Description.

La Welwitschia pousse à partir d'un tronc court et épais qui comporte uniquement deux feuilles qui croissent continuellement à partir de leur base et une longue et épaisse racine pivotante. Ces deux feuilles ne sont jamais remplacées, une caractéristique unique dans le règne végétal. Après la germination, les deux feuilles, plus ou moins laciniées par l'âge, correspondent aux cotylédons, la Welwitschia étant une plante néoténique. La croissance continue sur les côtés ; cela donne forme à la croissance obconicale de la tige.  Les feuilles peuvent atteindre une longueur de 2 à et sont généralement divisées en bandes longitudinales, ce qui peut parfois masquer le fait qu'il n'y a que deux feuilles à l'origine. Elles croissent par la base et se dessèchent par l'apex. Elles poussent à une vitesse d'environ un demi-millimètre par jour, ce qui, combiné à l'âge des plantes, donnerait des feuilles très longues, mais elles sont continuellement diminuées par les conditions atmosphériques, l'abrasion due aux tempêtes de sable, et les animaux. La durée de vie maximale des cellules des feuilles est d'une dizaine d'années. Les feuilles mesurent environ 1.4 cm d'épaisseur, et leur rigidité résiste aux conditions difficiles.  L'espèce est dioïque, les plantes mâles et femelles étant distinctes. Les organes reproducteurs sont des strobiles. La pollinisation, à savoir le transfert du pollen des fleurs mâles aux fleurs femelles, semble être réalisée par les insectes (mouches, abeilles, bourdons) attirés par le nectar produit aussi bien par les fleurs mâles que femelles.  Les graines mesurent 36x25 mm et sont entourées d'une fine ailette qui permet sa dispersion par le vent.  L'âge des plantes est difficile à évaluer, mais on estime qu'elles ont une durée de vie extrêmement longue. Les datations au carbone 14 d'échantillons prélevés au cœur des racines les plus anciennes ont abouti à un âge minimum de plus de 400 ans. Compte tenu de leur taille, certains spécimens pourraient atteindre les 2000 ans.

Écologie.

Adaptation au climat aride.

Le climat auquel Welwitschia a dû s'adapter est devenu de plus en plus sec aux cours des derniers millions d'années : elle ne survit aujourd'hui que grâce aux brouillards, ce qui limite son aire à la zone côtière. On pense qu'elle absorbe l'eau par le biais de structures particulières de ses feuilles recueillant l'humidité de la rosée qui apparaît dans le désert chaque nuit. Chez les plantes âgées, les plis des rubans des feuilles maintiennent de l'humidité dans le sol autour de la plante, ainsi que des débris organiques qui enrichissent le sol. Comme adaptation supplémentaire aux conditions arides et aux températures chaudes de la journée (c'est la seule espèce de gymnospermes à agir ainsi), "W. mirabilis" utilise le métabolisme acide crassulacéen (CAM) qui est un moyen de fixer le carbone par la photosynthèse.

Interactions avec la faune.

La plante constitue une source importante d'humidité, voire de nourriture, ainsi qu'un micro habitat, pour de nombreuses espèces. En période de sécheresse importante, des espèces comme l'oryx gazelle, le springbok, le zèbre de Hartmann, le rhinocéros noir, et d'autres ongulés en mâchent les feuilles. Une espèce d'alouette, l'Ammomane de Gray ("Ammomanopsis grayi"), peut nicher dans ou sous la plante. Des serpents (dont la vipère à corne d'Afrique du Sud), des lézards, des caméléons, et des arthropodes utilisent la plante comme abri.  Un insecte hétéroptère de la famille des "Pyrrhocoridae" (la famille de nos gendarmes européens) "Probergrothius sexpunctatis", est associé à "Welwitschia". Il se nourrit notamment d'exsudats d'une cochenille farineuse de la famille des "Pseudococcidae", "Paracoccus sp"., qui parasite la plante, ainsi que de sève, de graines et de cônes de la plante. On a cru initialement qu'il pollinisait la plante, ce qui a été démontré comme infondé. Par contre, il est l'un des vecteurs de l'infection des plantes par "Aspergillus niger".

Origine.

On pense que "Welwitschia" est une relique du Jurassique, initialement plutôt adaptée à des conditions tropicales, qui a réussi à s'adapter à des conditions devenues de plus en plus arides, alors qu'aucune de ses espèces parentes n'a survécu.

Distribution.

L'espèce est endémique d'Angola et de Namibie, sur la côte ouest de l'Afrique australe, sur une bande côtière de 1200 km de long entre Moçâmedes en Angola, et la rivière Kuiseb en Namibie, et sur 100 à 150 km de profondeur, là où l'humidité de l'océan se fait sentir par des brouillards côtiers. Elle pousse en populations isolées de quelques rares individus à un millier d'individus.

Taxonomie.

L'Occident a découvert la plante en 1859, par le botaniste autrichien Friedrich Welwitsch, qui, sur mandat du Portugal, collecta des milliers de plantes entre 1853 et 1861. La petite histoire raconte qu'il aurait été tellement impressionné à sa vue qu'il serait tombé à genoux et serait resté à la fixer du regard. Elle a également été rencontrée par le dessinateur-voyageur Thomas Baines en 1861. Welwitsch a envoyé les premiers échantillons à Joseph Dalton Hooker, directeur des jardins de Kew, en 1862. Celui-ci lui a donné le nom de genre de "Welwitschia" en son honneur, contre l'avis de Welwitsch lui-même, qui souhaitait qu'elle soit appelée "Tumboa", son nom angolais. L'épithète scientifique "mirabilis" signifie « admirable, merveilleux » en latin.  Deux sous-espèces sont reconnues: "W. mirabilis subsp. mirabilis", et "W. mirabilis subsp. namibiana" Leuenb. (synonymes: "Tumboa bainesii" (Hook.f. 1861), "Welwitschia bainesii" Hook.f.).  L'espèce est classée au sein des "Gnetopsida" avec deux autres familles monotypiques particulières, les "Gnetum" et les "Ephedra", soit au sein de l'ordre des "Gnetales", soit en trois ordres distincts, et alors au sein des "Welwitschiales". La position des "Gnetopsida" ou des "Gnetales" au sein des Gymnospermes, en particulier des Conifères, est encore discutée.

Noms vernaculaires.

Elle est dénommée "welwitschia ou tree tumbo" en anglais", tumboa, n'tumbo" en angolais, "tweeblaarkanniedood" en afrikaans, "!kharos" en nama/damara, "nyanka" en damara, "khurub" en nama, "onyanga" en héréro.

"Welwitschia mirabilis" et l'Homme.

Alimentation.

Des peuples de la région l'ont consommée. Son nom en héréro, "onyana," signifie « oignon du désert ».

Statut et menaces.

Bien que considérée comme potentiellement menacée selon les critères de la liste rouge de l'UICN"", à cause de sa croissance très lente, et malgré le fait que les plantes les plus anciennes soient très recherchées des collectionneurs, un bon nombre de spécimens existent à l'état sauvage. Pour cette raison, elle a été déplacée de l'Annexe I à l'Annexe II de la CITESconcernant les limitations de la commercialisation : seules ses graines peuvent être commercialisées, mais pas les plantes. Les plantes vivant en Angola sont généralement considérées comme mieux protégées que celles de Namibie, en raison d'une concentration relativement forte de mines en Angola, vestiges de la guerre, qui éloignent les collectionneurs. En Namibie, elle est protégée par une Ordonnance de protection de la nature datant de 1975. Elle est suivie dans le cadre de l"'IUCN Sampled Red List Index for Plants" et d'autres projets afin d'identifier l'évolution des risques qui la menacent"".  On a constaté une recrudescence des infections des graines et des organes reproducteurs femelle par le champignon pathogène "Aspergillus niger," ce qui diminue fortement la capacité de reproduction de la plante, à un point pouvant devenir préoccupant dans un avenir proche. Dans une étude menée en 1998 en Namibie, une moyenne de 82% des plants femelles et 55% des graines étaient infectées par ce champignon. Les vecteurs semblent être liés à la pollinisation (infection par le micropyle) et les insectes comme "Probergrothius sexpunctatis", qui véhiculent des spores du champignon, également présents dans l'air et le sol environnant, et hébergés par d'autres plantes des mêmes périmètres. De plus, le vent et la chaleur du désert facilitent également la propagation et le développement des spores"".  Les autres menaces sont les véhicules 4x4 qui peuvent occasionner des blessures ou même la mort des plantes, en lien notamment avec le développement de l'écotourisme, les collectionneurs de plantes, et le surpâturage.

Culture.

L'espèce pousse facilement à partir de semences qui peuvent être achetées chez des revendeurs spécialisés. Les graines doivent être maintenues humides pendant une quinzaine de jours et doivent être exposées à autant de chaleur et de lumière que possible durant cette période.  Les graines recueillies dans la nature sont souvent fortement contaminées par des spores d"'Aspergillus niger" ce qui provoque leur pourriture peu après la germination. Les graines cultivées du Jardin botanique national Kirstenbosch du Cap en Afrique du Sud ou d'autres sources sont plus propres et moins susceptibles de pourrir.

Héraldique.

La plante figure sur les armoiries de la Namibie et sur le blason de l'équipe de rugby des "Westelike Rugby Subunie".

Autres.

Les joueurs de l'équipe de Namibie de rugby à XV sont surnommés les « Welwitschias ».  L'aéroport de Moçâmedes (Angola) a été baptisé en 2014 « Aéroport international Welwitschia mirabilis » en l'honneur de cette plante endémique exceptionnelle.  Cette plante est devenue un motif d'écotourisme. Des visites en bus sont également organisées dans le parc national de Namib-Naukluft pour voir la plus grande welwitschia.

Welwitschia mirabilis est la seule espèce du genre "Welwitschia" et de la famille des "Welwitschiacées". Cette plante est considérée comme une espèce panchronique.  Cette plante très particulière des déserts côtiers de Namibie et d'Angola (désert du Namib) a été nommée en l'honneur du Friedrich Welwitsch qui l'a découverte en 1860. Sa position taxonomique, comme unique représentant non seulement de sa famille, mais de son ordre, celui des Welwitschiales, souligne son caractère unique et son éloignement des autres plantes.  Elle est constituée de deux grandes feuilles linéaires qui croissent de façon indéfinie dans des sens opposés et dont les extrémités se dilacèrent. Sa longévité est considérable : certains spécimens observés ont entre .  Particularité de cette gymnosperme, elle possède ses cônes mâles qui, en plus de porter le pollen, ont quelques ovules stériles et du nectar, ce qui suggère une tentative échouée d'inventer la fleur hermaphrodite. Cette plante possède également des gènes similaires à ceux responsables de la formation des fleurs, et organisés selon la même hiérarchie. Elle montre ainsi les mécanismes ancestraux possibles par lesquels est apparue une structure aussi complexe que la fleur au cours de l'évolution.

Welwitschia is a monotypic gymnosperm genus, comprising solely the distinctive "Welwitschia mirabilis", endemic to the Namib desert within Namibia and Angola. The plant is commonly known simply as welwitschia in English, but the name tree tumbo is also used. It is called "kharos" or "khurub" in Nama, "tweeblaarkanniedood" in Afrikaans, "nyanka" in Damara, and "onyanga" in Herero. "Welwitschia" is the only living genus of the family Welwitschiaceae and order Welwitschiales, in the division Gnetophyta. Informal sources commonly refer to the plant as a "living fossil".


Histoire.

Origines.

Les origines de l'oratorio sont indissociables de l'ordre religieux des Oratoriens créé au autour de saint Philippe Néri. En effet, s'inscrivant dans le renouveau de la Contre-Réforme, les Oratoriens se réunissaient en dehors des offices dans la partie de l'église nommée oratoire pour y commenter des textes sacrés et y chanter des laudes, chant polyphonique en italien de courte durée. En 1575, le pape officialise la communauté, qui va prendre place dans la "Chiesa Nuova" à Rome. Le principe des oratoriens connaît un grand succès, particulièrement auprès des jeunes, surtout en raison de la place de plus en plus importante de la musique au sein de ces réunions. Le phénomène prend peu à peu de l'ampleur. D'abord chantées de part et d'autre d'un sermon, les laudes sont ensuite unifiées en deux parties (devenant une véritable œuvre musicale).  Un compositeur d’opéras ne pouvant pas tirer l’argument de son œuvre d’un sujet sacré, le but des créateurs de l’oratorio est de relever le défi de cette impossibilité naturelle en créant une forme spécifique qui puisse aborder ce type de sujet tout en présentant le même potentiel de séduction que l’opéra naissant. Le « recitar cantando » ou « stile recitativo » (style récitatif) est ainsi utilisé pour servir un sujet sacré, la musique des oratoriens s'apparentant ainsi au madrigal spirituel. Se développent également des dialogues entre des allégories ou personnages bibliques. Le genre se situe donc à la croisée des chemins entre l'opéra, le madrigal et le motet. L’ambiguïté n'a pas échappé à la plume de la musicologue Marie Bobillier qui résume la situation :  La toute première représentation d’un oratorio, sous le nom de « dramma per musica » (ou encore représentation spirituelle en "stile recitativo"), a lieu avec la création de "La rappresentatione di anima e di corpo" d’Emilio de' Cavalieri en février 1600 à la Chiesa Nuova de Rome.  Dans les années 1640, l'oratorio est institué, le terme commence à devenir majoritaire pour définir ce genre de musique. Deux catégories d'oratorios se distinguent alors : l'oratorio vulgare (en langue vernaculaire) et l'oratorio latino (en latin) ou histoire sacrée ou encore Motets dramatiques. Deux grandes figures s'illustrent à l'époque dans ce genre. Il s'agit de Giacomo Carissimi et Luigi Rossi. Carissimi écrit beaucoup d'oratorios et marque de son empreinte l'évolution du genre. Sa plus grande œuvre est "Jephte", un oratorio latino construit autour d'un choral. Si ce genre précis ne trouvera pas de descendance, l'attention de Carissimi pour les chœurs et la variété de ces derniers marque l'histoire de l'oratorio. Le genre trouve une de ses caractéristiques principales avec une succession de sections qui alternent les effectifs et un narrateur (qu'il soit chœur ou soliste). Il n'y a pas de mise en scène, les chœurs sont tour à tour descriptifs, guerriers, verticaux, rythmiques, suivant les principes du « stile rappresentativo ». Marc-Antoine Charpentier qui eut pour maitre Giacomo Carissimi composera 34 Histoires sacrées. Luigi Rossi écrit quant à lui, composera des cantates morales, que l'on classe également avec les oratorios.  En ce qui concerne la fin du , le genre est représenté par deux grandes figures : Alessandro Stradella et Alessandro Scarlatti, jusqu'au premier quart du siècle suivant. Profitant de l'essor de l'opéra et du développement de l'aria, l'oratorio se développe. Ceci est encouragé par l'interdiction de fréquenter les opéras durant les périodes de carême, l'oratorio faisant ainsi office de remplaçant. Les grands auteurs d'opéras que sont Scarlatti et Stradella seront ainsi des grands compositeurs d'oratorios, liés aux évolutions stylistiques de leur équivalent profane. En Italie, le genre s'éteindra par la suite peu à peu.  Hors d'Italie, le genre est représenté par Marc-Antoine Charpentier et Joseph Cassanea de Mondonville en France et Heinrich Schütz en Allemagne, tous trois formés en Italie. En France, le genre ne prend pas vraiment et l'on regarde la musique italienne et ses innovations avec étonnement, à l'exemple de André Maugars et sa "Response faite à un Curieux", sur le sentiment de la musique d'Italie en 1639, écrite lors d'un voyage à Rome. L'oratorio allemand, d'abord représenté par Schütz va connaître quant à lui un avenir prolifique, Jean-Sébastien Bach et ses passions lui faisant atteindre son apogée.  De fait, toute l’histoire de l’oratorio jusqu’à nos jours montre que le genre reste tributaire de cette relation peu tranchée avec la musique profane, y compris à du genre. Haendel, par exemple, utilise exactement les mêmes airs dans un opéra profane et dans un oratorio à sujet sacré).

L’âge d’or de l’oratorio.

C’est du que datent les plus éclatantes réussites du genre, celles auxquelles le nom de l’oratorio est le plus fréquemment associé : la "Passion selon saint Matthieu" de Bach (1729), le "Messie" de Haendel (1742) et "La Création" de Haydn (1798). De façon générale, l’oratorio connaît son âge d’or entre la fin du et le début du .  Si les incursions ponctuelles de Mozart ("Le devoir du Premier Commandement", K.35, seule la première partie, 1767, "La Bétulie libérée", 1771, "David pénitent", 1785) et Beethoven ("Le Christ au Mont des Oliviers", 1803) n’ont guère marqué le genre ni les mémoires, certains compositeurs se montrent très prolifiques dans ce domaine, comme Alessandro Scarlatti (21 conservés sur 38 composés), Antonio Vivaldi (seule la "Juditha triumphans" nous est parvenue sur une trentaine) ou Georg Friedrich Haendel (une trentaine d’oratorios également), dont l’immense majorité est tombée dans l’oubli ou a été perdue.

Évolution du genre à l’époque moderne.

L’oratorio connaît encore quelques réussites marquantes dans la première moitié du , comme "Paulus" et "Elias" de Mendelssohn ; mais dans l’ensemble le genre semble tomber peu à peu en désuétude. Un certain nombre de compositeurs le jugent désormais figé dans une esthétique anachronique.  Parallèlement, le voit, sinon l’apparition, du moins le développement d’oratorios profanes conservant dans les grandes lignes la structure de l’oratorio mais sur des sujets non-bibliques et avec parfois une esthétique musicale sensiblement différente des canons du genre, comme c’est le cas par exemple avec Schumann et ses "Das Paradies und die Peri" en 1843 et "Der Rose Pilgerfahrt" en 1851, qui conjuguent des traits propres à l’oratorio et au lied. Schumann est le premier à utiliser la dénomination d’"oratorio profane". Dans les années 1870, Max Bruch joue également un rôle déterminant dans le genre avec "Normannenzug", "Odysseus", "Arminius".  Inversement, des compositeurs commencent à écrire des opéras sur des sujets sacrés. Saint-Saëns renonce à tirer un oratorio de l’histoire de Samson et Dalila et opte finalement pour la forme de l’opéra pur. Richard Strauss lui emboîtera le pas quelques décennies plus tard avec sa "Salomé" directement inspirée de la pièce de théâtre d’Oscar Wilde. Entretemps, Wagner aura présenté son "Parsifal" comme une œuvre sacrée ; on sait également qu’il avait projeté, un temps, de réaliser un opéra sur Jésus lui-même (WWV 80).  Toutefois, aussi bien "Samson et Dalila" de Saint-Saëns que "Salomé" de Richard Strauss furent officiellement présentés en Angleterre comme des oratorios jusqu’au début du (l’autorisation royale de représenter "Samson et Dalila" en tant qu’opéra à Covent Garden date de 1910). En la matière, l’Angleterre se montra plus conservatrice et conserva plus longtemps que d’autres pays d’Europe une conception stricte de l’oratorio.  Il apparaît toutefois que ce sont peut-être de tels facteurs, "a priori" signes d’une déliquescence du genre, qui, en le faisant évoluer et en le diversifiant, permirent à l’oratorio de subsister au autrement que sous une forme « fossile ». Au contraire, que ce soit de façon régulière, comme Arthur Honegger (qui en composa une demi-douzaine), ou de façon plus ponctuelle, plusieurs compositeurs modernes et contemporains se sont intéressé à l’oratorio, sous ses diverses formes : oratorio "liturgique", oratorio dramatique d’inspiration biblique, profane ou païenne, sans oublier des formes hybrides comme l’« opéra-oratorio » ("Œdipus rex" d'Igor Stravinsky), le genre offre désormais une vaste palette de possibilités. Un compositeur comme Arnold Schönberg s’essaiera aussi bien à l’oratorio d’inspiration biblique ("L'Échelle de Jacob") qu’à l’oratorio à sujet profane ("Un survivant de Varsovie") et à l’opéra à sujet biblique ("Moïse et Aron"). À l’aube du , l’oratorio ne ressemble plus nécessairement à ce qu’il était du temps de Schütz, Scarlatti ou même Haendel, mais il est toujours pratiqué et reste ouvert, comme il le fut tout au long de son histoire, à l’expérimentation. "L'évangile selon Jean" d'Abed Azrié, pour voix solistes et chœur mixte, avec orchestre d'Orient et d'Occident, qui traite pour la première fois le texte intégral de l'évangile de Jean, et non pas simplement la Passion.

Composantes.

Éléments caractéristiques.

L’oratorio, histoire sacrée ou motet dramatique a rapidement évolué en différentes formes. Il peut être chanté en latin ou en langue vernaculaire. Il peut être narratif et dramatique, à la manière de l’opéra, ou plus proche des formes de la cantate et de la liturgie. Dans ce dernier registre, il convient de réserver la place toute particulière que prit le genre de la Passion, dont le sujet, comme son nom l’indique, est la Passion du Christ.  Toutefois, en dépit des différences que l’on peut trouver entre plusieurs styles d’oratorio, un certain nombre de traits structurels distinctifs sont communs à l’ensemble du genre :  L’oratorio n’étant pas destiné à la représentation scénique, les rôles ne sont pas toujours individualisés et un même chanteur peut interpréter plusieurs rôles.

Interprétations en public.

Par définition, un oratorio est exécuté en public sans mise en scène, ni décors, ni costumes, l'œuvre étant interprétée dans une salle de concert, l'orchestre jouant sur scène avec le chœur et les solistes.  Exceptionnellement, il peut être présenté sous forme d'opéra comme "Le Messie" de Haendel au Theater an der Wien en 2009, sous la direction de Jean-Christophe Spinosi, avec une mise en scène de Claus Guth. Cette version, tel un opéra moderne dont l'action se déroule dans un hôtel (alternativement dans le hall d'accueil, dans une chambre, dans les couloirs et dans la salle de réception), voit les solistes et les membres du chœur vêtus comme dans la vie de tous les jours. Ils semblent attendre l'arrivée d'une personne importante, à noter également une chorégraphie du chœur et une personne s'exprimant en langage des signes.

Un oratorio (au pluriel : oratorios, le « s » final ne se prononce pas) est une œuvre lyrique dramatique représentée sans mise en scène, ni costumes, ni décors. Il peut toutefois y avoir une mise en espace. La partition est généralement composée pour voix solistes, chœur (tout aussi bien que chœur et voix solistes) avec orchestre, avec parfois un narrateur. Son sujet est le plus souvent religieux (épisode extrait de la Bible ou des Évangiles, de la vie du Christ ou d’un saint… ). Il peut être aussi profane (héros mythologique, sujet historique, hymne à la nature…). Formellement assez proche de la cantate et de l’opéra, l'oratorio comprend généralement une ouverture, des récitatifs, des airs et des chœurs.  Au cours de l'histoire de la musique, de nombreux compositeurs ont illustré ce genre : Heinrich Schütz ("Les Sept Paroles du Christ en croix", 1645), Marc-Antoine Charpentier, 34 Oratorios (ou Histoires Sacrées) dont Le "Reniement de St Pierre H 424" (16??), "Josue H 404" 1681, "Judicium Salomonis H 422", (1702), "Extremum Dei Judicium" H 401 (1681), Johann Sebastian Bach ("Passion selon saint Matthieu", 1727, "Oratorio de Noël", 1734), Georg Friedrich Haendel ("Le Messie", 1742), Joseph Haydn ("La Création", 1798, "Les Saisons", 1801), Ludwig van Beethoven ("Le Christ au Mont des Oliviers", 1803), Felix Mendelssohn ("Paulus", 1836, "Elias", 1846), Robert Schumann ("Das Paradies und die Peri", 1843, "Der Rose Pilgerfahrt", 1851), Hector Berlioz ("L'Enfance du Christ", 1854), Franz Liszt ("Die Legende von der heiligen Elisabeth", 1865, "Christus", 1873), Camille Saint-Saëns ("Moïse sauvé des eaux 1851, Le Déluge" 1876), César Franck ("Les Béatitudes", 1879), Charles Gounod ("Mors et vita", 1885), Lorenzo Perosi ("La risurrezione di Cristo", 1898), Jules Massenet ("La Terre promise," 1900")", Arthur Honegger ("Le Roi David", 1921, "Jeanne d'Arc au bûcher", 1935), Igor Stravinsky ("Œdipus rex", 1927), Dmitri Chostakovitch ("Le Chant des forêts", 1949), Sergueï Prokofiev ("En garde pour la paix", 1950), Arnold Schönberg ("Die Jakobsleiter", 1961), Paul McCartney ("Paul McCartney's Liverpool Oratorio", 1991, "Ecce Cor Meum", 2001) ou John Adams ("El Niño", 2000, "The Gospel According to the Other Mary", 2012).

An oratorio () is a large musical composition for orchestra, choir, and soloists. Like most operas, an oratorio includes the use of a choir, soloists, an instrumental ensemble, various distinguishable characters, and arias. However, opera is musical theatre, while oratorio is strictly a concert piece – though oratorios are sometimes staged as operas, and operas are sometimes presented in concert form. In an oratorio the choir often plays a central role, and there is generally little or no interaction between the characters, and no props or elaborate costumes. A particularly important difference is in the typical subject matter of the text. Opera tends to deal with history and mythology, including age-old devices of romance, deception, and murder, whereas the plot of an oratorio often deals with sacred topics, making it appropriate for performance in the church. Protestant composers took their stories from the Bible, while Catholic composers looked to the lives of saints, as well as to Biblical topics. Oratorios became extremely popular in early 17th-century Italy partly because of the success of opera and the Catholic Church's prohibition of spectacles during Lent. Oratorios became the main choice of music during that period for opera audiences.


Biographie.

Famille et jeunesse.

Jean-Louis Trintignant naît le à Piolenc à au nord-ouest d'Orange. Il est le fils de Raoul Trintignant, industriel, maire (SFIO) de Pont-Saint-Esprit (1944 - 1947) et conseiller général du canton homonyme (1945 - 1949). Raoul Trintignant a été l'un des responsables de la Résistance à Pont-Saint-Esprit avant de rejoindre un maquis de l'Ardèche. Il est arrêté par des légionnaires incorporés dans l'armée allemande en et emprisonné aux Baumettes jusqu'à la Libération. Claire Tourtin, sa mère, issue d'une riche famille de Bollène, est tondue après la guerre pour avoir eu une liaison avec un soldat allemand. Ces événements et leurs conséquences sur les relations entre son père et sa mère marqueront durablement Jean-Louis Trintignant.  Trois de ses oncles se passionnent pour la course automobile. L'ainé Louis Trintignant (1903-1933) se tue lors des essais du prix de Picardie. Henri Trintignant participe au Grand Prix de France en 1936. Maurice Trintignant (1917-2005) aura après la guerre une carrière exceptionnelle, courant notamment pour Bugatti, Lotus, Ferrari. Jean-Louis héritera de leur passion et se lancera dans la compétition bien des années plus tard.  En 1944, il se découvre une passion pour la poésie de Jacques Prévert qui ne le quittera plus de sa vie avec entre autres Guillaume Apollinaire et Louis Aragon.  En 1949, alors qu'il est étudiant à la faculté de droit d'Aix-en-Provence, il assiste à une représentation de "L'Avare", comédie de Molière mise en scène par Charles Dullin : cette pièce est pour lui une révélation. Il assiste peu après à une représentation de "Jules César" par Raymond Hermantier, qui lui fait découvrir et aimer Shakespeare. Il abandonne ses études, décide de suivre les cours de comédie de Charles Dullin - mort entretemps - et de Tania Balachova à Paris. Cela l'aide à vaincre sa profonde timidité. Son ambition est de devenir comédien au théâtre et metteur en scène au cinéma. C'est pourquoi, parallèlement aux cours d'art dramatique, il entre à l'IDHEC. Il décroche des figurations et des petits rôles, notamment au TNP.

Vie personnelle.

Le à Vincennes, il épouse l'actrice Stéphane Audran, qu'il a connue au cours de Tania Balachova. Le couple divorcera en 1956, après que l'acteur a engagé une liaison amoureuse avec Brigitte Bardot, sur le tournage du film "Et Dieu... créa la femme". Il s'installe avec elle avenue Paul Doumer. Cette liaison prendra fin à l'automne 1957 lors du service militaire de l'acteur, quand il découvrira que BB a une aventure avec Gilbert Bécaud. En 1958, il rencontre Nadine Marquand, la soeur de Serge et Christian Marquand qui sont de grands amis de Roger Vadim avec qui Trintignant s'est lié. Elle est alors monteuse et deviendra réalisatrice quelques années plus tard. Ils se marient en 1961. Il tournera cinq films avec elle. Ils ont trois enfants : Marie (1962-2003), Pauline (née en 1969 et morte à l'âge de dix mois pendant le tournage du "Conformiste" à Rome, probablement par asphyxie liée à une régurgitation de lait) et Vincent Trintignant (1973).  En 1973, pendant le tournage du film Le Train Jean-Louis vit une histoire d'amour intense avec sa partenaire Romy Schneider. Elle prendra fin trois mois plus tard, laissant l'actrice désespérée. Jean-Claude Brialy et Jacques Dutronc confirmeront l'importance de cette relation pour Romy Schneider, à qui Trintignant témoignera toujours son admiration et son affection. Cependant il a choisi de poursuivre sa vie avec Nadine. Celle-ci le quittera à la fin des années 1970 pour vivre avec le réalisateur Alain Corneau. Le divorce avec Jean-Louis Trintignant aura lieu au début des années 1980. Entretemps le comédien rencontre Marianne Hoepfner, pilote de rallye, dont il partage la vie et qu'il épousera en 2000.  En 1998, Nadine Trintignant épouse Alain Corneau qui adopte dans la foulée Marie et Vincent, avec le consentement de Jean-Louis.  Marie a eu quatre enfants :  De son propre aveu, Jean-Louis Trintignant ne s'est jamais remis de la mort brutale de Marie.  En , il déclare publiquement être atteint d'un cancer mais il refuse tous les traitements médicaux.

Les débuts.

En 1951, il débute au théâtre dans la compagnie de Raymond Hermantier avec la pièce "À chacun selon sa faim". Il enchaîne avec la Comédie de Saint-Étienne ou il joue "Macbeth" de William Shakespeare avec Jean Dasté. Puis il suit les cours de réalisateur de l'Institut des hautes études cinématographiques (IDHEC). (Il ne réalisera son premier film que vingt ans plus tard avec "Une journée bien remplie" en 1972 et "Le Maître-nageur" en 1978, qui seront deux échecs commerciaux).

Reconnaissance internationale avec "Et Dieu... créa la femme".

En 1956 après quelques figurations, il fait ses débuts comme acteur de cinéma avec le film "Si tous les gars du monde" de Christian-Jaque et connaît la célébrité internationale en même temps que Brigitte Bardot avec le film mythique à scandale "Et Dieu… créa la femme" de Roger Vadim où il joue le jeune époux fou amoureux de Juliette, une jeune femme à la beauté diabolique qui ne pense qu'à s'amuser et à aimer les hommes dans une communauté du village de Saint-Tropez traditionnellement dure au labeur et attachée aux bonnes mœurs. Sa liaison avec Brigitte Bardot (mariée à Roger Vadim) fait alors couler beaucoup d'encre dans la presse people internationale et fait exploser le couple Vadim-Bardot.

Service militaire et retour dans l'ombre.

Il disparaît totalement durant son service militaire. Il réussit, en se rendant malade avec un mélange de blancs d'œuf et de vin blanc, à éviter d'être envoyé en Algérie. Il est affecté à Trèves en Allemagne, puis à la caserne Dupleix à Paris. Ces années vont le marquer profondément et arrêter momentanément sa carrière de comédien.

Retour à la lumière avec "Un homme et une femme".

Revenu à la vie civile fin 1958, il redevient populaire en jouant de façon magistrale "Hamlet" de William Shakespeare au théâtre et renoue avec le cinéma en 1959 grâce à Roger Vadim qui lui offre un rôle important dans son nouveau film sulfureux "Les Liaisons dangereuses 1960" avec Gérard Philipe, Jeanne Moreau, Annette Vadim et Boris Vian. Il connait le succès en Italie avec "Le Fanfaron" de Dino Risi avec Vittorio Gassman, film emblématique de la comédie à l'italienne des années 1960.  Il connaît à nouveau la gloire internationale avec "Un homme et une femme" de Claude Lelouch récompensé en France par la Palme d'or au Festival de Cannes 1966 et aux États-Unis par les Oscars du meilleur film étranger et du meilleur scénario original en 1967.

Films politiques, cinéma d'auteur et succès au théâtre.

Il joue également dans des films politiquement engagés contre le fascisme et la dictature : "Le Combat dans l'île" d'Alain Cavalier en 1962 et "Z" de Costa-Gavras avec Yves Montand, rôle pour lequel il reçoit le prix d'interprétation masculine au Festival de Cannes de 1969.  Il enchaîne une impressionnante carrière entre cinéma d'auteur, films grand public et théâtre où il prend souvent des rôles d'antihéros au charisme envoûtant et à la voix de velours tourmentée et sarcastique. Il s'impose parmi les plus grands comédiens de sa génération.  En 1968, il est récompensé par l'Ours d'argent du meilleur acteur au Festival du film de Berlin (Berlinale) pour "L'Homme qui ment" d'Alain Robbe-Grillet. Il est ensuite la vedette d'un spaghetti-western de Sergio Corbucci : Le Grand silence, avec Klaus Kinski. Ce film deviendra au fil des années une référence du genre et sera choisi en 2012 pour un hommage rendu au comédien à la Cinémathèque. L'année suivante, il donne la réplique à Françoise Fabian dans un film qui devient rapidement un classique : "Ma nuit chez Maud" d'Éric Rohmer. En 1970, Trintignant interprète ce qu'il considère comme son plus beau rôle, celui de Marcello Clerici dans "Le Conformiste", un film de Bernardo Bertolucci adaptant un roman de Alberto Moravia et considéré aujourd'hui comme un des meilleurs films du cinéaste.  Pendant les années qui suivent, Trintignant tourne beaucoup, en France ("Le Voyou" de Claude Lelouch; "La Course du lièvre à travers les champs" tourné au Québec par René Clément, "Les Violons du bal", œuvre autobiographique de Michel Drach, "Le Secret" de Robert Enrico avec Philippe Noiret et Marlène Jobert, "Flic Story" de Jacques Deray où il partage l’affiche avec Alain Delon) mais aussi occasionnellement en Italie ("La Femme du dimanche" de Luigi Comencini, "La Terrasse" de Ettore Scola). Il se voit également offrir par Bertolucci le rôle principal du film "Le Dernier Tango à Paris", qu'il refuse et qui sera finalement attribué à Marlon Brando.  Trintignant aborde aussi la mise-en-scène une première fois en 1973 avec la comédie d'humour noir "Une journée bien remplie", mettant en vedette Jacques Dufilho, puis une seconde et dernière fois en 1979 avec "Le Maître-nageur", une fable dont le ton sardonique se situe dans la même veine que celui d"'Une Journée bien remplie". Le film "Ça n'arrive qu'aux autres", dans lequel Jean-Louis Trintignant devait jouer son propre rôle auprès de Catherine Deneuve est inspiré de sa vie avec Nadine Marquand et du deuil de leur fille Pauline.  Marie joue dans plusieurs films de sa mère aux côtés de son père et plusieurs pièces de théâtre avec son père. Elle devient la partenaire privilégiée de son père.  Entre 1976 et 1978, il choisit de se retirer momentanément du cinéma et ne tourne que deux films : Les Passagers de Serge Leroy et Repérages de Michel Soutter. Il refuse les rôles de Lacombe dans Rencontres du troisième type de Steven Spielberg et d'un journaliste dans Apocalypse Now de Francis Ford Coppola - les rôles seront repris par François Truffaut et Dennis Hopper. Il s'intéresse à la compétition automobile et court un temps comme pilote automobile professionnel, engagé par British Leyland en formule de production. Il participe à plusieurs rallyes - notamment au rallye de Monte-Carlo à six reprises, terminant entre la 20e et la 65e place - et courses en circuits notamment pour l'équipe du Star Racing Team de Moustache, sur Simca 1000 Rallye. Il y rencontre Marianne Hoepfner, célèbre pilote de rallye, notamment celui du Paris-Dakar 1984. Elle deviendra son épouse en 2000, après son divorce d'avec Nadine Trintignant. Il participe aux 24 heures du Mans en 1980 (abandon) et finit deuxième aux 24 heures de Spa en 1982 avec ses coéquipiers Jean-Pierre Jarier et Thierry Tassin.  Il revient au cinéma en 1978 dans L'Argent des autres de Christian de Chalonge, qui obtiendra un grand succès critique et public.

Années 1980 : retrait progressif du cinéma.

Le début des années 1980 est assez actif pour Trintignant, alors qu'il apparait dans plusieurs films dont "Malevil" de Christian de Chalonge, un rare exemple de film d'anticipation tourné en France ; ou "Eaux profondes", un drame psychologique de Michel Deville inspiré d'un roman de Patricia Highsmith. Il tient également un rôle plus secondaire dans "Le Grand pardon", un film de gangsters réalisé par Alexandre Arcady et qui connait un bon succès .  En 1983, aux côtés de Fanny Ardant, il tourne pour la première fois sous la direction de François Truffaut dans ce qui sera le dernier film du célèbre metteur-en-scène : "Vivement dimanche !", une comédie policière dans laquelle Trintignant incarne un agent immobilier injustement soupçonné de meurtre. Il renoue ensuite avec Claude Lelouch grâce à "Viva la vie."  En 1986, Claude Lelouch lui propose de reprendre son rôle de coureur automobile dans "" dans lequel il retrouve Anouk Aimée. Le film est cependant loin de connaitre le succès de son prédécesseur. Après avoir vécu plusieurs années à Lambesc, il se retire en 1985 dans sa maison d'Uzès dans le Gard à à l'ouest d'Avignon pour vivre en harmonie avec la nature. Il se dit lassé par le cinéma, refuse plusieurs projets et se fait plus rare même s'il revient de temps à autre essentiellement dans des seconds rôles comme dans "La Femme de ma vie" de Régis Wargnier. En 1987 il annonce lors du Festival de Venise qu'il abandonne le cinéma, faisant croire qu'il est gravement malade. Il revient au cinéma deux ans plus tard dans "Bunker Palace Hotel."  Dans les années 1990, il aborde des personnages misanthropes et cyniques, murés dans leur solitude.  En 1994, il tient un rôle remarqué dans "" de Krzysztof Kieślowski et "Regarde les hommes tomber", le premier film de Jacques Audiard. Il apparaît également dans "Fiesta" de Pierre Boutron, qui évoque l'endurcissement des jeunes combattants franquistes durant la guerre d'Espagne.  Il disparaît des écrans, privilégiant le théâtre et de nouvelles activités. En 1998, il fait une exception en acceptant de tourner avec Patrice Chéreau dans "Ceux qui m'aiment prendront le train".

Producteur de vin.

En 1996, à l’image de son oncle Maurice Trintignant retiré de la course automobile dans son domaine viticole de Vergèze à au sud-ouest de Nîmes dans le Gard, il se lance dans une nouvelle aventure en achetant le domaine viticole Rouge Garance (en hommage à Arletty) de cinq hectares dans les côtes du Rhône associé avec son couple d'amis Claudie et Bertrand Cortellini à Saint-Hilaire-d'Ozilhan à de Nîmes et d'Avignon. Il produit de Côtes-du-rhône villages en Appellation d'origine contrôlée. Il fait dessiner la première étiquette de sa première cuvée 1997 par son ami le dessinateur de bande dessinée Enki Bilal qui le dirige d'ailleurs dans "Bunker Palace Hôtel" et "Tykho Moon", ses deux premiers longs métrages comme réalisateur.  Dix ans après, son domaine Rouge Garance est l'un des domaines phares parmi les mieux notés de la vallée du Rhône grâce au talent des propriétaires. Il rachète et utilise les vieilles barriques du domaine bourguignon de la romanée-conti pour élever son vin. « Je passe mon temps dans les vignes, je veille aux assemblages. » À Uzès, l'acteur laisse la place à l'éleveur de vin et d'oliviers.

Récentes apparitions au théâtre et au cinéma.

En 2003, il lit sur scène derrière son pupitre les "Poèmes à Lou" (lettre d'amour du poète Guillaume Apollinaire à sa bien-aimée Lou) avec sa fille Marie Trintignant.  En 2005, en hommage à sa fille Marie, tuée deux ans auparavant, il présente son spectacle "Jean-Louis Trintignant lit Apollinaire", créé avec elle, au Festival d'Avignon. La même année, il forme un duo mémorable avec Roger Dumas dans la pièce "Moins 2", écrite et mise en scène par Samuel Benchetrit au Théâtre Hébertot.  En 2011, accompagné de Daniel Mille à l'accordéon et de Grégoire Korniluk au violoncelle, il présente au théâtre de l'Odéon son spectacle « Trois poètes libertaires » : Boris Vian, Jacques Prévert et Robert Desnos qu'il a déjà rodé en province en 2010 et qu'il poursuit en tournée, principalement française, en 2012 et 2013.  Après 10 ans d'absence au cinéma, depuis son apparition dans "Janis et John" de Samuel Benchetrit, il revient en 2012 sur le grand écran, au côté d'Emmanuelle Riva, dans "Amour" de Michael Haneke, drame intimiste et universel sur la maladie, la vieillesse et la mort récompensé par la Palme d'or au Festival de Cannes, le César du meilleur film et l'Oscar du meilleur film étranger. Réticent à l'idée de jouer à nouveau au cinéma, il accepte le rôle sur l'insistance de la productrice Margaret Ménégoz et après avoir visionné le film "Caché" du même metteur en scène. Fasciné par le travail de Haneke, Trintignant le considère désormais comme le plus grand réalisateur du monde. Son interprétation dans "Amour", comme celle de Riva, fait l'unanimité au sein de la critique, du public et de la profession. Lors de la sortie du film, il annonce qu'il s'agit de son ultime rôle pour le cinéma car il préfère se consacrer au théâtre. Après avoir obtenu l'European Award du meilleur interprète 2012, il reçoit, en 2013, le César du meilleur acteur pour cette œuvre dans laquelle il incarne un octogénaire contraint de s'occuper et d'assister, impuissant, à la lente agonie de son épouse, victime de deux accidents vasculaires cérébraux. En 2017 il tourne à nouveau pour Hanecke "Happy end", avec Isabelle Huppert et Mathieu Kassowitz. Il retrouve deux ans plus tard Claude Lelouch et Anouk Aimée dans "Les Plus Belles Années d'une vie" « suite » d"'Un Homme et une femme", dans lequel son personnage perd progressivement la mémoire.  Peu engagé en politique mais sympathisant de gauche, il a été dans sa jeunesse, avant d'avoir eu . Il se dit en 2012 , et .  En juillet 2018, le comédien révèle être atteint d'un cancer le décourageant à poursuivre son métier d'interprète.

Course automobile.

Jean-Louis Trintignant a été membre du Star Racing Team (ou « Simca Racing Team »), qui comptait parmi ses membres Moustache, Claude Brasseur, Eddie Vartan, Guy Marchand, sporadiquement Johnny Hallyday..., tous courant sur Simca 1000 Rallye.  Il participa au 24 Heures du Mans en 1980 sur Porsche. Alors qu'il était sixième au classement dans son groupe un pneu arrière de sa voiture éclata dans la ligne droite des Hunaudières. Il échappa miraculeusement à la mort après avoir percuté à plusieurs reprises les rails de sécurité.  Pour un bilan plus complet des participations en courses de rallyes, voir à Marianne Hoepfner.

Jean-Louis Trintignant, né le à Piolenc (Vaucluse, France), est un acteur, réalisateur et pilote de course français.  Comédien depuis les années 1950, il est demandé par le cinéma d'auteur, collaborant avec de nombreux réalisateurs internationaux dont Costa Gavras, Claude Lelouch, Eric Rohmer, Michael Haneke, Claude Chabrol, Bernardo Bertolucci, Ettore Scola, François Truffaut, Bertrand Blier, Robert Hossein, Alain Robbe-Grillet, Enki Bilal, Jacques Audiard, Krzystof Kieslowski ou René Clément.  Il reçoit un Ours d'argent du meilleur acteur au Festival de Berlin pour "L'Homme qui ment" en 1968 et un Prix d'interprétation masculine au Festival de Cannes pour "Z" en 1969. Il reçoit en 2013 le César du meilleur acteur pour le film "Amour".  Neveu du pilote automobile Maurice Trintignant, il est le père de l'actrice Marie Trintignant et de l'assistant-réalisateur Vincent Trintignant.

Jean-Louis Xavier Trintignant (; born 11 December 1930) is a French actor. He won the Best Actor Award at the 1969 Cannes Film Festival as well as the Best Actor Award at the César Awards 2013. He starred in classic films such as "A Man and a Woman", "The Great Silence", "The Conformist", "", and "Amour".


Histoire.

L'origine de la Cinémathèque remonte à 1935, lorsque Henri Langlois et Georges Franju qui, depuis des années, récupéraient et sauvaient de vieilles copies de films, créèrent un ciné-club intitulé le "Cercle du cinéma" .  L'année suivante, le 2 septembre 1936, avec le soutien moral et financier de Paul-Auguste Harlé, naissait la Cinémathèque française qui avait pour mission, sous la direction d'Henri Langlois, de conserver les films, de les restaurer, de les montrer et de donner aux générations nouvelles un enseignement cinématographique. En plus des films, la Cinémathèque se mit à collecter tout ce qui avait trait au cinéma : caméras, affiches, publications, costumes et même décors de films.  Le 26 octobre 1948 une salle de projection de 60 places ainsi que le premier musée du cinéma d'Henri Langlois sont inaugurés sur trois étages au 7 avenue de Messine, dans le de Paris. C'est dans cette salle que se rencontrent notamment François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer et Suzanne Schiffman.  Le décembre 1955, la Cinémathèque déménage et s'installe dans une nouvelle salle (260 places) au 29 rue d'Ulm, dans le : cette salle Jules-Ferry réunit les cinéphiles parisiens découvrant, bien avant l'ère du cinéma à la demande, le patrimoine cinématographique mondial grâce à Henri Langlois qui projette sa collection au gré de ses humeurs, les films comme la série B américaine qui n'y passaient pas étant projetés dans le Nickel Odéon de Bertrand Tavernier. Le 5 juin 1963, la Cinémathèque s'installe dans la salle du Palais de Chaillot grâce aux crédits alloués par André Malraux, ministre de la Culture, et devient liée aux pouvoirs publics.  Sous la pression du ministère des Finances, André Malraux, en février 1968, exige des changements dans la gestion de la Cinémathèque française et renvoie Henri Langlois. Un comité de défense se constitue ; les cinéastes français (dont Abel Gance, François Truffaut, Alain Resnais, Georges Franju, Jean-Luc Godard, Chris Marker, Jacques Rivette, Alexandre Astruc, Claude Chabrol, Pierre Kast, Claude Berri, Jacques Doniol-Valcroze, Jean Eustache, André Cayatte, Éric Rohmer, Jean Rouch, Joris Ivens, Robert Bresson, les acteurs Jean-Pierre Léaud, Claude Jade, Françoise Rosay et Jean Marais) se mobilisent. Des cinéastes étrangers tels que Charlie Chaplin et Stanley Kubrick apportent leur soutien. Des manifestations de protestation sont organisées, et Henri Langlois est réintégré à la tête de la Cinémathèque le 22 avril.  Le 14 juin 1972, c'est l'inauguration du premier grand musée de cinéma, place du Trocadéro. Le 2 avril 1974, Henri Langlois reçoit un Oscar d'honneur, puis un César. Il meurt le 13 janvier 1977.  En 1980, on inaugure une salle de projection de la Cinémathèque française au Centre Pompidou. Costa-Gavras est nommé président de la Cinémathèque en 1981. À partir de 1984 et jusqu'en 1996, Jack Lang, ministre de la Culture, lance le projet, repris par ses successeurs, d'installer une grande institution cinématographique au sein du Palais de Tokyo, près du Trocadéro. La Cinémathèque est un temps transférée au Palais de Tokyo. La Femis y est installée en 1988. Jean Saint-Geours devient président de la cinémathèque en 1991. De grandes rétrospectives sont alors organisées, permettant aux cinéphiles d'apprécier l'œuvre d'un cinéaste dans son intégralité : Ingmar Bergman, Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Bresson. S'y ajoutent des programmations thématiques telles que le western. Le 24 juillet 1997, un incendie embrase le toit du Palais de Chaillot. Les œuvres du , évacuées en une nuit, sont intactes mais la Cinémathèque française doit quitter Chaillot. La salle de projection est fermée pendant plus d'un an. Le 7 novembre de la même année, on inaugure la salle des Grands Boulevards. Dans cette dernière salle, la Cinémathèque explore des « territoires » cinématographiques nouveaux, avec des films « à la marge », comme les séries B.  Le 30 juin 1998, ayant décidé l'abandon du projet de réaménagement du palais de Tokyo, Catherine Trautmann, ministre de la Culture, annonce sa décision d'installer la « Maison du cinéma » dans l'ancien "American Center" construit en 1994 par Frank Gehry, au 51 rue de Bercy, dans le . En juin 2000, Jean-Charles Tacchella est élu à la présidence de la Cinémathèque. Le 29 octobre 2002, Jean-Jacques Aillagon, ministre de la Culture, annonce que la Cinémathèque française et la Bibliothèque du film (BiFi) seront les deux institutions qui cohabiteront, puis fusionneront, dans le bâtiment du 51 rue de Bercy sous l'appellation « Cinémathèque française ». En 2003, Serge Toubiana présente son rapport « Toute la mémoire du monde » et devient directeur général de la Cinémathèque en avril.  De septembre 2003 à juin 2007, le producteur et réalisateur Claude Berri est président de la Cinémathèque, succédant à Jean-Charles Tacchella. Le critique de cinéma Serge Toubiana devient, quant à lui, directeur général de la Cinémathèque en mai 2003, poste qu'il occupe jusqu'en décembre 2015. Le 28 février 2005, les salles du palais de Chaillot et des Grands Boulevards sont fermées et le nouveau site de la Cinémathèque française, au 51 rue de Bercy, ouvre au public le 28 septembre.  Depuis le janvier 2007, la Cinémathèque française a fusionné avec la BiFi. Depuis le mois de juin 2007, Claude Berri étant malade, elle est présidée par Costa-Gavras. En janvier 2016, le critique Frédéric Bonnaud succède à Serge Toubiana au poste de directeur général.

Collections.

La cinémathèque conserve, au 20 décembre 2015 : Au sein de la Bibliothèque du film et de son iconothèque : 600 pièces de ces collections sont présentées au musée du cinéma.

Expositions.

La cinémathèque est aussi connue pour accueillir des expositions sur des réalisateurs connus, en organisant des projections et conférences et en exposant les éléments importants de la carrière du cinéaste. Des films sont également mis à l'honneur.

Fréquentation.

Le nombre de visiteurs de la Cinémathèque a sensiblement augmenté après son déménagement en 2005 : 440 000 la première année (saison 2005-2006)  En 2011, la Cinémathèque française a accueilli visiteurs, ce qui constitue une hausse de 35 % par rapport à l'année 2010.  L'exposition consacrée au cinéaste Tim Burton organisée du 7 mars au 5 août 2012 a accueilli visiteurs. C'est une fréquentation record pour une exposition organisée à la Cinémathèque.  En 2017, on note un rebond de fréquentation avec 380 000 entrées (+8% par rapport à l'année précédente), un rajeunissement du public (22% de moins de 26 ans) et un meilleur taux de remplissage (44% contre 40% en 2016)

Dans la culture.

Au cinéma.

En 1968, en pleine affaire de la Cinémathèque, François Truffaut introduit au début de "Baisers volés" un plan sur les grilles fermées de la salle du palais de Chaillot.  Le film de 2003 "", de Bernardo Bertolucci, s'ouvre sur la fermeture de la Cinémathèque en 1968 et l'affaire Langlois.  Celle-ci est également évoquée dans le court-métrage "Cinéma" (2019), de Jean-Max Causse.

Dans la littérature.

En 1978, dans "Je me souviens", Georges Perec écrit : , où elle a été installée jusqu'en 1955.

La Cinémathèque française est un organisme privé français (association loi de 1901), situé depuis 2005 dans un bâtiment construit par Frank Gehry dans le parc de Bercy. Les missions de la Cinémathèque française sont la préservation, la restauration et la diffusion du patrimoine cinématographique. Avec plus de films et des milliers de documents et d'objets liés au cinéma, elle constitue une des plus grandes bases de données mondiales sur le septième art.  La Cinémathèque française est équipée pour la projection des formats argentiques (, et ) et du numérique.  Son financement est assuré par une subvention du Centre national du cinéma et de l'image animée, des recettes de mécénat et des ressources propres (abonnements, billetterie, librairie, locations commerciales).

The Cinémathèque Française () is a French non-profit film organization founded in 1936 that holds one of the largest archives of film documents and film-related objects in the world. Based in Paris, the archive offers daily screenings of worldwide films.


Biographie.

Né à Fusignano près de Ravenne, Arcangelo Corelli est le cinquième enfant d'une famille prospère de propriétaires terriens. Le père de Corelli, dont il reçoit le nom Arcangelo, décède cinq semaines avant la naissance du compositeur. Il est ainsi élevé par sa mère Santa (née Ruffini ou Raffini) aux côtés de ses quatre frères et sœurs.  Il reçoit probablement ses premières leçons d'un professeur local, avant de partir en 1666 à Bologne; ville qui est à l'époque un centre majeur de la culture musicale, avec une école florissante de violonistes. Il y apprend le violon auprès de deux célèbres violonistes Leonardo Brugnoli et Giovanni Benvenuti, eux-mêmes élèves d'Ercole Gaibara. En 1671, il se rend à Rome et devient violoniste de l'église Saint-Louis-des-Français. Il y subit notamment l'influence d'Alessandro Stradella (autre élève de Gaibara), lequel fut créateur de la formation en concerto grosso, dont Corelli contribue au développement. Il fait partie des musiciens qui participent à la première présentation publique de l'oratorio le plus connu de Stradella, "San Giovanni Battista", en 1675, en l'église San Giovanni Battista dei Fiorentini, à Rome.  Il pourrait avoir voyagé en Europe – en France, en Espagne, en Allemagne, mais aucun document ne le prouve véritablement – avant de s'installer définitivement à Rome où il passa presque tout le reste de sa vie, ne quittant la Ville Éternelle que pour un court voyage à Naples.  À Rome, où sa présence est attestée dès 1675, il parvient à se placer sous la protection de puissants mécènes — la reine Christine de Suède (à qui il dédie l'opus I de 1681), les cardinaux Benedetto Pamphilj et Pietro Ottoboni, neveu du pape régnant —, ce qui lui permet de mener une vie sans soucis financiers et de soigner particulièrement une œuvre assez réduite en nombre de pièces, mais de très grande qualité, entièrement destinée au violon et à l'orchestre à cordes. Le , il joua lors de l'inauguration du "Teatro Capranica" dans "Dove è amore è pietà" de Pasquini. Le , le cardinal Pamphilj l'engagea comme maître de musique, rejoignant de la sorte d'autres musiciens : Matteo Fornari (avec qui il avait déjà joué) et le violoncelliste espagnol G.B. Lulier surnommé « Giovannino del violone ».  Il quitta la vie publique vers 1708. Il jouit alors d'une solide aisance financière, réunit une riche collection de tableaux de maîtres et semble avoir été généreux envers ses proches.  Il mourut à Rome le et fut enterré au Sanctuaire de Sainte-Marie-de-la-Rotonde.

Influence de Corelli.

Sa renommée en tant que violoniste et chef d'orchestre — il lui arriva de diriger plus de 150 musiciens () — était très grande et plus encore, peut-être, que celle de compositeur dont la publication des œuvres était pourtant attendue avec impatience dans toute l'Europe. Son opus 1 connaît au moins 39 éditions de 1681 jusqu'à 1790 (sans compter les pastiches, les arrangements et les sélections), succès éditorial inconnu avant Joseph Haydn. Quant à son œuvre la plus connue, l'opus 5, elle ne connaît pas moins de 42 éditions avant 1800. Geminiani a arrangé les opus 3 et 5 sous forme de concerto grossi, et l'opus 6 était joué pendant tout le en Angleterre. Veracini laisse "Dissertazioni sopra l'opera quinta del Corelli" et Tartini écrit "L’arte dell’arco". Plus tard, Serge Rachmaninoff utilise le thème de la Folia (opus 5 ) et Michael Tippett lui rend hommage.  Corelli a été en contact avec de nombreux collègues musiciens : Bernardo Pasquini, Alessandro Scarlatti Georg Muffat et Georg Friedrich Haendel ont tenu à le rencontrer lors de leur voyage respectif en Italie. Le premier dans les années 1690. Le second produisant "Il trionfo del tempo e del disinganno" en et "La resurrezione" que dirige Corelli les 9 et . Il fit partie de plusieurs sociétés savantes : l'Académie de Bologne, la Congrégation des virtuoses de Sainte-Cécile, l'Académie d'Arcadie (avec Pasquini et Scarlatti), où il prit le pseudonyme d'« Arcomelo Erimanteo ».  Son influence a été très grande, à la fois dans la diffusion de formes nouvelles — sonate et concerto grosso — et dans la technique du violon. Ce rayonnement s'est exercé largement au-delà des frontières italiennes. Jean-Sébastien Bach et François Couperin l'admiraient par exemple beaucoup. Le premier lui a emprunté un thème de sa "Sonate op. 3 " pour sa "Fugue d'orgue en si mineur" (BWV 579). Le second en faisait, pour la musique italienne, le pendant de ce qu'était Lully pour la musique française : il lui dédia, « Le Parnasse, ou L’apothéose de Corelli », et s'efforça d'imiter son style dans les sonates dites « des goûts réunis ». Dandrieu laisse une pièce de son second livre de clavecin (1727) intitulée « La Corelli ».  Corelli eut par ailleurs de nombreux disciples violonistes et compositeurs qui essaimèrent dans différents pays : Francesco Geminiani, Giovanni Battista Somis, Pietro Locatelli, Giovanni Stefano Carbonelli, Francesco Gasparini, entre autres. On considère généralement que Corelli est l'initiateur de la technique moderne du violon, bien qu'il ne fût pas tenté par la virtuosité pure. Il est tout à fait représentatif du style baroque italien, caractérisé par l'emploi d'une ornementation riche — qui sera reprise plus tard par Jean-Sébastien Bach —, d'un continuo composé de plusieurs instrumentistes — clavecin, violoncelle, théorbe, guitare baroque — comme l'attestent plusieurs peintures contemporaines, et d'un contraste dynamique et rythmique important séparant chaque mouvement — comme en a témoigné Georg Muffat dans ses écrits.

Œuvres.

Arcangelo Corelli laisse environ . Ce qui a été publié de son vivant est relativement restreint : cinq numéros d'opus ; auxquels il faut ajouter l'opus 6, qu'il ne put terminer (bien que joué dès 1682), et qui fut publié posthume. Ces recueils contiennent chacun douze morceaux.  Les sonates adoptent la forme de la sonate d'église ("sonata da chiesa") ou de la sonate de chambre ("sonata da camera"), et incluent, à côté de mouvements notés à l'italienne, par leur tempo ("largo, vivace, allegro"), des mouvements hérités de la suite de danses.

Arcangelo Corelli, né le à Fusignano, mort le à Rome, est un violoniste et compositeur italien.  Auteur d’une œuvre somme toute modeste et bien que n’ayant cultivé que trois genres instrumentaux – sonate, sonate en trio et concerto – Corelli est néanmoins considéré comme l'un des compositeurs majeurs de la période baroque. Il exerça une influence durant sa vie, mais également longtemps après, grâce à l'édition de ses opus chez de nombreux éditeurs à travers toute l'Europe.

Arcangelo Corelli (, , , ; 17 February 1653 – 8 January 1713) was an Italian violinist and composer of the Baroque era. His music was key in the development of the modern genres of sonata and concerto, in establishing the preeminence of the violin, and as the first coalescing of modern tonality and functional harmony.


Histoire.

Comme le roi Henri s’embarquait à Barfleur, un marin de Normandie, Thomas, fils d’Étienne, vint le trouver et lui dit : .  Le roi répondit : . Par l’ordre du roi, s’embarquèrent sur la "Blanche-Nef" près de trois cents personnes. Orderic Vital mentionne que Rabel II de Tancarville débarqua de la Blanche-Nef juste avant son départ, réalisant qu'il y a trop de personnes à bord ; il échappe ainsi au désastreux naufrage.  Toute la brillante jeunesse se préparait joyeusement au voyage. Elle fit donner du vin aux cinquante rameurs et chassa avec dérision les prêtres qui voulurent bénir le vaisseau. La nuit venue, les jeunes princes pressèrent le patron Thomas de faire force de rames pour rattraper le vaisseau du roi déjà bien loin. Afin de couper au plus court, le patron prit par le ras de Barfleur (aujourd’hui signalé par le phare de Gatteville), bordé d’écueils à fleur d’eau.  La "Blanche-Nef" ayant heurté violemment l’un de ces écueils, elle s’entrouvrit et coula. Seuls deux hommes réussirent à s'accrocher à la grande vergue, le boucher du bord, un Rouennais du nom de Bérold et le jeune Godefroi, fils de Gilbert de l’Aigle. Ils aperçurent un homme dans l’eau, le pilote Thomas, qui leur demanda : . , répondirent-ils. s’écria Thomas, et il se laissa couler.  Godefroi de l’Aigle finit par lâcher la vergue et se noyer. Recueilli le lendemain par des pêcheurs, son compagnon resta seul pour raconter le désastre.  On dit que ce fut un enfant qui annonça la sinistre nouvelle au roi Henri qui, aux premiers mots qu’il entendit, tomba à terre comme foudroyé. Depuis ce jour, jamais plus on ne le vit sourire.  Le naufrage de la "Blanche-Nef", en laissant Henri sans héritier mâle, eut pour conséquence de redistribuer de façon significative l’échiquier politique anglo-normand du début du . Une sœur aînée de Guillaume, Mathilde l'Emperesse, fut désignée par son père comme héritière du royaume et épousa Geoffroy Plantagenêt, comte d'Anjou, mais à la mort d’Henri (1135), les barons qui avaient juré de soutenir son accession au trône y renoncent, permettant au cousin de Guillaume et de Mathilde, Étienne de Blois, qui n’avait pas été accepté comme passager ou débarqué au dernier moment de la "Blanche-Nef", de récupérer la couronne. Ce règne provoquera une guerre civile de 1135 à 1154, à laquelle seule la mort d’Étienne de Blois mettra fin.  Ce désastre maritime fut également préjudiciable au roi de France qui, jusqu’alors, avait toujours contrebalancé le poids politique de la Normandie en s’appuyant sur l’Anjou contre elle. En unissant la Normandie, l’Angleterre et l’Anjou, le mariage de Mathilde mit fin à cette politique et porta la domination anglo-normande jusqu’à la Loire. Ensuite, le mariage du propre fils de Mathilde, Henri II d'Angleterre avec Aliénor d'Aquitaine portera cette domination jusqu’aux Pyrénées.  Selon la légende locale qui alimente l'imaginaire des chasseurs de trésors, ce naufrage aurait englouti un fabuleux trésor à quelques milles de Barfleur.

Victimes.

Parmi les 300 passagers et membres d'équipage dont la liste est estimée par Orderic Vital, les victimes les plus notables sont :

Littérature.

Cet événement est le point de départ du roman de Ken Follett, "Les Piliers de la terre", et la clé du mystère.  Un roman graphique de Franck K. Lehodey, "Blanche-nef," a été publié en 2011 dans les trois langues du pouvoir médiéval normand, français, anglais et normand (traduction normande par Geraint Jennings).

La Blanche-Nef est un navire normand qui fit naufrage à Barfleur au large du Cotentin, le avec pas moins de 140 hauts barons et dix-huit dames de haute naissance, filles, sœurs, nièces ou épouses de rois et de comtes à son bord, parmi lesquels l’héritier du trône d’Angleterre, le prince Guillaume Adelin, fils du roi Henri Beauclerc.

The White Ship (; Medieval Latin: "Candida navis") was a vessel that sank in the English Channel near the Normandy coast off Barfleur, on 25 November 1120. Only one of the around 300 people aboard survived. Those who drowned included William Adelin, the only legitimate son and heir of King Henry I of England, his half-sister Matilda, his half-brother Richard, Richard d'Avranches, 2nd Earl of Chester, and Geoffrey Ridel (royal justice). William Adelin's death led to a succession crisis and a period of civil war in England known as the Anarchy.


Fil ou câble.

Certaines personnes confondent les mots « fil » et « câble », ou pensent qu'ils sont synonymes, alors que les fils électriques sont souvent regroupés au sein d'un "câble électrique" avec des couleurs normalisées (suivant la fonction), afin de reconnaître le rôle de chacun, et entourés d'une gaine isolante. Ces câbles électriques peuvent transmettre des signaux ou des données (analogique ou numérique) en plus, ou à la place, de la transmission de puissance électrique.  Cette notion de câble peut être étendue au câble sous-marin qui peut intégrer tout autre chose que des fils (câble électrique, tubes de refroidissement, fibre optique, signalisation).

Matériaux utilisés.

Les matériaux utilisés présentent des caractéristiques intéressantes en ce qui concerne la résistance électrique, le poids, la tenue mécanique, le coût.

Cuivre.

"Excellente conductivité, métal malléable."

Aluminium.

Propriétés de l'aluminium : bonne conductivité, métal léger, moyennement malléable.  L'aluminium est souvent utilisé dans le transport d'électricité de grande puissance lorsque la section du câble et sa longueur élimine le cuivre, à cause de sa masse spécifique plus élevée. Il est quasiment exclusivement utilisé en âmes à brins multiples, du fait des sections en jeux et de sa relative rigidité. Sa relative facilité de casse lors de torsions et de manipulations le rend indésirable en milieu domestique.  Il est utilisé à la place du cuivre dès que la contrainte poids devient importante : aéronautique, conquête spatiale, etc.  Il était utilisé localement, en milieu domestique, après guerre en raison des pénuries de cuivre.

Acier.

Propriétés de l'acier : conductivité moyenne, grande résistance à l'étirement, lourd et peu malléable.  L'acier est utilisé, en général, comme support des câbles en aluminium ou en cuivre dans les câbles décrivant de grandes portées, afin d'assurer une résistance à la traction que l’aluminium ou le cuivre seraient incapables de supporter sans allongement excessif et rupture surtout en cas d'échauffement important.  De façon plus spécifique, l'acier est également utilisé pour le transport de l'énergie dans le milieu ferroviaire. Une polarité est acheminée par la ligne de contact aérienne, l’autre polarité utilise comme support les rails de roulements en acier. Dans le cas particulier du métro, la polarité positive est souvent distribuée via une ligne de contact au sol également en acier.

Argent.

Propriétés de l'argent : excellente conductivité, métal précieux.  L'argent est utilisé pour diminuer la résistance de contact, dans les systèmes de connexions et, les systèmes de commutations comme les contacts des relais. Il nécessite toutefois un système de nettoyage, généralement automatique, pour éviter que l'oxydation de surface compromette sa bonne conductivité électrique.  Il est utilisé dans certains fils, en alliage avec le cuivre pour assurer une bonne souplesse au fil.  Il peut aussi être mélangé à l'or qui lui assure une meilleure souplesse tout en baissant le prix du fil d'or. Ceci utilisé en robotique par exemple pour effectuer des connexions de très grande précision.

Or.

Propriétés de l'or : excellente conductivité, inoxydable, métal précieux.  L'or est utilisé avec parcimonie, en couche très mince déposée par électrolyse (un "flash"), dans les systèmes électriques et, nettement plus en électronique aussi bien pour éviter l'oxydation des contacts, entre autres de fond de panier mais aussi de celle des pistes de circuit imprimé.  Comme l'argent, il peut réaliser de très bonnes liaisons entre des conducteurs indépendants, mais avec l'avantage de ne pas s'oxyder et de protéger le métal du conducteur (cuivre, argent) de toute oxydation, en électronique numérique les contacts entre les diverses cartes et composants démontables sont systématiquement dorés avec de l'or ou un alliage à forte teneur en or.

Les isolants.

Ci-dessous, une liste non exhaustives d'isolants électriques :

Alliages.

Almelec.

L'« almelec » est un alliage d'aluminium, de magnésium et de silicium principalement utilisé pour la réalisation des réseaux électriques aériens. Sa résistivité () est environ le double de celle du cuivre, mais ses caractéristiques mécaniques lui permettent de résister aux contraintes liées à l'environnement (vent, gel, neige, variations de température).

Constantan.

Le « constantan » est un alliage de cuivre et de nickel dont la résistivité est quasiment indépendante de la température. Il est utilisé pour la réalisation de certains capteurs de température et capteurs de courant appelés shunts électriques.

Supraconductivité.

L'alliage Cuprate-Bismuth.

Les alliages à base de cuprate ont la caractéristique de devenir supraconducteurs à des températures relativement élevées (-170 à ), ce qui les rend intéressants pour les transmissions d'énergie électrique en étant refroidis à l'hélium ou à l'azote liquides.

Applications.

Le fil électrique est un composant encore très largement utilisé dans la plupart des applications dans les domaines de l'électricité, de l'électronique, de l'électrotechnique. Il est notamment le constituant principal de certaines cartes électroniques prototypes (technologie de wrapping). Le nommage des câbles et fils électriques répond à plusieurs normes selon les pays et leur usage.  Pour la transmission de données il a tendance à être concurrencé par les technologies « sans fil » : télécommunications (téléphonie), réseaux informatiques (réseau sans fil), et éventuellement transmission d'énergie électrique sans fil sur des très courtes distances.

Sections normalisées.

En France, les sections normalisées pour les fils de cuivre utilisés en courant basse tension () sont :  Les fils sont tous rigides, à l'exception des fils reliant les appareils aux prises murales, des fils alimentant les luminaires, et des fils de faible courant (sonde de température). À l'exception du câble reliant la borne de terre du tableau à la terre enterrée, tous les câbles doivent être isolés. Les câbles alimentant les circuits doivent par ailleurs être gainés :

Estimation de la longueur d'un fil sur une bobine ou un touret.

La longueur du fil sur une bobine ou un touret peut être estimé avec la formule :  où :

Utilisation.

Transport d'énergie.

Un fil ou, un câble composé de plusieurs fils, permet de transporter de l'énergie électrique, même sur de longues distances.

Transmission de signal.

En télécommunication, en électronique, en informatique ou en domotique un fil électrique sert à transmettre un signal ou une information.

Ligne de transmission.

La ligne de transmission est une notion théorique très importante dans le domaine des télécommunications, elle décrit l'influence d'un conducteur électrique dans la transmission de signaux à haute fréquence.

Antenne filaire.

L'antenne radioélectrique en fil électrique est dédiée à la réception radioélectrique et à l'émission radioélectrique dans le spectre des radiofréquences pour les bandes Haute fréquence, Moyenne fréquence, Basse fréquence.

Un fil électrique : est le composant électrotechnique servant au transport de l'électricité, afin de transmettre de l'énergie et de l'information. Il est constitué d'un matériau conducteur, mono-brin ou multi-brin, souvent entouré d'une enveloppe isolante (plastique, Téflon...). L'intérieur du fil électrique est appelée l'« âme » du fil.

An electrical cable is an assembly of one or more wires running side by side or bundled, which is used to carry electric current.  A cable assembly is the composition of one or more electrical cables and their corresponding connectors. A cable assembly is not necessarily suitable for connecting two devices but can be a partial product (e.g. to be soldered onto a printed circuit board with a connector mounted to the housing). Cable assemblies can also take the form of a cable tree or cable harness, used to connect many terminals together.


Origine du nom.

Le mot « pyramide » vient du grec ancien transmis au latin sous la forme "" mais son origine est incertaine. Certains la rattachent à la notion de feu (racine grecque "pyr") et citent Platon qui voyait dans le tétraèdre régulier (en forme de pyramide) le symbole du feu. D'autres y voient un mot dérivé du grec «" puros "» signifiant « "froment" » rappelant que c'était la forme des greniers royaux. D'autres y voient encore une déformation de l'égyptien, soit du mot « "haram (ou rem)" » qui s'écrit "h-r-m" en égyptien et qui est leur nom en égyptien, soit du mot « "pr-m-ous" » qui désigne en égyptien une ligne déterminante de la pyramide. D'autres enfin signalent que ce mot « "pyramis" » désignait en grec un gâteau de miel et de farine.

Volume.

Le volume d'un cône et en particulier d'une pyramide estformula_1où "A" est l'aire de la base et "h" la hauteur de la base à l'apex, c'est-à-dire la distance perpendiculaire à partir du plan qui contient la base. En particulier, le volume d'une pyramide à base carrée avec un apex de hauteur égale à la moitié de la base peut être vue comme un sixième d'un cube formé par six pyramides de cette sorte (en paires opposées) par le centre. Alors « base fois hauteur » correspond à un demi du volume du cube, et par conséquent trois fois le volume de la pyramide, ce qui donne bien le facteur un tiers.  Le volume d'une pyramide à base carrée et composée de triangles équilatéraux est le double de celui d'un tétraèdre de même côté, ce qui se démontre par dissection moitié.

Aire de la surface.

L'aire de la surface d'une pyramide régulière, c'est-à-dire une pyramide dont toutes les faces sont des triangles isocèles identiques, estformula_2où est l'aire de la base, "p" le périmètre de la base et "s" la hauteur de la pente le long de la bissectrice d'une face (ie la longueur à partir du milieu d'une arête quelconque de la base jusqu'à l'apex).

Pyramides avec des faces polygonales.

Si toutes les faces sont des polygones réguliers, la base de la pyramide peut être un polygone régulier de 3, 4 ou 5 côtés :  Le centre géométrique d'une pyramide carrée est localisé sur l'axe de symétrie, à un quart de la base vers l'apex.

Symétrie.

Si la base est régulière et l'apex est au-dessus du centre, le groupe de symétrie d'une pyramide à "n" côtés est "C" d'ordre 2"n", excepté dans le cas d'un tétraèdre régulier, qui possède le groupe de symétrie plus grand T d'ordre 24, qui a quatre versions de "C" pour sous-groupes.  Le groupe de rotation est "C" d'ordre "n", excepté dans le cas d'un tétraèdre régulier, qui possède le groupe de rotation plus grand T d'ordre 12, qui a quatre versions de "C" pour sous-groupes.

Généralisation aux dimensions supérieures.

Une pyramide est un objet géométrique ayant pour base un polygone quelconque, auquel on relie tous ses sommets à un point unique. Par abus de langage, on dit qu'elle est régulière si toutes ses faces sont des polygones réguliers.  En généralisant, une hyperpyramide de dimension 4 est un polychore ayant pour base un polyèdre auquel on relie tous ses sommets à un point unique. Le pentachore en est l'exemple le plus simple.  Et donc, une hyperpyramide de dimension "n" est un polytope à "n" dimensions, qui a pour base un polytope à "n-1" dimensions, et dont tous les sommets sont reliés à un point unique. Une hyperpyramide peut être considérée comme l'ensemble de tous les « états » pris par sa base lors de son rétrécissement progressif jusqu'à l'apex le long d'une médiane centrale (reliant le centre de gravité de la base au sommet) ; tous ces « états » de la base sont en fait l'intersection de l'hyperpyramide avec des hyperplans parallèles à la base. L'hypervolume d'une hyperpyramide de dimension "n" est donné par la formule : formula_3 où est l'hypervolume de la base et "h" la hauteur.  Tout simplexe est une hyperpyramide, et la plus simple de chaque dimension.

Une pyramide (du grec ancien ) à "n" côtés est un polyèdre formé en reliant une base polygonale de "n" côtés à un point, appelé l'apex, par "n" faces triangulaires ("n" ≥ 3). En d'autres termes, c'est un solide conique avec une base polygonale.  Lorsque cela n'est pas précisé, la base est supposée carrée. Pour une pyramide triangulaire chaque face peut servir de base, avec le sommet opposé pour apex. Le tétraèdre régulier, un des solides de Platon, est une pyramide triangulaire. Les pyramides carrées et pentagonales peuvent aussi être construites avec toutes les faces régulières, et par conséquent être des solides de Johnson. Toutes les pyramides sont des auto-duaux.  Les pyramides sont une sous-classe des prismatoïdes.

In geometry, a pyramid is a polyhedron formed by connecting a polygonal base and a point, called the apex. Each base edge and apex form a triangle, called a "lateral face". It is a conic solid with polygonal base. A pyramid with an "n"-sided base has vertices, faces, and 2"n" edges. All pyramids are self-dual.  A right pyramid has its apex directly above the centroid of its base. Nonright pyramids are called oblique pyramids. A regular pyramid has a regular polygon base and is usually implied to be a "right pyramid".  When unspecified, a pyramid is usually assumed to be a "regular" square pyramid, like the physical pyramid structures. A triangle-based pyramid is more often called a tetrahedron.  Among oblique pyramids, like acute and obtuse triangles, a pyramid can be called "acute" if its apex is above the interior of the base and "obtuse" if its apex is above the exterior of the base. A right-angled pyramid has its apex above an edge or vertex of the base. In a tetrahedron these qualifiers change based on which face is considered the base.  Pyramids are a class of the prismatoids. Pyramids can be doubled into bipyramids by adding a second offset point on the other side of the base plane.


Origines et jeunesse.

La date et le lieu de sa naissance sont incertains, mais on estime qu’il est né aux environs de 1525 à Constância, près de Santarém, d’une famille d’origine galicienne d'abord fixée à Chaves, à , et ensuite à Coimbra, puis Lisbonne.  Son père était "Simão Vaz de Camões" et sa mère "Ana de Sá Macedo". Par son père il serait descendant du troubadour galicien Vasco Pires de Camões, par sa mère, apparenté au navigateur Vasco de Gama.  Entre 1542 et 1545, il vécut à Lisbonne, délaissant les études pour fréquenter la cour de dom João III, où il se fit une renommée de poète. Il passa quelque temps à Coimbra où il dut avoir suivi les humanités, peut-être au monastère de Santa Cruz, où il avait un oncle prêtre, Dom Bento de Camões. Cependant il n'a été retrouvé aucune trace d’un passage du poète à Coimbra, mais la culture raffinée qui ressort de ses écrits fait de la seule université du Portugal en ce temps-là l’endroit où il est le plus probable qu’il ait étudié.  Lié à la maison du comte de Linhares, dom Francisco de Noronha, et peut-être précepteur de son fils dom António, il le suivit à Ceuta en 1549 où il resta jusqu’en 1551. Cela arrivait souvent dans la carrière militaire des jeunes, comme le rappelle l’élégie "Aquela que de amor descomedido". Dans un combat, une flèche l'éborgna :  De retour à Lisbonne, il ne tarda pas à renouer avec la vie de bohème. On lui prête plusieurs amours, non seulement avec des dames de la cour mais selon la légende, avec l’Infante en personne, D. Maria, sœur du Roi D. Manuel I. Il serait tombé en disgrâce, au point d’être exilé à Constáncia. Il n’existe, cependant, pas le moindre fondement documentaire de cette histoire. Une autre légende lui attribue une vive passion pour une grande dame, la comtesse de Linhares, D. Violante de Andrade, ce qui l'aurait fait exiler à Santarém. Ce qui est certain c'est que le jour du « Corpo de Deus » ("Corps de Dieu") de 1552, il blessa au cours d’un combat un certain Gonçalo Borges. Arrêté, il fut libéré par lettre royale de rémission le , et s’embarqua pour servir aux Indes dans la flotte de Fernão Álvares Cabral, le 24 du même mois.

Orient.

Il resta quelque temps à Goa, puis fut exilé en 1556 à Macao, pour avoir censuré le vice-roi dans une satire. Ce serait là, dans une grotte qui porte aujourd'hui son nom, qu'il composa le poème qui l’a immortalisé, "Les Lusiades" (ou "Os Lusíadas"), où il chante la gloire des Portugais (en latin "lusitani"), les exploits et les découvertes de Vasco de Gama. Au bout de cinq ans, rappelé de son exil, assailli par une tempête, il fit naufrage sur les côtes de la Cochinchine en retournant à Goa :  Dans ce désastre, sauvant de manière héroïque le manuscrit de son poème déjà bien avancé, sa compagne Dinamene célébrée dans de nombreux poèmes serait morte.  De retour à Goa, avant , il demanda la protection du Vice-Roi Dom Constantin de Bragance dans un long poème octosyllabique. Emprisonné pour dettes, il adressa une supplique en vers à son nouveau Vice-Roi, Dom Francisco Coutinho, pour sa libération.  En 1568 il retourna au Royaume, et fit escale dans l'île de Mozambique, où, deux ans plus tard, le chroniqueur Diogo do Couto, son ami, le rencontra comme il le racontera dans ses Décades (), ajoutant que le poète était « si pauvre qu'il vivait des amis ». Il travaillait alors à la révision de son poème, et dans la composition du « Parnasse de Luis de Camões », avec poésie, philosophie et autres sciences », œuvre volée et jamais retrouvée. Diogo do Couto lui paya le reste du voyage jusqu'à Lisbonne, où Camões arriva en 1570.  C'est en 1572 qu'il publia "Les Lusiades".  Il dédia son épopée au jeune roi Sébastien I qui lui accorda une petite pension qui lui permettrait de vivre, modestement, et 6 ans plus tard, à Lisbonne il assista au départ de l'armée du Portugal, avec en tête son propre roi Sébastien, pour le Maroc.  Il avait proposé d'être le chantre de cette guerre africaine mais Diogo Bernardes lui fut préféré. Cette expédition fut un désastre connu comme la bataille des Trois Rois, ou d'Alcacèr Quibir Ksar El Kébir. Sébastien y trouva la mort ainsi que la fine fleur de la jeunesse portugaise. Après quoi quelques années plus tard le Portugal allait être rattaché à la couronne espagnole d'où allait naître le mythe du retour du roi Sébastien (sébastianisme), par « une nuit de brume pour rendre au Portugal sa grandeur passée ».  C'est alors que mourut Luis de Camões, cette même année 1580, peut-être dans une maison de Santana, à Lisbonne, ou bien misérablement dans un hôpital, c'est selon, et avec lui l'âge d'or du Portugal, que son poème épique avait si bien chanté. Il aurait eu selon Almeida Garrett, ces derniers mots :  Et Miguel Torga ajoute en épitaphe :

"Les Lusiades" et l’œuvre lyrique.

Quelques œuvres.

Outre les "Lusiades", Camoëns a composé des odes, des élégies, des sonnets, des satires et quelques tragédies.  Le sonnet "Com que voz..." a été un succès du répertoire de fado chanté par Amalia Rodrigues sur une musique d'Alain Oulman.

Publications anciennes.

Les éditions les plus estimées des "Lusiades" au sont selon le celles :  Ce poème a été plusieurs fois traduit en français, notamment :

Œuvres.

Sonnets.

Certains sonnets ont été traduits en français par Anne-Marie Quint & Maryvonne Boudoy, dans un recueil bilingue (éditions Chandeigne, 2011).

Luís Vaz de Camões, dit « le Camoëns », est un poète portugais, né vers 1525, mort le à Lisbonne.  Auteur de poèmes dans la tradition médiévale ("redondilhas") ou pastorale, de sonnets inspirés de la Renaissance italienne, et particulièrement de l'épopée nationale des "Lusiades" (en 1572 mais peut-être déjà achevée en 1556), Camoës est considéré comme le plus grand poète du Portugal et fait l’objet d’un culte de la part du peuple portugais en général, et des gens de lettres en particulier, à tel point que le jour de sa mort est devenu la fête nationale portugaise, en commémoration du poète. L’épopée des "Lusiades" est associée au renforcement du sentiment national portugais et a contribué à son essor. Son œuvre peut être comparé à celles de Virgile, Dante ou Shakespeare.

Luís Vaz de Camões (; sometimes rendered in English as Camoens or Camoëns, e.g. by Byron in "English Bards and Scotch Reviewers", ; c. 1524 or 1525 – ) is considered Portugal's and the Portuguese language's greatest poet. His mastery of verse has been compared to that of Shakespeare, Vondel, Homer, Virgil and Dante. He wrote a considerable amount of lyrical poetry and drama but is best remembered for his epic work "Os Lusíadas" ("The Lusiads"). His collection of poetry "The Parnasum of Luís de Camões" was lost in his lifetime. The influence of his masterpiece "Os Lusíadas" is so profound that Portuguese is sometimes called the "language of Camões".


Biographie.

Famille.

George Stevens est né d'une famille d'acteurs de théâtre: Landers Stevens et Georgie Cooper qui avaient leur propre troupe de théâtre, la "Ye Liberty Playhouse", à Oakland. Il se marie deux fois : d'abord avec de 1930 à 1947, puis avec Joan McTavish de 1968 jusqu'à sa mort.  De son premier mariage naît George Stevens Jr., qui devient par la suite producteur, scénariste et réalisateur. En 1984, il tourne un film en hommage à son père "George Stevens: A Filmmaker's Journey".

Débuts de carrière.

George Cooper Stevens commence sa carrière comme directeur de la photographie du Hal Roach Studio's sur de nombreux courts métrages de Laurel et Hardy et collabore notamment avec Leo McCarey et James Parrott.

Le réalisateur de films à succès.

En 1935, Katharine Hepburn fit appel à lui pour diriger son film, "Désirs secrets" ("Alice Adams") d'après le roman de Booth Tarkington; c'est le début du succès en tant que réalisateur. Deux ans plus tard en 1937, Stevens dirigea à nouveau Katharine Hepburn dans une adaptation de la pièce de théâtre de J.M.Barrie, "Pour un baiser" ("Quality Street"). Sa collaboration avec Katharine Hepburn s'achève en 1941, par le tournage de "La Femme de l'année" ("Woman of the Year" ) avec Spencer Tracy, premier film que les deux acteurs ont fait ensemble.  Toujours en 1935, il réalise un film "La Gloire du cirque" ("Annie Oakley") avec Barbara Stanwyck dans le rôle principal.  En 1936, il tourne l'un des meilleurs films du couple Fred Astaire-Ginger Rogers, "Sur les ailes de la danse (Swing Time)""." En 1937, toujours avec Fred Astaire en compagnie de Joan Fontaine, George Burns et Gracie Allen, il réalise le film "Une demoiselle en détresse (A Damsel in Distress)" sur une musique de George Gershwin.  En 1939, il réalise et produit un film "Gunga Din", d'après un poème de Rudyard Kipling, avec Cary Gant, Joan Fontaine, Victor McLaglen, Douglas Fairbanks Jr.  Avant de s'engager dans l'armée, il tourne trois nouveaux succès "La Chanson du passé" ("Penny Serenade)", "La Femme de l'année" ("Woman of the Year" ) et déjà cité, "Plus on est de fous" ("The More the Merrier").

Le documentariste de la Seconde Guerre mondiale.

Comme d'autres anti-nazis, il quitte sa carrière pour s'engager, lors de la Seconde Guerre mondiale, dans les services cinématographiques de l'armée américaine avec le grade de Lieutenant Colonel. Il participe à la production de films destinés à l'instruction des GI's, souvent mal préparés au début de la participation des États-Unis à la Seconde Guerre mondiale. Il filme le débarquement de Normandie et également la libération du camp de concentration de Dachau ce qui le marquera durablement; selon l'éditeur François Guérif, . Certains extraits seront projetés lors du procès de Nuremberg. Parallèlement, il tourne un journal intime ayant pour objet cette période. Ces bobines, au nombre de 14, resteront inconnues jusqu'à son décès; c'est son fils, George Stevens Jr., qui les découvre en explorant le grenier de la résidence son père.

Retour à Hollywood et fin.

Revenu aux États-Unis, il fonde avec William Wyler et Frank Capra la société de production Liberty Film qui fait faillite en 1948.  George Stevens retourne à la comédie et avec Irene Dunne, il réalise en 1948 "Tendresse" ("I Remember Mama)", adaptation du roman "Mama's Bank Account" de Kathryn Forbes. George Stevens y fait preuve de sa maestria; c'est le succès, un succès qui couvre un budget de 3 millions de dollars.  Puis il est engagé par la Paramount, pour laquelle il réalise trois films. Il met d'abord en scène "Une place au soleil" ("A Place in the Sun"), adaptation du roman "Une tragédie américaine" de Theodore Dreiser, avec trois grands acteurs : Montgomery Clift, Elizabeth Taylor et Shelley Winters ; le film remporte six Oscars, dont ceux du meilleur réalisateur et du meilleur scénario adapté. Il tourne ensuite "L'Ivresse et l'Amour" ("Something to Live For"), avec Joan Fontaine. Enfin, il est derrière l'un des westerns les plus remarquables, "L'Homme des vallées perdues" ("Shane") d'après le roman de Jack Schaefer, avec Alan Ladd. "L'Homme des vallées perdues" est inscrit au National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès en 1993, pour .  La Warner Bros l'engage, pour laquelle il tourne, en 1956, le film "Géant (Giant)", adaptation du roman d'Edna Ferber, avec en vedette Elizabeth Taylor, Rock Hudson, et James Dean, dont ce fut le dernier rôle avant son décès suite à un accident automobile.  La Twentieth Century Fox, ayant obtenu les droits pour l'adaptation de la pièce de théâtre de Frances Goodrich et Albert Hackett, "Le Journal d'Anne Frank" ("The Diary of Anne Frank"), fait appel à George Stevens pour réaliser le film, qui sortira en 1959, avec en vedette Millie Perkins, Joseph Schildkraut et Shelley Winters. "Le Journal d'Anne Frank" remporte trois Oscars et demeure son dernier grand succès.  Il se lance dans une super production pour l'United Artists relatant la vie de Jésus Christ d'après un roman de Fulton Oursler, "La Plus Grande Histoire jamais contée" ("The Greatest Story Ever Told"). Le film, d'une durée de quatre heures et malgré une distributions prestigieuse , est un échec.  Il tourne un dernier film "Las Vegas, un couple" ("The Only Game in Town") qui sort en 1970 et s'avère être un nouvel échec, malgré la présence d'Elizabeth Taylor et de Warren Beatty.  Amer, Georges Stevens se retire du cinéma et le , il décède des suites d'un infarctus dans son ranch à Lancaster (Californie). George Stevens repose au Forest Lawn Memorial Park (Hollywood Hills) de Los Angeles. Ses archives sont consultables à la .

Distinctions.

Autre hommage.

Le , George Stevens obtient son étoile sur le Walk of Fame.

George Cooper Stevens est un réalisateur, producteur, scénariste et directeur de la photographie américain, né le à Oakland et mort le à Lancaster.  Réalisateur prolifique, il laisse comme films notables "Une place au soleil" (1951), "L'Homme des vallées perdues" (1953), "Géant" (1956) et "Le Journal d'Anne Frank" (1959). Alors que plusieurs de ses œuvres sont nommées ou récompensés aux Oscars, il est lui-même par deux fois récompensé par l'Oscar du meilleur réalisateur, en 1952 pour "Une place au soleil" et en 1957 pour "Géant".

George Cooper Stevens (December 18, 1904 – March 8, 1975) was an American film director, producer, screenwriter and cinematographer.  Among his most notable films are "A Place in the Sun" (1951; winner of six Academy Awards including Best Director), "Shane" (1953; Oscar nominated), "Giant" (1956; Oscar for Best Director), and "The Diary of Anne Frank" (1959; nominated for Best Director).


Biographie.

Simone Signoret est la fille aînée d'André Kaminker (1888-1961), traducteur juif français d'origine polonaise, et de Georgette Signoret (1896-1984), une Française originaire de Provence. Elle naît en Allemagne Rhénane alors occupée par les Français à la suite de la Première Guerre mondiale. Simone a deux frères cadets, Alain et Jean-Pierre.  André Kaminker est avec Jacques Paul Bonjean journaliste au "Poste parisien", il effectue aussi pour la radio française, en 1934, une traduction simultanée d’un discours de Hitler à Nuremberg. Il rejoint en 1940 la France libre à Londres, puis devient "speaker", notamment à Radio Brazzaville.  Au début de la Seconde Guerre mondiale, Simone se réfugie en Bretagne avec le reste de sa famille : elle est élève au lycée de Vannes où elle a pour professeur d’histoire Lucie Aubrac pendant quelques mois. De retour à Paris, elle devient, en 1941, la secrétaire de Jean Luchaire. Grâce à la fille de celui-ci, la comédienne Corinne Luchaire, elle commence à faire de la figuration au cinéma. Elle se choisit alors un nom de scène en substituant à son nom de famille celui de sa mère, Signoret.  En 1943, elle rencontre le réalisateur Yves Allégret. Le naît leur fille Catherine Allégret, et ils se marient en 1948. Sa carrière de comédienne est lancée en 1946 avec "Macadam", pour lequel elle obtient l'année suivante le prix Suzanne-Bianchetti de la révélation. Allégret offre à Simone Signoret ses premiers rôles importants, notamment dans "Dédée d'Anvers" en 1948 et "Manèges", sorti en 1950, mais en , sur un coup de foudre, elle quitte Yves Allégret pour un jeune chanteur découvert par Édith Piaf, Yves Montand, rencontré à Saint-Paul de Vence. Ils se marient le .  C'est avec d'autres réalisateurs que Simone Signoret accède au rang de vedette avec, par exemple, "Casque d'or" de Jacques Becker en 1951, "Thérèse Raquin" de Marcel Carné en 1953 et "Les Diaboliques" d'Henri-Georges Clouzot en 1954.  En 1954, Signoret et Montand achètent une propriété à Autheuil-Authouillet, en Normandie. Cette demeure devint par la suite un haut lieu pour des rencontres artistiques et intellectuelles. Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Serge Reggiani, Pierre Brasseur, Luis Buñuel, Jorge Semprún, y séjournent régulièrement. Le couple milite en faveur de ses idées de gauche et est bientôt catalogué « compagnon de route » du Parti communiste français (PCF). En 1957, Yves Montand, accompagné de Simone Signoret, entreprend une tournée triomphale dans tous les pays du bloc de l'Est. Cependant ils en reviennent profondément désabusés sur la réalité concrète des pays du « socialisme réel » et prennent dès lors leurs distances avec le parti, sans renier toutefois leurs convictions politiques. En 1956, ils jouent ensemble pour la première fois dans un film de Yannick Bellon, "Un matin comme les autres", court métrage sur le problème de l'insalubrité des logements en banlieue.  Après avoir tourné en Angleterre "Les Chemins de la haute ville" sous la direction de Jack Clayton, Simone Signoret part aux États-Unis avec Yves Montand en 1959. Le couple fréquente l'écrivain Arthur Miller, dont ils ont créé, dans la mise en scène de Raymond Rouleau, la version française des "Sorcières de Salem" en 1954 à Paris, portée à l'écran deux ans plus tard. Miller vient d'épouser Marilyn Monroe, qui impose Montand à ses côtés dans le film "Le Milliardaire" qu'elle s'apprête à tourner avec George Cukor.  Après avoir reçu l'Oscar de la meilleure actrice pour son interprétation dans "Les Chemins de la haute ville" le , devenant la première actrice française à recevoir ce prix, Simone Signoret rentre en France, tandis qu'une liaison se noue entre Montand et Monroe pendant quelques mois. L'acteur français rejoint cependant son épouse après la promotion du film. Lorsque, des années plus tard, un journaliste évoque avec Signoret cette liaison, elle répond qu'elle regrettait simplement que Marilyn Monroe n'ait jamais su qu'elle ne lui en avait pas voulu.  En , elle signe le "Manifeste des 121", titré « Déclaration sur le droit à l’insoumission dans la guerre d’Algérie ».  Dans les années 1970, Simone Signoret incarne de nombreux rôles, parfois politiques comme dans "L'Aveu" de Costa-Gavras avec Montand en 1970, mais toujours puissamment dramatiques : "L'Armée des ombres" de Jean-Pierre Melville en 1969, "Le Chat" avec Jean Gabin et "La Veuve Couderc" avec Alain Delon, tous deux de Pierre Granier-Deferre en 1971, "Les Granges Brûlées" (à nouveau avec Delon) de Jean Chapot en 1973. Elle tourne également avec la nouvelle génération de réalisateurs, notamment Patrice Chéreau dans "La Chair de l'orchidée" en 1975, et dans "Judith Therpauve" en 1978, et Alain Corneau dans "Police Python 357" en 1976.  En 1978, son interprétation de Madame Rosa dans le film "La Vie devant soi", lui vaut le César de la meilleure actrice alors que le film remporte l'oscar du meilleur film en langue étrangère. La même année, elle tourne également pour la télévision dans la série "Madame le Juge". À partir de 1981, la santé de Simone Signoret, qui fume et qui est alcoolique, se détériore sérieusement : elle subit une première opération de la vésicule biliaire, puis devient progressivement aveugle, ne distinguant plus à terme que la silhouette des objets. Ses apparitions à l'écran deviennent rares, malgré la poursuite de sa carrière cinématographique. Elle tourne, entre autres, "L'Étoile du Nord" avec Pierre Granier-Deferre en 1982, ainsi que deux téléfilms avec Marcel Bluwal : "Thérèse Humbert" en 1983 et "Music-hall" en 1985. Une de ses dernières apparitions marquantes se fait, quelques mois avant sa mort, dans l'émission "7 sur 7" où elle demande à la journaliste Anne Sinclair de présenter le sigle de SOS Racisme « Touche pas à mon pote ».  Atteinte d'un cancer du pancréas, elle subit une dernière intervention chirurgicale en , mais meurt dans sa propriété d'Autheuil, le à 64 ans. Elle est inhumée au cimetière du Père-Lachaise. Yves Montand, qui meurt six ans plus tard, en , est inhumé à ses côtés.  Simone Signoret a publié son autobiographie, "La nostalgie n'est plus ce qu'elle était" en 1975, un autre récit autobiographique, "Le lendemain, elle était souriante..." en 1979, et un unique roman, "Adieu Volodia", en 1985.  Sa fille Catherine Allégret sera comédienne, son petit-fils Benjamin Castaldi présentateur de télévision et son arrière petit-fils Julien Castaldi chroniqueur de télévision.

Hommages.

La chanteuse Nina Simone a choisi son pseudonyme en hommage à Simone Signoret après l'avoir vue dans "Casque d'or" .  En France, plusieurs odonymes portent le nom de l'actrice dont, notamment à Paris, la promenade du quai de la Seine, dans le quartier de la Villette, qui se dénomme « promenade Signoret-Montand » depuis 1998.  Serge Reggiani a rendu hommage à Simone Signoret et à son rôle dans le film "Casque d'or" avec la chanson "Un menuisier dansait" (1973).  En 1986, dans son album "Ça fait rire les oiseaux", la Compagnie créole publie une chanson intitulée "Simone".

Simone Signoret, de son vrai nom Simone Kaminker, est une actrice et écrivaine française, née le à Wiesbaden (Allemagne) et morte le à Autheuil-Authouillet (Eure) en France.  Prix d'interprétation féminine au Festival de Cannes 1959 pour son rôle dans "Les Chemins de la haute ville", elle est la deuxième actrice française (après Claudette Colbert, mais Claudette Colbert, étant arrivée aux États-Unis enfant, était considérée comme une actrice américaine) à remporter l'Oscar de la meilleure actrice l'année suivante pour ce même film. En 1977, elle reçoit le César de la meilleure actrice pour "La Vie devant soi" d'après le roman de Romain Gary.  Elle a été mariée de 1948 à 1951 au réalisateur Yves Allégret, dont elle a eu une fille, Catherine, puis de 1951 à sa mort à l'acteur et chanteur Yves Montand.

Simone Signoret (; 25 March 192130 September 1985) was a French cinema actress often hailed as one of France's greatest film stars. She became the second French person to win an Academy Award, for her role in "Room at the Top" (1959).  In her lifetime she also received two Césars, three BAFTAs, an Emmy, a Cannes Film Festival Award, the Silver Bear for Best Actress awards, an NBR Award and a Golden Globe nomination.