qui contient de l'acide carminique . Les trois colorants des carmins sont des anthraquinones naturelles .  En 1467, la pourpre de Tyr ayant disparu en conséquence de la prise de Byzance par les Turcs, le pape Paul II décida que les robes des cardinaux seraient teintes au kermès. La pourpre cardinalice était désormais de couleur écarlate .  Les nuances de pigment carmin d'origine naturelle varient de l'écarlate au rouge plus ou moins pourpré. Au , Michel-Eugène Chevreul a entrepris de situer les couleurs les unes par rapport aux autres et par rapport aux raies de Fraunhofer. , indique-t-il. L'écran peut présenter approximativement cette teinte 2 rouge 11 ton. La "laque carminée" n°6 du marchand de couleurs Gademann est rouge 11 ton, les autres carmin 1 rouge, 11 ton ou plus foncé. Mais Chevreul note aussi chez Gademan deux "carmins jaunes", 5 orangé-jaune 8 ton et jaune 9½ ton et un "carmin violet" 4 violet 15 ton.  Les colorants et pigments carmins ne sont pas solides à la lumière, ce qui n'a pas empêché des artistes peintres de l'utiliser.

Laque de carmin.

On appelle "laque" un pigment obtenu, comme le carmin, par mordançage d'un colorant soluble. Les marchands de couleurs ont vendu le produit sous le nom de « laque de carmin » ou « laque de Florence », ou simplement par synecdoque "laque".  Cette laque paraît d'abord avoir été fabriquée à Florence et avec le kermès avant que l'on ne connaisse la cochenille. Plus tard on en a fait de très belles à Paris et à Vienne mais qui ne se distinguaient pas essentiellement de celle de Florence. En même temps on vendait sous ce nom des laques faites avec d'autres matières colorantes qui n'étaient pas comparables à la véritable laque de carmin.  En essayant de fabriquer de la laque carminée, Georg Ernst Stahl découvrit accidentellement le bleu de Prusse.

Colorant alimentaire.

Le pigment carmin, complexe d'acide carminique et d'aluminium, s' utilise comme colorant alimentaire sous le numéro E120.  Considéré généralement comme non toxique , le carmin est cependant connu pour déclencher sur une partie restreinte de la population des allergies diverses allant de l'urticaire et l'asthme jusque - plus rare - des chocs anaphylactiques très graves, les réactions au départ de cosmétiques sont plus fréquentes et sont attribuées aux restes d'insectes utilisés pour sa fabrication. Si l'additif est aujourd'hui synthétisable ce n'est pas encore le cas pour l'alimentation industrielle.  À l'instar de nombreux colorants, E120 peut être vendu sous forme de laques d'aluminium : un métal soupçonné, dans l'alimentation transformée, de neurotoxicité.

Couleur carmin.

Le "carmin" désigne par métonymie un rouge profond similaire à celui obtenu à partir de la cochenille, notamment le carmin de garance ou l'équivalent synthétique de la teinture de garance, le carmin d'alizarine (PR83).  Dans certains systèmes, cette couleur est considérée comme couleur tertiaire, comme mélange d'une couleur primaire, le "magenta", et d'une couleur secondaire, le "rouge orangé" (magenta + jaune). Cependant, ce mélange ne permet d'obtenir que des nuances plus rabattues que celle des pigments carmin.  En 1816, le marchand de couleurs Bourgeois commercialisa un "carmin de garance", c'est-à-dire une laque obtenue à partir de la garance des teinturiers.  En 1847, le peintre Dyckmans avait entrepris des essais de vieillissements sur les couleurs pour artistes peintres les plus répandues à son époque. Il disposait du et du . Examinant les résultats en 1880, Blocks conclut que le carmin de cochenille et certaines laques de garance calcinées sont impropres à la peinture artistique. Certains carmins de garance peuvent s'employer .  Le "carmin moderne", permanent, est fabriqué à partir de pigments de synthèse (rouges anthraquinoniques PR83 ou PR177, rouge de pérylène PR179), plus permanents.

Nuanciers.

Le nuancier RAL indique RAL 3002 Rouge carmin.  Chez les marchands de couleurs on trouve 603 rouge carmin et 688 laque carminée ; 080 carmin, et 089 carmin foncé et 575 laque carminée ; Carmin Lefranc 902 et Carmin d'alizarine 328 et Laque carminée fixe 343.

Le carmin est un pigment rouge profond obtenu par mordançage d'un colorant extrait d’un insecte, la cochenille. Figurant sous la référence dans le Colour Index, il est également appelé "rouge cochenille", ', ' ou "laque carminée". Les "cramoisi", "vermeil" ou encore "sang de saint Jean" peuvent aussi être du carmin. Dans les manuels de teinturerie anciens, le carmin est appelé simplement "cochenille".  Le terme "carmin" désigne, par métonymie, une couleur d'un rouge profond.

Carmine ( or ), also called cochineal, cochineal extract, crimson lake or carmine lake, natural red 4, C.I. 75470, or E120, is a pigment of a bright-red color obtained from the aluminium salt of carminic acid; it is also a general term for a particularly deep-red color. The pigment is produced from some scale insects such as the cochineal scale and certain "Porphyrophora" species (Armenian cochineal and Polish cochineal). Carmine is used in the manufacture of artificial flowers, paints, crimson ink, rouge and other cosmetics, and some medications. It is routinely added to food products such as yogurt, candy and certain brands of juice, the most notable ones being those of the ruby-red variety.


Localisation.

Le temple est situé à l'extrémité occidentale du Forum Romain, au pied des pentes du Capitole, en avant du "Tabularium" dont il dissimule une partie de la façade, entre le "Tullianum" au nord-est et le temple de Vespasien au sud-ouest (voir le plan). Après sa construction, l'espace autour du temple prend le nom d"Area Concordiae", mentionnée par Tite-Live et Julius Obsequens pour les années 183 et 181 concernant des prodiges qui s'y seraient produits.

Fonction.

Dédié à la Concorde, le temple symbolise l'unité du peuple romain. Il sert occasionnellement de lieu de réunion pour le Sénat romain après 121, surtout en temps de crise sociale, où il traite les affaires des tribunaux. C'est dans ce temple qu'en 63, Cicéron prononce devant le Sénat le quatrième discours des Catilinaires. Le podium du temple d'époque républicaine, donnant sur l'esplanade du Forum, est utilisé comme tribune aux harangues par des orateurs tels que Cicéron ou Jules César. Au début de l'Empire, en 31, le Sénat y condamne Séjan qui est ensuite exécuté dans le "Tullianum", construit non loin. Les Frères Arvales s'y réunissent également.  Lors de sa reconstruction au début du , Tibère transforme l'intérieur du temple en un véritable musée. Il y fait placer de nombreuses œuvres d'art, pour la plupart grecques, dont Pline l'Ancien fait la liste dans son "Histoire naturelle". On y trouve, entre autres, une statue de Vesta de Rhodes, les statues d'Apollon et de Junon par Baton, de Latone avec Apollon et Diane enfants par Euphranor, d'Esculape et d'Hygie par Niceratus, de Mars et de Mercure par Piston, de Cérès Jupiter et Minerve par Sthennis, des tableaux de Marsyas par Zeuxis, de Liber par Nicias et de Cassandre par Theodorus, ainsi que quatre éléphants en obsidienne dédiés par Auguste et une sardonyx (pierre précieuse de couleur brune) qui aurait appartenu à Polycrate de Samos.

Histoire.

Antiquité.

Vœu de Camille.

Selon la tradition, le temple est voué par Marcus Furius Camillus en 367 pour célébrer la promulgation des "Leges Liciniae Sextiae" qui marquent une étape importante dans la lutte de la plèbe pour obtenir une reconnaissance de ses droits. Ces lois mettent sur un même pied, du moins d'un point de vue politique, les plébéiens et les patriciens. Le peuple aurait libéré Camille de son vœu en décidant le jour suivant de construire le temple en son nom. De récentes fouilles archéologiques ont permis de mettre au jour sur le site des vestiges datés du mais il paraît peu probable que le temple ait été construit à cette époque, la pratique consistant à déifier des vertus abstraites n'apparaissant qu'à la fin de ce même siècle. Il serait de plus surprenant que l'hypothétique temple de Camille ne soit pas mentionné par des auteurs antiques comme Tite-Live ou qu'il n'y soit pas fait mention lorsqu'est évoquée la dédicace plus tardive de Lucius Opimius.

Édicule de la Concorde et temple sur l'Arx.

En 304, l'édile curule Cnaeus Flavius fait élever un autel en bronze dédié à la Concorde près du "Comitium", non loin de l'endroit où est construit plus tard le temple qui le remplace. La construction de ce dernier ne date peut-être que de 218, sous la direction du préteur Lucius Manlius. Tite-Live rapporte que le temple a été frappé par la foudre en 211. Toutefois, il semble y avoir une confusion avec un autre temple dédié à la Concorde et construit non loin sur ("in arce").

Temple de Lucius Opimius.

Le temple est définitivement établi ou restauré sur ordre du Sénat en 121 par le consul Lucius Opimius qui lui adjoint la basilique Opimia. Il est dédié un 22 juillet. Il est probable que le temple de Lucius Opimius soit le premier érigé sur ce site puisqu'il n'est fait aucune mention d'un temple préexistant par les auteurs antiques ou sur les inscriptions, ce qui est le cas en général dans ce cas de figure, lorsque le "dies natalis" d'un temple est modifié. La présence de matériel plus ancien dans le béton du podium, comme des débris de tuf de "Grotta Oscura" ou de Fidènes du , peut s'expliquer par la réutilisation de matériaux de construction d'un bâtiment proche du site du nouveau temple, détruit à cette occasion, et n'est pas nécessairement une preuve de l'existence d'un temple plus ancien.  Ces travaux, qui interviennent peu après la répression sanglante du soulèvement populaire mené par Caius Gracchus, la mort de ce dernier et la condamnation à mort de centaines de ses partisans, sont perçus comme une provocation arrogante de l'aristocratie par les plébéiens. Il s'agit pour le Sénat de réaffirmer son autorité et sa position vis-à-vis des tentatives de réformes sociales profondes en évoquant la paix et la stabilité qu'apporte le système traditionnel aristocratique qui ne peut fonctionner qu'avec la coopération des plébéiens, alors que de son point de vue, les actes des réformateurs n'ont engendré que du désordre et de la violence.

Reconstruction de Tibère.

Le temple est endommagé dans un incendie en 9 et est reconstruit entre 7 et 10 par Tibère pour commémorer son triomphe, les travaux sont financés avec une partie du butin rapporté de Germanie, et pour se réapproprier le symbole des victoires du Sénat sur les réformateurs. Le temple est agrandi et dédié à "Concordia Augusta" le 16 janvier 10 ou 12, au nom de Tibère, alors héritier d'Auguste, et de son défunt frère Drusus, mort durant une campagne militaire dans le delta du Rhin. Tibère a obtenu du Sénat le droit de faire figurer les deux noms en contrepartie du financement des travaux.  La restauration du temple permet à Auguste de concilier aux yeux des Romains la concorde au sein de la famille impériale et la concorde de l'Etat, faisant intervenir de nombreux membres de sa famille, directement comme Tibère ou indirectement comme Drusus, Octavie et Livie. En effet, Tibère voue le nouveau temple le janvier 7 dans le portique d'Octavie récemment restauré au nom de la sœur d'Auguste. L'impératrice Livie, épouse d'Auguste et mère de Tibère, semble aussi avoir joué un rôle important dans cette nouvelle dédicace, et plus spécifiquement dans l'élaboration du "constitutum" du nouveau temple dès 7, en faisant élever sur le site du temple un autel afin de procéder à un sacrifice inauguratoire. Enfin, le nouveau "dies natalis" du temple est fixé au jour anniversaire de l'obtention par l'empereur du titre "Augustus".  En 16, on dépose dans le temple des offrandes sur ordre du Sénat pour célébrer la condamnation de Libo après l'échec de sa conspiration.

Dernière restauration.

Il est peut-être restauré une dernière fois après l'incendie de 284 comme l'indiquait une inscription sur l'architrave, aujourd'hui disparue, relevée par un pèlerin lors de sa visite à Rome et consignée dans un document appelé "Itinéraire dEinsiedeln".

Moyen Âge.

Le temple est toujours au moins partiellement debout au mais il donne des signes de fragilité et menace de s'effondrer sous le pontificat d'Adrien Ier, entre 772 et 795.

Vestiges.

Le temple a aujourd'hui presque complètement disparu. Toute la partie nord-est de l'édifice est aujourd'hui recouverte par l'escalier moderne permettant l'accès au Capitole. Seules les fondations du podium et le seuil de la "cella" sont encore visibles, ainsi qu'un morceau de corniche qui est exposé dans une galerie du "Tabularium" et un chapiteau corinthien orné de béliers à la place des volutes qui est exposé dans le "Forum Antiquarium". Les vestiges visibles sont d'époque augustéenne et datent de la reconstruction de Tibère.

Description.

Le temple républicain.

À l'origine, le temple devait être d'ordre ionique et avoir une forme rectangulaire traditionnelle de dimensions modestes avec des colonnes sur trois côtés selon une forme périptère "sine postico". Suivi par le temple des Dioscures quelques années plus tard, restauré en 117, il s'agit du premier temple d'influence hellénistique construit sur le Forum.

Le temple impérial.

Dimensions.

Lors de sa reconstruction par Tibère, le temple de Lucius Opimius est agrandi et adopte une forme originale où la largeur de la "cella" excède sa profondeur (une "cella" dite « barlo de large pour de profondeur), permettant ainsi de s'adapter au mieux au peu d'espace disponible. La basilique Opimia, construite par Lucius Opimius le long du côté nord du temple qu'il a fait restaurer à la même époque, disparaît lors de la reconstruction impériale. Le temple est entièrement couvert de marbre de Luni.  Le "pronaos", plus étroit que la "cella" avec de large et de profondeur, est hexastyle corinthien, six colonnes en façade, avec trois colonnes sur les côtés. Ces colonnes ont un diamètre de et sont séparées par un espace de selon un rythme pycnostyle. On accède au temple depuis l'esplanade du Forum par une volée de marches très large qui permet d'accéder à l"Area Concordiae" puis par un deuxième escalier qui débouche dans le "pronaos", derrière l'alignement des colonnes en façade en raison de l'espace restreint disponible en avant du temple.  La représentation du temple sur un sesterce en bronze daté de la fin du règne de Tibère permet de décrire précisément la statuaire qui orne l'édifice après sa reconstruction augustéenne. On aperçoit au milieu des colonnes du "pronaos" la figure assise de la Concorde, flanquée des statues de Mercure portant le caducée de la paix et Hercule, « héros civilisateur », gardiens du sanctuaire. Le sommet du fronton est décoré avec un groupe de trois statues qui pourrait être identifié à la triade capitoline composée de Jupiter, de Junon, et de Minerve. Il pourrait également s'agir d'un groupe de trois déesses dont la posture rappelle celle des trois Grâces : "Concordia" entourée de "Salus" (Hygie en Grèce) et de "Fortuna". Ce groupe statuaire est encadré par deux statues identifiées à Cérès et Diane, "Honos" et "Virtus", ou encore Tibère et Drusus selon les interprétations. Des victoires occupent les acrotères latéraux inférieurs, rappelant que le temple a été reconstruit "ex manubiis", avec le butin pris aux Germains après les victoires de Tibère et Drusus. En dessous, le tympan est représenté vide de tout bas-relief.

Programme décoratif extérieur.

En faisant figurer le temple sur une monnaie, Tibère a peut-être souhaité célébrer le vingt-cinquième anniversaire de la dédicace du temple ou les "vicennalia", vœux prononcés par l'empereur à l'occasion de sa vingtième année de règne. Toutefois, pour cette dernière hypothèse, la représentation de la seule figure de la Concorde aurait suffi. Le fait que la monnaie renvoie spécifiquement au temple de la Concorde en insistant particulièrement sur la statuaire décorative et le fait qu'elle ait été frappée en fin de règne, soit après les troubles politiques provoqués par la chute de Séjan et la réconciliation des deux branches julio-claudiennes avec le choix de Caligula comme héritier, montreraient plutôt la volonté de Tibère de souligner le retour à la fois à la concorde civile et à la concorde familiale, « dans le respect de l’héritage d’Auguste ».  Un morceau de la corniche en marbre du temple a été préservé et est aujourd'hui exposé dans une galerie du "Tabularium". Il révèle une décoration riche en motifs végétaux (feuilles d'acanthe), en denticules et modillons. Chaque portion de l'entablement est ornée de moulure. La décoration semble s'inspirer de celle du temple de Mars Vengeur, bien que plus élaborée. La forme des modillons rappelle quant à elle les motifs de la corniche de l'Érechthéion d'Athènes.

Décoration intérieure.

Le seuil de la "cella" se compose de deux grands blocs de marbre de "Porta Santa" gravés d'un caducée, emblème des ambassadeurs et symbole de réconciliation. Les murs de la "cella" sont couverts de marbres exotiques polychromes. Le mur du fond est divisé en onze baies par une rangée de colonnes corinthiennes de marbre blanc doublées de pilastres corinthiens engagés. Les chapiteaux corinthiens des colonnes présentent un motif inhabituel : les quatre volutes traditionnelles des coins sont remplacées par des paires de béliers. Chaque baie contient une niche occupée par des statues allégoriques. La niche au centre du mur opposé à l'entrée, plus large que les autres, devait abriter une grande statue représentant la Concorde assise sur un trône et tenant une corne d'abondance ("cornucopia") et une patère. De part et d'autre devaient se trouver des statues de "Salus" et "Fortuna", répétant l'association du faîte du fronton.

Le temple de la Concorde (en latin : "Aedes Concordiae" sous la République puis "Aedes Concordiae Augustae" sous l'Empire) est un temple romain dédié à la déesse "Concordia" est situé sur le Forum Romain, à Rome.

The Temple of Concord () in the ancient city of Rome refers to a series of shrines or temples dedicated to the Roman goddess Concordia, and erected at the western end of the Roman Forum. The earliest temple is believed to have been vowed by Marcus Furius Camillus in 367 BC, but it may not have been built until 218 BC by L. Manlius. The temple was rebuilt in 121 BC, and again by the future emperor Tiberius between 7 BC and AD 10.


Biographie.

De la jeunesse à Engels au séjour à Vienne (1934-1948).

Le père de Schnittke, Harry Viktorovich Schnittke (1914–1975) né à Francfort-sur-le-Main, appartient à une communauté juive germanophone de Lettonie. Comme ses parents, Harry Schnittke travaille dans l'édition, sa double connaissance du russe et de l'allemand lui étant utile (son fils Viktor, le frère cadet d'Alfred sera également éditeur). Sa mère, Maria Iosifovna Schnittke (née Vogel, 1910–1972) est issue d'une communauté Russe allemande implantée aux bords de la Volga. Bien que cumulant les identités -il se sent à la fois Russe, Allemand et Juif, une triple malédiction aux yeux des Polonais– c'est la Russie que Schnittke considère comme sa véritable patrie culturelle. Sur le plan religieux, il considère sa foi comme simultanément catholique par sa mère, juive par son père et orthodoxe par la Russie. déclarera-t-il.  Né en 1934 à Engels, capitale de la république autonome des Allemands de la Volga, Alfred Schnittke y passe les premières années de sa vie. Les années de guerre, qui donnent lieu, en 1941, à des déportations massives vers la Sibérie et le Kazakhstan, le bouleversent profondément.  En 1946, son père y obtenant un poste de rédacteur, la famille Schnittke part s'installer à Vienne. Le jeune Alfred découvre un univers musical qui lui était complètement inconnu. Un soir, son père ramène à la maison un accordéon Hohner de petite tessiture, qui est son premier instrument de musique. Peu après, la famille se dote d'un piano et Schnittke devient l'élève de Frau Charlotta Ruber, professeur de musique qui habite l'étage au-dessus de chez lui. Il passe des heures sur le piano familial à répéter inlassablement les mêmes accords, qu'il altère progressivement par des nuances légères. Son frère Viktor rapporte qu'il était alors parfaitement , de même qu'il sortait de ces recherches « complètement épuisé ». Le jour où sa professeur de musique lui enseigne la notation musicale, il écrit sur-le-champ un air qu'il vient de composer sur place. C'est à Vienne, écrit le violoncelliste Alexander Ivachkine, auteur d'une biographie sur le compositeur, que Schnittke jette son dévolu sur la musique. Schnittke écrit , . Le séjour de Schnittke à Vienne , écrira Ivachkine.

Formation et débuts au Conservatoire de Moscou (1948-1972).

En 1948, la famille Schnittke part à Moscou. Le jeune Alfred entre au Département Voix et Direction de Chœur du Conservatoire de Musique de la Révolution d'Octobre. Se sentant moins expérimenté que ses camarades, il prend des cours privés avec le théoricien de la musique Iosif Rijkin, ce qui lui permet d'acquérir les notions d'analyse et d'harmonie qui lui manquent. Quelques années passent, Alfred est reçu au Conservatoire Tchaïkovski. De 1958 à 1963, il étudie la composition et le contrepoint dans la classe d'Evgueni Goloubev (1910–1988) et l'instrumentation avec Nikolaï Rakov. Pendant ses années d'étude, il composera sa Symphonie (numérotation postérieure), partition romantique où l'on retrouve encore l'influence des symphonies de Nikolaï Miaskovski. Schnittke obtient son diplôme en 1961 en présentant l'Oratorio Nagasaki, sa première partition d'ampleur, composée en 1959. Exécutée à Moscou en 1959, sans public car jugée trop moderniste, l'enregistrement devait néanmoins accompagner des émissions de propagande pacifiste soviétique à destination du Japon, visant à dénoncer l'impérialisme américain. Toujours en 1961, il rejoint l'Union des compositeurs soviétiques. Le talent d'Alfred Schnittke est reconnu dès cette époque ; Philip Herschkowitz (1906–1989), un disciple de Webern qui habitait alors Moscou, apprécie sa musique et le prend quelque temps sous son aile. Au total, Schnittke reste vingt ans au Conservatoire de Moscou, après y avoir enseigné en tant que professeur d'instrumentation, un poste relativement modeste qu'il abandonnera en 1972.  Schnittke consacre beaucoup de temps à l'étude des partitions et aux enregistrements. L’accès à ces derniers fut considérablement facilité par les visites de Stravinsky en 1962, et de Nono en 1963. Il effectue un important travail de recherche et d'inventaire musicologique, qui le conduit à écrire plusieurs essais, notamment sur Stravinsky, Chostakovitch, Prokofiev, Bartók, Ligeti, la Klangfarbenmelodie (littéralement en allemand : ) chez Webern et la Sinfonia de Berio. Seuls ceux traitant de Chostakovitch et Prokofiev seront autorisés à la publication, les autres ne l'étant que plus tardivement, par des éditions allemandes.

De la première symphonie au quintette, la mort d'une mère (1972-1976).

Dès 1972, ayant abandonné son poste d'enseignant au conservatoire de Moscou, Schnittke se consacre entièrement à la composition. Mais malgré une relative ouverture du régime vers les musiciens étrangers, tels le très populaire Benjamin Britten au milieu des années soixante, le modernisme de Schnittke inspire la méfiance et l'on s'empresse de saturer le compositeur de musiques de film. Il ne lui reste que peu de temps pour se consacrer au répertoire de concert. Il mène ainsi une double vie : sept ou huit mois consacrés au cinéma, trois ou quatre pour sa musique. Néanmoins cette situation, même aliénante, procure un avantage matériel indéniable, celui de disposer du grand orchestre cinématographique de l'URSS, émancipé vis-à-vis de l'Union des compositeurs. Schnittke s'en servira comme d'un laboratoire expérimental destiné à préparer des œuvres plus ambitieuses. À titre d'exemple, la grande passacaille qui couronne le deuxième concerto pour violoncelle (1992) est tirée du thème principal de la musique composée en 1974 pour le film Agonie d'Elem Klimov. Du reste, le cinéma ne manquait pas de le passionner – Schnittke étant lui-même membre de l'Union des cinéastes –, sans mentionner que beaucoup de cinéastes, tels en particulier Elem Klimov, Alexandre Askoldov et Andreï Kharzhanovski, menaient un combat parallèle au sien. La première œuvre polystyliste d'Alfred Schnittke sert d'ailleurs de bande son pour le dessin animé l'Harmonica de Glace (1968) d'Andreï Kharzhanovski. Œuvre basée sur le motif B.A.C.H., il y puisera abondamment pour composer sa seconde sonate pour violon et piano, datant de la même année.  C'est également vers cette époque que les compositions de Schnittke prennent une direction nouvelle, dont on trouve les prémisses dès son premier quatuor à cordes de 1966. Dans les années soixante, Schnittke cherchait à s'approprier de nouvelles techniques de composition en explorant de nouvelles perspectives. Faisant contraste, les années soixante-dix sont une période d’analyse rétrospective de langages stylistiquement différents, et de tentatives pour trouver de nouvelles significations à d’anciennes racines. Cette voie, résolument postmoderne, culmine dans sa première symphonie, œuvre majeure du compositeur, achevée en 1972, qui tient à la fois du bilan et du manifeste. Le chef d'orchestre Guennadi Rojdestvenski en fit la création avec l'orchestre de Gorki (maintenant Nijni-Novgorod) en 1974, après que son exécution ait été refusée à Moscou et à Leningrad. On raconte que le train allant de Moscou à Gorki, ce jour-là était rempli d'étudiants et de musiciens, auxquels s'était même joint Mstislav Rostropovitch. Selon l'expression de ce dernier, la possibilité d'une telle création révélait des . On trouve dans le dernier mouvement de cette première symphonie le motif caractéristique de 4 notes dont Dimitri Chostakovitch (1906-1975) s'inspira pour ouvrir son premier concerto pour violoncelle.  C'est en 1972 que la mort fait irruption dans la vie de Schnittke, avec le décès de sa mère au cours de la nuit du 16 au . Son quintette pour piano est une œuvre dédiée à sa mémoire. Il confia par la suite que sa mère n'ayant jamais beaucoup apprécié sa musique, l'enjeu était de lui donner une structure et un langage que sa mère aurait été capable d'appréhender. Le quintette, œuvre du regret d'une grande portée métaphorique, est l'objet d'une très longue gestation et de nombreuses esquisses, dont la plupart seront délaissées ou réutilisées dans d'autres œuvres. Achevé en 1976, proche en son thème valsant et répétitif du Chostakovitch le plus sinistre, il est clos par une passacaille d'une très grande simplicité, faisant entendre un motif au piano joué jusqu'à extinction. Schnittke en composera une version pour orchestre, "In memoriam".

Les premiers succès à l'étranger, le Faustus (1976-1985).

Consciente elle-même des besoins de renouvellements, l'Union des compositeurs organise des événements tels que la manifestation internationale "Nous t'attendons, Musique", à laquelle la presse consacre de très larges échos. Toutes ces tentatives n'en restent pas moins détournées à des fins tout autres. Ainsi, la musique jouée lors du festival y sera bien plus traditionaliste que moderniste, sans compter que Brejnev se sert du festival comme d'un prétexte pour faire oublier ses excursions militaires en Afghanistan, récemment mises à l'index par la communauté internationale. Schnittke, qui se voit systématiquement refuser le visa pour l'étranger depuis qu'il s'est abstenu de voter à l'Union des compositeurs soviétiques, est absent aux créations étrangères – voire mondiales – de ses œuvres, dont le nombre de commandes se multiplie, pour peu qu'elles soient aux États-Unis ou en Europe occidentale. Mais les temps changent favorablement et des initiatives parallèles, de plus en plus nombreuses, voient le jour. Elles permettent à Schnittke, comme à d'autres musiciens auxquels les instances officielles refusaient de prêter attention, de faire entendre leur musique directement en URSS. En particulier, l'ensemble de chambre cofondé par violoncelliste Alexander Ivachkine va se spécialiser dans le répertoire contemporain et œuvrer à la diffusion de sa musique. C'est également le cas du Festival Automne de Moscou, dont la première édition a lieu en 1979. On y joue Labyrinthes (1971), une musique qu'il a composée pour un ballet, aux côtés d'œuvres d'Edison Denisov et de Sofia Goubaïdoulina. Le , un pas supplémentaire est franchi. Toujours en compagnie de Denisov et de Goubaïdoulina, Schnittke est joué dans la grande salle du Conservatoire de Moscou. Guennadi Rojdestvenski y interprète sa Suite Gogol, composée en 1978 pour un spectacle de Iouri Lioubimov.  Schnittke a longtemps été hanté par la figure d'Adrian Leverkühn, présente dans le roman "Le Docteur Faustus" de Thomas Mann. En 1982, le Festival Automne de Moscou donne à entendre"Seid nüchtern und wachet..." (littéralement "Soyez sobres et veillez") cantate sur un texte de L'histoire du docteur Faust, publié à Francfort en 1587, le même texte que celui utilisé dans la composition finale d'Adrian Leverkühn, la lamentation du Faustus. Le compositeur souhaitait en faire une musique qui, en effets, surpasserait le rock. En réalité, le tango macabre qui vient culminer l’œuvre, rappelle volontiers l'expressionnisme d'un Kurt Weill. Ce tango, souvent le théâtre d'une prestation scénique travaillée, comme en témoignent les versions du Malmö Symphony Orchestra avec Inger Blom ou du Hradec Kralove Philharmonic avec Iva Bittova, révèle une contralto, dont la voix comme y devient une sorte , selon les mots du critique musical Alex Ross. Schnittke ira jusqu'à en faire un opéra entier, créé en 1995 à Hambourg, qui intègre la cantate dans son dernier acte.

L'après-perestroïka et l'ultime période créatrice (1985-1998).

Après la perestroïka et le regain de liberté qui en résulte, une série d'hémorragies cérébrales, dont la première date de 1985, plongent Schnittke dans des comas atteignant jusqu'à 3 mois. Déclaré cliniquement mort à plusieurs reprises, il se remettra à composer, sitôt rétabli. Son premier concerto pour violoncelle (1986) est une œuvre qui coïncide avec une de ces convalescences ; on en comprend aisément le ton inquiétant, presque funeste, qui y règne. En 1988, il se rend pour la première fois aux États-Unis afin d'assister à la création américaine de sa Première Symphonie et en 1990, il quitte définitivement l'URSS pour s'installer à Hambourg. C'est une période où le compositeur, se sentant en sursis, accepte toutes les commandes qui lui sont données. Faisant preuve d'une énergie tout à fait remarquable, il écrit successivement : trois opéras, trois symphonies et plusieurs concertos. Une troisième hémorragie va le priver de mobilité et de l'usage de la parole. Il continuera à écouter de la musique et à en écrire chaque jour quelques mesures, jusqu'au coup fatal, le . Son enterrement au cimetière de Novodiévitchi, fait l'objet de cérémonies officielles.

Esthétique.

Si à bien des égards la musique d’Alfred Schnittke dérive de la tradition russe (de compositeurs tels que Chostakovitch et Stravinsky), elle est également redevable de la tradition germanique (Mahler et Berg) et américaine (Ives). C'est en effet une musique qui échappe à tout dogmatisme, tour à tour tonale, atonale, microtonale, contrapuntique, voire mimant le geste de l'improvisation. Gouvernée par une dramaturgie mahlérienne, c'est une œuvre de synthèse, à une époque où l'auditeur est déchiré entre des tendances esthétiques contradictoires.

Harmonie.

D'après Schnittke, le dodécaphonisme , il en tire la conclusion suivante : « le train sériel dans lequel j'étais monté, m'a vite paru trop encombré et condamné par ses rails à faire toujours le même trajet. Je décidai alors de descendre à la prochaine station et de continuer mon propre chemin à pied. » D'ailleurs, il ne cèdera pas au scrupule d'autolimitation expressive qui obsède encore beaucoup de sérialistes. En réalité, Schnittke est persuadé que la plus intense expression est atteinte dans le conflit permanent de la dissonance et de la consonance, de même que dans la juxtaposition récurrente de l'élégiaque avec la satire, ce qui pourrait le rapprocher d'Erik Satie. À l'inverse de Webern qui, tout en cultivant les dissonances, a tendance à les neutraliser, jusqu'à atteindre avec l'Opus 28 l'impassibilité minérale d'un paysage harmonique sans tension, Schnittke les exacerbe et les utilise comme principal agent d'intensification.

Le Polystylisme.

Le "polystylisme" ou , consistant à adopter des références stylistiques multiples au sein d'une même œuvre, parsème la production de Schnittke, lui-même grand amateur de jazz fusion. Les grands principes en seront théorisés dans le texte "Les tendances polystylistiques dans la musique moderne", présenté au du conseil international de musique de l'Unesco de 1971, mais publié seulement 17 ans plus tard.  La mise en œuvre du polystylisme passe par l'utilisation fréquente de ce que le compositeur appelle des pseudo-citations, certains motifs génériques dont le pouvoir expressif nous est déjà familier. Parce que les musiques du passé font partie intégrante de notre mémoire musicale, au même titre que les souvenirs de l'enfance détermine notre personnalité adulte, le polystylisme, en ranimant un vécu musical propre à chaque auditeur, ouvre une nouvelle dimension, purement psychologique à la musique. déclare-t-il. Jamais arbitraire, ces vestiges musicaux du passé sont mis sous tension par les apports du présent, pour être corrompus, puis refondus dans la masse sonore. Par ces corruptions, qui sont souvent des mutilations de l'harmonie, ou, à la manière de Charles Ives, des interférences avec d'autres thèmes, Schnittke pousse l'ironie encore un stade plus loin que Chostakovitch venait de le faire avec les citations directes de Guillaume Tell, Rossini et Wagner, dans sa . Ainsi, le climat régnant dans ces œuvres est-il plus proche de la détresse latente d'un Zimmermann que de l'effervescence du Berio de la sinfonia. Le musicologue Jean-Noël Von der Weid dira avec humour de ses expériences polystylistiques que Schnittke «  mélange tout ce qui peut être reconnaissable ». Quant à Christian Leblé, il renchérit en déclarant que « la musique de Schnittke laisse toujours croire que l'on écoute Berg pendant que le voisin du dessus écoute Schubert ». Une des vocations du polystylisme est de rappeler qu'une culture musicale cosmopolite supplante désormais l'ancienne éducation monoculturelle de nos aïeux. Schnittke prône la complexité des frontières comme un idéal en soi. Par ses racines familiales composites, il est sans doute le mieux placé des compositeurs pour l'enseigner à ses auditeurs.

Un musicien écrasé par le système.

Schnittke appartient à une génération de compositeurs sacrifiés au bénéfice d'un système qui leur fait composer des musiques de film à la chaîne : entre 1962 et 1984, il en composera un total de soixante-six pour Mosfilm. La majorité de ses œuvres pâtissent du retard dans l'édition des partitions, qui est une édition d'État. À titre d 'exemple, le quatuor n'est édité que treize ans après sa création. En comparaison, Kabalevski, musicien apprécié par le régime, n'a jamais patienté plus de deux ans avant de voir une de ses partitions éditée. Cette œuvre, écrite à l'occasion la commémoration de la révolution de 1917, est directement écartée par le comité de sélection, sous prétexte que son auteur y aurait ignoré les traditions nationales.  Néanmoins, dès les années 1960, la musique de Schnittke trouve un certain nombre d'adeptes parmi l'intelligentsia, et, assez singulièrement, dans les membres de la Faculté des Sciences de l'Université de Moscou. C'est l'époque des circuits "underground" : des meetings clandestins réguliers regroupent les amateurs de sa musique de chambre aux côtés de quelques musiciens. Ils permettent de diffuser des œuvres telles que sa première sonate pour violon et piano de 1963. Aussi, de nombreuses partitions sont transmises sur microfilms vers l'Ouest, une pratique notamment connue pour avoir permis d'exporter la Symphonie de Chostakovitch (1942).  Entre 1977 et 1978, Schnittke est témoin de l'un des plus gros scandales dans les relations entre la France et l'URSS. Lui et le metteur en scène Iouri Lioubimov sont invités au Palais Garnier pour écrire une nouvelle version de "La Dame de pique" de Tchaïkovski. Le livret original, détourné à des fins romantiques par Modest Tchaïkovski (le frère du compositeur), souffrait de nombreuses maladresses, sans compter qu'il prenait de très grandes libertés vis-à-vis de la nouvelle de Pouchkine. Le chef d'orchestre Algis Juraitis, alors directeur du Bolchoï, chargé par l'Union des compositeurs soviétiques d'une enquête sur l'affaire, consulte en cachette les notes de Schnittke avant de revenir à Moscou crier au scandale. Un article est aussitôt publié dans la "Pravda", on y évoque la à travers la , abaissé au rang d'une . Schnittke, Lioubimov et Rojdestvenski sont aussitôt accusés d'immoralité. Mettant en cause leur , le rédacteur en chef de la "Pravda" refuse de publier la réponse des trois accusés, qui paraît finalement dans "Le Monde". Ils y énumèrent les erreurs dans l'article de Juraitis et citent des extraits de la correspondance de Tchaïkovski corroborant leur démarche. À court d'arguments, Moscou propose alors un ultimatum, faire venir des afin de terminer le travail dans le . Rolf Liebermann, administrateur de l'opéra de Paris à cette époque, refuse la proposition et le projet est abandonné.

Reconnaissance et postérité : le soutien des grands solistes.

Schnittke ne se confiait que très rarement à la presse. La renommée de sa musique est l’œuvre avant tout de ses amis concertistes, qui se mettent, dès les années 1970, en devoir de diffuser sa musique auprès du public étranger. Parmi ceux-ci, citons le chef Guennadi Rojdestvenski, le violoniste Gidon Kremer, l'altiste Yuri Bashmet et les violoncellistes Natalia Gutman et Mstislav Rostropovitch. Alors qu'on lui refusait systématiquement le visa pour assister aux créations étrangères de ses œuvres, ses accointances avec Gidon Kremer lui permettent néanmoins d'accompagner ce dernier, à plusieurs reprises, dans ses tournées à l'étranger. C'est ainsi au cours d'un tour en Autriche que Schnittke peut se rendre sur la tombe de Bruckner, à l'abbaye de Sankt Florian. Le souvenir lointain d'un chœur entendu lors de ce bref séjour va lui inspirer sa seconde symphonie. Encore une fois, c'est Rojdestvenski, profitant cette fois de son poste de chef à l'orchestre de la BBC, qui en assure la création à Londres en 1980.  Devenu l'un des musiciens les plus représentatifs de la modernité auprès du grand public, aux côtés de John Adams (1947-) et de Philip Glass, Schnittke est régulièrement l'invité d'honneur des plus grands festivals à l'étranger, après l'effondrement du bloc soviétique, tels le Settembre Musica à Turin auquel il assiste en 1991 et en 1993. De même, il reçoit fréquemment des commandes provenant des plus grands orchestres, comme sa troisième symphonie, commandée par Kurt Masur pour l'inauguration du Gewandhaus de Leipzig en 1981 ou sa pour le centenaire du Concertgebouw d'Amsterdam en 1988. Cette situation a immanquablement créé des envieux, résolus à minimiser son importance. C'est le cas en France, pays dans lequel Schnittke, et plus généralement les compositeurs russe de la modernité, ont longtemps souffert de déconsidération. Citons l’association Les concerts du Domaine musical, qui depuis sa fondation en 1954 par Pierre Boulez, a présenté 120 œuvres de la génération de ce dernier sans mentionner une seule fois le nom de Schnittke. La Russie, malgré son rôle fondamental dans l'essor de cette modernité, n'y est représentée que par une seule partition, celle d'Edison Denisov. Cette hostilité des grandes institutions musicales parisiennes vis-à-vis de sa musique conduit Schnittke, comme plusieurs autres compositeurs ex-soviétiques, à trouver préférentiellement refuge en Allemagne.

Alfred Garrievitch Schnittke (en ), né le à Engels (oblast de Saratov) et mort le à Hambourg, est un compositeur russe de l'après-guerre d'origine allemande.  Très influencé par Gustav Mahler, Schnittke se veut spirituellement engagé. Il est l'auteur, entre autres, de douze concertos, dix symphonies, six concerti grossi, une soixantaine de musiques de film et une œuvre abondante de musique de chambre. Inclassable – il aime citer Anton Rubinstein : –, sachant créer le scandale comme l'enthousiasme, Schnittke suscite des avis partagés et souvent passionnés de la part des musicologues et critiques. Ses satires polystylistiques, qualifiées de par le critique américain Alex Ross, même s'ils présentent Alfred Schnittke sous l'image fausse d'un ironiste facile, sont une voie d'entrée efficace dans le courant dont, maître de l'ironie, il se présente comme le principal initiateur en musique: le polystylisme. Immanquablement politisée, la musique de Schnittke est donc vulnérable à une étude purement historico-politique. Reste que sa musique profondément expressionniste contribue, par sa force et une dramaturgie souvent violente, à faire de Schnittke une figure majeure de la musique de la fin du .

Alfred Garrievich Schnittke (, Alfred Garriyevich Shnitke; 24 November 1934 – 3 August 1998) was a Soviet and German composer. Schnittke's early music shows the strong influence of Dmitri Shostakovich. He developed a polystylistic technique in works such as the epic Symphony No. 1 (1969–1972) and his first concerto grosso (1977). In the 1980s, Schnittke's music began to become more widely known abroad with the publication of his second (1980) and third (1983) string quartets and the String Trio (1985); the ballet "Peer Gynt" (1985–1987); the third (1981), fourth (1984), and fifth (1988) symphonies; and the viola concerto (1985) and first cello concerto (1985–1986). As his health deteriorated, Schnittke's music started to abandon much of the extroversion of his polystylism and retreated into a more withdrawn, bleak style.


Histoire.

À ses débuts, le CzechTek est organisé pour quelques dizaines ou quelques centaines de personnes mais il prend récemment de l'ampleur et réunit des participants venus de toute l'Europe ( personnes en 2003).  Organisé sur une base libertaire (pas de propriétaire, pas de directeur, pas de ticket d'entrée mais une contribution libre aux frais du festival) ce festival non-commercial irrite les autorités pour lesquelles manquent un partenaire « concret » et une direction responsable vis-à-vis des lois en vigueur concernant l'organisation d'événements musicaux (hygiène, protection de l'environnement, protection de la propriété privée, droits d'auteurs, etc.).  Dès 2004, le CzechTek est dispersé par la police ce qui provoque la colère des organisateurs et des participants qui trouvent exagérées les accusations de dommages créés à l'environnement et à l'ordre public.  Dans son édition 2005, le CzechTek a été le théâtre d'une démonstration de force policière qui a fait 2 morts et plusieurs dizaines de blessés et qui aura coûté plus d'un million d'euros (31,4 millions CZK) au contribuable tchèque. Plus d'un millier de policiers des brigades spéciales anti-émeute tchèques sont intervenus à plusieurs reprises pour expulser les teufeurs du terrain loué pour l'occasion. Le premier ministre Jiří Paroubek a déclaré aux médias que s'il n'arrivait pas à faire expulser les teufeurs dans les 12 heures, il donnerait sa démission, ce qui semble, à ce jour, être le seul motif de cette action policière brutale (la République tchèque n'ayant pas de lois interdisant de tels rassemblements).  Vaclav Klaus, le président de la République tchèque, a déclaré après avoir rencontré le ministre de l'Intérieur Frantisek Bublan « Je n'ai pas été le témoin d'une attaque de grande envergure contre notre pays, contre son ordre constitutionnel, qui aurait nécessité une telle intervention. »  Plusieurs manifestations de protestation ont eu lieu à travers l'Europe, notamment devant le ministère de l'Intérieur à Prague, et devant l'Ambassade de Tchéquie en France les 6, 13 et .

CzechTek était un festival de techno qui se tenait en République tchèque, tous les ans de 1994 à 2006 lors du dernier week-end de juillet. Après le festival de 2006, il a été interrompu pour des raisons juridiques.

CzechTek was an annual teknival normally held on the weekend at the end of July in the Czech Republic. It attracted thousands of free tekno dancers from several European countries (40,000 people attended in 2003 and 2006). Open invitations were usually made to all sound systems, performers and all people with positive thinking.


Histoire.

Repères historiques.

Les premiers jours du Wisła.

L'histoire du Wisła Cracovie commence probablement en octobre 1906, quand Tadeusz Konczyński organise le "Kraków Błonia", premier tournoi de football dans la ville. Il fonde également quatre autres équipes universitaires, et fait venir les équipements exclusivement d'Angleterre. L'équipe est alors vêtue de bleu clair, et porte un short noir. C'est d'ailleurs pour cela que les joueurs sont surnommés à l'époque « "les Bleus" ». Le tout premier capitaine du club, Józef Szkolnikowski (gardien de but), donne pour la première fois au club le nom de "Wisła". Le tout premier président du Wisła Cracovie est alors Tadeusz Łopuszański. En septembre 1907, « "les Rouges" » de Jenkner fusionnent avec le Wisła, puis peu après avec « "les Roses" ». Le club prend alors le nom de "Towarzystwo Sportowe Wisła", et existe officiellement. Les maillots bleus sont changés en rouge, mais le short noir reste identique. Quand les premiers uniformes arrivent de Berlin, deux étoiles bleues apparaissent sur la tunique. Avec le temps, seulement une seule reste, et sa couleur vire au blanc. Ce fait de l'histoire donne le surnom définitif du Wisła : "Biała Gwiazda (Étoile Blanche)".

Un club important en Pologne.

Vers les années 1920-1930, le Wisła commence à se stabiliser en championnat, lui qui connaissait auparavant des hauts et des bas, marqués par les bonnes saisons et les relégations en seconde division (par trois fois). En 1927, Cracovie remporte difficilement la première édition officielle du championnat de Pologne, et obtient ainsi le second titre de son histoire, après la Coupe de Pologne gagnée un an plus tôt. Le Wisła termine devant le 1. FC Katowice, grâce notamment à sa fabuleuse attaque composée de Henryk Reyman (trente-sept buts), formé au club et présent depuis 1910, Józef Adamek (seize buts), Stanisław Czulak (quatorze buts) et Mieczysław Balcer (treize buts). Durant trente-cinq saisons (de 1923 à 1964), troublées par la Seconde Guerre mondiale qui oblige le club à fermer ses portes quelques années, le Wisła continue à figurer au premier plan national, en compagnie du Górnik Zabrze et du Ruch Chorzów. Les trois formations se disputent chaque année la première place, Cracovie cédant petit à petit du terrain à ces deux derniers.

L'apparition sur la scène continentale.

Sur la scène européenne, Cracovie apparaît dans les trois tournois différents. Sa première apparition dans ce genre de compétition remonte à la saison 1966-1967, quand le Wisła, après avoir acquis une place de second l'année précédente, rencontre pour la dernière édition de l'International football cup (ancêtre de la Coupe Intertoto) le FK Inter Bratislava, Malmö et le 1. FC Kaiserslautern, et termine à une honorable deuxième place, à un point des quarts de finale et d'un match contre les néerlandais du Go Ahead Eagles.  Néanmoins, son plus grand succès reste celui de la saison 1978-1979, lorsque le club atteint les quarts de finale de la Ligue des Champions, en battant la grande équipe du FC Bruges, championne de Belgique en titre et finaliste de la précédente édition. Les Rouges et Blancs se font finalement éliminer par le Malmö FF (trois buts à cinq), après une victoire deux à un au match aller. Le Wisła atteint également par deux fois les huitièmes de finale de la Coupe des vainqueurs de coupe en 1967-1968 et 1984-1985, sorti cinq à zéro et trois à deux par Hambourg et le Fortuna Sittard respectivement. L'Étoile Blanche participe, au total, à onze éditions de la Coupe UEFA.  Après deux saisons réussies en 2005 et 2006, le Wisła se classe à une médiocre huitième place la saison suivante, le privant de toute compétition européenne.

Viser plus haut ?

Lors de la saison 2007-2008, le Wisła gagne le premier Trophée de Chicago, disputé dans l'Illinois en juillet. Le club polonais écarte le FC Séville, tout juste vainqueur pour la seconde fois d'affilée de la Coupe UEFA. Le Wisła ne peut pas défendre son titre l'année suivante, la compétition cessant toute activité. Il est important de préciser que ce tournoi revêt une importance particulière pour le Wisła et pour la communauté polonaise, puisque Chicago revendique la plus grande population polonaise installée hors du pays. En championnat, le Wisła enchaîne les victoires, le propulsant à une confortable première place à la mi-saison. Le club est déclaré champion d'automne plusieurs semaines à l'avance. En tête depuis la dixième journée, le Wisła ne lâche pas son fauteuil, et écrase le championnat. Le , il est sacré champion, trois ans après son dernier titre de 2005.  Qualifié pour le second tour de la Ligue des Champions, le Wisła a pour objectif d'atteindre les poules. Après avoir disposé facilement du Betar Jérusalem, Cracovie est confrontée au géant barcelonais, qui affirme son rang de favori et l'écarte de la compétition. En Ekstraklasa, Cracovie joue le titre mais subit une plus forte concurrence. Après une longue domination du Lech Poznań, le Wisła prend la tête à trois journées de la fin, et est sacré pour la deuxième fois consécutive champion. Vice-champion en 2010, le club est de nouveau titré en 2011.

La chute.

En 2018, la situation financière du club est inquiétante, la recherche d'un investisseur est lancée. Le , le Wisła annonce la vente de la section football au consortium de fonds d'investissement anglo-luxembourgeois, Alelega Luxembourg Sarl (60% des actions) et Noble Capital Partners Ltd (40%). L'ancien conseil d'administration et le conseil de surveillance ont démissionné et Adam Pietrowski devient président. Au début de 2019, le comité des licences de clubs a suspendu la licence à l' Ekstraklasa en raison de la situation juridique du club incertaine et de nombreuses violations au manuel des licences.  Après avoir résilié son contrat avec le VfL Wolfsbourg, Jakub Blaszczykowski, ancien joueur du club, décide de revenir dans le club de son enfance. Il accepterait de jouer gratuitement et verse à son club de cœur, avec deux autres personnes ils fournissent les de zlotys pour payer les arriérés de salaires des joueurs. La nouvelle structure du club s'engage à préparer de nouvelles prévisions financières avant la fin de la saison et reçoit le l'autorisation de continuer à jouer en première division.

Infrastructures.

Le stade.

Le Wisła reçoit ses adversaires au stade Henryk Reyman, qui peut accueillir jusqu'à personnes. Le stade porte le nom du joueur emblématique Henryk Tomasz Reyman à la suite d'une décision du conseil municipal de Cracovie, le .

Centre d'entraînement.

En juin 2013, le Wisła annonce avoir signé un accord avec la municipalité de Myślenice pour installer son nouveau centre d'entraînement dans la ville, située à une vingtaine de kilomètres de Cracovie. Cet accord d'utilisation est valable pendant vingt ans, à partir de , date de livraison du centre. Ce dernier sera composé d'un complexe de , avec salles de sport et de bien-être, ainsi que de plusieurs terrains (dont un avec gazon artificiel). Cette décision fait suite à un partenariat entre les clubs des deux villes.

Rivalités.

Le derby de Cracovie.

"Święta Wojna" en polonais fait référence à la « guerre sainte » que mènent les supporters du Cracovia et du Wisła entre eux. Créés tous les deux en 1906, les deux clubs furent les premiers de Pologne, situés dans la même ville : Cracovie. La rivalité, vieille donc de plus de cent ans, a pris le nom de "Święta Wojna", qui désignait auparavant les derbys entre le Makabbi et le Jutrzenka Cracovie. En 2006, le centième anniversaire du match a été joué. Près de mille policiers étaient sur place pour éviter tout débordement, fréquent lors du derby. En effet, l'affrontement Wisła - Cracovia est l'un des plus violents d'Europe chez les supporters, qui n'hésitent pas à utiliser des armes blanches pour en découdre, faisant plusieurs morts lors de la dernière décennie. Il est important de préciser que seuls les supporters des deux camps ont décidé de ne pas signer le « pacte de Poznań », qui interdit l'usage de toutes sortes d'armes lors des « ustawki » (bagarres de rues entre hooligans), et que tous les autres fans polonais ont adopté. Ce pacte a notamment été créé pour les rencontres de l'équipe nationale.  Au niveau sportif, c'est le Wisła qui est en tête, totalisant quatre-vingt-une victoires pour cinquante-sept défaites.

Le classique polonais.

Le match entre le Wisła Cracovie et le Legia Varsovie est communément reconnu comme étant le plus important du championnat polonais. En effet, les deux équipes possèdent deux grands palmarès, et sont situées dans les deux plus importantes villes du pays, Varsovie et Cracovie étant respectivement capitale administrative et culturelle de Pologne. De plus, les différences régionales influent sur l'importance du match, opposant le Nord (Varsovie) au Sud (Cracovie).

Autres.

Du fait de sa rivalité avec le Cracovia, le Wisła est également opposé dans les tribunes à Poznań et à l'Arka Gdynia, alliés au "Pasy".

Alliances.

Les supporters du Wisła étaient anciennement alliés avec ceux du Lechia Gdańsk et du Slask Wroclaw. Les relations avec les supporters de ces deux clubs se sont considérablement dégradées après l'Euro 2016 en France où les supporters du Wisła ont créé de nouvelles coalitions qui ont déplu à leurs alliés. Ils ne font désormais plus tribune commune durant les matchs opposant leurs équipes, toutefois un respect mutuel survit tant bien que mal, particulièrement entre lambdas.  Désormais les fans du Wisła se sont rapprochés de ceux du Ruch Chorzów et du Widziew Łódź, des clubs de 3e division anciennement au sommet de la hiérarchie et qui ont conservé une grande popularité. D'autres amitiés existent avec des clubs plus petits (Elana Toruń, Polonia Przemyśl ...)  À l'échelle intercontinentale, une alliance existe entre les supporters du Wisła Cracovie et ceux de la Lazio de Rome.

Effectif professionnel.

Effectif actuel 2018-2019.

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Le Wisła Cracovie ( ) est un club polonais omnisports basé à Cracovie et fondé en 1906. Cet article traite de sa section football.  Il tire son nom de la Vistule ("Wisła" en polonais), fleuve qui traverse Cracovie. Le troisième club le plus titré de l'histoire du pays (en termes de championnats gagnés), derrière le Górnik Zabrze et le Ruch Chorzów, est présidé par Rafał Wisłocki et Jarosław Królewski depuis et son équipe professionnelle est entraînée par Maciej Stolarczyk depuis le début de la saison 2018/2019.  Le Wisła reçoit ses adversaires au stade Henryk Reyman, qui peut accueillir jusqu'à .

Wisła Kraków () is a Polish football club based in Kraków. Wisła play in the Ekstraklasa, the top level of the Polish football league system. Wisła is one of the oldest and most successful Polish football clubs. It ranks third in the number of national titles won (13), behind Górnik Zabrze and Ruch Chorzów (14), and second in all-time victories. Wisła was founded in 1906 under the name TS Wisła (Polish Towarzystwo Sportowe Wisła).  The club's coat of arms is a white star on a red background crossed by a blue ribbon.  Wisła Kraków has been one of the most successful Polish football clubs in recent years, winning eight league championships since 1999. Along with league titles, Wisła also won the Polish Cup on four occasions. Wisła also enjoyed some success in European competitions in the 1970s, reaching the quarter-finals in the 1978–79 European Cup and winning the UEFA Intertoto Cup in 1969, 1970 and 1973.


Géographie.

La ville de Tczew se situe en Poméranie orientale, sur la Vistule, à 26 km de la mer Baltique. C’est la plus grande ville de la région Kociewie, le pays des Kociewiacy, un groupe ethnique polonais voisin des Kachoubes. Tczew se trouve à 35 km au sud-est de Gdańsk, à 28 km au nord de Gniew, à 18 km au nord-ouest de Malbork et à 26 km au nord-est de Pelplin.  Tczew est un nœud important sur le réseau de transport. Les routes et voies ferrées reliant l’Allemagne à la Russie et à la Lituanie, la Scandinavie au sud de l’Europe, s’y croisent.

Histoire.

Les fouilles archéologiques montrent qu’entre 3000 av. J.-C. et 1700 av. J.-C. le site de Tczew était déjà occupé. La première mention historique de Tczew (sous le nom de "Trsow") date de 1198, à l’occasion de privilèges accordés à l’Ordre de Malte par Grzymisław II de Poméranie, le duc de Świecie. Tczew est la première localité située sur des terres polonaises à recevoir un conseil municipal (en 1258), par la volonté du duc Sambor II de Poméranie. Deux ans plus tard, Tczew reçoit les privilèges urbains. En 1289, le duc Mestwin II de Poméranie invite les Dominicains à s’installer dans la ville. Ceux-ci y fondent une église et un monastère.  En 1308/1309, la ville tombe dans les mains de l’Ordre Teutonique, par l'accord de Soldin de 1309. Elle rejoint la Ligue prussienne en 1440. Elle retourne à la Pologne en 1466. En 1577, les forces prussiennes, qui refusent de reconnaître le nouveau roi de Pologne Étienne Bathory, attaque l’armée royale casernée à Tczew. La ville est incendiée. Par la suite, la ville sera encore dévastée pendant les guerres opposant la Suède à la Pologne.  En 1772, après le Premier partage de la Pologne, la ville est annexée par la Prusse. En 1807, l’armée du général Jean Henri Dombrowski libère la ville. Après le Congrès de Vienne de 1815, la ville est à nouveau incorporée à la Prusse. La ville connaît alors un essor économique et démographique, grâce notamment à la construction d’un pont sur la Vistule (inauguré en 1857) et à la mise en service de la ligne ferroviaire Berlin-Königsberg.  À partir du 30 janvier 1920, la ville redevient polonaise lorsque l’armée du général Józef Haller s’empare de la ville. Pendant l’Entre-deux-guerres, c’est à Tczew qu’est fondée la première école navale polonaise (1920), qui sera transférée à Gdynia par la suite. En 1926, un port fluvial entre en activité.  C’est à Tczew que débute la Seconde Guerre mondiale, lorsque le à 3 heure 34, les Allemands commencent à bombarder la gare ferroviaire, les têtes de pont de la rive ouest de la Vistule et la caserne de la ville. Tczew est libéré par l’Armée rouge le 12 mars 1945.

Tourisme.

À voir :

Tczew (en allemand "Dirschau", en cachoube "Dërszewò") est une ville de Pologne qui compte 60 295 habitants (2008). Elle est le chef-lieu d’un district ("powiat") du même nom situé dans la voïvodie de Poméranie.

Tczew (; ) is a town on the Vistula River in Eastern Pomerania, Kociewie, northern Poland with 60,279 inhabitants (June 2009). The city is known for its Old Town and the Vistula Bridge, or Bridge of Tczew, which played a key role in the Invasion of Poland during World War II.  It is the capital of Tczew County in Pomeranian Voivodeship since 1999, and was previously a town in Gdańsk Voivodeship (1975–1998). It is also the largest town of the ethnocultural region of Kociewie.  The town is the location for the annual English Language Camp arranged by the American-Polish Partnership for Tczew.


Biographie.

Études.

Nye est diplômé "Bachelor" "Summa Cum Laude" (avec le plus grand honneur) de l'université de Princeton. Après avoir fait des études en philosophie, politique et économie à l'université d'Oxford grâce à une bourse Rhodes, il obtient son "doctorat" à l'université Harvard.

Carrière Universitaire.

Professeur.

Nye est actuellement professeur à la Kennedy School of Government de l'université Harvard, où il avait précédemment occupé le poste de doyen.

Fondation.

Nye est le fondateur, avec Robert Keohane, de l'institutionnalisme néolibéral en relations internationales. Les deux auteurs développèrent leur approche théorique en 1977 dans "Power and Interdependence".

Reconnaissance.

En 2005, Nye a été élu comme l'un des dix professeurs les plus influents des relations internationales.

Carrière politique.

Nye sert comme adjoint au sous-secrétaire d'État dans l'administration Carter et il occupa le poste de secrétaire adjoint à la Défense sous l'administration Clinton (1994-1995), il était considéré par beaucoup de personnes comme le probable conseiller à la sécurité nationale en cas d'élection de John Kerry lors de la campagne présidentielle de 2004. Il est reconnu comme l'un des plus éminents penseurs libéraux de la politique étrangère et est considéré par plusieurs comme l'homologue libéral du politologue conservateur Samuel P. Huntington.

Théories.

Hégémonie américaine.

Pour Joseph Nye, la position hégémonique des États-Unis diminuerait sous l'effet d'une combinaison de facteurs (concurrence commerciale, spatiale, enlisements militaires au Viêt Nam et en Irak...). Bien que l'avance américaine amoindrisse la perception de ce déclin, Joseph Nye propose de restituer la puissance américaine dans un contexte d'interdépendance de plus en plus incontournable. Énonçant l'impossibilité d'un retrait unilatéral des États-Unis des relations internationales, Joseph Nye prône le leadership face à l'hégémonie. Ceci l'amène à développer le concept du "soft power".

"Hard power" / "Soft power".

Concept développé par Joseph Nye désignant pour l'un le pouvoir de contraindre par des voies traditionnelles de rapport de force politique et militaire (hard power) ; pour l'autre le pouvoir d'influencer en passant par des voies culturelles ou économique (soft power).  Le hard power utilise certes la force militaire, mais aussi les ressources économiques et sociales. Le rapport est ici affirmé, quand le soft power comprend une notion d’inconscience (de la part du pays sur lequel il est utilisé).

Isolationnisme et interventionnisme américain.

Nye s'oppose donc à l'isolationnisme américain, il montre ainsi que les États-Unis ont largement les moyens de tenir des engagements et d’influer sur le monde entier. Cependant, ils ne l'ont pas forcément voulu, notamment avec Clinton, qui voulait se concentrer sur les problèmes intérieurs ; Bush a changé cela. Toutefois Nye évoquait plus des problèmes liés aux interdépendances transnationales plutôt que des nouveaux défis. C’est ainsi que dans "", Nye fait le procès de la politique de Bush : son unilatéralisme et sa politique agricole marquent une absence de prise en compte des mutations de la puissance, et délaisse le "soft power".

Joseph Samuel Nye, Jr. dit Joe Nye (né le à South Orange) est un analyste et théoricien des relations internationales. Il est président du groupe nord-américain au sein de la Commission Trilatérale depuis 2009.

Joseph Samuel Nye Jr. (born January 19, 1937) is an American political scientist. He is the co-founder, along with Robert Keohane, of the international relations theory of neoliberalism, developed in their 1977 book "Power and Interdependence". Together with Keohane, he developed the concepts of asymmetrical and complex interdependence. They also explored transnational relations and world politics in an edited volume in the 1970s. More recently, he explained the distinction between hard power and soft power, and pioneered the theory of soft power. His notion of "smart power" ("the ability to combine hard and soft power into a successful strategy") became popular with the use of this phrase by members of the Clinton Administration, and more recently the Obama Administration. He is the former Dean of the John F. Kennedy School of Government at Harvard University, where he currently holds the position of University Distinguished Service Professor, Emeritus. In October 2014, Secretary of State John Kerry appointed Nye to the Foreign Affairs Policy Board. He is also a member of the Defense Policy Board.  He has been a member of the Harvard faculty since 1964. He is a fellow of the American Academy of Arts & Sciences and a foreign fellow of The British Academy. Nye is also a member of the American Academy of Diplomacy. The 2011 TRIP survey of over 1700 international relations scholars ranks Joe Nye as the sixth most influential scholar in the field of international relations in the past twenty years. He was also ranked as most influential in American foreign policy. In 2011, "Foreign Policy" magazine named him to its list of top global thinkers. The magazine's valued reporter Daniel Drezner wrote: "All roads to understanding American foreign policy run through Joe Nye." In September 2014, "Foreign Policy" reported that the international relations scholars and policymakers both ranked Nye as one of the most influential scholars.


Biographie.

Tomas Tranströmer naît le à Stockholm. Il est élevé par sa mère, institutrice, après le départ précoce de son père, rédacteur. Il sera marqué toute sa vie durant par le personnage de son grand-père, pilote côtier, auprès duquel il passe ses vacances dans l'Archipel. Il parlera notamment de lui dans ses "Baltiques". À 15 ans, il découvre la littérature et la poésie, commence à écrire des textes modernistes et se passionne pour les poètes classiques, notamment latins.  Dans les années 1950, il fut un ami proche du poète Robert Bly, qui traduisit son œuvre en anglais et participa largement à sa renommée mondiale en général et dans les pays anglo-saxons en particulier. Il partage son temps entre son appartement du quartier de Södermalm à Stockholm et sa résidence d'été sur l'île de Runmarö où il vit à l’écart du monde et des médias. À 23 ans, il publie son premier recueil intitulé "17 poèmes", qui paraît chez "Bonniers", le plus grand éditeur suédois, qui qualifiera cette œuvre comme étant « une analyse permanente de l’énigme de l’identité individuelle face à la diversité labyrinthique du monde ».  Il décroche en 1956 un diplôme de psychologue, puis est embauché par l'université de Stockholm avant de s'occuper de jeunes délinquants à partir de 1960. Très engagé socialement, il s'occupera durant toute sa carrière de handicapés, de toxicomanes ou de condamnés à des peines de prison, tout en écrivant ses poèmes en parallèle. Même lorsqu'il devient un poète reconnu, il continue de travailler, et ne publiera donc que peu de recueils (quinze en plus de cinquante ans d'écriture). Il est psychologue de profession jusqu'en 1990, date où il a été victime d’une attaque cérébrale qui l'a laissé en partie aphasique et hémiplégique. Il ne parlera plus qu'avec difficulté et ne jouera du piano plus que de la main gauche, car la droite ne fonctionne plus, mais toujours quotidiennement. Son handicap l'oblige par ailleurs à ralentir considérablement sa production littéraire. Il publie néanmoins encore trois recueils depuis lors dont les 45 haïkus de "La Grande Énigme" (Le Castor astral, 2004), grâce à la complicité de sa femme Monica (avec qui il a eu deux filles, Emma et Paula). Il continue également à participer à des rencontres littéraires, pendant lesquelles on peut l'entendre jouer du piano . En France, le Castor Astral et Jacques Outin, son traducteur, s’attachent depuis de nombreuses années déjà à faire connaître son œuvre poétique.  Sans être un auteur chrétien, il a participé à une nouvelle traduction de la Bible en suédois, initiée par la société biblique suédoise. Dans cette traduction, il a rédigé les Psaumes.  En 2013, Tranströmer fait partie des signataires, en compagnie de plusieurs écrivains dont quatre autres prix Nobel (Günter Grass, Elfriede Jelinek, J.M. Coetzee et Orhan Pamuk), d'un manifeste contre la société de surveillance et l'espionnage des citoyens orchestré par les États.

Prix Nobel de littérature.

En 2011, l'Académie suédoise de Stockholm prend le contre-pied des pronostics qui donnaient victorieux le poète syrien Adonis, en lutte contre son régime, ou le chanteur-écrivain Bob Dylan, en nommant Tranströmer Prix Nobel de littérature. Cette décision surprend beaucoup la presse française, car Tranströmer est à l'époque presque totalement inconnu en France, alors qu'il est en Scandinavie considéré comme le plus grand poète de son temps, et également très apprécié dans les pays anglo-saxons. Il est récompensé  Dans la salle où le verdict a été rendu, de grands éclats de joie ont fusé : cela faisait presque quarante ans que les Suédois attendaient la récompense de leur poète le plus célèbre et le plus reconnu. Ayant de grandes difficultés à parler depuis son accident de 1990, Tranströmer, quand les journalistes qui ont afflué chez lui à l'annonce du Nobel, lui ont demandé ce qu'il ressentait, a simplement prononcé le mot .

Regards sur l’œuvre.

Tranströmer est un poète atypique du fait qu'il publie peu et marque systématiquement le paysage littéraire par la beauté de ses images, la concision de son style et la puissance expressive de ses compositions qui exaltent la sensation, l'impression et le quotidien. Dès la parution des "17 poèmes" en 1954, il apparaît comme un écrivain d'une grande nouveauté, affranchi de toute influence extérieure. Il s'inspire simplement de sa jeunesse, de ses émotions et de son histoire familiale sur l'île de Rummarö.  La renommée de Tranströmer est largement due à sa maîtrise inégalée de la métaphore et son audace dans la création d'images novatrices. L'image, dans ses œuvres, est d'une incroyable précision, et transmet une émotion toujours à la portée du lecteur. Ainsi, Kjell Espmark, membre de l'Académie suédoise et ami de Tranströmer, explique :  Ses poèmes capturent les longs mois d'hiver suédois, le rythme des saisons et la splendeur de la nature. Il explore la relation entre notre intimité et le monde qui nous entoure. Son style introspectif est décrit par le Publishers Weekly comme . Ses poèmes s'apparentent à des prières laïques et des mélopées œcuméniques, marquées par la musique et le monde naturel.  Tranströmer est un poète qui, à l'instar du symboliste français Stéphane Mallarmé, a eu une vie « normale » : c'est un homme qui a une existence ordinaire, un travail, des vacances à l'étranger, une femme et deux enfants. Ses poèmes débutent ainsi parfois par des situations ordinaires : ("La fenêtre ouverte") ; ("La Galerie"). Comme le Français Francis Ponge, qui écrivit un peu avant lui, Tranströmer prend la réalité familière comme un univers à décrire de manière énumérative et à transcender, trouvant dans des situations banales, des objets quotidiens et plus souvent dans l'observation de la nature, toute la matière de la composition poétique. Pour Renaud Ego, Tranströmer fait l'expérience du , évoquant ainsi les profondeurs insoupçonnées d'une réalité fuyante qui échappent tant au lecteur qu'au poète.  Selon le critique André Clavel, son œuvre est un .  Les poètes Philippe Jacottet, Bei Dao et Adonis sont de grands lecteurs de Tranströmer. Joseph Brodsky fut également l'un de ses plus fervents admirateurs : il le qualifia de en ajoutant .  Certains de ses Poèmes ont été mis en musique par Lars Edlund.

Tomas Tranströmer est un poète suédois, né le à Stockholm et mort le dans la même ville. Il a rédigé une quinzaine de recueils en cinquante ans d’écriture. Poète contemporain suédois le plus renommé et le plus traduit, il a reçu de nombreux prix, dont le prix Nobel de littérature en 2011.

Tomas Gösta Tranströmer (; 15 April 1931 – 26 March 2015) was a Swedish poet, psychologist and translator. His poems captured the long Swedish winters, the rhythm of the seasons and the palpable, atmospheric beauty of nature. Tranströmer's work is also characterized by a sense of mystery and wonder underlying the routine of everyday life, a quality which often gives his poems a religious dimension. He has been described as a Christian poet.  Tranströmer is acclaimed as one of the most important Scandinavian writers since the Second World War. Critics praised his poetry for its accessibility, even in translation. His poetry has been translated into over 60 languages. He was the recipient of the 1990 Neustadt International Prize for Literature and the 2011 Nobel Prize in Literature.


Histoire.

Historique.

Le Slavia est fondé en 1892 à Prague dans le quartier de Vinohrady, comme club de sport, où le cyclisme domine. En , un nouveau sport est introduit : le football.  Le , le Slavia remporte son premier match 6-0 face à l'AC Sparta Prague. La grande époque du Slavia commence en 1905, lorsque l’ancien entraîneur du Celtic Football Club, l’Écossais John William Madden introduit de nouvelles tactiques de jeu venues de son pays d'origine. Il établit un âge d'or qui dure 25 ans. Il est le premier entraîneur du Slavia ; avant lui, il n'y avait que des capitaines d'équipe aux pouvoirs limités.  Sous la direction de Madden, le Slavia gagne 134 matches nationaux sur un total possible de 169, et 304 internationaux sur 429 entre les années 1905 et 1930. En 1930, Madden prend sa retraite à l'âge de 66 ans, pourtant, il reste à Prague jusqu’à sa mort.  Durant la Coupe du monde de football 1934, l’équipe de Tchécoslovaquie comporte 8 joueurs du Slavia. Le deuxième âge d’or vient quand le Slavia acquiert Josef Bican en provenance de l'Admira Vienne. Avec ce joueur célèbre, le Slavia remporte le Championnat de Bohême-Moravie en 1940, 1941, 1942 et 1943.  En 1951, le Slavia termine en et de piètres résultats s’enchaînent au cours des dix-neuf ans qui suivent. Dans les années 1950 et 1960, le Slavia est relégué à deux reprises. Il retrouve l'élite en 1965.  Une nouvelle période au sommet commence en 1990, lorsque beaucoup de jeunes joueurs dont Vladimír Šmicer et Patrik Berger, arrivent au club.  En 1996, le Slavia remporte son quatorzième titre après 49 ans sans titre.

Structures du club.

Infrastructures.

Le Slavia Prague est propriétaire et résident de l'Eden Aréna, stade de places assises où il dispute donc ses matchs à domicile.

Section féminine.

Le Slavia Prague crée une section féminine en 1966.

Actionnariat.

Jusqu'en , 31 % du club était la propriété d'ENIC Sports Ltd, qui ont également des participations importantes dans Tottenham Hotspur et l'AEK Athènes. Et 61 % sont détenus par une société tchèque Key Investments. Les 8 % restants sont détenus par des actionnaires mineurs. Depuis cette date, le club est contrôlé par deux hommes d'affaires tchèque Tomáš Rosen et Petr Doležal.

Le SK Slavia Prague (en ) est un club tchèque de football basé à Prague. Fondé en 1892, il est l'un des clubs les plus titrés de Tchéquie.  Les joueurs du Slavia de Prague sont connus sous le surnom de Sešívaní, ce qui signifie les cousus. Ce surnom fait allusion au maillot initial de l'équipe du Slavia qui mêle deux moitiés, l'une rouge et l'autre blanche. La légende veut qu'une des sœurs d'un des joueurs du Slavia avait été chargée de coudre les maillots des joueurs à l'occasion de leur premier match et que celle-ci avait du tissu mais pas assez pour en faire des maillots monochromes. Elle a dû utiliser pour parfaire le maillot deux moitiés de tissus l'un de couleur blanche et l'autre rouge et les assembler en les cousant ensemble, d'où le nom les Maillots cousus.

Sportovní klub Slavia Praha – fotbal (Sports Club Slavia Prague – Football, ), commonly known as Slavia Praha / Slavia Prague, is a Czech professional football club in Prague. Founded in 1892, they are the second most successful club in the Czech Republic since its independence in 1993.  They play in the Czech First League, the highest competition in the Czech Republic. They play the Prague derby with Sparta Prague, an important rivalry in Czech football. Slavia has won 19 titles, several Czech cups and the Mitropa Cup in 1938. The club has won five league titles since the foundation of the Czech league in 1993. They have also reached the semi-finals of the 1995–96 UEFA Cup and qualified for the 2007–08 UEFA Champions League group stage for the first time in their history. In 2019, Slavia reached the quarter-finals of the 2018–19 UEFA Europa League and also qualified for the 2019–20 UEFA Champions League group stage for the second time in their history.  In addition to their men's squad, Slavia Prague has reserve, youth, and women's teams.


Biographie.

José Sanjurjo est né à Pampelune en 1872. Il entre dans l'armée et participe à la guerre contre les États-Unis à Cuba en 1896 puis rejoint l'armée espagnole au Maroc à partir de 1909 et participe en 1921 à la reconquête de Melilla.

Soutien au coup d'État de Primo de Rivera.

Au moment du coup militaire de Primo de Rivera, en , Sanjurjo est gouverneur militaire de Saragosse ; il appuie sans réserve le soulèvement et la dictature de Primo de Rivera qui s'ensuit.  En 1925, il participe au débarquement d'Al Hoceima, puis devient haut commissaire espagnol au Maroc ; il est promu lieutenant général et en 1927, à la fin de la guerre du Rif, le roi Alphonse XIII lui concède le titre de « marquis du Rif ».  En 1928 il prend la direction de la Guardia Civil.  En 1931, pour son action durant la guerre du Rif, il reçoit également du Roi la Grand-Croix de Charles III.

La seconde république.

Sanjurjo ne fait rien pour éviter la chute du Roi Alphonse XIII et accueille avec bienveillance l'avènement de la république en 1931. Il est le premier militaire haut gradé à se placer sous les ordres du comité révolutionnaire de la république. Ce changement de posture de Sanjurjo semble motivé par la rancœur suscitée par le renvoi de Primo de Rivera par le Roi après la chute de la dictature en 1930.  De façon générale il est en désaccord avec la réforme militaire de la gauche menée par le président Manuel Azaña, en particulier la réduction des effectifs de l'Armée et la nomination de López Ferrer, un civil, au poste de haut commissaire au Maroc.  Le soupçonnant de comploter contre le régime, le président lui retire la direction de la guardia civil pour le remplacer par le général Miguel Cabanellas puis le limoge de la direction des officiers de douane ("").

La "Sanjurjada".

En 1932, il n'attend plus rien du nouveau régime et se rapproche des monarchistes et carlistes. Il lance un pronunciamiento, qui passera à la postérité sous le nom de Sanjurjada. Il échoue et tente de fuir au Portugal mais il est arrêté, jugé et condamné à mort. La peine est commuée en prison à perpétuité mais il est finalement libéré en mars 1934 par le gouvernement d'Alejandro Lerroux et exilé à Estoril au Portugal.

La guerre civile.

En février 1936, le Front populaire espagnol remporte les élections générales et suscite rapidement une vive hostilité dans les secteurs traditionalistes de la société espagnole.  Le , les cinq généraux Emilio Mola, Francisco Franco, Joaquín Fanjul, José Enrique Varela et Luis Orgaz Yoldi, et Valentín Galarza Morante ("") se réunissent et s'accordent pour confier le commandement suprême des opérations à Sanjurjo, qui accepte après un entretien avec un émissaire envoyé par Mola.  Le , le soulèvement des généraux nationalistes marque le début de la guerre civile espagnole.  Le , Sanjurjo est tué dans le crash de l'avion qui devait le ramener en Espagne pour prendre le commandement militaire de l'insurrection. Lorsque quelques mois plus tard Emilio Mola meurt également dans un accident d'avion circulent nombreuses rumeurs infondées affirmant que Franco avait comploté contre eux.  S'il n'était pas mort dans cet accident, il y a tout lieu de penser que Sanjurjo aurait dirigé les opérations militaires de la guerre, et probablement le nouveau régime.

José Sanjurjo Sacanell, né à Pampelune (Espagne) le et mort à Estoril (Portugal) le , est un militaire espagnol. Il participa ou donna son soutien à plusieurs coups de force nationalistes ; il est surtout connu pour être l'un des principaux conspirateurs du soulèvement de juillet 1936 qui déboucha sur la Guerre d'Espagne.

General José Sanjurjo y Sacanell, 1st Marquess of the Rif (; 28 March 1872 – 20 July 1936), was the senior of the three leaders of the Nationalist coup of July 1936, which started the Spanish Civil War.  He was killed in an air crash on the third day of the rebellion, when he was flying in from Portugal, to take up his position in command of Franco and Mola. Surprisingly, he had chosen to fly in a small, overloaded plane, because the pilot was a friend of his. Sabotage was suspected, but never proven.