Historique.

Importance stratégique.

Il semble que l'intérêt stratégique de cet emplacement sur le cours inférieur de l'Elz (ou Eltz), affluent de la Moselle, ait été un facteur déterminant pour la construction de ce premier château-fort qui fut ainsi élevé tout près de la Moselle – de tout temps l'une des voies commerciales les plus importantes – et en un lieu d'où l'accès au fertile Maifeld était des plus faciles. L'emplacement permettait de surveiller sur deux côtés l'accès à la vallée de l'Eltz ainsi que la voie reliant le Maifeld à la Moselle. Le piton rocheux de forme elliptique, en son point le plus élevé, baigné sur trois côtés par les eaux de l'Eltz, forme les fondations de l'ensemble du château qui – obéissant aux données naturelles – est construit sur un plan ovale.

Moyen Âge.

Avant 1268, les frères Elias, Wilhelm et Theoderich procèdent à un ganerbinat, c'est-à-dire au partage du château et des domaines qui en dépendent. C'est alors qu'apparaissent trois lignées principales de la maison Eltz, lesquelles prennent le nom de leurs blasons Eltz du Lion d'Or, Eltz du Lion d'Argent et Eltz des Cornes de Buffle. Dès lors, le château d'Eltz fut, typologiquement, un château détenu par les cohéritiers, où vivaient ensemble plusieurs lignées de la maison d'Eltz dans une communauté d'héritage et d'habitat. Des «lettres de paix du château» assuraient une cohabitation paisible entre les cohéritiers, fixant leurs droits et leurs devoirs ainsi que les modalités d'administration et d'entretien du château. La plus ancienne de ces lettres, qui ait été conservée, date de l'année 1323. Les cohéritiers («Ganerben», en ancien allemand «ganarpeo») sont membres d'une communauté d'héritiers qui cohabitent sur un bien hérité divisé. La communauté « de pot et de rôt » n'était pas de règle. Les cohéritiers vivaient séparément sur la base du partage de l'usufruit.  Au , le prince électeur de Trèves, Baudouin de Luxembourg, oncle de Charles IV, entreprit de consolider l'unité territoriale de son électorat autour des villes de Trèves, Coblence et Boppard. La noblesse immédiate libre s'opposa à la politique territoriale du prince électeur. C'est alors que, le , les communautés de cohéritiers des châteaux de Waldeck, de Schönecken, d'Ehrenburg (tous trois situés dans le Hunsrück) et d'Eltz conclurent une alliance défensive et offensive. Outre les garnisons de leurs châteaux, ils s'engageaient à lever contre le prince électeur au total 50 cavaliers lourdement armés. La même année, Baudouin entreprit d'écraser cette ligue de chevaliers et fit édifier sur un piton rocheux, devant le château d'Eltz, un château de siège, Trutzeltz ou Baldeneltz, un donjon de plan carré, à deux étages, abritant des appartements, avec - éléments caractéristiques des petites forteresses de Baudouin - chemin de ronde, entrée en ogive à double portail et lices sur trois côtés. De là, il fit bombarder le château d'Eltz au moyen de catapultes lançant des boulets du genre de ceux que l'on trouve encore aujourd'hui dans la cour intérieure du château. Les voies d'accès permettant l'approvisionnement du château étant coupées, les assiégés d'Eltz furent contraints de se rendre après un siège de deux ans. La capitulation des trois châteaux du Hunsrück fut obtenue par des moyens semblables. En 1333, les seigneurs d'Eltz demandèrent la paix. Le , la "Pax de Eltz", la « paix d'Eltz », fut conclue et la «guerre» d'Eltz prit fin. L'alliance défensive et offensive fut dissoute et le Trutzeltz resta aux mains du prince électeur Baudouin qui, en 1337, fit de Johann d'Eltz son burgrave héréditaire. En 1354, l'empereur Charles IV lui-même donna le château en fief au prince électeur Baudouin et confirma la donation à Boemund, son successeur. Ainsi, les seigneurs d'Eltz (chevaliers libres de noblesse immédiate d'origine dynastique) étaient-ils devenus des vassaux dépendant de l'électorat de Trèves et en étaient réduits à recevoir en fief le château d'Eltz, ainsi que Baldeneltz, de la main du prince électeur.  Dans toute l'histoire du château d'Eltz, cette guerre d'Eltz resta la seule affaire militaire importante.  Au , il s'ensuivit une période d'intense activité architecturale qui aboutit, en 1472, sous Lancelot et Wilhelm du Lion d'Argent, à l'achèvement de la maison Rübenach, sur le côté ouest (le nom Eltz-Rübenach vient du bailliage de Rübenach, près de Coblence, dont Richard du Lion d'Argent avait fait l'acquisition en 1277).  Dans la diversité architecturale qui frappe le visiteur dès son entrée dans la cour intérieure, on remarque tout particulièrement la façade de la maison Rübenach donnant sur cette cour : les tourelles en pans de bois et au plan polygonal, l'avant-corps en encorbellement, restauré, de ligne dépouillée et sévère, reposant sur deux colonnes de basalte et surmontant la porte d'entrée de la maison et, surtout, le charme du style fin du gothique de l'encorbellement abritant une chapelle.

Renaissance.

Au , on ajouta les maisons Grossrodendorf et Kleinrodendorf dont la façade donnant sur la cour est ornée d'un porche voûté reposant sur trois piliers. La mosaïque à la Madone se trouvant juste à côté, insérée dans le mur extérieur, date du siècle dernier (le nom Eltz-Rodendorf remonte au mariage de Hans Adolf, en 1563, avec Catherine von Brandscheid zu Rodendorf, mariage qui lui apportait la seigneurie de Rodendorf (Château rouge), dans le bailliage de Bouzonville, en Lorraine, et dont il prit le nom). Après l'achèvement des maisons Rodendorf commence la construction des maisons Kempenich dont les façades donnant sur la cour intérieure contribuent au charme et au pittoresque de son aspect d'ensemble par leur composition architecturale et leur construction à pans de bois harmonieusement articulés. Le pied de la puissante tour-escalier de plan octogonal donnait accès à une citerne autrefois accessible de la cour et assurant une part importante de l'approvisionnement en eau.  L'entrée principale des maisons Kempenich est abritée par un porche portant, à l'étage supérieur, une salle en encorbellement soutenue par deux piliers octogonaux en basalte. Sur les arcs en plein cintre reliant les piliers, on trouve les inscriptions "BORGTORN ELTZ 1604" et "ELTZ-MERCY" qui nous renseignent sur le début de la construction et sur les initiateurs de la construction de ces maisons. Mais les travaux ne prirent de l'ampleur et ne furent achevés que sous Hans Jacob von Eltz et son épouse Anna Elisa¬beth von Metzenhausen, fait commémoré par les clefs de la voûte en arête surmontant le porche (1651), clefs de voûte portant les armes d'Eltz et de Metzenhausen que l'on retrouve, sous forme de splendides armes d'alliance baroques, sculptées dans le grès, au-dessous de la fenêtre centrale de l'encorbellement datant de 1661. Ces mêmes armes ornent également les corbeilles de fenêtres en fer forgé, dans la salle du rez-de-chaussée de la maison Kempenich, ainsi qu'un blason sur la grille de la cour.

Les Eltz.

La lignée des von und zu Eltz a bien mérité des électorats de Mayence et de Trèves et elle a produit, en la personne de Jacob von Eltz (1510-1581), l'un des princes électeurs les plus importants dans l'histoire de l'archevêché de Trèves. Il fit ses études à Louvain, devint en 1564, entre autres, recteur de l'Université de Trèves, et fut élu prince électeur par le chapitre de la cathédrale réuni dans l'église Saint-Florin de Coblence, le . À l'encontre de bon nombre de ses prédécesseurs et d'autres princes ecclésiastiques, Jacob avait été consacré prêtre bien avant d'entrer en fonction. Il devint l'un des principaux chefs de la Contre-Réforme et fit de l'ordre des Jésuites son principal allié dans la poursuite de ses desseins.  Autre membre de la famille des Eltz ayant occupé des fonctions importantes dans l'électorat de Trèves, Hans Jacob von Eltz se vit confier par le prince électeur de Trèves, le , le maréchalat héréditaire et, ainsi, le commandement sur le corps des chevaliers et le commandement en chef en temps de guerre.  Les Eltz jouèrent un rôle de premier plan et eurent accès au pouvoir non seulement à Trèves mais aussi à Mayence. Le , Philipp Karl fut élu prince électeur à l'unanimité par le chapitre de la cathédrale de Mayence. Ces fonctions faisaient de lui le chef spirituel et le prince ecclésiastique le plus puissant au nord des Alpes. Premier personnage de l'Église allemande, il venait tout de suite après le pape par son rang. En qualité de grand chancelier de l'Empire, il présida la diète de Ratisbonne où il était le personnage le plus important après l'empereur. À Francfort, Philipp Karl appela les huit autres princes électeurs à émettre leur suffrage avant de donner lui-même sa voix, la neuvième décidant du vote.  Les propriétés de la maison des Eltz étaient très importantes, en particulier dans les électorats de Trèves et de Mayence. Les domaines des Eltz près de Coblence, Trèves, Boppard, Wurtzbourg, Mayence, Eltville, indiquent les points de concentration des intérêts des Eltz. En 1736, la famille fit l'acquisition, pour rhénans, de la seigneurie de Vukovar, non loin de Belgrade. De loin la propriété la plus importante de la famille, cette seigneurie fut, du milieu du jusqu'à l'expulsion violente de 1944, le domicile principal de la branche des Eltz du Lion d'Or qui, depuis la Seconde Guerre mondiale vit dans le Eltzer Hof à Eltville sur le Rhin (depuis le , cette ligne principale de la maison Eltz porte également le nom Eltz-Kempenich).  En 1733, à Vienne, l'empereur Charles VI décerna à la ligne du Lion d'Or le titre de comte de l'Empire en raison des services rendus pendant l'époque troublée de la Réforme et dans les guerres contre les Turcs. En outre, il leur accordait le privilège d'anoblir au nom de l'empereur, de nommer des notaires, de légitimer les enfants naturels, d'accorder des armes avec écu et cimier, de nommer greffiers et juges, d'affranchir les serfs, etc. Le château d'Eltz est l'un des rares burgs rhénans jamais détruits par la violence. Grâce à une diplomatie habile, pratiquée en particulier par la maison des Eltz-Bliescastel-Braunschweig, la seule ligne protestante, il fut possible de traverser sans dommage les troubles de la guerre de Trente Ans. Pendant la guerre de Succession du Palatinat (1688 - 1689), au cours de laquelle un grand nombre de burgs rhénans furent détruits, Johann-Anton von Eltz-Uettingen, officier des armées françaises, parvint à préserver le château d'Eltz de la destruction.  Lors de l'occupation des pays rhénans par les Français (1795 -1815), considéré comme émigrant, le comte Hugo Philipp se vit confisquer ses domaines sur le Rhin et dans l'électorat de Trèves. Lui-même s'entendait appeler « citoyen comte Eltz ». Le château d'Eltz, et toutes ses dépendances, fut placé sous la dépendance de la place de Coblence. Par la suite, il s'avéra toutefois que le comte Hugo Philipp n'avait pas émigré mais était resté à Mayence et, en 1797, il recouvra la jouissance de ses biens et de ses rentes. En 1815, ayant acquis la maison Rübenach et les propriétés foncières du baron d'Eltz-Rübenach, le comte Hugo Philipp devint le seul propriétaire du château. En effet, la ligne Eltz-Rodendorf s'étant éteinte en 1786, son héritage était déjà revenu aux Eltz-Kempenich.  Au , enfin, dans le contexte du romantisme et de l'intérêt croissant pour le Moyen Âge, le comte Charles s'employa habilement à la restauration du château familial. Ces travaux se prolongèrent pendant une période allant de 1845 à 1888 environ et engloutirent . Le comte Charles fit élaborer une "Histoire des seigneurs et comtes d'Eltz" par F. w. E. Roth, ouvrage publié en deux volumes, en 1890, à Mayence. Au , après achèvement des travaux de restauration mais auparavant également, des personnalités de premier plan ont visité le château d'Eltz et rendu hommage aux efforts du comte Charles : nous mentionnerons seulement l'empereur Guillaume II et Victor Hugo.  Depuis , le château d'Eltz est la propriété de la famille du même nom, l'actuel propriétaire du château étant le comte Jakob von und zu Eltz-Kempenich. Faust von Stromberg vit à Eltville sur le Rhin où la famille possède depuis le milieu du une résidence et un vignoble de réputation internationale. Depuis cette époque, le château est habité par des administrateurs qui ont porté, selon les époques, des titres comme gouverneurs ou intendants du château.

Le château actuel.

La visite guidée du château permet de visiter la plupart des pièces principales .  La maison Rübenach : terminée en 1472 par Wihelm von Eltz et son épouse Katarina, elle comporte huit étages. Rübenach est un territoire de la région de Coblence acquis par les Eltz du Lion d'Argent au .  La salle d'armes : à l'origine salle de réception de la maison Rübenach, on y conserve, depuis le une collection d'armes anciennes : arquebuses, hallebardes, canon, fusils... dont les plus anciennes datent du siège de 1333.  La salle de séjour des Rübenach est typiquement une salle de séjour d'un châtelain au avec son plafond à solives, sa grande cheminée et ses tapisseries flamandes. Elle est décorée de panneaux peints, en bois. Une peinture de Lucas Cranach l'Ancien représente la « Madone à la grappe de raisin ».  La chambre à coucher des Rübenach était la chambre principale de la maison pendant des siècles. L'encorbellement contient une petite chapelle. Cette chambre possède une des du château.  La maison Rodenhof comporte 10 étages et fut construite en 1470 par Philippe d'Eltz. Elle doit son nom aux terres que la famille possédait en Lorraine.  La salle des Princes-électeurs : deux membres de la famille Eltz sont devenus princes-électeurs : Jakob III, archevêque de Trèves (1567-1581) et Philippe-Karl, archevêque de Mayence.  La salle des Chevaliers était la salle des fêtes du château, utilisée lors des réunions familiales. On y expose aujourd'hui des armes et des armures dont une, très imposante, date de l'époque de Maximilien du Saint-Empire.  La chambre des comtesses était probablement de la chambre des enfants de la famille. Le lit exposé (1525) est un des plus anciens conservés en Allemagne.  La salle des bannières fut utilisée pendant des siècles comme salle à manger mais un certain nombre d'indices (son orientation, la disposition de l'encorbellement) font penser qu'il s'agit à l'origine d'une chapelle.  La cuisine fut construite au début du et a été conservée dans son état initial, à peu de chose près.  La salle du trésor présente quelque 500 objets : orfèvrerie, argenterie, bijoux, sculptures sur ivoire, armes, etc.

Références et bibliographie.

Ute Ritzenhofen, "Burg Eltz, Grosser DKV-Kunstführer", Deutscher Kunstverlag, Berlin-Munich, 2010

Le château d'Eltz "(Burg Eltz)" est un château médiéval niché dans les collines bordant la vallée de la Moselle, en Allemagne (arrondissement de Mayen-Coblence). Il est construit sur un promontoire rocheux surplombant la rivière Elzbach, dans le massif de l'Eifel.  La première référence historique est un acte de donation du domaine en 1157, de Frédéric Barberousse à Rudolf zu Eltz. Depuis cette époque, le château a subi de nombreuses modifications, mais il n'a jamais été détruit et reste la propriété de la même famille, pendant . Dès le Moyen Âge, trois héritiers se sont partagé le domaine. Chaque lignée a ensuite procédé à de nouvelles constructions, ce qui explique le foisonnement actuel de tourelles et de logis.  De nos jours, la visite du château permet de découvrir ses plafonds de bois, ses fresques murales et un mobilier cossu. Une salle à part est consacrée au trésor du château.

Eltz Castle () is a medieval castle nestled in the hills above the Moselle River between Koblenz and Trier, Germany. It is still owned by a branch of the same family (the Eltz family) that lived there in the 12th century, 33 generations ago. Bürresheim Castle, Eltz Castle and Lissingen Castle are the only castles on the left bank of the Rhine in Rhineland-Palatinate which have never been destroyed.


Histoire.

Durant le , le roi Philippe IV ordonna la construction d'un petit palais sur le site de la Zarzuela, en banlieue nord-ouest de Madrid, à une dizaine de kilomètres du centre-ville, afin d'en faire une résidence de chasse et de loisirs, activités dont le souverain était très friand. En espagnol le mot "zarzuela" est dérivé de "zarza", qui signifie « ronce ». Le mot se construit en ajoutant le suffixe diminutif "-uela" à "zarza", mais en l'occurrence "zarzuela" désigne un lieu sauvage envahi par les ronces (une ronceraie, en français), nom du lieu où fut construit le palais.  Il était constitué d'un bâtiment au plan rectangulaire coiffé d'un toit d'ardoise et longé de deux allées latérales. Charles IV modifia l'édifice pour l'adapter aux goûts du et le décora de tapisseries et de porcelaines ainsi que de nouveaux meubles et d'une collection d'horloges.  Bien que leur résidence officielle se situe au palais royal de Madrid (qui n'a aujourd'hui que des fonctions protocolaires), ce petit palais est le lieu où résident l'ancien roi Juan Carlos et Sofía, qui y vivent depuis leur mariage en 1962. Leur fils, le roi Felipe VI, réside également dans le complexe de la Zarzuela avec son épouse la reine consort Letizia, mais dans une résidence de construction récente d'une superficie de , se trouvant à environ 300 mètres à l'est de la résidence de ses parents. La construction de cette résidence fut achevée en 2002, alors que Felipe était encore prince des Asturies.

Théâtre.

C'est dans ce palais qu'est née, au , la zarzuela, genre théâtral lyrique espagnol qui s'apparente à l'opéra-comique français ou au "singspiel" allemand (genres qui, eux, n'apparaîtront qu'un siècle après). Ces pièces théâtrales lyriques furent d'abord désignées « "Fiesta de la zarzuela" », du nom du palais qui les accueillait ; mais rapidement ensuite et définitivement jusqu'à notre époque, elles seront simplement intitulées « "zarzuela" ».

Le palais de la Zarzuela (en espagnol, "el Palacio de la Zarzuela") est, "de facto", la résidence du roi d'Espagne.

The Zarzuela Palace ( ) is the residence and working offices of the reigning monarch of Spain (King Felipe VI), although the official residence of the Spanish Royal Family is the Royal Palace of Madrid. The Zarzuela Palace is on the outskirts of Madrid, near the Royal Palace of El Pardo, which accommodates visiting heads of state. The palace is owned by the Spanish government and administered by a state agency named Patrimonio Nacional (National Heritage).  The Zarzuela Palace is the current home of King Juan Carlos I and Queen Sofía. Although King Felipe VI has his office in the palace, he and his family live in the Pabellón del Príncipe in the grounds just east of the Zarzuela Palace.


Naissance.

Anne Jagellon nait le , à Buda, de Vladislas IV, roi de Hongrie et de Bohême, et d’Anne de Foix, troisième épouse du souverain, celui-ci ayant répudié ses deux précédentes femmes, Barbara de Brandebourg et Béatrice de Naples, qui n'étaient pas parvenues à lui donner une descendance. Vladislas, âgé de 47 ans, est désespéré alors d'avoir jamais un fils pour lui succéder. La jeune Anne de Foix réussit à combler les attentes de son époux, en lui donnant, moins de dix mois après leur mariage, un enfant. Bien qu'Anne ne fût pas un garçon, sa naissance est accueillie avec beaucoup de joie. Héritière présomptive du trône de son père durant les trois premières années de sa vie, elle a un petit frère en 1506, prénommé Louis. Hélas, la reine se remet mal de l'accouchement et décède quelques semaines plus tard.

Mariage.

Vladislas IV, monarque consciencieux, tient à préserver au maximum la paix et l'harmonie au sein de son royaume, quitte à prendre de sévères mesures contre les rebelles, comme le prouve l'exécution de György Dózsa. Si son règne est considéré comme stable, les frontières de ses possessions souffrent de l’avidité des voisins, les Ottomans et les Habsbourg. Afin de freiner la soif d'expansion du Saint-Empire romain germanique, il arrange, à partir de 1515, le mariage de ses enfants à Ferdinand et Marie de Habsbourg, petits-enfants de Maximilien du Saint-Empire. Bien que le roi meure l'année suivante, le projet n’est pas abandonné et, en 1522, Anne et Louis II Jagellon prennent époux.  Un an auparavant, en 1521, Hans Maler peint le portrait d'Anne Jagellon.  Anne, qui allait avoir 18 ans, devient l'épouse de l'archiduc Ferdinand d'Autriche, gouverneur de Tyrol, ce qui fait d’elle la belle-sœur de Charles Quint et des reines Éléonore de Habsbourg, Catherine de Castille et Isabelle d'Autriche.

Reine de Hongrie et de Bohême.

En 1526, Louis II de Hongrie décède tragiquement, sans descendance, laissant le trône à sa sœur et son mari. Dès lors, la famille des nouveaux monarques, parents depuis peu, ne cesse de s'agrandir. Cette nombreuse progéniture sera destinée à servir la politique matrimoniale des Habsbourg, qui avait toujours constitué pour eux un important atout.  Ferdinand et Anne eurent une descendance nombreuse qu'ils mirent au service de la politique dynastique de leur époque :  Anne Jagellon est, durant toute sa vie, une femme digne et déterminée. Lorsque Zapolski, voïvode de Transylvanie, assiège Vienne, la reine, qui s'y trouve enfermée, montre un grand courage et beaucoup de fermeté. Couronnée reine des Romains en 1533, son mari ayant été reconnu successeur de Charles Quint, elle ne devient cependant jamais impératrice, mourant le , à Prague, à l'âge de quarante-quatre ans, quelques jours après avoir donné naissance à Jeanne, future grande-duchesse de Toscane. Ferdinand ne ceignit la couronne impériale que neuf ans plus tard, en 1556, à la suite de l'abdication de son frère aîné.

Anne Jagellon (1503 - 1547) (en polonais : "Anna Jagiellonka", en hongrois : "Jagelló Anna", en tchèque : "Anna Jagellonská"), fille aînée de Vladislas IV et d'Anne de Foix, est la sœur de Louis II de Hongrie, duquel elle hérite la couronne de Hongrie et de Bohême. Elle épouse, le , l'archiduc d'Autriche, le futur Ferdinand du Saint-Empire, à qui elle donne quinze enfants.

Anna of Bohemia and Hungary (23 July 1503 – 27 January 1547), sometimes known as Anna Jagellonica, was Queen of the Romans, Bohemia and Hungary as the wife of King Ferdinand I, later Holy Roman Emperor.


Origine et historique.

Le mot vient du latin "casula", qui signifie « manteau sans manches ». On l'appelle également "pænula" en latin (comme le manteau que l'apôtre Paul avait oublié à Troas lors d'un de ses voyages). C'était en effet, à l'origine, une vaste rotonde qui enveloppait complètement le prêtre, appelée "chasuble romane" ou "chasuble cloche". Au centre, il y avait un trou pour passer la tête et on la relevait sur les bras pour dire la messe.  À force de l'enrichir de parements, de broderies, de fils précieux (or, argent), le tissu s'est épaissi et la pliure est devenue impossible, le vêtement incommode : il fallait deux assistants à chacun des prélats lors du sacre royal à Reims pour soutenir les pans des vêtements.  On a donc échancré les côtés, aboutissant à Rome aux et s à une forme s'éloignant nettement de l'antique "planeta", la chasuble romaine, parfois appelée « baroque », souvent très épaisse et ornée. La forme variait légèrement selon les pays. En France, on pouvait en voir dans les églises majeures pour les grandes cérémonies, les petites paroisses, souvent pauvres, adoptant une forme plus réduite encore, comme celle que l'on peut voir sur les représentations du Curé d'Ars. Appelée familièrement « boite à violon » ou chasuble « violon » en raison de la forme de sa partie antérieure, très étroite au niveau de la poitrine, qui n'était suspendue que par deux petites bandes de tissu, sa partie postérieure ne dépassait guère la largeur des épaules. En Espagne, la partie postérieure de la chasuble, comme sa face antérieure, se rétrécissait légèrement au-dessous des épaules pour s'évaser et s'arrondir en son bas. Le diocèse de Moulins, qui fut parmi les premiers diocèses français à adopter le rite romain au cours du , avait choisi, avec une autorisation spéciale du Saint-Siège, une forme inspirée d'anciennes chasubles romanes qui existaient avant la chasuble « baroque », telle qu'on peut en voir sur les illustrations du liturgiste Batholomée Gavantus au . Retrouvant une forme ovale parfois qualifiée de « semi-gothique », souvent ornée d'une croix latine dans le dos et d'une simple bande à l'avant, elle était un peu moins ample que celle qui lui succédera en France quelques décennies plus tard. Pour ce diocèse, la face avant de la chasuble « doit mesurer cent cinq centimètres de haut et l’arrière, cent vingt centimètres. Cinquante centimètres séparent le haut des épaules de l’extrémité, l’envergure est alors à peu près égale à un mètre ».  Ce retour à une forme plus ancienne marque les prémices d'un renouveau liturgique qui, au début du , va aboutir à l'utilisation de tissu souple et de formes inspirées des illustrations médiévales, donnant naissance à la chasuble dite « gothique ». C'est elle qui était majoritairement utilisée en France avant la réforme liturgique de Vatican II, parfois en concurrence avec les chasubles romaines des grandes fêtes ou des funérailles.  Depuis la réforme liturgique, en France, les chasubles romaines ont disparu, exception faite dans les deux cas de la célébration de la forme tridentine (maintenant « extraordinaire ») du rite romain. Le tissu utilisé actuellement pour la confection des chasubles est devenu très souple, souvent sans doublure, les ornements légers, et la forme s'est rapprochée (à plat) de l'ovale, sans couture sur les manches, comme les chasubles romanes.  Dans les rites orientaux, la chasuble a presque toujours conservé sa forme originelle, mais fendue en avant, ce qui lui donne l'aspect du pluvial des rites latins.

Utilisation liturgique.

La chasuble symbolise la charité, l'amour du Seigneur, qui doit envelopper le prêtre et le joug du Seigneur.  Sa couleur, dans le rite romain, varie en fonction du temps liturgique : rouge, blanc, vert, violet ; le noir est permis aux messes des défunts, là où c’est la coutume, et le rose, là où c’est l’usage, deux fois par an ; aux jours les plus solennels, on peut employer des vêtements liturgiques festifs et particulièrement beaux, même s’ils ne sont pas de la couleur du jour (par exemple, le drap d'or ou d'argent). Les relatives normes se trouvent dans la Présentation Générale du Missel Romain.

Chasuble pliée.

Dans la forme tridentine du rite romain, à l'ordination, le nouveau prêtre reçoit d'abord la chasuble pliée dans le dos. Ce n'est qu'ensuite, lorsqu'il fait promesse d'obéissance à l'évêque que celle-ci est dépliée : c'est le signe que les pouvoirs soumis à juridiction lui sont accordés - confession et prédication.  Aux temps de pénitence, dans les grandes églises, la dalmatique du diacre et la tunique du sous-diacre étaient remplacées, jusqu'à la réforme des rubriques romaines par le pape Jean XXIII, en 1960, par des chasubles violettes (ou noires le vendredi saint), pliées en avant ou coupées vers le milieu de la partie antérieure.

La chasuble est un vêtement sacerdotal à deux pans et sans manche avec une ouverture pour la tête, que le prêtre revêt par-dessus l'aube et l'étole pour célébrer la messe, ou d'autres actions liturgiques précédant ou suivant immédiatement la messe.

The chasuble () is the outermost liturgical vestment worn by clergy for the celebration of the Eucharist in Western-tradition Christian churches that use full vestments, primarily in Roman Catholic, Anglican, and Lutheran churches. In the Eastern Orthodox Churches and in the Eastern Catholic Churches, the equivalent vestment is the phelonion.  "The vestment proper to the priest celebrant at Mass and other sacred actions directly connected with Mass is, unless otherwise indicated, the chasuble, worn over the alb and stole" ("General Instruction of the Roman Missal", 337). Like the stole, it is normally of the liturgical colour of the Mass being celebrated.


Carrière.

Carrière de joueur.

Jim Paek commence sa carrière professionnelle dans la ligue de hockey de l'Ontario en évoluant pour les Generals d'Oshawa en 1984. Lors de l'été 1985, il est choisi lors du repêchage d'entrée dans la Ligue nationale de hockey par les Penguins de Pittsburgh lors de la neuvième ronde, il est le choisi. Il ne rejoint pas immédiatement la LNH mais continue pendant encore une saison dans l'OHL puis rejoint les Lumberjacks de Muskegon de la Ligue internationale de hockey, l'équipe affiliée aux Penguins.  Il commence la saison 1990-1991 en jouant les matchs internationaux de l'équipe du Canada mais rejoint à la fin de la saison l'effectif des Penguins, jouant trois matchs de la saison régulière. Il devient le premier joueur d'origine coréenne à évoluer dans la grande ligue nord-américaine. Il participe alors aux séries éliminatoires et remporte avec les Penguins la Coupe Stanley. Il inscrit le premier but de sa carrière dans la LNH lors de la finale de la Coupe. L'année d'après, il remporte encore une fois la Coupe lors du doublet des Penguins. À l'issue de la saison, il est nommé meilleure recrue des Penguins.  Deux saisons plus tard, il rejoint en cours de saison les Kings de Los Angeles en échange de Tomas Sandström. Après seulement 18 matchs sous les couleurs des Kings, il part jouer pour les Sénateurs d'Ottawa pour la saison 1994-1995.  Encore une fois, il ne joue pas beaucoup de la saison et quitte les Sénateurs pour la LIH où il portera successivement les couleurs des Aeros de Houston, des Moose du Minnesota, des Moose du Manitoba et des Lumberjacks de Cleveland. En 2000, il quitte l'Amérique du Nord et rejoint la Grande-Bretagne et les Nottingham Panthers. Il prend sa retraite en 2003 après un court passage d'un an dans la ligue de hockey de l'Ouest du Canada pour les Aces d'Anchorage.

Carrière d'entraîneur.

En signant pour les Aces, Jim Paek s'est également engagé en tant qu'entraîneur des défenseurs de l'équipe. Après avoir raccroché les patins, il rejoint les Seals d'Orlando dans la "". Jim Paek est actuellement l'entraîneur adjoint des Griffins de Grand Rapids de la Ligue américaine de hockey, club associé aux Red Wings de Détroit.  En , il est nommé à la tête de la sélection nationale sud-coréenne.

Chison Paek (hangul : 백지선) (né le à Séoul en Corée du Sud) est un joueur professionnel de hockey sur glace. Il est né avec le prénom de Chison mais est rebaptisé Jim quand ses parents et lui immigrent au Canada Il a joué principalement dans la ligue internationale de hockey (LIH) et dans la Ligue nationale de hockey (LNH). Il évoluait au poste de défenseur et remporte la Coupe Stanley à deux reprises avec les Penguins de Pittsburgh en 1991 et 1992. Paek et sa femme Kortney ont deux enfants : Megan et Kyler.

Jim Paek (, born April 7, 1967) is a Canadian former professional ice hockey player, who is currently the director of hockey for the Korea Ice Hockey Association and head coach of the South Korean national team. Paek played in the National Hockey League (NHL) from 1990–91 to 1994–95, and won the Stanley Cup twice, in 1991 and 1992 with the Pittsburgh Penguins. He is both the first Korean-born hockey player to play in the NHL, and to have his name engraved on the Stanley Cup.


But.

En tant qu'instructions finales du sentier des tantras, appelé indifféremment vajrayāna, tantrayāna ou encore guhyamantrayāna, véhicule du mantra secret, les six yogas de Nāropa visent l'Éveil complet (samyaksambodhi), possible en une seule vie. Dans ce corpus, l'Éveil est appelé Mahāmudrā ou claire lumière, et désigne la nature de Bouddha présente en chacun. Les trois premiers yogas mentionnés ci-dessous représentent la voie directe vers cette réalité transcendante, et les autres yogas sont préliminaires, ou exécutés, dirait-on, par défaut.

Contexte.

Dans le Vajrayāna, on appelle stade de création, ou de génération , la pratique du mandala extérieur, et stade d'accomplissement, ou de perfection , la pratique du mandala intérieur. Le mandala intérieur est l'anatomie du corps subtil (Sûkshma-sharîra), il permet la maîtrise des souffles (Ātman), des canaux (nādīs), des gouttes (bindu) et des centres de conscience, ou roues d'énergie, appelés chakras. Les pratiques qui y sont liées spiritualisent en quelque sorte le corps physique ou grossier ("sthûla-sharîra" en sanskrit) en en faisant un instrument de réalisation, et s'apparentent au Kundalini yoga hindou. Quant au mandala extérieur, on le "déploie" par le yoga de la Déité (Yidam). Les six yogas sont précisément des pratiques du mandala intérieur, bien que quelquefois on compte aussi le mandala extérieur parmi les yogas de Nāropa. On le considère cependant comme un yoga préliminaire, "ou" autonome.

Classification.

Bien que diversement classifiés, jusqu'à en énumérer dix, les Yogas de Naropa sont plus généralement les suivants:

Variations.

La diversité des classifications tient à ce que certaines pratiques peuvent être comprises comme variantes des autres. Notamment, le yoga du "bardo" est une application du corps illusoire, et le yoga du rêve est accessoire au yoga de la claire lumière.  Voici les autres yogas qui sont quelquefois répertoriés :

Les six yogas.

yoga de la chaleur intérieure.

Le "toumo" (translittération Wylie : "gtum mo") est l'art de développer la chaleur psychique intérieure. Il s'agit d'une technique permettant d'augmenter sa chaleur interne. On comprend l'intérêt d'une telle technique dans un contexte où les ascètes tibétains avaient (et ont) l'habitude de méditer dans des grottes de l'Himalaya, en haute altitude, vêtus d'une simple robe de coton. "Chaleur intérieure. Par le contrôle du rythme cardiaque, la concentration sur la région du nombril et la visualisation de certaines syllabes comme RAM ou HAM, le méditant parvient à augmenter si fortement la chaleur de son corps qu'il a le sentiment d'être dans les flammes."  Suivant l'enseignement secret, le "tummo" est une méthode qui permet d'extraire le prana de l'inépuisable réservoir de la nature et de l'emmagasiner dans la batterie du corps humain, puis de l'employer à transmuer la liqueur séminale en énergie subtile par laquelle une chaleur psycho-physique interne est produite et circule dans les canaux fluidiques du système nerveux psychique (les nadi).  L'art du "tummo" s'accompagne de visualisations complexes, de méditations, de respirations et comprend des exercices physiques. L'abstinence sexuelle est de rigueur pour les moines et nonnes. Le yoga sexuel appartient au "tummo", pourtant il est réservé aux étudiants laïques ou yogis en fin de cursus, donc parmi les plus avancés. À ce stade, le yogi effectue cette pratique avec une "karmamudra" - partenaire - qualifiée. Telle est la pratique de félicité-vacuité, la plus puissante pour prendre conscience de la nature du Mahamoudra.  Alexandra David-Néel a rendu célèbre ces pratiques qu'elle décrit ainsi :  « Par une nuit d'hiver où la lune brille, ceux qui se croient capables de subir victorieusement l'épreuve, se rendent, avec leur maître, sur le bord d'un cours d'eau non gelé (…) Les candidats au titre de Repa, complètement nus s'assoient sur le sol, les jambes croisées. Des draps sont plongés dans l'eau glacée, il y gèlent et en ressortent raides. Chacun des disciples en enroule un autour de lui et doit le dégeler et le sécher sur son corps. Dès que le linge est sec, on le replonge dans l'eau et le candidat s'en enveloppe de nouveau. L'opération se poursuit, jusqu'au lever du jour. Alors celui qui a séché le plus grand nombre de draps est proclamé le premier du concours » ("Mystiques et Magiciens du Thibet", , Plon, 1929).  La règle est que le yogi doit sécher au moins trois draps de suite pour avoir le droit de porter l'insigne de sa science du "tummo", qui est une robe (drap) de coton blanc lui valant le titre de Repa (d'où Milarépa : Mila à la robe de coton). Une autre épreuve consiste à s'asseoir dans la neige où l'on juge de la chaleur dégagée par le corps à la quantité et la surface de neige fondue autour du yogi.

yoga du corps illusoire.

Le "gyoulé" (translittération Wylie : "sgyu lus") est la doctrine du corps illusoire. Il s'agit d'une adaptation de la doctrine de mâyâ qui considère le monde sensible en tant que simple rêve, apparence trompeuse, illusion.  Le yogi s'habitue à considérer son propre corps comme étant irréel. Puis il réalise « la mâyâ de l'état de visualisation ». Dans cette pratique, on s'habitue à visualiser toute chose comme étant le corps d'une déité tutélaire se reflétant dans un miroir. Selon l'étape suivante, « la mâyâ de l'état parfait », le regard fixé sur un point unique de l'espace vide du ciel (voir sunyata), on visualise le Bouddha directement ou sous forme de nirmanakaya, de sambhogakaya (à travers un son). Dans le troisième et ultime état dharmakaya, samsara et nirvana sont transmués tous deux en sagesse de non-dualité et les vérités apparentes sont comprises comme étant l'illusion du samadhi. L'esprit, concentré dans un état de tranquillité parfaite, plonge alors dans la claire lumière de la pleine réalisation de la Vérité Ultime (voir madhyamika).

yoga de la claire lumière.

"Eu.sel" (translittération Wylie : " 'od gsal") est la claire lumière. "Claire lumière : état de profonde clarté expérimentée par l'esprit qui demeure dans son état naturel lorsque toute préoccupation ou émotion perturbatrice en a disparu." "Claire lumière (sk. "prabhâsvara", tib. " 'od gsal") : autre nom de la nature éveillée de l'esprit, qui est vide et lumineuse" (Philippe Cornu). "La pratique de la Claire-Lumière est présentée comme le cœur et l'essence même de la Voie. Elle se divise en une pratique diurne et une pratique nocturne. Le jour, le yogi tentera autant que possible de ne pas suivre les concepts qui surgissent en son esprit, pour demeurer uniment dans l'état inné de la Claire-Lumière... Pour ce qui concerne la pratique nocturne, le yogi s'installe dans la posture accroupie et se transforme mentalement en la forme de Héruka : dans son cœur il visualise une sphère quinticolore au centre de laquelle s'ouvre un lotus à quatre pétales."

yoga de l'état de rêve.

"Mi.lam" (translittération Wylie : "rmi lam") est le sentier du rêve. "Ce yoga consiste d'abord à maintenir le fil de la conscience entre l'état de veille et celui de rêve. Et cela par des pratiques précises de visualisation effectuées peu avant de s'endormir... Une fois que nous sommes devenus aussi conscients pendant le rêve que nous le sommes pendant la veille, nous comprenons que nous pouvons agir sur nos rêves nocturnes. Nous apprenons à modifier leur contenu, à changer, par exemple, la taille des objets, à se déplacer, en rêve, dans d'autres lieux, le fond de l'océan ou le cœur du soleil, ou encore à se transformer et à prendre toutes sortes de formes, celles d'un oiseau, d'un char, d'un dieu ou d'une déesse. Nous pouvons aussi avoir accès aux différents paradis, les Terres de béatitudes, qui sont une multitude de mondes invisibles, plus subtils que le nôtre, où nous pouvons rencontrer les différents bouddhas et écouter leurs sermons... Namgyal l'enseigne : 'Tout d'abord, visualiser que l'on devient son yidam, et, immédiatement, à la vitesse d'une étoile filante, vous arrivez dans le ciel d'Indra ou dans un quelconque paradis samsarique.'"

yoga de l'état intermédiaire entre mort et renaissance.

voir Bardo Un "bardo" (translittération Wylie : "bar do") est un état intermédiaire, en particulier après la mort.

yoga du transfert de la conscience au moment de la mort.

"Po.wa" (translittération Wylie : " 'pho ba") est la pratique du transfert de la conscience. Le transfert de conscience est une pratique décrite dans le "Bardo Thödol". "Le transfert de conscience (skr. "samkrânti", tib. " 'pho ba") est une pratique vajrayâna consistant à transférer la conscience ordinaire dans l'espace de la Réalité ou dans un champ pur de bouddha au moment de la mort. La Réalité absolue est l'état réel des phénomènes, quand ils sont vus dans leur nature vide et lumineuse. Un champ pur 'skr. "buddhakshetra", tib. "zhing khams") est une terre pure conçue et ornée par les œuvres spirituelles d'un bodhisattva ou d'un bouddha, destinée à accueillir les êtres qui ont foi en cet être éveillé après leur mort, afin qu'ils y progressent aisément jusqu'à l'Éveil... Grâce au transfert de conscience, même ceux qui ont commis les actes les plus graves peuvent accéder à une naissance dans un champ pur ou à défaut obtenir une bonne renaissance... Le transfert de conscience n'est pas à la portée de tous. Il faut non seulement avoir reçu une transmission de pouvoir de niveau "anuttarayoga tantra" ou "anuyoga", ou des instructions sur la pratique, mais aussi s'y être entraîné avec succès de son vivant."

Historique.

Le point de départ se trouve dans le "Hevajratantra" (VIII° s.). Tilopa (988-1069), un brahmane bengali, fut le guru de Naropa. Naropa n'aurait fait que rassembler des traditions. "Son premier maître, Saryapa, lui aurait transmis le yoga du rêve. Le célèbre Nāgārjuna, le yoga du corps illusoire. Kambala, celui de la claire lumière. Et c'est une dakini, Karpo Sangmo, qui l'aurait instruit sur les pratiques de la chaleur intérieure. Mais, selon une autre tradition, Tilopa lui-même aurait reçu ces yogas du bouddha Vajradhara, le porteur de vajra, le guru racine de l'école kagyüpa."

Tradition parallèle.

Les six yogas de , comparables aux six yogas de Nāropa, sont englobés dans l'enseignement des cinq dharmas d'or, transmis par l'école Shangpa Kagyu, une lignée du bouddhisme tibétain fondé par Khyungpo Neldjor au et mettant l'accent sur la méditation. La lignée Shangpa transmet des enseignements et une pratique qui influença les quatre grandes écoles du bouddhisme tibétain. Kalou Rinpoché fut un détenteur de cette lignée.

Les Six Yogas de Nāropa (Tibétain "na-ro'i-chos-drug", « les six Dharmas », pratiques ou enseignements) sont un ensemble de pratiques méditatives tantriques du Bouddhisme Vajrayāna tibétain. Transmises oralement et rassemblées par le Mahāsiddha indien Nāropa , elles parvinrent au Tibet par Marpa Lotsawa, le "traducteur", puis furent transmises à Milarépa dont les disciples fondèrent les lignées Kagyüpa. Ces enseignements furent gardés secrets pendant treize générations de disciples, de Marpa jusqu'à Je Tsong Khapa , qui écrivit librement sur le sujet et en introduisit les pratiques dans les lignées Guélougpa.

The Six Dharmas of Nāropa (), also called the Six Yogas of Nāropa, are a set of advanced Tibetan Buddhist tantric practices and a meditation sādhanā compiled in and around the time of the Indian monk and mystic Nāropa (1016-1100 CE) and conveyed to his student Marpa Lotsawa. The six dharmas were intended in part to help in the attainment of Buddhahood in an accelerated manner.


Origine du principe holographique.

Étant donné n'importe quelle région compacte, finie de l'espace (par exemple une sphère), contenant de la matière et de l'énergie, cette région s'effondrera en un trou noir si la quantité de matière et d'énergie contenue dépasse une certaine densité critique.  Un trou noir, comme tout objet, possède une entropie, ici directement proportionnelle à l'aire de son horizon des événements. Plus précisément, les trous noirs sont des objets à entropie maximale, de sorte que l'entropie contenue dans une région de l'espace ne peut pas être plus grande que l'entropie du plus grand trou noir qui entrerait dans ce volume d'espace (c'est-à-dire qui aurait un horizon des événements exactement de la taille de la région considérée, voir l'article détaillé entropie des trous noirs).  Une plus grande masse (contenue dans un espace donné) implique aussi une plus grande entropie. Ceci est contre-intuitif puisque l'entropie est une variable extensive, directement proportionnelle à la masse, qui, elle, est proportionnelle au volume et pas à la surface.  Si l'entropie de la masse ordinaire (pas seulement les trous noirs) est aussi proportionnelle à la surface, alors cela implique que le volume lui-même est d'une certaine manière une illusion et que la matière occupe une surface, pas un volume ; et donc que l'univers est finalement un hologramme isomorphe à l'information inscrite à sa surface.

Limite à la densité d'information.

L'entropie, si elle est considérée comme une mesure de l'information, peut être finalement mesurée en bits ou nats. Un bit vaut (ln 2) nats, et 1 nat correspond à 4 aires de Planck. La quantité totale de bits est reliée à la somme des degrés de liberté de la matière et de l'énergie. Les bits eux-mêmes encoderaient ainsi l'information à propos des états de la matière et de l'énergie qui occupent l'espace donné.  Dans un volume donné, il existe une limite supérieure à la densité de l'information à propos de toutes les particules qui composent la matière dans ce volume, suggérant que la matière elle-même ne peut pas être subdivisée indéfiniment, mais qu'il devrait y avoir plutôt un niveau ultime des particules élémentaires. Les degrés de liberté d'une particule composée de sous-particules sont le produit de tous les degrés de liberté de ces sous-particules. Si ces dernières sont aussi subdivisibles et ainsi de manière indéfinie, les degrés de liberté de la particule d'origine doivent être infinis ; ce qui viole la limite de densité d'entropie. Le principe holographique finalement revient à dire que les subdivisions doivent s'arrêter à un certain niveau et que l'ultime particule est un bit d'information (1 ou 0).  La réalisation la plus rigoureuse du principe holographique est celle de la Correspondance AdS/CFT de Juan Maldacena.

Différentes versions du principe holographique.

Il y a principalement deux versions du principe holographique.

Le principe holographique fort.

Le principe holographique dit que l'information qui peut être obtenue d'un observateur externe à partir de la surface d'un trou noir (i.e. son horizon des événements) est proportionnelle à l'aire de cet horizon. La version «forte» de ce principe dit que l'observateur obtient l'information de quelque chose à travers la surface qui agit d'une certaine manière comme un «écran» mais qu'il existe derrière cet écran une particule qui projette l'information sur l'écran (ou la surface).

Le principe holographique faible.

Contrairement au principe fort, le principe holographique faible dit qu'il n'y a pas de particule derrière l'écran et que les processus physiques de l'univers peuvent être complètement décrits par des écrans ou surfaces à travers lesquels l'information est observée.

En physique théorique, le principe holographique est une conjecture spéculative dans le cadre de la théorie de la gravité quantique, proposée par Gerard 't Hooft en 1993 puis améliorée par Leonard Susskind en 1995.  Son nom métaphorique vient de l'analogie avec l'holographie.  Susskind le résume ainsi :  Cette conjecture propose que toute l'information contenue dans un volume d'espace peut être décrite par une théorie qui se situe sur les bords de cette région. Par exemple, une pièce donnée d'une maison et tous les événements qu'elle contient pourraient être modélisés complètement par une théorie qui prendrait en compte uniquement ce qui se passe au niveau des murs de cette maison. Le principe holographique dit aussi qu'il y a au plus un degré de liberté (ou une constante de Boltzmann "k", unité d'entropie maximale) pour chaque ensemble de quatre aires de Planck, ce qui peut être écrit comme une limite de Bekenstein : formula_1, où formula_2 est l'entropie et formula_3 l'aire considérée.  La gravité entropique, hypothèse proposée par Erik Verlinde en 2009 et selon laquelle la gravitation ne serait pas une force fondamentale mais une force entropique, combine le principe holographique avec l'approche thermodynamique de la gravitation.

The holographic principle is a tenet of string theories and a supposed property of quantum gravity that states that the description of a volume of space can be thought of as encoded on a lower-dimensional boundary to the region—such as a light-like boundary like a gravitational horizon. First proposed by Gerard 't Hooft, it was given a precise string-theory interpretation by Leonard Susskind who combined his ideas with previous ones of 't Hooft and Charles Thorn. As pointed out by Raphael Bousso, Thorn observed in 1978 that string theory admits a lower-dimensional description in which gravity emerges from it in what would now be called a holographic way. The prime example of holography is the AdS/CFT correspondence.  The holographic principle was inspired by black hole thermodynamics, which conjectures that the maximal entropy in any region scales with the radius "squared", and not cubed as might be expected. In the case of a black hole, the insight was that the informational content of all the objects that have fallen into the hole might be entirely contained in surface fluctuations of the event horizon. The holographic principle resolves the black hole information paradox within the framework of string theory. However, there exist classical solutions to the Einstein equations that allow values of the entropy larger than those allowed by an area law, hence in principle larger than those of a black hole. These are the so-called "Wheeler's bags of gold". The existence of such solutions conflicts with the holographic interpretation, and their effects in a quantum theory of gravity including the holographic principle are not fully understood yet.


Historique.

Le trou noir de Reissner-Nordström () est ainsi désigné en l'honneur de Hans Reissner (-) et Gunnar Nordström (-) qui ont découvert indépendamment la métrique qui le décrit : le premier dès ; le second en . La métrique de Reissner-Nordström a également été découverte indépendamment par Hermann Weyl (-) en . Il s'agit d'une solution de l'équation d'Einstein pour le cas d'une masse ponctuelle chargée électriquement et sans rotation dans un espace vide. Reissner, Weyl et Nordström l'ont obtenue peu de temps après que Karl Schwarzschild -) a trouvé la métrique qui porte son nom et qui décrit les solutions pour une masse ponctuelle sans rotation et sans charge électrique.

Description.

La métrique de Reissner-Nordström généralise celle de Schwarzschild et s'écrit : où :  En utilisant les unités géométriques, c'est-à-dire que la vitesse de la lumière, la constante gravitationnelle et la constante de Coulomb sont égales à 1 (formula_4), la métrique s'écrit :  Le potentiel électromagnétique s'écrit dans ce contexte :  Tandis que les trous noirs chargés avec formula_7 (et surtout avec formula_8) sont similaires aux trous noirs de Schwarzschild, les trous noirs de Reissner-Nordström ont deux horizons () : le plus externe () est l'horizon des événements ; le plus interne (), un horizon de Cauchy. Comme pour les autres trous noirs, l'horizon des événements dans l'espace-temps peut être localisé en résolvant l'équation de la métrique : formula_9. Les solutions montrent que l'horizon des événements est situé à :  La solution dégénère en une singularité lorsque formula_11.  On pense que les trous noirs avec formula_12 n'existent pas dans la nature, puisqu'ils contiendraient une singularité nue. Leur existence serait en contradiction avec le principe de censure cosmique du physicien britannique Roger Penrose, qui est généralement considéré comme vrai.

Trou noir et supersymétrie.

Dans le cadre d'une théorie supersymétrique, comme la théorie des cordes ou même seulement la supergravité, la charge et la masse d'un trou noir sont reliées par l'inégalité de Bogomol'nyi-Prasad-Sommerfield, qui est une conséquence de l'invariance de la théorie sous l'. Cette inégalité stipule précisément que  ce qui garantit l'absence de singularités nues dans le cas. Le cas d'égalité correspond à une solution de type trou noir qui préserve la supersymétrie, on parle alors de trou noir critique. La supersymétrie, bien que représentant un élément majeur d'investigation en physique théorique pour une construction d'une physique au-delà du modèle standard n'a cependant pas été observée expérimentalement à ce jour (2018) bien que son existence soit l'un des principaux enjeux des expériences qui seront réalisées dans un futur prochain au LHC. Mais en attendant, la question de l'existence réelle de trous noirs supersymétriques peut donc être encore considérée comme complètement ouverte.

Généralisation.

Si les hypothétiques monopoles magnétiques sont inclus dans la théorie, une généralisation de la métrique ci-dessus s'obtient en incluant une «charge magnétique» formula_14 et en remplaçant formula_15 par formula_16 et en incluant un terme formula_17 dans l'expression du potentiel électromagnétique.

En astrophysique, un trou noir de Reissner-Nordström est un trou noir qui possède une masse formula_1, une charge électrique non nulle formula_2, et pas de moment angulaire (i.e. un trou noir chargé, mais sans rotation). Puisque la répulsion électromagnétique d'une masse chargée, lors de la compression durant la formation du trou noir, est très largement supérieure à l'attraction gravitationnelle (par environ 40 ordres de grandeur), on pense qu'il n'aurait pu se former que très peu de ces trous noirs dans l'Univers.

In physics and astronomy, the Reissner–Nordström metric is a static solution to the Einstein–Maxwell field equations, which corresponds to the gravitational field of a charged, non-rotating, spherically symmetric body of mass "M". The analogous solution for a charged, rotating body is given by the Kerr–Newman metric.  The metric was discovered between 1916 and 1921 by Hans Reissner, Hermann Weyl, Gunnar Nordström and George Barker Jeffery.


Carrière.

Il débute au théâtre comme acteur stagiaire en 1919 sous le pseudonyme de Max Ophüls, afin de ne pas embarrasser son père au cas où il échouerait, avant de se consacrer à la production en 1924. Deux ans plus tard, il devient directeur de création du Burgtheater à Vienne. Il y rencontre l'actrice Hilde Wall (1894-1980), qu'il épouse la même année. Leur fils Marcel, futur réalisateur de documentaires (notamment "Le Chagrin et la Pitié"), naît le à Francfort-sur-le-Main.  Après avoir monté près de deux cents pièces, il se tourne en 1929 vers le cinéma, en devenant chef-dialoguiste sous la direction d'Anatole Litvak à la Universum Film AG (UFA), à Berlin. Il dirige son premier film en 1931, le court-métrage "Dann schon lieber Lebertran". Le meilleur de ses films allemands est sans doute "Liebelei" (1932) ; Anticipant la menace que fait courir la montée du nazisme, Max Ophuls, qui est de confession juive, se réfugie en France en 1933 après l'incendie du Reichstag. Il y réalise entre autres "Werther", adaptation du roman homonyme de Goethe avec Pierre Richard-Willm, et deux films avec Edwige Feuillère, "Sans lendemain" et "De Mayerling à Sarajevo". Devenu citoyen français en 1938, il gagne les États-Unis après la défaite de 1940, en passant par la Suisse et l'Italie. Réfugié à Hollywood, il n'y trouvera toutefois pas de travail, et il doit attendre 1948 pour réaliser, avec l'aide du réalisateur et producteur Preston Sturges, qui admire son travail depuis longtemps, l'un des films les plus remarquables de cette période : "Lettre d'une inconnue", librement adapté de la nouvelle de Stefan Zweig.  Il revint en Europe en 1950, pour tourner une série de chefs-d'œuvre : "La Ronde" (1950), "Le Plaisir" (1952), "Madame de..." (1953), avec son actrice fétiche, Danielle Darrieux, ainsi que "Lola Montès" (1955). Ce dernier film ne rencontra pas le succès, et fit l'objet d'un nouveau montage de la part des producteurs, malgré l'opposition d'Ophuls et celle des « jeunes turcs » de la naissante Nouvelle Vague, avant de connaître finalement une résurrection en 2008.  Il meurt à Hambourg sept ans plus tard, d'une cardiopathie rhumatismale. Il est incinéré au cimetière du Père-Lachaise (case 6219 du columbarium) à Paris.  Dans toutes ses œuvres, on retrouve les mouvements sans heurts de la caméra qui le caractérisent, l'utilisation complexe des grues et des dollys, et les travellings, qui ont influencé Stanley Kubrick ou, en France, Jacques Demy (dont le premier film, "Lola", est dédié à celui qu'il considérait comme son maître).

Maximillian Oppenheimer, dit Max Ophüls (ou Max Ophuls), est un cinéaste français d'origine allemande, né à Sarrebruck le et mort à Hambourg le . Il est le père du documentariste Marcel Ophüls.

Maximillian Oppenheimer (; 6 May 1902 – 26 March 1957), known as Max Ophüls (; ), was a German-born film director who worked in Germany (1931–1933), France (1933–1940 and 1950–1957), and the United States (1947–1950). He made nearly 30 films, the latter ones being especially notable: "La Ronde" (1950), "Le Plaisir" (1952), "The Earrings of Madame de…" (1953) and "Lola Montès" (1955). He was credited as Max Opuls on several of his American films, including "The Reckless Moment", "Caught", "Letter from an Unknown Woman", and "The Exile". The annual Filmfestival Max Ophüls Preis in Saarbrücken is named after him.


Carrière tennistique.

C'est en double dames que Gigi Fernández s'est particulièrement illustrée puisqu'elle fait partie des meilleures joueuses dans l'histoire de cette discipline. En effet, elle a gagné 69 titres en double, dont 17 tournois du Grand Chelem, et a été pendant 80 semaines. Elle a aussi décroché deux médailles d'or aux Jeux olympiques aux côtés de sa cousine Mary Joe Fernández (Barcelone en 1992 et Atlanta en 1996).  Avec la Biélorusse Natasha Zvereva, elles ont formé la meilleure équipe de tous les temps derrière le tandem Navrátilová / Shriver en remportant quatorze titres en Grand Chelem et deux Masters. Elles ont également réalisé un Grand Chelem sur deux saisons en 1992-1993, ainsi que trois petits Chelems consécutifs entre 1992 et 1994.  En simple, elle a remporté deux tournois mineurs sur le circuit WTA. Elle a également été demi-finaliste à Wimbledon en 1994, où elle fut battue par la nonuple gagnante de ce tournoi, Martina Navrátilová, et elle a atteint les quarts de finale de l'US Open à deux reprises (1991 et 1994).  Après sa retraite sportive, elle est devenue entraîneuse de tennis. Elle a notamment collaboré avec les numéros un mondiales de double Rennae Stubbs et Samantha Stosur. Elle a aussi entraîné l'équipe de Porto Rico à l"'University of South Florida". Elle a créé la fondation "Gigi Fernandez Charitable Foundation" visant à aider les communautés hispaniques.  Gigi Fernández intègre le "International Tennis Hall of Fame" en 2010, en même temps que sa meilleure partenaire Natasha Zvereva.

Beatriz Fernández, dite Gigi Fernández, née le à San Juan sur l'île de Porto Rico, est une joueuse de tennis américaine, professionnelle de novembre 1983 à novembre 1997. Elle est l'une des meilleures spécialistes de double de l'histoire de son sport.

Beatriz "Gigi" Fernández (born February 22, 1964) is a Puerto Rican professional tennis player. She turned professional in 1983 and is the first Puerto-Rican to be inducted into the International Tennis Hall of Fame.  Fernández won 17 Grand Slam doubles titles and two Olympic gold medals representing the United States, and reached the world No. 1 ranking in women's doubles. She reached a career-high singles ranking of 17 in 1991. Since retiring from the professional tour in 1997 at the age of 33, Fernández has been a tennis coach and entrepreneur. She now shares her knowledge of doubles with tennis enthusiasts throughout the US by conducting Master Doubles with Gigi Clinics and Doubles Boot Camps.


Origines.

Boulat Okoudjava naît à Moscou d'un père géorgien et d'une mère arménienne : et Achkhen Nalbandian. A sa naissance, tous deux aimant la littérature d'Oscar Wilde, ils nommèrent leur fils Dorian, du nom du héros du roman "Le Portrait de Dorian Gray" du poète irlandais. Après quelques mois ils décidèrent de lui donner un nom moins exotique pour un enfant soviétique d'origine caucasienne et l'appelèrent ainsi Boulat.  Sa mère était la nièce du poète Vahan Térian. Son oncle Vladimir Okoudjava, un terroriste-anarchiste ayant fui l'Empire russe après un attentat raté, est revenu en Russie à bord du même train secret que Lénine depuis la Suisse jusqu'à Pétrograd en 1917.

Enfance et adolescence.

Peu après la naissance de Boulat Okoudjava, son père fut envoyé dans le Caucase en tant que commissaire politique en Géorgie. Il resta alors avec sa mère à Moscou où elle travaillait au sein du Parti communiste de l'Union soviétique. À 6 ans, Boulat Okoudjava fut envoyé à Tbilissi pour y suivre sa scolarité dans une classe russophone. Son père devint le secrétaire du bureau du parti de Tbilissi. Il fut ensuite envoyé en tant que secrétaire du parti au sein du Uralvagonzavod à Nijni Taguil où sa famille le rejoignit quelque temps après son arrivée. Début 1937, son père, Chalva Okoudjava, fut arrêté pour être lié à un courant trotskiste (courant politique opposé au Stalinisme) et accusé d’espionnage. Il fut fusillé le 4 août 1937. Il fut réhabilité en 1956, après la mort de Staline. Deux de ses frères, oncles de Boulat Okoudjava, furent aussi exécutés pour avoir été trotskistes. En février 1937, après l'arrestation de Chalva Okoudjava, sa femme et son fils, Boulat Okoudjava, partirent pour Moscou où il emménagèrent dans une Kommounalka sur la rue Arbat, rue dans laquelle les parents de Boulat Okoudjava vécurent déjà à la naissance de Boulat. En 1938, la mère de Boulat Okoudjava fut arrêtée à son tour et envoyée au Camp de travail pénitentiaire Karlag. Elle n'en reviendra qu'en 1947. En 1940, Boulat Okoudjava fut accueilli par des membres de sa famille à Tbilissi. En 1941, une tante de Boulat Okoudjava, Olga Okoudjava a été fusillée.

Guerre et après-guerre.

En 1942, alors que Boulat Okoudjava est engagé volontaire dans l'armée rouge depuis août, il est blessé au front transcaucasien près de Mozdok le 16 décembre. Après cela, il reste soldat sans combattre jusqu'en mars 1944. Il fut médaillé de la bataille du Caucase et de la victoire sur l'Allemagne et, en 1985, il reçut l'Ordre de la Guerre patriotique.  À la fin de la Seconde Guerre mondiale, il retourna à Tbilissi. Après avoir été diplômé de l'Université d'État de Tbilissi en 1950, il enseigne dans les environs de Kalouga.

Poète et chanteur.

Avant de commencer sa carrière de poète, Boulat Okoudjava écrivait déjà durant son temps au sein de l'Armée rouge. Certains de ses poèmes publiés dans le journal du front, tout au début sous le pseudonyme "A. Dolzhenov". En 1956, il commence à publier ses poèmes dans les journaux régionaux. Malgré les tracasseries du pouvoir et la lourdeur de la censure (pas de parution écrite ou de Disque vinyle avant 1970), son succès vient des textes mis en musique, chantés par le poète qui s'accompagne à la guitare. En 1961, Boulat Okoudjava donne son premier concert en cercle restreint à Kharkiv. En 1962, il se montra au grand public en chantant sa chanson "Le trolleybus de minuit" dans le film soviétique "Réaction en chaîne". Plus de 80 de ses chansons et poèmes résonnèrent par la suite à travers le cinéma soviétique, comme "Nous avons besoin d'une victoire" ("Nam nuzhna odna pobeda", 1969) dans "La Gare de Biélorussie" de Andreï Smirnov, "Brûle, brûle, mon feu de camps" dans "L'Oiseau de bronze" (1974) de Nikolaï Kalinine, ou encore "Les Gardes de l'Amour" dans "La Porte Pokrovski" (1982) de Mikhaïl Kozakov.  En 1967, lors d'un voyage à Paris il enregistra une vingtaine de chansons dans les studios du Chant du Monde. L'année suivante le vinyle "Le Soldat de papier" parut en France. La même année, un vinyle avec ses chansons apparut en Pologne. Dans les années 1970, les premiers vinyles purent être imprimés et vendus aussi en URSS.  Boulat Okoudjava écrivit et composa aussi avec d'autres artistes, notamment avec la polonaise Agnieszka Osiecka ou encore Isaak Schwarz. Avec ce dernier il composa en tout 32 chansons.  Durant les années 1990, il vécut dans sa maison de campagne à Peredelkino tout en donnant des concerts à Moscou, Saint-Pétersbourg, en Allemagne, en France, au Canada, aux États-Unis et en Israël.  Il donna son dernier concert le 23 juin 1995 au siège de l'UNESCO à Paris.

Littéraire.

Dès 1961, Boulat Okoudjava publia des nouvelles, dont certaines autobiographiques, dans différents journaux. En 1976, il publia son premier roman. Il en écrira encore trois autres. Il écrira aussi de nombreuses histoires pour enfants. Il fut rédacteur au sein de plusieurs journaux littéraires, dont la Literatournaïa gazeta. En 1961, il quitta cependant toute fonction salariée et ne s'adonna qu'à ses occupations artistiques.  Plusieurs de ses œuvres ont été traduites en français et publiées par les Éditions Albin Michel.  Les russophones amoureux de poésie du monde lui doivent également de nombreuses traductions d’œuvres lyrique arabes, espagnoles et des langues de l'ancien bloc soviétique.  En 1962, Boulat Okoudjava intégra l'Union des écrivains soviétiques.

Prises de positions politiques.

Dès le début de la Perestroïka, Boulat Okoudjava s’impliqua politiquement dans la société russe. En 1989, il rejoignit le PEN club et quitta le Parti communiste de l'Union soviétique en 1990 (peu de temps avant sa dissolution). Dès 1992, il fit partie de la commission de médiation politico-juridique auprès du président de la Fédération de Russie. En 1994 il intègre le comité de gérance du Prix d'État de la Fédération de Russie. De plus, il fut membre actif de l'ONG russe Memorial.  Il condamna la politique de Staline et ses purges durant lesquelles son père, deux de ses oncles et une tante furent assassinés et sa mère déportée durant neuf années, mais aussi la révolution de Lénine qui mena bien au règne du communisme auquel ses parents croyaient, mais qui détruisit des millions de vies. Il dépeint cela notamment dans son poème "" ("Qu'en dis-tu, mon général si parfait ?"). Lors d'une interview avec la Novaïa Gazeta en 1992, il n'hésita pas à tirer les parallèles entre le communisme de Staline (Stalinisme) et le nazisme. En 1993, il signa la , sorte de pétition contre la création de tout parti ressemblant de près ou de loin à un parti communiste à travers le monde et dénonça ainsi la comportement des députés russes durant la Crise constitutionnelle russe.

Mort.

Boulat Okoudjava mourra au cours d'un voyage le 12 juin 1997 à l'hôpital Percy à Clamart en banlieue parisienne. Peu de temps avant sa mort il se fit baptiser à Paris par un moine du Monastère des Grottes de Pskov. La coutume orthodoxe veut que l'on choisisse un nom religieux lors du baptême, Boulat Okoudjava choisi le nom de Ioann, en honneur à . Il est inhumé au cimetière Vagankovo de Moscou.

Influences.

Boulat Okoudjava désigna Alexandre Pouchkine, Ernst Theodor Amadeus Hoffmann et Boris Pasternak comme ses poètes préférés.  Vladimir Vyssotski disait de Boulat Okoudjava, que celui-ci était son « enseignant d'âme ». Boulat Okoudjava a aussi influencé Alexandre Galitch et Youri Vizbor. Boulat Okoudjava a ainsi crée un nouveau genre de musique.  Boulat Okoudjava a joué pendant de nombreuses années sur une guitare russe à 7 cordes en « accord majeur tzigane » (cinquième corde en Do). Plus tard il jouera cependant sur une guitare classique à six corde (éliminant cependant la quatrième corde en Ré pour garder le Do).

Famille.

Boulat Okoudjava a été marié deux fois. Avec sa première femme, Galina Smolyaninova (1926-1965), il a eu deux enfants : Igor (1954-1997) et une fille (morte en bas âge). Après la mort de sa femme, il se remarie avec Olga Artsimovitch, nièce de Lev Artsimovitch. De cette union né un fils, Anton (1965).

Boulat Chalvovitch Okoudjava (en ; en ) est un auteur-compositeur-interprète soviétique né à Moscou le et mort à l'hôpital Percy de Clamart (banlieue de Paris) le .  Il est un parmi les plus populaires de son époque, avec Vladimir Vyssotski. Son œuvre exprime son horreur de la guerre, l'observation patiente de la société soviétique et les amours douloureuses. Il est LE chanteur du quartier de l'Arbat à Moscou. On le surnomme parfois le « Brassens soviétique ». Il est également l'auteur de plusieurs romans.

Bulat Shalvovich Okudzhava (; ; ; May 9, 1924 – June 12, 1997) was a Soviet and Russian poet, writer, musician, novelist, and singer-songwriter of Georgian-Armenian ancestry. He was one of the founders of the Soviet genre called "author song" ("авторская песня", "avtorskaya pesnya"), or "guitar song", and the author of about 200 songs, set to his own poetry. His songs are a mixture of Russian poetic and folksong traditions and the French "chansonnier" style represented by such contemporaries of Okudzhava as Georges Brassens. Though his songs were never overtly political (in contrast to those of some of his fellow Soviet bards), the freshness and independence of Okudzhava's artistic voice presented a subtle challenge to Soviet cultural authorities, who were thus hesitant for many years to give him official recognition.


Biographie.

Origines / Bruges / de Croÿ.

On ne sait presque rien de sa jeunesse et les données sur les années de sa maturité artistique sont incertaines. Il naquit quelque part en Belgique ou aux Pays-Bas actuels. Une épigramme dans ' (1575) de Jacob Meiland se réfère à ' comme à la patrie natale de Clemens, mais Sweertius, dans ' (1626), décrit le compositeur comme un ' ; peut-être voulait-il désigner par là la province actuelle de Hollande-Méridionale, mais certains historiens, dont Jacobus Eyndius en 1600, considéraient la Zélande aussi comme une partie intégrante de la région batave. La première mention certaine de son nom et de ses activités date toutefois de la fin des années 1530, lorsqu'à Paris, Attaingnant publia de ce compositeur quelques chansons.  Entre mars 1544 et juin 1545, il fut attaché comme ' (ou maître de chant) à la future cathédrale Saint-Donatien de Bruges. Le , les actes du chapitre de l'église mentionnent "Jacobus Clement Pbro" (pbro = ' = prêtre), et, le 26 mars, il fut nommé « ' » ; le fait qu'il dut passer un examen d'aptitude indique qu'il était à peine connu. Il honora le saint patron de cette église par la '. Peu après, en 1545, Clemens établit des relations d'affaires avec l'imprimeur anversois Susato, l'un de ses principaux éditeurs ; cette collaboration se poursuivit jusqu'à la mort du compositeur.  Il est possible qu'en 1545, Clemens ait été nommé maître de chapelle de la cour de Philippe de Croÿ, duc d'Aerschot et général de Charles Quint, car il existe une référence au compositeur dans la "Généalogie [...] de la maison de Croy" de Jean Scohier (Douai, 1589), et le motet "O quam mœsta dies" de Clemens célèbre la mémoire du duc, décédé en 1549. Trois motets politiques - ou « d'État » - (', ' et "Carole, magnus eras") permettent de présumer qu'il fréquenta la cour de Charles Quint de 1544 à 1549.

Bois-le-Duc - Ypres - Hollande.

En 1550, du octobre jusqu'au 24 décembre, Clemens fut employé comme chanteur et compositeur (') à la confrérie mariale de Bois-le-Duc. Le motet en l'honneur de Notre Dame (') qu'il offrit à la confrérie à son départ est sans aucun doute lEgo flos campi" à sept voix, sur un texte du Cantique des Cantiques. Les mots ', qui avaient subi un traitement homophone considérable, formaient la devise de la confrérie mariale, et l'utilisation de sept voix – à peu près unique dans l'œuvre de Clemens - incarne le nombre symbolique et marial sept. Selon Joannis Baptista Gramaye ("", i, Bruxelles, 1611), Clemens serait aussi passé par Ypres ; quatre motets en l'honneur de saint Martin, le saint patron de la ville, semblent confirmer cette assertion.  Bien que la chanson "Congié je prens de vous" se termine par le vers , jusqu'à présent, on ne dispose d'aucun autre élément qui puisse confirmer que Clemens ait séjourné à Dordrecht. Selon toute vraisemblance, le compositeur aurait eu un lien avec la ville de Leyde car les six livres de chœur de l'église Saint-Pierre datant du milieu du (conservés dans les archives municipales) contiennent des œuvres de Clemens : deux messes (dont la " ‘Or combien’" avec une attribution à Crecquillon), un cycle de huit mises en musique du et 34 motets ; il s'agit de l'unique source de l'un de ses motets et du cycle des . Il est toutefois presque certain que Clemens n'a jamais été maître de chapelle de l'église Saint-Pierre. Il se peut même qu'il n'ait jamais résidé à Leyde.

Moment et circonstances de la mort.

L'année de la mort de Clemens a constitué un sujet de controverse. Il existe plusieurs raisons de croire qu'il mourut en 1555 ou en 1556. Bien qu'il soit toujours répertorié comme un compositeur vivant dans la ' (1556) de Hermann Finck, un manuscrit copié à Anvers en 1564-1566, contient son motet ' avec l'annotation latine ' (« Dernière œuvre de Clemens qui n'est pas le Pape, du »). Des 159 ', imprimés en 1556-1557 en quatre volumes, dix sont en effet de Susato ; les autres harmonisations sont de Clemens. En 1556, la première des messes de Clemens fut publiée avec une dédicace écrite par l'éditeur, Phalèse.  Les circonstances de la mort du compositeur sont inconnues. En 1558, Jacobus Vaet publia à Nuremberg une déploration sur la mort de Clemens, ', dont le texte suggère que ce compositeur aurait trouvé une mort violente (') sans parler des circonstances où celle-ci serait survenue. Selon ("", ii, Cologne, 1644), Clemens aurait été enterré à Dixmude, près d'Ypres, en Belgique actuelle.  Son seul élève connu est l'énigmatique Gerardus Mes, qui déclare dans ses propres ', publiés à Anvers en 1561, qu'il est un disciple de Clemens (').

Questions au sujet de la biographie de Clemens.

Sympathies protestantes.

Sur la base des textes choisis par Clemens et de ses harmonisations des psaumes en néerlandais, Edward Lowinsky a avancé que le compositeur était un sympathisant du protestantisme, mais les liens supposés avec la famille profondément catholique de Croÿ et les nombreux textes liturgiques qu'il mettait en musique, semblent plutôt contredire cette assertion. Il est à noter que les psaumes en néerlandais de Clemens échappèrent à l'interdiction de 1569, lorsque le gouvernement du duc d'Albe s'occupait à censurer tous les livres réputés hérétiques.

Origine du sobriquet.

Le sobriquet apparaît pour la première fois en 1542, date à laquelle fut achevé le chansonnier, composé de livrets à parties séparées, du marchand flamand Zeghere van Male, où figure une chanson de Clemens, "Je prens en gre" (publiée anonymement en 1539). Dès 1546, le sobriquet apparaît dans des ouvrages imprimés, notamment dans un recueil de motets publié par Susato, et dans les "", publiés par Susato en 1556-1557, le compositeur est appelé « "Jacobus Clement non papa" » (« Jacques Clément, mais pas le Pape ! »), reliant le sobriquet avec ce qui aurait été son nom d'origine, Jacob Clement. Des variantes de ce nom ("Clemente nono Papa", "Clemens haud papa"), figurant dans d'autres sources, viennent soutenir la thèse que le surnom aurait été plaisamment ajouté par son éditeur, Susato, pour le distinguer d'un contemporain, le pape Clément VII, qui était cependant mort depuis 1534, donc avant que le nom du compositeur ait été confié au papier imprimé. Plusieurs théories circulent sur l'origine de l'épithète « non Papa », et selon l'une d'entre elles, on aurait voulu éviter toute confusion avec le poète Jacobus Papa, originaire d'Ypres, mais les patronymes semblent trop différents.

Sur l'œuvre.

Remarques générales.

Le corpus de l'œuvre.

Pour autant que l'on sache, à l'inverse de la plupart de ses contemporains, Clemens n'a jamais fait le voyage d'Italie, ce qui explique l'absence dans sa musique de traces d'un éventuel passage par ce pays.  Clemens compte parmi les meilleurs représentants du style franco-flamand. Il serait l'un des plus grands compositeurs de la génération entre Josquin et Lassus. Sur ce dernier, il a par ailleurs exercé une influence considérable. La renommée de Clemens a conduit à la publication, sous son nom, d'œuvres douteuses, dont plusieurs chansons dont l'attribution est sujette à caution. En fait, pour environ 80 %, sa production musicale comprend des pièces sacrées soit composées à des fins liturgiques, soit à usage privé. De quelque 233 motets, seuls trois contiennent des textes profanes sous la forme d'hymnes de louange à la musique. Cependant, il a composé tout de même plus de cent œuvres profanes englobant toute la variété des genres poétiques mis en musique par les compositeurs de sa génération. Compte tenu du fait que sa carrière de compositeur a duré à peine deux décennies, Clemens s'est avéré un compositeur particulièrement fécond.  Comme dans le travail de la plupart des successeurs franco-flamands de Josquin, l'œuvre complète comprend très peu de pièces où il utilise la technique du ".  Il a écrit, entre autres :

Les caractéristiques stylistiques de l'œuvre.

Dans toute la musique de Clemens, mais surtout dans les messes et les motets, Clemens utilise un style de composition constant. Le contrepoint est largement écrit note contre note et les textures sont denses et fréquentes ; le plus couramment, le mouvement se fait par des blanches et des rondes. L'imitation généralisée est la règle, mais le canon stricte est peu utilisé, sauf dans des œuvres telles que les deux derniers mouvements du ', où le canon sert à souligner le sens des mots du modèle, '. Bien que la texture habituelle de Clemens soit uniformément dense, des changements subtils dans la texture sont utilisés pour souligner la forme syntaxique et rhétorique du texte et, dans certains cas, comme les refrains finals de la mise en musique à six voix du motet ", pour créer des contrastes frappants au sein d'un passage. Lorsqu'il met des textes en musique, Clemens fait souvent éclater la progression syllabique, tout en employant une déclamation intelligible qui n'est pas toujours correctement accentuée, mais dans de nombreux passages, en particulier ceux impliquant des notes répétées, on rencontre le curieux phénomène de la « note de trop » ou de la « note de peu » dans les rapports entre texte et musique. La forme motivique de la musique l'emporte souvent sur la mise en musique du texte, qui reste pourtant généralement intelligible. Certains passages avec texte que l'on trouve dans sa musique, qui est particulièrement dissonante à des fins expressives, ont conduit Lowinsky à proposer l'hypothèse d'un « art chromatique secret », qui rencontre toutefois peu d'acceptation auprès d'autres chercheurs. Une partie des dissonances qui se produisent dans la musique de Clemens découle de son traitement plutôt rigide de la transposition motivique, avec une apparente négligence des tritons – certains mélodiques et d'autres harmoniques – qui en émanent. Ces particularités sont fréquentes dans la musique de deux de ses contemporains les plus importants : Gombert et Morales. Dans le cas de Morales, un contemporain témoigne que le compositeur envisage délibérément de tels affrontements.

Notoriété.

Étant donné que la vie créatrice du compositeur a duré à peine deux décennies, Clemens s'est avéré un compositeur extrêmement prolifique. Après la mort du compositeur, ses œuvres, sa musique sacrée en particulier, ont été divulguées en Allemagne, en France, en Espagne et même parmi différentes communautés – les milieux catholiques réfractaires – en Angleterre. Clemens avait particulièrement marqué l'Allemagne par son influence et son empreinte ; il avait surtout influencé le style des motets de Lassus, qui connaissait bien sa musique et qui avait incorporé des éléments de son style dans ses pièces. Une étude détaillée de son influence sur des compositeurs ultérieurs, en particulier sur la genèse du style contrapuntique de la musique de la fin de la Renaissance allemande, reste une des tâches inachevées de l'érudition moderne.

Musique sacrée.

Messes.

À l'exception de la messe de requiem, toutes les messes sont des messes-parodies. Clemens choisit ses modèles polyphoniques (huit motets et six chansons) parmi ses propres œuvres et celles de ses contemporains. En règle générale, il utilise un nombre assez large de motifs à partir des modèles, tout en les adaptant avec une certaine liberté dans les différents mouvements de chaque messe. Dans la plupart des messes, il augmente le nombre de voix par une ou deux dans l", mais dans la ', l'expansion par une voix supplémentaire commence dans le '. Toutefois, dans la ', la texture à quatre voix est maintenue tout au long de la composition musicale, et la polyphonie paraphrase le chant grégorien approprié. Le trait est ' plutôt que ', que l'on trouve dans les requiems polyphoniques antérieurs d'Ockeghem et de De La Rue.

Motets.

Des quelque 233 motets de Clemens, seulement trois sont pourvus de paroles indubitablement profanes (hymnes à la gloire de la musique). Tous les autres ont des textes sacrés sinon strictement liturgiques : surtout des psaumes, des cantiques, des leçons, des antiennes et des répons. Les pièces mariales constituent un groupe relativement large. Les antiennes se composent souvent de plusieurs antiennes enchaînées, ce qui représente une pratique courante à la fin du . En mettant en musique non seulement des répons mais aussi de nombreux autres textes, Clemens (comme la plupart de ses contemporains) suit la forme du répons du plain-chant : il divise la musique en deux parties, répétant exactement les mots et la musique de la fin de la première section à la fin de la seconde. Les motets se composant de plus de deux parties ont souvent une notation réduite dans les sections internes. Deux motets, ' et ', sont construits sur un " et quelques autres sont construits sur un ostinato avec un propre texte.

Musique spirituelle : les ".

Les "", publiés par Symon Cock à Anvers, sont des psaumes homophones en langue néerlandaise dont les airs proviennent de danses et de chansons profanes connues de l'époque. De 1540 date la première impression de la versification métrique des psaumes, attribuée à Van Zuylen van Nijevelt ; elle est pourvue des airs de chansons populaires sur lesquels les psaumes peuvent se chanter.  Les harmonisations polyphoniques de Clemens, écrites pour être à la portée de tous, sont par conséquent plus simples que d'autres compositions polyphoniques de Clemens. De toutes ses œuvres, ces ' ont sans doute acquis la plus grande renommée ; aussi ont-ils exercé une influence considérable. Ils avaient été publiés en 1556-1557 par Tielman Susato dans les volumes quatre à sept de la série de ' (« livres de musique ») et consistent de l'ensemble du psautier dans une traducation néerlandaise autorisée par l'église catholique. Les ' (psaumes) et ' (cantiques) de Clemens sont les premières mises en musique polyphoniques de tous les psaumes néerlandais, c'est-à-dire la première harmonisation du psautier complet en néerlandais. Clemens emploie les mélodies d'origine profane de l'édition de Cock comme ' soit dans le ténor, soit dans la voix de '. La diversité des chansons choisies est assez impressionnante, comme dans la tradition chorale allemande, et comprend des chants sacrés, des ballades, des chansons d'amour, des chansons de danse et des chansons à boire et autres « tubes » de l'époque. Clemens les destine à trois voix et invente vingt-six différentes combinaisons de ces voix. Les mises en musique sont pour la plupart de texture polyphonique, utilisant parfois l'imitation, même si certaines, basées sur des chansons de danse, tendent en conséquence à être homophones et homorythmiques avec des textes syllabiques dans les trois parties, tandis que d'autres utilisent l'imitation.  Nonobstant leur popularité éphémère auprès des communautés protestantes, en particulier celle des mennonites, ces psaumes ont résisté au ban de 1569, promulgué sous le gouvernement du duc d'Albe, qui soumet à la censure tous les livres jugés hérétiques. Les mises en musique simples et directes sont probablement destinées à être exécutées à la maison. Malgré l'appel élégant de ces œuvres de Clemens, elles n'ont apparemment pas été réimprimées. En revanche, trente éditions différentes des versions homophones de Cock parurent avant 1618.

Musique profane.

L'œuvre profane de Clemens se compose de quelque quatre-vingt-dix chansons, entre autres neuf chansons sur des paroles néerlandaises, huit autres conservées sans le texte, deux en tablature et un canon instrumental en tablature qui lui est attribué.  Les textes des chansons couvrent toute la gamme des genres poétiques cultivés par les compositeurs de sa génération. Les chansons à quatre voix tendent généralement à être plus homophones et plus proches du style de l'école parisienne de Claudin de Sermisy, tandis que celles à cinq et six voix sont plus contrapuntiques et se rapprochent du style des chansons de Gombert, mais l'extraordinaire "Amour au cueur me poingt" à huit voix est, comme les pièces à quatre voix, presque entièrement homophone. Dans les chansons néerlandaises, qui manifestent un caractère plus rétrospectif, le compositeur fait usage de textures musicales voisines de celles des chansons françaises qui ont une nature plus polyphonique ; " fait même écho au style de la génération de Josquin.

Liste des œuvres connues.

Remarques générales.

La numérotation se réfère à celle établie pour le Répertoire international des sources musicales. Les quatre premiers chiffres donnent la date de publication de l'ouvrage où une œuvre figure.  Le code de langue, indiqué avant chaque œuvre, fait référence à la langue du titre de chaque œuvre, même si celle-ci ne contient aucun texte hormis l'incipit. Les œuvres complètes de Clemens non Papa ont été réunies par Karel Philippus Bernet Kempers dans l'ouvrage ", CMM, iv/1-21, 1951-1976, [K i-xxi], auquel il est fait référence dans la liste qui suit.

Musique sacrée.

Musique liturgique.

Magnificats.

Tous à quatre voix

Souterliedekens.

Tous à trois voix ; les pages indiquées se réfèrent à K ii ; la numérotation des psaumes se réfère à la Vulgate (comme dans l'édition originale)  "Souterliedekens" I [-IV] : "het vierde [-sevenste] musyck boexken", à trois voix (Anvers, 1556-1557), K ii:

Annexes.

Discographie sélective.

Deux CD du offrent un aperçu des différents genres dans l'œuvre de Clemens :  Une plus large discographie du compositeur se trouve sur le site web medieval.org ; recherche à partir des mots clés « Clemens non Papa ».

Jacob Clemens non Papa (Jacques Clément ou Jacobus Clemens non Papa), né vers 1510-1515 et mort en 1555 ou en 1556, est un compositeur prolifique, pratiquant différents styles et genres, issu de l'école franco-flamande et surtout célèbre par des harmonisations polyphoniques des psaumes néerlandais ("").

Jacobus Clemens non Papa (also Jacques Clément or Jacob Clemens non Papa) ( – 1555 or 1556) was a Netherlandish composer of the Renaissance based for most of his life in Flanders. He was a prolific composer in many of the current styles, and was especially famous for his polyphonic settings of the psalms in Dutch known as the "Souterliedekens."


Famille.

La princesse est le cinquième enfant du prince français Antoine d’Orléans, duc de Montpensier, et de son épouse l’infante espagnole Louise Fernande de Bourbon (1832-1897).  Par son père, elle est donc la petite-fille du roi des Français Louis-Philippe (1773-1850) et de son épouse Marie-Amélie de Bourbon (1782-1866), princesse des Deux-Siciles.  Par sa mère, elle est également la petite-fille de deux autres souverains : le roi Ferdinand VII d’Espagne (1784-1833) et sa femme la reine Marie-Christine de Bourbon (1806-1878), princesse des Deux-Siciles.  Ajoutons que le parrain et la marraine de l’infante Mercedes sont son oncle et sa tante, la reine Isabelle II d’Espagne (1830-1904) et le roi consort François d’Assise de Bourbon (1822-1902).  Le , la princesse épouse son cousin germain, le roi Alphonse XII d’Espagne (1857-1885). Mais ce mariage d’amour ne dure que cinq mois et prend fin avec la mort de Mercedes après une brève maladie.

Biographie.

Mercedes d’Orléans naît dans la capitale espagnole, pendant le règne de sa tante et marraine Isabelle II, mais elle passe cependant la majorité de son enfance à Séville, au palais de San Telmo. Il faut dire qu’il existe une vive rivalité entre le duc de Montpensier, père de Mercedes, et sa belle-sœur Isabelle II ; les Orléans ne sont pas vraiment les bienvenus à la cour de Madrid.  En 1868, une révolution éclate à Madrid contre la reine Isabelle et les Orléans d’Espagne, qui ont pourtant financé le soulèvement, doivent quitter leur pays. Mais l’ambitieux et libéral Antoine d’Orléans cherche à se faire proclamer souverain. En 1870, il revient donc en Espagne pour s’y faire élire mais sa candidature est finalement écartée après qu’il eut tué en duel le duc de Séville, beau-frère d’Isabelle II. L’exil des Orléans se poursuit donc et ce n’est qu’en 1874 que l’infante Mercedes peut définitivement regagner l’Espagne avec sa famille.  En 1872, Mercedes retrouve pour la première fois son cousin Alphonse, alors prince des Asturies en exil, et les deux jeunes gens tombent amoureux l'un de l'autre.  En , le coup d'État du général Arsenio Martínez Campos permet la restauration de la monarchie en Espagne et la proclamation du prince Alphonse comme nouveau souverain. La reine Isabelle II avait en effet renoncé à ses droits dynastiques en faveur de son fils et le jeune homme est alors reconnu par les monarchistes constitutionnalistes comme Alphonse XII d’Espagne.  C’est à cette occasion que Mercedes et sa famille rentrent en Espagne et se réinstallent au palais de San Telmo, à Séville. Deux ans plus tard, Alphonse XII, alors âgé de 19 ans, fait savoir qu’il désire épouser sa cousine Mercedes, qui a alors 16 ans. Au départ, ce mariage ne trouve guère de soutien. Isabelle II et son époux sont en effet toujours en froid avec le duc de Montpensier et l’ex souveraine préfèrerait voir son fils épouser la princesse Blanche de Bourbon (1868-1949), elle-même fille du prétendant carliste Charles de Bourbon (1848-1909). Pour des raisons diplomatiques, le gouvernement madrilène préfèrerait quant à lui voir le jeune monarque s’unir à une princesse étrangère, comme Béatrice du Royaume-Uni, fille de la reine Victoria. Mais Alphonse XII est têtu et reçoit le soutien du peuple espagnol, lui aussi amoureux de la princesse dont « les cheveux sont aussi noirs que les nuits andalouses ».  Le couple s’unit donc en 1878. Malheureusement, le mariage est très bref et le couple royal ne pourra assurer la succession royale. La jeune reine contracte le typhus ou la tuberculose cinq mois à peine après la célébration de ses noces. Elle meurt au palais royal de Madrid, deux jours seulement après son dix-huitième anniversaire. Le roi Alphonse XII a accompagné son épouse jusque dans ses derniers moments.  Veuf à vingt et un ans, le roi Alphonse XII, inconsolable mais souverain d'un pays fragile, décide de se remarier pour donner une descendance à l’Espagne et affermir sa dynastie. Il choisit alors une sœur de Mercedes, la princesse Marie-Christine d’Orléans (1852-1879) mais celle-ci meurt à son tour peu après leurs fiançailles. Le roi se remarie finalement à l’archiduchesse Marie-Christine de Habsbourg-Lorraine dont la dignité impressionnera ses sujets.

Epilogue.

La dépouille de la reine est d’abord inhumée dans une chapelle du monastère de l'Escurial, et non pas dans la partie dite du Panthéon des rois, réservé traditionnellement aux reines ayant eu une descendance.  Cependant, conformément aux désirs de son époux, ses restes sont transportés plus d'un siècle plus tard, le , dans la cathédrale de l'Almudena de Madrid, dont la souveraine est à l’origine de la construction.

María de las Mercedes d’Orléans — couramment appelée Mercedes d’Orléans (prononcer /mɛʁ.se.dɛs/) — est une infante d’Espagne, qui naquit le , au Palais royal de Madrid, et qui décéda à Madrid le .  Issue de la branche espagnole de la maison d’Orléans-Galliera, la princesse Mercedes porte le titre d'infante d'Espagne. Son mariage avec le roi Alphonse XII, la fait reine d’Espagne.

Maria de las Mercedes of Orléans (24 June 1860 – 26 June 1878) was Queen of Spain as the first wife of King Alfonso XII. She was born in Madrid, the daughter of Antoine of Orléans, Duke of Montpensier, and of Infanta Luisa Fernanda of Spain.