Chronologie.

Enceinte gauloise.

Avant la conquête romaine, Lutèce était sans défense proprement dite et elle fut partiellement détruite au commencement de l'occupation romaine.  Dans ses "Commentaires sur la Guerre des Gaules", Jules César écrit , indiquant que la cité des Parisii est un camp fortifié "(oppidum)" installé sur une île de la Seine.  L'identification de cette île avec l'île de la Cité qui n'est pas prouvée (les fouilles n'y ont rien trouvé d'antérieur à Auguste) est fortement compromise par la découverte en 2003 des restes d'une ville (sur une zone potentiellement inondable), d'un port et d'autres attributs d'un pouvoir local (atelier monétaire) sur un site occupé désormais par Nanterre.  La première enceinte de Paris est donc sans doute construite par les Gaulois, probablement une palissade doublée d'une protection naturelle, la Seine.  Après la conquête (si l'on conserve cette hypothèse), la ville est déplacée de douze kilomètres à l'est et reconstruite ex nihilo sur le versant nord de la montagne Sainte-Geneviève.

Enceinte gallo-romaine.

À l'époque romaine, Lutèce se développe sur la rive gauche de la Seine et dans une moindre mesure sur l'Île de la Cité. La rive droite étant inutilisable, car insalubre et occupée par des marais. Pendant le Bas-Empire, lors des premières invasions barbares, vers 285, les habitants abandonnent les quartiers de la rive gauche et se réfugient sur l'île de la Cité en détruisant les ponts.  Après plusieurs campagnes contre les Barbares, les habitants protègent la moitié orientale de l'île par un mur de pierres dès le début du . L'urgence du péril les pousse à utiliser des pierres déjà taillées notamment aux arènes de Lutèce. Ce mur épais formé de blocs superposés en pierres sèches, c'est-à-dire sans mortier ni ciment, est dressé à des rives de la Seine de l'époque. Cette enceinte est estimée avoir de largeur à la base pour au sommet et une hauteur de . Le tracé forme un U dont les branches sont prolongées par la Citadelle, palais des préfets romains. La grève sert de chemin de ronde et la Seine est le fossé. On entre dans la ville par deux doubles portes d'une largeur de en tête de deux ponts de bois, sur l'axe du "cardo maximus" : le Grand Pont et le Petit Pont, qui sont protégés par de hautes tours.  À l'ouest de cette muraille se dresse un Palais romain, à l'emplacement de l'actuel Palais de justice, bordé par des îlots marécageux. On peut évaluer la superficie englobée dans cette enceinte à sur les que compte la cité entière de Lutèce qui possède une population d'environ 7 à .  La disparition de cette enceinte est difficile à dater, mais elle n'existait plus au . Grégoire de Tours dit que Frédégonde, après l'assassinat de son royal époux, se réfugie dans l'église de la Cité, alors lieu d'asile, et cache ses trésors dans . Le césar Julien l'évoque aussi en 360. Certaines parties du mur avaient par ailleurs été arasées, en particulier dans sa partie sud-est, lors de la construction de la cathédrale Saint-Étienne, au .  On trouvera lors de fouilles, en 1829, des parties intactes de la "muraille de César", en particulier à l’angle de la rue Saint-Landry (à l’emplacement de l’actuel parvis Notre-Dame), du quai Napoléon et de la rue de la Colombe. Le tracé retrouvé sous Napoléon III, notamment par l’archéologue Théodore Vacquer, est indiqué sur la chaussée de la rue de la Colombe, quelques découvertes archéologiques précisent ensuite le parcours du rempart, en particulier celles du boulevard du Palais (à l’est) et de la rue Chanoinesse. En 1901, la découverte d'un mur enfoui dans la rue Mathieu-Molé donne lieu à un procès-verbal évoquant son appartenance éventuelle à cette enceinte. Des vestiges d’une basilique civile ont été retrouvés au nord de l’île, face au Palais, à l’emplacement de l’actuelle place Louis-Lépine.

Première enceinte médiévale.

De nombreux témoignages, des noms de lieux ou de bâtiments, laissaient entrevoir au l'existence d'une première enceinte autour du centre de Paris, sur la rive droite, qui fut parfois appelée « enceinte carolingienne » ensuite datée de la fin du ou du qui pourrait remonter à la fin du .  Des tracés plus ou moins précis avaient été donnés sur quelques cartes sans base historique certaine concernant cette seconde enceinte. Deux portes étaient cependant déjà attestées : la « porte Baudoyer », l'« archet Saint-Merri », de même que la fortification autour de Saint-Germain-l'Auxerrois et une porte située vers le croisement de la rue Mauconseil et de la rue Saint-Denis.  À la suite de fouilles débutées en 2009, l'INRAP découvre à l'angle des rues de l'Arbre-Sec et de Rivoli des traces de cette enceinte. Ces vestiges confirment donc sa réalité et permettent d'en estimer la nature et le tracé.  C'est sans doute à la suite du grand siège de 885 par les Vikings qu'il est décidé d'enclaver les faubourgs naissants de la ville, qui ne sont que de pauvres petits bourgs, dans une enceinte s'étendant au nord du fleuve. D'après les premiers éléments de datation, le roi qui engage ces travaux pourrait être Eudes ou Robert. Cette fortification de terre et de bois est constituée d'un fossé de de large pour 3 de profondeur, doublé par un talus supportant probablement une palissade en bois.  Le tracé de ce mur de défense actuellement en grande partie établi, est encore incertain sur quelques tronçons :  L'enceinte protégeant ainsi à l'est l'église Saint-Gervais-Saint-Protais, au nord les églises Saint-Merri et Sainte-Opportune (détruite en 1792, elle bordait la rue Saint-Denis) et à l'ouest l'église Saint-Germain-l'Auxerrois. Cela correspond d'est en ouest aux anciens quartiers de la Grève, de la Verrerie et Saint-Jacques-de-la-Boucherie.  Quatre portes de cette enceinte ont laissé des traces dans la toponymie parisienne, ce sont :

Deuxième enceinte médiévale, enceinte de Philippe Auguste.

La troisième enceinte, appelée "enceinte de Philippe Auguste" est édifiée de 1190 à 1213, enclosant 253 hectares de part et d'autre de la Seine, pour une population estimée à . De nombreux éléments en sont intégrés dans des constructions civiles, ou repris dans l'enceinte de Charles V.  Paris grandissant à vue d’œil, rompt bientôt sa ceinture de pierre, s'étend d'un côté jusqu'à la montagne Sainte-Geneviève, et de l'autre jusqu'aux chemins conduisant à l'abbaye de Saint-Denis. Une nouvelle enceinte est donc commencée en 1190, sur ordre de Philippe Auguste mais aux frais de la Ville, et sa construction dure 30 ans.  La nouvelle muraille a huit pieds d'épaisseur ; elle est formée d'un blocage revêtu de maçonnerie, flanquée de 77 tours et munie de fossés larges et profonds. Elle part de la Seine un peu au-dessus de l'emplacement actuel du pont des Arts, passe près de la porte Saint-Honoré, s'ouvre à la porte Coquillière, aux porte Saint-Denis, porte Mauconseil, porte Barbette, aux rue Vieille-du-Temple, rue des Francs-Bourgeois, à la porte Baudoyer et s'arrête au quai des Célestins.  Elle reprend, du côté méridional, au palais de la Tournelle, s'ouvre aux portes Saint-Victor, Bordet, Saint-Jacques, Saint-Michel, des Cordeliers, près de la cour du Commerce, à la porte de Buci, et s'achève à la fameuse tour de Nesle. Il y a en tout treize portes ou poternes. La plus célèbre, celle de Buci, rappelle la trahison : c'est par cette porte que Perrinet Leclerc, vendu aux Bourguignons, laisse entrer l'ennemi.  La partie septentrionale de Paris reçoit, sous le règne du roi Jean le Bon, un accroissement de défense, et les bourgs Saint-Paul et du Temple, les bâtiments des Quinze-Vingts, l'église Saint-Paul, l'église Saint-Thomas-du-Louvre et enfin le Louvre se trouvent compris dans le périmètre de l'enceinte.  La connaissance de l'enceinte de Philippe Auguste est élargie par de nombreuses fouilles archéologiques qui révèlent des structures qui la composent.

Enceinte de Charles V.

La quatrième enceinte appelée « enceinte de Charles V » est construite de 1356 à 1383, sous le règne de ce dernier, œuvre poursuivie par son fils et successeur Charles VI. Elle enclot 439 hectares, n'étendant l'enceinte de Philippe Auguste que sur la rive droite, où elle enferme des hôtels particuliers du Marais, l'enclos des Templiers et le Palais du Louvre. On estime alors la population à . Cette enceinte est en partie détruite lors de la construction de celle de Louis XIII et en partie reprise dans celle-ci.  Henri V d'Angleterre fait faire de nouveaux travaux à l'enceinte de Paris. Il s'occupe de fortifier les points vulnérables, en cas d'attaque. Les portes sont munies de tous les engins de destruction connus à cette époque. Jeanne d'Arc, voulant délivrer la capitale, est blessée à la porte Saint-Honoré.  En 1553-1559, le roi Henri II, en guerre contre l'Espagne à cause de la Lorraine, fit construire trois bastions sur la rive droite, en saillie sur l'enceinte du , du quai de l'Arsenal à la Bastille.

Enceinte de Louis.

En 1566, à cause des Guerres de religion, de la proximité de la frontière (à seulement au Nord) et des progrès de l'artillerie, on commence à améliorer la défense du côté de l'Ouest, en construisant une ligne de six bastions un kilomètre en avant de l'enceinte de Charles V, incorporant à Paris les Tuileries, ce qu'on appelait alors les faubourgs Saint-Honoré (la paroisse Saint-Roch) et Montmartre (l'actuel quartier de la Bourse), et la Butte-aux-Gravois.  Le tracé du glacis de ce front bastionné se retrouve aujourd'hui avec les actuels place de la Concorde, rue Royale, boulevards de la Madeleine, des Capucines, des Italiens, Montmartre et Poissonnière.  Cette cinquième enceinte est parfois appelée « enceinte des Fossés jaunes » (d'après la couleur du limon visible après les terrassements).  De 1630 à 1635, en préparation de l'intervention française dans la Guerre de Trente Ans, le cardinal de Richelieu fait renforcer les bastions et fortifier six portes, selon les plans de Jacques Lemercier : Montmartre (la troisième du nom, au croisement de la rue Montmartre avec la rue Feydeau), Richelieu (rue de Richelieu), Gaillon (rue de la Michodière), Saint-Honoré (la troisième) et de la Conférence (sur le quai des Tuileries). En 1645 fut percée la poterne de la Poisonnerie (rue Poissonnière), rebaptisée porte Sainte-Anne en 1685.

Disparition des enceintes de Charles V et Louis XIII.

La portion de l'enceinte du commence à être lotie, d'où l'aménagement du jardin du Palais-Cardinal (l'actuel Palais-Royal), des rues du Mail (côté fossés) et des Remparts (côté ville, actuelle rue Sainte-Foy).  Les conquêtes du début du règne de Louis XIV ayant repoussé les frontières du royaume, le roi, se souvenant de la résistance de la Ville lors de la Fronde et voulant embellir et étendre sa principale ville, adopta la proposition de Colbert de raser les fortifications de Paris.  Les talus et fossés des remparts furent remplacés de 1668 à 1705 par un large boulevard de terre bordé d'ormes, le « Nouveau-Cours » : ce sont les actuels grands boulevards faisant un arc de cercle de Concorde à Bastille par République. Le pavage ne sera fait qu'en 1778.  La portion de l'enceinte du du Louvre à la porte Saint-Denis fut elle aussi totalement rasée, remplacé par la place des Victoires (vente des terrains en 1665) et la rue des Fossés-Montmartre.  Les portes furent rasées : Saint-Antoine en 1660, Saint-Bernard en 1670, Saint-Denis en 1671, Saint-Germain, de Buci et Dauphine en 1672, Saint-Martin en 1674, du Temple en 1678, Saint-Victor, Saint-Marcel, Saint-Jacques et Saint-Michel en 1684, Montmartre, Gaillon en 1690, Richelieu en 1701, Saint-Anne en 1715, de la Conférence en 1730, Saint-Honoré en 1733.  Quatre de ces portes furent remplacées par des arcs de triomphe à la gloire du Roi : la porte Saint-Antoine en 1670, la porte Saint-Denis et la porte Saint-Bernard en 1672, et la porte Saint-Martin en 1674.

Mur des Fermiers généraux.

Sous Louis XVI, Paris s'agrandit du quartier de la Chaussée-d'Antin, et le village du Roule est érigé en faubourg.  En 1784, sur demande de la Ferme générale, le ministre Calonne décide de faire entourer la ville de Paris d'une muraille destinée non pas à la défense, mais à la perception de l'octroi, impôt prélevé sur les marchandises entrant dans la ville. La conception et la direction des travaux sont confiées à l'architecte Ledoux. Le mur est édifié en quelques années à partir de 1785. La surface enclose est de (plus 32 autres à partir de 1818, lorsque le village d'Austerlitz sera englobé). Le mur est muni, au niveau des passages (appelés barrières), d'une cinquantaine de bâtiments (appelés propylées). Les sont gardées par les employés de l'octroi.  Le tracé du mur correspond à la seconde ceinture de boulevards actuelle, les boulevards extérieurs, à savoir :  La presque totalité du mur est démolie lors de l'extension de Paris à l'enceinte de Thiers, en 1860. Au total, il ne subsiste plus du mur que quatre propylées de Ledoux :

Enceinte de Thiers.

Enfin, sous Louis-Philippe, Adolphe Thiers étant ministre, une nouvelle enceinte fortifiée, la septième enceinte, est construite, et le crédit de 140 millions demandé pour l'exécution de ce projet est voté par les Chambres à une grande majorité, malgré la très vive opposition de plusieurs journaux et du maréchal Soult lui-même.  L'enceinte de Thiers, les fameuses « fortifs », est construite de 1841 à 1844, à la suite d'une loi due à Thiers. Elle englobe , recouvrant à peu près les boulevards des Maréchaux actuels, avec un glacis s'étendant jusqu'à l'emplacement du boulevard périphérique. Elle est détruite de 1919 à 1929.

Au fur et à mesure de sa croissance, Paris est entouré de sept enceintes successives, auxquelles s'ajoute une hypothétique enceinte gauloise. Chronologiquement, on compte : l'enceinte gauloise mentionnée, une enceinte gallo-romaine, trois enceintes médiévales dont celle de Philippe Auguste et de Charles V, l'enceinte de Louis , dite des "Fossés jaunes", l'enceinte des Fermiers généraux, et l'enceinte de Thiers. Ainsi, depuis l’Antiquité jusqu'au , Paris est toujours entouré d'enceintes, sauf pendant un siècle, de 1670 (date de la démolition du mur de Louis sur ordre de Louis ) à 1785 qui correspond à la date du début de la construction du mur des Fermiers généraux.  Les enceintes de Paris, appelées aussi « murs » de Paris, rythment la croissance de la capitale, favorisant son extension lorsqu'elles englobent et protègent une partie de la campagne environnante, au risque souvent d'une certaine surpopulation. Elles ont laissé peu de traces sur le plan architectural : seuls subsistent quelques pans de l'enceinte de Philippe Auguste et quelques pavillons de Ledoux rescapés du mur des Fermiers généraux. C'est surtout dans le tissu urbain qu'elles ont profondément marqué l'évolution urbaine de Paris, en particulier dans les dessins concentriques des boulevards :  Les rues de Cléry et d'Aboukir, parallèles, ont également été tracées à l'emplacement de l'enceinte de Charles V.  L'enceinte de Philippe-Auguste a également laissé une profonde empreinte dans le plan des quartiers centraux de Paris :

Walls of Paris ("enceintes de Paris" or "murs de Paris" in French), refers to the city walls that surrounded Paris as it grew from ancient times until the 20th century, built primarily to defend the city. Several successive city walls were built, with the exception of 1670, when Louis XIV ordered the demolition of the Louis XIII Wall, through 1785, when construction began on the Wall of the Farmers-General. The city walls of Paris include:  As Paris expanded over time, new walls were built to consolidate the existing city with new houses, gardens, and vegetable fields. Existing walls would eventually be destroyed and its site built up into a street or boulevard. Only a few sections of the Wall of the Farmers-General (pavilions of Claude Nicolas Ledoux) and the Wall of Philippe Auguste survived. The walls' influence on modern Paris can still be seen on some of its major streets and boulevards such as:


Biographie.

Celui que l'on surnommait "Tyson" ou encore "Cinghialone" met fin à sa carrière de footballeur à 37 ans après près de 20 ans de carrière professionnelle juste avant la clôture de la saison 2006-2007, le dimanche au terme du derby romain face aux rivaux de l'AS Roma (score 0-0).  Durant sa carrière, il aura joué trois finales consécutives de ligue des champions en 1996, en 1997 et 1998 avec la Juventus. Le , au stade olympique de Rome, il permet à son équipe de gagner contre l'Ajax 1-1 4 tab à 2 en arrêtant les tirs d'Edgar Davids et de Sonny Silooy. Il perd cependant les deux autres finales : à Munich contre Dortmund 3-1 en 1997 et à Amsterdam contre le Real Madrid 1-0 en 1998.

En équipe nationale.

Il débute en 1995 après la Coupe du monde 1994 où l'Italie termina deuxième. Il est choisi pour l'Euro 1996 en tant que premier gardien.  Ensuite, il rate la Coupe du monde 1998 en France et l'Euro 2000 aux Pays-Bas et en Belgique pour blessures.  Il refuse d'être le troisième gardien à la Coupe du monde 2002, poste qui reviendra à Christian Abbiati. Il est sélectionné pour l'Euro 2004 et la Coupe du monde 2006 en Allemagne où il mettra un terme à sa carrière internationale.

Distinction.

Il est fait Grand officier de l'Ordre du Mérite de la République italienne le , à l'initiative du Président du Conseil des Ministres.

Angelo Peruzzi, né le 16 février 1970 à Viterbe (Italie), est un footballeur italien qui évoluait au poste de gardien. Il était international italien (31 sélections entre 1995 et 2006). Aujourd'hui, il occupe le poste de manager général à la Lazio Rome.

Angelo Peruzzi (; born 16 February 1970) is an Italian football coach and former goalkeeper, and a three-time winner of the Serie A Goalkeeper of the Year award. He is currently team manager for Lazio.  Peruzzi is regarded by pundits as one of the greatest Italian goalkeepers of all time, and as one of the best goalkeepers of his generation. Throughout his career, he played for Italian clubs Roma, Hellas Verona, Juventus, Internazionale and Lazio. He had a highly successful spell with Juventus, where he won three Serie A titles, the Coppa Italia, the UEFA Cup and the UEFA Champions League, among other titles; he won a second Coppa Italia with Lazio before retiring with the club in 2007. At international level, he played 31 times for the Italy national team from his debut in 1995, and was a member of their squad which won the 2006 FIFA World Cup. He also represented them at the 1992 Olympics, at UEFA Euro 1996 (as a starting goalkeeper), and at Euro 2004.


Résumé.

Élevé par sa grand-mère et ses deux sbires sadiques dans la crainte du Seigneur, Jesse devient malgré lui le révérend d'une petite bourgade du Texas. À la suite de la fusion de son esprit avec une entité nommée Genesis, se manifeste chez lui le pouvoir de se faire obéir de quiconque grâce à une voix à laquelle personne ne peut désobéir (« la voix de dieu »).  Sa rencontre avec Tulip, une ex petite-amie devenue tueuse à gages, et avec Cassidy, un vampire irlandais, le conduira dans une fuite en avant à la recherche de Dieu, poursuivi par les deux hommes de main de sa grand-mère et par le Saint des Tueurs, un cow-boy dont la seule motivation semble être de le tuer.  Les numéros spéciaux s'attardent sur les personnages secondaires, s'adaptant à leur contexte : ainsi, le cadre de la mini-série consacrée au Saint des tueurs est celui d'un western ; celle sur Tronchdecul s'insinue dans la vie d'un ado grunge ; le numéro spécial sur Cassidy se déroule pendant la guerre d'indépendance irlandaise et l'exode migratoire vers les États-Unis.

Une œuvre empreinte d'humour noir.

"Preacher" représente le chef de file d'un nouveau genre irrévérencieux et décalé, à l'humour très noir. Garth Ennis, scénariste irlandais connu pour l'humour et le caractère outrancier de son travail, y démontre une maîtrise extraordinaire de la narration, notamment lorsqu'il évoque l'enfance de Jesse Custer.  On peut noter dans "Preacher" plusieurs références aux passions de Garth Ennis, par exemple concernant les westerns (le John Wayne du film "L'Homme qui tua Liberty Valance" apparaît à Jesse dans les moments de doute, tel un mentor, et le Saint des Tueurs semble inspiré de l’Homme sans nom incarné par Clint Eastwood).  Comme il l'avait annoncé, Ennis stoppe la série à l'épisode 66. Les éditions Marvel Comics ne tardent pas à s'attacher ses services.

Publication en France.

Le Téméraire.

La faillite des éditions Le Téméraire met momentanément un terme à la publication, sous forme d'albums, de "Preacher".

Panini.

Les éditions Panini, titulaires de la licence française sur le catalogue DC Comics (Vertigo inclus) jusqu'en 2012, se lancent dans une vague de réédition et poursuivent la traduction de la série. Les albums français reprennent à l'identique les recueils américains, avec les croquis et commentaires de l'illustrateur de couverture, Glenn Fabry.  Néanmoins, cette édition n'est pas maintenue en production, et il est impossible de trouver certains des tomes neufs, entraînant des prix très élevés sur le marché de l'occasion français depuis des années malgré les multiples demandes des fans.

Urban.

La série est rééditée intégralement à partir de par Urban comics.

Adaptation télévisée.

Une adaptation télévisée, titrée "Preacher", impliquant Steve Dillon et Seth Rogen est annoncée en par AMC. Garth Ennis déclare à ce propos : .

Preacher est une série de "comics" créée par Garth Ennis (scénario) et Steve Dillon (dessin). Titre phare du label « adulte » Vertigo initié par DC Comics, elle relate les aventures de Jesse Custer, un jeune pasteur à la recherche de Dieu.  La série remporte quatre prix Eisner, dont celui du meilleur scénariste en 1998, et celui de la meilleure série régulière en 1999. Sa traduction italienne reçoit le prix Micheluzzi de la meilleure série étrangère en 2000.

Preacher is an American comic book series published by Vertigo, an imprint of DC Comics. The series was created by writer Garth Ennis and artist Steve Dillon with painted covers by Glenn Fabry.  The series consists of 75 issues in total – 66 regular, monthly issues, five one-shot specials, and a four-issue "Preacher: Saint of Killers" limited series. The final monthly issue, number 66, was published in October 2000. The entire run has been collected in three series of trade paperbacks, an original run of nine volumes, a second run of six, and three special oversized "Absolute" volumes.


Biographie.

La formation.

Son grand-père maternel et son père, musicien amateur et peintre autodidacte, sont médecins. Sa vocation est précoce ; Hans Hartung raconte cette expérience faite dès l'âge de six ans : . De 1912 à 1914, sa famille s'installe à Bâle. L'astronomie et la photographie l'émerveillent : il construit son propre télescope grâce auquel il observe des dont l'apparence abstraite anticipe sur ses futures œuvres. Il fréquente ensuite jusqu'en 1924 le lycée de Dresde, se passionnant pour Rembrandt, Goya, Frans Hals, Le Greco, puis les expressionnistes allemands, Oskar Kokoschka, Emil Nolde. Copiant librement certaines œuvres, il en simplifie la composition pour n'en retenir que les masses colorées. Dès 1922, il atteint l'abstraction dans une série d'aquarelles déterminantes.  Ces œuvres comptent énormément pour Hartung car, dit-il, « la tache y devenait libre, elle s’exprimait par elle-même, par sa forme, par son intensité, par son rythme, par sa violence, par son volume. » Un an plus tard, il exécute dans un même registre d’abstraction pure, des fusains, des craies noires et des sanguines plus structurés dont il explique : « On trouve ici en prémices presque la totalité de mes éléments, de mes signes et rythmes futurs, les taches, les « poutres », les courbes, les lignes. »  Matricielles et pionnières, ces expérimentations ne seront néanmoins véritablement connues et exposées qu’après la deuxième guerre mondiale. Quelques aquarelles de 1922 sont montrées pour la première fois, et de façon relativement confidentielle, galerie Craven en 1956 et elles sont surtout reproduites et présentées dans un ouvrage fondamental de Will Grohmann : "Hans Hartung Aquarelle 1922". Cet ouvrage publié en 1966 inscrit la pratique de Hartung du début des années 1920 comme un précédent historique remarquablement précoce de tout l’art informel et gestuel de la seconde partie du .  En 1924 et 1925, Hartung poursuit des études de lettres classiques, de philosophie et d'histoire de l'art à Leipzig. Il assiste à une conférence de Kandinsky, artiste à l’égard duquel il manifestera fréquemment une certaine distance critique>. Il s'inscrit en 1925 et 1926 à l'Académie des beaux-arts de Dresde où, à l'occasion de l'Exposition internationale qui se tient de juin à septembre à la Jahresschau Deutscher Arbeit, il découvre le parcours de la peinture française, de l'impressionnisme au cubisme. Durant l'été, il visite l’Allemagne, la Suisse, la France, l'Italie à bicyclette, lors d’un long voyage au cours duquel il fait de nombreuses photographies, en particulier de sites remarquables comme Venise ou les temples de Sélinonte.  C’est cette même année 1926, à l’âge de 22 ans, qu’il part s’installer à Paris. Il s’inscrit à la Sorbonne « avec la ferme intention de ne jamais en franchir le seuil », à l’académie d’André Lhote dont il n’aime guère l’enseignement, à celle de Fernand Léger, qui ne le satisfait pas davantage. Il écrit : « Fernand Léger n’acceptait qu’une manière de peindre : la sienne. Il fallait le copier, le servir, s’asservir. Je n’y restai que deux semaines. » Il arpente surtout les galeries modernes, notamment celle des frères Rosenberg, s’enthousiasme pour ce qu’il voit de Picasso, et fréquente abondamment le Louvre, y passant des journées entières à regarder les maîtres anciens et à les copier en les adaptant à ses propres visions : il signe ainsi sur papier une version complètement abstractisante d’un tableau du Greco. Il effectue deux séjours au Barcarès, près de Perpignan, et voyage en Belgique et Hollande. Il rencontre Anna-Eva Bergman, jeune peintre norvégienne qu'il épouse en . En 1931, après un séjour sur la Côte d'Azur pendant l'hiver, il expose pour la première fois à Dresde, et avec Anna-Eva Bergman l'année suivante à Oslo, travaillant un moment dans une île du sud de la Norvège.

À la conquête d'une méthode.

Après la mort de son père et face à la montée du nazisme, Hartung quitte l'Allemagne pour les Baléares, confiant au passage à Paris quelques toiles à la galerie Jeanne Bucher. Il construit une petite maison sur la côte nord de Minorque. Il y vit avec Anna-Eva Bergman, mais souffre de mauvaises conditions sanitaires et est accusé d’espionnage par la population locale. Sans argent, il regagne Paris en 1934, passe par Stockholm puis rentre en Allemagne, à Berlin. N'acceptant pas le régime nazi, victime d’un interrogatoire brutal de la Gestapo pour avoir rendu visite à des amis juifs pour certains et communistes pour d’autres (Fritz Schultze et Eva Knabe), il parvient à passer en France et s'installe à Paris. Il s'y lie avec Jean Hélion et Henri Goetz, rencontre Kandinsky, Mondrian, Alberto Magnelli, César Domela, Miró et Calder avec qui il expose.  Ces années sont, sur le plan esthétique, marquées par le perfectionnement de sa méthode, qualifiée de « spontanéité calculée » mais qui demeura, sinon secrète, du moins très peu connue de son vivant. Pour élaborer ses peintures à l’huile, Hartung faisait un premier dessin pulsionnel et automatique suivi, de manière différée, lente et minutieuse, d’une méthodique mise au carreau à une échelle plus grande. Il utilisera cette méthode jusqu’à la fin des années 1950 et son abandon de la peinture à l’huile au profit de peintures industrielles.  En 1936, l’historienne et critique d’art allemande Herta Wescher écrit au sujet de Hartung dans la revue "Axis" : « Ce langage ne cesse de s’enrichir, et la dynamique des deux dimensions est poussée à l’extrême, tout en étant soumise à un délicat équilibre formel. » En 1937, Hartung vend au collectionneur américain Albert Eugene Gallatin T1936-1 qui rejoint les collections du Museum of Living Art, premier musée d’art moderne aux États-Unis.  Face à de grandes difficultés matérielles, la maladie de sa femme, leur divorce, le retrait de son passeport par l'ambassade d'Allemagne, Hartung bénéficie de l'hospitalité d'Henri Goetz et travaille dans l'atelier du sculpteur Julio González.  Il y signe notamment la seule et unique sculpture de toute sa carrière en 1938, année au cours de laquelle on retrouve certaines de ses œuvres dans deux importantes expositions londoniennes : l’une sur le collage (« Exhibition of Collages » chez Guggenheim Jeune) où il présente T1938-16, l’autre aux New Burlington : « Exhibition of Twentieth Century German Art », manifestation qui réunit des artistes allemands considérés comme « dégénérés » dans leur propre pays, même si Hartung ne sera pas officiellement et publiquement qualifié de la sorte par le régime nazi, qui l’ignore.

L'engagement contre le nazisme.

En 1939, il s'inscrit sur la liste des volontaires contre l'hitlérisme en cas de guerre et épouse Roberta González (1909-1976), la fille du sculpteur, elle-même peintre et sculptrice. En septembre 1939, la France est décidée à arrêter et enfermer un certain nombre de ressortissants allemands présents sur le territoire national. Malgré son opposition au régime, Hans Hartung fait partie de ceux qui sont arrêtés. Libéré le , il s'engage dans la Légion étrangère pour la durée de la guerre sous le nom de Jean Gauthier et est envoyé en Afrique du Nord. Présentant peu de goût pour la chose militaire, il est désigné, avec un autre camarade du nom d'Andréas Rosenberg, pour repeindre l'intérieur du réfectoire du quartier militaire de Sidi Bel Abbès. Après la signature de l'armistice, il est démobilisé, quittant l'armée le .  Il se réfugie alors avec la famille González dans le Lot. Pendant toute cette période, dans des conditions matérielles difficiles, il continue de produire, notamment des séries d’encres abstraites, quelques peintures, mais aussi des séries de « têtes » inspirées par Julio González et "Guernica" de Pablo Picasso. Après la mort de Julio González en 1942 et l'occupation de l'ensemble de la France, Hartung passe en 1943 en Espagne. dans des conditions très périlleuses : il doit trouver des faux papiers, un passeur, traverse les chemins de crête des Pyrénées de nuit alors que veillent les sentinelles allemandes et finit par être arrêté par la police franquiste une fois la frontière passée. Il est incarcéré dans plusieurs prisons, notamment à Figueras, et raconte à ce sujet avoir été « interrogé par la police secrète de Figueras à coups de poing dans le visage, de gifles et de mises au secret dans des cellules minuscules et sans nourriture ni couvertures pendant plusieurs jours. » Il ajoute : « j’ai été menacé d’être livré aux Allemands si je ne voulais pas donner des indications sur mon guide et le chemin précis pour le passage des Pyrénées. » Il est finalement envoyé au camp de concentration de Miranda del Ebro durant sept mois. Là, il enseigne l’histoire de l’art à ses codétenus d’après les souvenirs de l’enseignement de Wilhelm Pinder à Leipzig, fait des portraits et au moins un autoportrait.  Après une intervention du consul de la France libre, Hartung rejoint l'Afrique du Nord et s'engage à nouveau dans la Légion, sous le nom de Pierre Berton cette fois-ci. Affecté au Régiment de marche de la Légion étrangère comme brancardier, blessé durant l'attaque de Belfort en , plus précisément dans le bois de Buc. Comme il n’y a aucune organisation ou presque pour les victimes, il est expédié dans la cour d’une ferme sur son brancard ; Hartung reste deux jours sans secours. La gangrène commence à gagner sa plaie. Il est enfin conduit à Dijon, à . Dans l’ambulance, un soldat posté au-dessus de lui fait une hémorragie et le sang dégouline sur Hartung. Mais la voiture n’a pas le temps de s’arrêter. L’homme meurt sur le trajet. Hans arrive enfin à l’hôpital. On lui annonce qu’on va l’opérer. Et quand il se réveille, il explique avoir eu « la sensation bizarre qu’il [lui] manquait quelque chose ». Il surprend la conversation des infirmiers à côté de lui et il comprend alors qu’on lui a coupé la jambe au niveau du genou. Malheureusement, le genou ne cicatrice pas et se gonfle de pus : il faut transférer Hartung de Dijon à Toulouse avec cette fois trois jours de trajet dans des conditions de souffrance atroces. Les médecins qui le réceptionnent l’examinent et décident de couper à nouveau, au niveau de la cuisse. Il assiste à la seconde amputation, lucide, car il n’y a pas moyen de l’anesthésier complètement. Il vieillira avec une prothèse et deux béquilles. Il est réformé le .

Une figure de la seconde école de Paris.

De retour à Paris en 1945, où il est aidé par Calder, il est naturalisé français en 1946, décoré de la croix de guerre 1939-1945, de la médaille militaire et de la Légion d'honneur (chevalier en 1952).  Dans les années suivantes, Hartung participe à plusieurs expositions : une première exposition personnelle a lieu à Paris en 1947 à la galerie Lydia Conti qui le révèle au public, et il est remarqué par les critiques. Il est notamment l’objet d’un vif intérêt de Charles Estienne et de Léon Degand, mais aussi de Denys Sutton, James Johnson Sweeney et Madeleine Rousseau, qui écrit dans le premier ouvrage monographique qui lui soit consacré, à l’instigation du collectionneur allemand Ottomar Domnick : « C’est ainsi qu’une toile de Hartung c’est, sans doute, un moment de l’existence du peintre ; mais, plus encore, c’est un moment de notre civilisation, avec les contraintes, les dangers, les espoirs qu’elle apporte et qui, en grande partie, déterminent l’attitude individuelle de chacun. »  Lors de la édition de la Biennale de Venise, en 1948, Hartung apparaît dans deux espaces : tandis que sa toile T1946-17 est exposée dans le pavillon français, sa toile "T1947-27" est quant à elle dans la section consacrée à la collection de Peggy Guggenheim.  Alain Resnais réalise sur lui un film, intitulé "Visite à Hans Hartung", qui est présenté en 1948 en Allemagne et en 1950 à Paris. À partir de 1949, il réalise plusieurs expositions personnelles ou collectives et fait la connaissance de Gérard Schneider, Pierre Soulages, Georges Mathieu, Willi Baumeister et Mark Rothko. Il est alors reconnu comme l'un des chefs de file de l'art informel et un des précurseurs de l’Action Painting. Une rétrospective de son œuvre est présentée dès 1952 au musée de Bâle.  En 1952, Hans Hartung et Anna-Eva Bergman se revoient pour la première fois depuis près d’une quinzaine d’années lors de la rétrospective du beau-père décédé de Hartung : le sculpteur Julio Gonzalez. Ils retombent amoureux.  Il commence à exposer à Paris à la galerie de France de Myriam Prévot et Gildo Caputo et est élu en 1956 membre de l'Académie des arts de Berlin. En 1957, Hartung se remarie avec Anna-Eva Bergman. Multipliant les expositions de ses peintures, gravures et lithographies, il reçoit en 1960 le grand prix international de peinture de la Biennale de Venise.  Un changement technique et stylistique majeur intervient en 1960. Expérimentant les peintures industrielles, acryliques et vinyliques, Hartung cesse de procéder par la mise au carreau minutieuse de dessin spontané, mais attaque directement le support et recourt beaucoup au grattage dans la matière fraîche. Au sujet de évolution, Jean Clair écrit :  « En 1961, commençait pour Hartung une période nouvelle. Non pas tant mutation que passage, dans la dynamique interne de l’œuvre à un palier différent, à quelque chose de plus ample et plus tendu à la fois. Comme au cinéma on voit s’ouvrir l’écran du format ancien au format du cinémascope, on vit la toile se déployer en longueur jusqu’à atteindre les . Sur sa surface, de grandes nébuleuses en suspension, zébrées de traits épars, non pas peints, mais imprimés dans l’épaisseur fraîche de la pâte, comme des graffites sur la muraille. »

La maîtrise et la renommée.

En 1964, Hartung effectue avec Anna-Eva Bergman un voyage en bateau au long de la côte de l'extrême nord de la Norvège et en rapporte des milliers de photographies. À l'occasion de la publication du catalogue de ses gravures, celles-ci sont dans leur totalité exposées à Brunswick (Basse-Saxe) en 1965. De larges rétrospectives de son œuvre sont présentées au musée de Turin en 1966, au Musée national d'Art moderne de Paris en 1968, puis à Houston, à Québec et à Montréal en 1969, tandis que ses toiles récentes sont exposées à New York. Hans Hartung reçoit le prix d'honneur de la Biennale de gravure de Ljubljana en 1967, le grand prix des Arts de la ville de Paris en 1970. Pour son soixante-dixième anniversaire, le musée de Cologne lui consacre en 1974 une nouvelle rétrospective et la revue "Cimaise" un numéro spécial. En 1968, Hartung fait construire près d'Antibes une maison et des ateliers dont il conçoit les plans et où il séjourne en permanence à partir de 1972. D'autres rétrospectives lui sont consacrées en 1975 à Berlin et à Munich, le Metropolitan Museum of Art de New York exposant une trentaine de ses œuvres monumentales. En 1975-1976, André Parinaud organise l'exposition itinérante en France, "Trente créateurs", réunissant Pierre Alechinsky, Olivier Debré, Hans Hartung, François Heaulmé, Roberto Matta, Zoran Mušič, Edouard Pignon et Pierre Soulages. Les Éditions Skira publient "Un monde ignoré vu par Hans Hartung", avec des reproductions de ses photographies et des textes de Jean Tardieu.  Hartung est élu en 1977 à l'Académie des beaux-arts et le Centre Pompidou organise une exposition itinérante de ses gravures et lithographies. Un timbre-poste reproduisant l'une de ses peintures est émis en 1980. À cette occasion, le musée de la Poste présente les tapisseries et gravures sur bois de Hartung et d'Anna-Eva Bergman. Hartung est en 1981 le premier peintre à recevoir le prix Kokoschka créé par le gouvernement autrichien. La même année, la Stâdtische Kunsthalle de Düsseldorf, puis la Staatsgalerie Moderner Kunst de Munich organisent une grande exposition rétrospective ainsi que la Fondation Henie-Onstad en Norvège. Hartung se voit consacrer en 1982 une salle personnelle permanente à la Staatsgalerie Moderner Kunst de Munich. Le conseil régional de Provence-Alpes-Côte d'Azur inaugure en 1983 au musée Picasso d'Antibes une exposition de ses photographies tandis que le Kupferstich-Kabinett der Staatlichen Kunstsammlungen de Dresde expose les soixante et une lithographies et gravures qu'il lui a offertes. En 1984 est ouverte au Hessisches Landesmuseurn de Darmstadt une salle consacrée à ses peintures, et Hartung reçoit la croix de grand officier de l'ordre du Mérite de la République fédérale d'Allemagne. En 1989, il est élevé à la dignité de grand officier de la Légion d'honneur. Dans les dernières années de sa vie, Hartung va peindre au pistolet à peinture, ce qui lui permit de faire plus trois cents toiles l'année de sa mort, en 1989.

Postérité.

La dernière séance de travail de Hartung, le , a lieu une semaine après la chute du mur de Berlin et Hartung meurt le . Les nécrologies et hommages qui succèdent au décès lient souvent la disparition du peintre et la réunification de l’Allemagne, en particulier Jack Lang, ministre de la Culture, qui déclare : « Homme de création et de liberté, Hans Hartung nous quitte au moment où Leipzig, sa ville natale, retrouve ses valeurs. » Après sa mort, Hartung connaît un relatif oubli et une certaine marginalisation dans les années 1990, mais il est toutefois l’objet de plusieurs expositions importantes, dont une à la Tate Gallery à Londres consacrée à ses œuvres sur papier en 1996 : "Hans Hartung : works on paper 1922 - 1956". Il est aussi redécouvert par des commissaires d’exposition et des artistes d’une génération postérieure à la sienne, comme Xavier Douroux, qui lui consacre une exposition en 1996 et, vingt ans plus tard, le présente au Fonds Hélène et Édouard Leclerc pour la Culture avec H"ans Hartung et les peintres lyriques", dont Cy Twombly, Albert Oehlen, Charline von Heyl ou encore Shirley Jaffe. Depuis les années 2000, de nombreux créateurs contemporains, de courants et de technique très diversifiés, ont manifesté leur intérêt et admiration pour Hartung, notamment Jean-Luc Godard qui l’expose entre Matisse et Nicolas de Staël au centre Pompidou en 2006, Markus Lüpertz, Christopher Wool, Larry Clark, Abraham Poincheval, Katharina Grosse, ou encore Romain Goupil qui lui consacre un film de 52 minutes en 2019.

Hartung photographe.

Hartung s’intéresse très tôt à la photographie. Enfant, il confectionne son propre appareil, en fixant sur un télescope une boîte à cigare faisant office de chambre noire. Il photographie ainsi ses premières vues lointaines, dont un cliché de la lune en 1916. Ces expérimentations précoces marquent le début d’une passion qui durera toute une vie, et se développera en parallèle à sa peinture.  « J'ai la manie de tout photographier », confie l’artiste au milieu des années 1970. Muni d’un appareil Leica et d’un Minox, Hartung a notamment pour habitude de photographier quotidiennement les personnes de son entourage et celles qu’il rencontre. Il en résulte une abondante production de portraits, parmi lesquels ceux de Georges Pompidou, Mark Rothko, Marcel Breuer, Alexander Calder, Zao Wou-Ki, Henry Geldzahler, Hans Richter, etc. Les œuvres ainsi réalisées agissent, selon ses propres termes, comme une « seconde mémoire » : « fixé sur la pellicule, affirme-t-il, le souvenir reprend toute sa force, toute son acuité, réveille les circonstances. »  Pour l’artiste, tout est sujet : outre les portraits, il effectue à partir des années 1960 de nombreux clichés aériens lors de ses voyages en avion, notamment des parterres de nuages. L’abstraction n’est jamais loin dans ses choix de prise de vue : effets d’ombre et de lumière, cailloux oblongs, fissures et taches forment un répertoire de motifs qui ne sont pas sans liens avec sa peinture. À l’affût de la moindre étrangeté visuelle, il n’hésite pas à tirer parti des défauts et accidents de la pellicule. Il joue en outre sur les temps de pose, obtenant, dans les années 1960, des effets lumineux comparables à ceux de ses toiles réalisées au spray.  On aurait tort toutefois de résumer sa pratique photographique à un travail préparatoire à son œuvre peint, ni même à un dédoublement de celui-ci. En , la revue "Camera", dans un dossier pionnier consacré à ce sujet, estime que le peintre a trouvé dans la photographie un outil lui permettant de confirmer l'existence de ses intuitions abstraites dans le monde environnant.  Si le dossier de "Camera" amorce la diffusion véritable des photographies d’Hartung, les premières expositions de cette partie de son œuvre ne voient le jour que dans les années 1970. L'une des rétrospectives les plus marquantes a lieu en 1982, au Musée national d'Art moderne, sous le commissariat d'Alain Sayag. Exhaustives, ces expositions prennent en compte les tout premiers clichés de l'artiste, soulignant le rôle précurseur joué par la photographie dans sa quête de formes remarquables et abstraites.

Hans Hartung, né le à Leipzig, et mort le à Antibes, est un peintre français, photographe et architecte d'origine allemande, l'un des plus grands représentants de l'art abstrait. Ses expérimentations techniques extrêmement libres des années 1920 en font aux yeux de nombreux historiens et critiques, et notamment Will Grohmann, le précurseur et le pionnier de nombreux mouvements d’avant-garde qui se développeront dans la seconde moitié du : entre autres les courants dits informels, gestuels, tachistes, lyriques, ainsi que l'action painting.  Hartung fut par ailleurs l’architecte d’une villa à Antibes devenue aujourd’hui la fondation Hartung-Bergman reconnue d’utilité publique, classée « Architecture contemporaine remarquable », et qui est chargée de la conservation et de la valorisation de son œuvre, ainsi que de celle de son épouse, l’artiste d’origine norvégienne Anna-Eva Bergman. La Fondation a été dirigée de 1994 à 2014 par François Hers et l’est depuis 2014 par Thomas Schlesser.

Hans Hartung (21 September 1904 – 7 December 1989) was a German-French painter, known for his gestural abstract style. He was also a decorated World War II veteran of the French Foreign Legion.


Biosynthèse.

Les micro-organismes et les plantes sont capables de synthétiser l'histidine. L'être humain est capable de la synthétiser mais pas en quantité suffisante, c'est pourquoi on la considère, chez l'adulte, comme étant un acide aminé semi-indispensable et indispensable chez l'enfant.

Fonction dans les protéines.

L'histidine est un acide aminé qui remplit des fonctions importantes dans la structure et la fonction des protéines. Le noyau imidazole de l'histidine dispose d'un atome d'azote pouvant capter un proton, avec un pKa proche de la neutralité (pKa~6.8) et donc des conditions physiologiques. Cette propriété est cruciale pour la fonction de certaines protéines :  L'azote du cycle imidazole des histidines peut également former des liaisons de coordination avec des ions métalliques comme Zn, Co, Fe ou Ni. Ces liaisons sont importantes pour la fixation de ces ions dans des métalloprotéines, où la complexation du métal est requise pour l'activité de la protéine. On trouve par exemple une histidine comme ligand axial du fer dans la myoglobine et l'hémoglobine et deux histidines dans la complexation du zinc présent dans la collagénase, une protéase qui dégrade le collagène.

Autres rôles.

Purification par chromatographie d'affinité métallique.

La propriété de fixation des ions métalliques par l'histidine est à la base d'une technologie de purification des protéines recombinantes appelée chromatographie d'affinité pour ions métalliques immobilisés ((en) IMAC, pour "immobilized metal affinity chromatography").  Le principe de cette méthode est le suivant : par génie génétique, on ajoute à la protéine une séquence contenant au moins six histidines consécutives (étiquette polyhistidine). Cette étiquette est capable d'interagir fortement avec des ions métalliques. On utilise cette propriété pour fixer la protéine ainsi étiquetée sur une résine chromatographique sur laquelle est chélaté un ion métallique. Après lavage des protéines non retenues, la protéine est ensuite éluée par une solution d'imidazole qui déplace la protéine de l'ion métallique par compétition.

Dérivés de l'histidine.

Par méthylation de l'histidine en 1, ou en 3, on obtient des acides aminés méthylés présents dans l'urine de l'homme. Cet acide aminé également est un précurseur de la biosynthèse de l'histamine (vasodilatateur) et de la carnosine.

Présence dans le corps humain.

En mesure BDC ("Binary coded decimal" ) un taux normal d'Histidine dans le corps est compris entre 391 et 547 selon la méthode turbidimétrique réalisée sur Olympus AU640

L'histidine (abréviations IUPAC-IUBMB : His et H), du grec ancien , (« "mât de navire" », « "métier à tisser" », « "voile de navire" »), est un acide dont l'énantiomère est l'un des aminés protéinogènes, l'un des aminés essentiels pour l'enfant et fait partie des acides aminés glucoformateur. Elle est encodée sur les ARN messagers par les codons CAU et CAC. Elle est caractérisée par la présence d'un cycle imidazole qui confère une nature basique aux résidus d'histidine dans les protéines. Son rayon de van der Waals est égal à .

Histidine (symbol His or H) is an α-amino acid that is used in the biosynthesis of proteins. It contains an α-amino group (which is in the protonated –NH form under biological conditions), a carboxylic acid group (which is in the deprotonated –COO form under biological conditions), and an imidazole side chain (which is partially protonated), classifying it as a positively charged amino acid at physiological pH. Initially thought essential only for infants, it has now been shown in longer-term studies to be essential for adults also. It is encoded by the codons CAU and CAC.  Histidine was first isolated by German physician Albrecht Kossel and Sven Gustaf Hedin in 1896. It is also a precursor to histamine, a vital inflammatory agent in immune responses. The acyl radical is histidyl.


Biographie.

Wilhelm von Gloeden est l'un des plus grands photographes de nus masculins. Il est aussi l'un des pionniers de la photographie de plein air.  Après avoir étudié l'histoire de l'art à Rostock, il suit une formation de peintre. En 1878, pour soigner sa tuberculose, le baron von Gloeden se rend, sur le conseil de son médecin, à Taormine en Sicile. Le peintre Otto Geleng, qui vit déjà à Taormina, lui a parlé de ce lieu paradisiaque. Émerveillé par les paysages siciliens, mais surtout par la beauté sauvage et antique des jeunes paysans et pêcheurs de Taormina, Gloeden s'initie à la photographie, aidé aussi bien par les photographes locaux que par son cousin Wilhelm von (ou Guglielmo) Plüschow qui vit à Naples et qui est, lui aussi, fasciné par le charme des jeunes Italiens du sud.  Gloeden devient rapidement célèbre pour ses clichés d'éphèbes, dont les poses sont très inspirées de l'art antique. Il se dégage de ses photographies de nus masculins une puissance érotique peu égalée. Le nouveau magazine d'art britannique "The Studio" reproduit dès avril 1893 quelques clichés de ses nus. Il reçoit peut-être la visite d'un autre futur grand photographe du genre, vers 1903, en la personne de Rudolph Lehnert. Très rapidement, il devient très apprécié des esthètes de son temps, qui lui commandent des clichés : les écrivains Anatole France, Gabriele D'Annunzio, Oscar Wilde, Marcel Proust, Richard Strauss, mais aussi le "Kaiser" le "Kronprinz" Guillaume II, le roi d'Angleterre Édouard VII, qui popularisa le nudisme, et même le roi du Siam. Plusieurs de ses photographies sont exposées et publiées dans les plus grands magazines spécialisés. Cela peut sembler surprenant à cette époque. Mais, si de nombreuses photographies exaltent le charme de jeunes hommes, elles semblent tolérées du fait de l'alibi de l'héritage culturel grec et, surtout, qu'aucun des clichés réalisés par Gloeden n'est pornographique. Au début de la guerre, en 1914, Gloeden décide de rentrer en Allemagne. Lorsqu'il revient à Taormina, il a beaucoup perdu de son inspiration et un peu de son goût pour la photographie. Il faut dire que nombreux sont ses modèles qui ont péri à la guerre, et que les contraintes des normes sociales sont désormais plus dures. Il meurt en 1931, et repose près de sa sœur dans le cimetière protestant de Taormina. L'un de ses fidèles modèles et ami, Pancrazio Bucini, surnommé "Il Moro", hérite du fonds photographique – probablement quelque clichés. Les documents sont saisis par les fascistes en 1933 et 1936. Ils en détruisent environ soixante pour cent, et "Il Moro" est condamné pour détention de photographies pornographiques, puis ultérieurement acquitté. Finalement, l'œuvre du baron est reconnue comme œuvre d'art et son jeune protégé exonéré. Il parvient à récupérer 800 négatifs environ. À sa mort, en 1963, "Il Moro" les laisse à son fils qui les vend à un antiquaire. Depuis 2000, le fonds Gloeden se trouve au Musée Alinari de Florence. Les tirages collectionnés durant le par les amateurs du travail de Gloeden sont heureusement nombreux, tout comme les cartes postales ou catalogues d'exposition.  Son œuvre rencontre encore de nos jours un vif intérêt, notamment dans la communauté homosexuelle. Roland Barthes a préfacé une monographie de Gloeden. Si aujourd'hui Taormine continue de s'enorgueillir du séjour de Gloeden, elle n'est plus vraiment ce qu'elle était au temps du baron von Gloeden, ni de ses héritiers, tel Konrad Helbig.

Le baron Wilhelm von Gloeden, né le à Wismar et mort le à Taormine, est un photographe allemand, connu surtout pour ses nus masculins.

Wilhelm Iwan Friederich August Freiherr von Gloeden (September 16, 1856 – February 16, 1931) was a German photographer who worked mainly in Italy. He is mostly known for his pastoral nude studies of Sicilian boys, which usually featured props such as wreaths or amphoras, suggesting a setting in the Greece or Italy of antiquity. From a modern standpoint, his work is commendable due to his controlled use of lighting as well as the often elegant poses of his models. His innovations include the use of photographic filters and special body makeup (a mixture of milk, olive oil, and glycerin) to disguise skin blemishes.


Biographie.

Jensen Ross Ackles est le fils de l'acteur Alan Roger Ackles (né en 1948) et de Danna Joan Shaffer. Il a des ancêtres allemands, irlandais et anglais. Il a un grand frère, Joshua (né en 1974), et une petite sœur, Mackenzie.  Il débute très tôt sa carrière artistique en posant pour des photographes dès l’âge de 4 ans, activité qu'il continuera jusqu’à ses 10 ans.  En 1996, il obtient son bac au lycée "Lloyd V. Berkner" de Richardson (Texas), où il joue au base-ball et à la crosse. Il avait prévu d'étudier la médecine du sport à l'Université Texas Tech pour devenir kinésitérapheute mais c’est en participant à une pièce de théâtre au lycée qu'il pense à devenir acteur. Il prend des cours d’art dramatique et s’installe à Los Angeles pour mettre toutes les chances de son côté.

Carrière.

En 1997, il décroche le rôle d'Eric Brady dans le feuilleton télévisé "Des jours et des vies", où il joue jusqu'en 2000.  En 2001, Jensen joue le personnage Ben dans un épisode de la saison 1 de la série "Dark Angel". Son personnage très apprécié le fera revenir dans toute la saison 2 dans le rôle d’Alec McDowell, le clone de Ben.  Après l’annulation de la série, il joue C.J., le petit ami de Jen dans la saison 6 de la série "Dawson".  En 2004, il intègre l’équipe de la série "Smallville" qui entame sa quatrième saison. Il y joue Jason Teague, le nouveau petit ami de Lana Lang (Kristin Kreuk), qu’elle a rencontrée lors d’un séjour à Paris.  À l'origine, il avait auditionné dans "Smallville" pour le rôle de Clark Kent, mais c'est Tom Welling qui a été choisi. Cependant, charmés par son audition et par l'alchimie qui passait entre Kristin Kreuk (Lana Lang) et Jensen, les producteurs ont décidé de lui offrir sa chance. C'est pourquoi, 3 années plus tard, ils ont fait appel à lui pour le rôle de Jason.  En 2005, il tourne de nouveau avec la chaîne The CW dans la série fantastique à succès, "Supernatural", où il incarne Dean Winchester, un héros combattant le mal avec son frère Sam (Jared Padalecki) chasseurs de monstres surnaturels.  Il fait ses premiers pas en tant que réalisateur dans le quatrième épisode de la saison 6 de Supernatural, intitulé "La Lamia" ("Weekend at Bobby's"). L'épisode est apprécié aussi bien par la critique que par les fans de la série. Il réalise donc un nouvel épisode pour la septième saison, "Amour de jeunesse" (""). Les deux épisodes, écrits par Andrew Dabb et Daniel Loflin, sont les premiers à être tournés et abordent moins le personnage de Dean.  Lors de la saison 8, Jensen Ackles repasse derrière la caméra pour l'épisode "Heartache". Pour Laura Prudom du "Huffington Post", , alors qu'il joue davantage dans cet épisode.  Il est également chanteur et guitariste avec d'autres acteurs de la série "Supernatural" (Rob Benedict, Richard Speight Jr, Mark Sheppard).  En 2017, il apparaît dans un épisode de "Kings of Con" où il retrouve Rob Benedict.  En 2019, il fait son retour au cinéma avec le premier film de Josh Duhamel, intitulé "The Buddy Games", avec Olivia Munn, Dax Shepard et Neal McDonough.  Le , Jared Padalecki et Jensen Ackles annoncent publiquement par l'intermédiaire d'une vidéo sur le net que la série "Supernatural" s'arrêtera avec la saison 15 qui sera composée de 20 épisodes.  En 2018, Ackles collabore avec le musicien Steve Carlson pour créer le groupe Radio Company ainsi que leur premier album nommé "Vol.1". Après plusieurs années à chanter aux conventions "Supernatural", Jensen Ackles se lance professionnellement dans la musique avec la sortie de son premier album le .  Il a aussi joué dans le film meurtre à la Saint-Valentin en tant qu'acteur secondaire

Vie privée.

Depuis mai 2007, Jensen est le compagnon de l'actrice Danneel Harris, qu'il a rencontrée sur le tournage du film "Ten Inch Hero". Après s'être fiancés en , ils se sont mariés le à Dallas, au Texas.  Le , Danneel a donné naissance à leur premier enfant, une fille prénommée Justice Jay. Le , Danneel donne naissance à des jumeaux, un garçon prénommé Zeppelin Bram et une fille prénommée Arrow Rhodes.  La famille réside à Austin (Texas).  En France, Jensen Ackles est doublé par :

Filmographie.

Voix françaises.

Au Québec, il est doublé par :

Distinctions.

Jensen Ackles a été à plusieurs reprises nommé et récompensé pour ses rôles dans "Des jours et des vies" et "Supernatural" :

Jensen Ross Ackles est un acteur, réalisateur et mannequin américain, né le à Dallas (Texas).  Il a notamment joué dans les séries télévisées "Dark Angel", "Dawson" et "Smallville". Il joue actuellement dans la série "Supernatural" avec le rôle de Dean Winchester, un des personnages principaux.

Jensen Ross Ackles (born March 1, 1978) is an American actor, singer and director. He has appeared on television as Dean Winchester in The CW horror fantasy series "Supernatural", Eric Brady in "Days of Our Lives", which earned him several Daytime Emmy Award nominations, Alec/X5-494 in "Dark Angel" and Jason Teague in "Smallville". He also starred as the lead in the box office success "My Bloody Valentine 3D" and provided the voice of Jason Todd in the popular animated film "".


Description.

Dans son milieu naturel en Amazonie, l’"Hevea brasiliensis" est un arbre pouvant atteindre fréquemment plus de de hauteur pour une circonférence de . Son écorce est vert grisâtre. Ses feuilles sont composées de trois folioles disposées à l’extrémité d’un pétiole. L’hévéa perd ses feuilles et les renouvelle chaque année. Elles se forment périodiquement, par étage à l’extrémité des unités de croissance. Les fleurs sont petites, jaune clair et rassemblées en grappes. Les fruits sont composés d’une capsule à trois loges contenant chacune une graine de environ, ovale, de couleur brune décorée de taches blanchâtres. On dit de ce fruit qu’il est déhiscent.  Le tissu laticifère se retrouve dans toutes les parties de l’arbre, des racines aux feuilles, en passant par l’écorce du tronc, siège de l’exploitation du latex chez l’hévéa. Les vaisseaux laticifères se développent en manchons concentriques dans le liber (écorce tendre) qui contient également les vaisseaux conducteurs de la sève élaborée, le phloème. Les vaisseaux laticifères s’anastomosent de façon à former un réseau continu à l’intérieur de chaque manchon. Les cellules qui composent les vaisseaux laticifères sont vivantes et possèdent tous les organites (noyau, mitochondries, plastes) nécessaires à leur fonctionnement.  Le latex est différent de la sève. Celle-ci assure la distribution de l’eau, des sels minéraux ou des sucres alors que le latex est plutôt impliqué dans les mécanismes naturels de défense de l’arbre. Il circule dans un réseau distinct de vaisseaux : les canaux laticifères. Comme la résine, il suinte lors d’une éventuelle blessure de la plante et forme en séchant une barrière protectrice. Le latex récolté par saignée est le cytoplasme, c’est-à-dire le contenu liquide, des cellules laticifères. Il est composé d’une suspension de particules de caoutchouc, mais également d’organites comme les lutoïdes. En revanche, les noyaux et les mitochondries demeurent attachés aux parois des cellules, assurant ainsi le renouvellement du latex après récolte. Les particules de caoutchouc représentent 25 à 45 % du volume du latex et 90 % de la matière sèche.

Distribution.

Cette espèce est originaire de la grande forêt amazonienne :  Après que l’explorateur anglais Henry Alexander Wickham eut réussi à ramener d'hévéa brésilien aux jardins botaniques royaux de Kew à Londres, les Britanniques purent ainsi constituer des plantations d'hévéas dans leurs propres colonies, comme en premier lieu, Ceylan. D'autres puissances coloniales imitèrent le Royaume-Uni dans cette voie comme la France.  Sa culture a été ainsi répandue dans toutes les régions tropicales, notamment dans le Sud-Est asiatique (Thaïlande, Malaisie, Indonésie, Viêt Nam, Inde, Chine), ainsi qu’en Afrique (République démocratique du Congo, Nigeria, Liberia, Cameroun, Côte d'Ivoire). Elle s’étend sur d’hectares environ (, soit la taille de la Belgique).

Exploitation.

Le latex se récolte par saignées sur l’écorce du tronc de l’hévéa. Au moyen d’un couteau spécifique, les saigneurs pratiquent une légère entaille en descendant sur la moitié ou le tiers de la circonférence du tronc. La saignée débute en général à environ de hauteur, lorsque les arbres ont atteint de circonférence à de hauteur. À chaque saignée, l’encoche est ravivée en découpant une fine lamelle d’environ d’épaisseur, sur toute la profondeur de l’écorce. Il est toutefois important de ne pas toucher le cambium (assise génératrice du bois) car cela provoque des cicatrices. Les saignées ont lieu périodiquement. Il existe des systèmes plus ou moins intensifs, allant de la saignée deux jours sur trois à la saignée hebdomadaire, la fréquence la plus courante étant tous les deux jours. Lorsque toute l’écorce du côté exploité (appelé panneau) a été consommée, on passe sur le panneau suivant. Cela a lieu après six ans en général. Lorsque toute l’écorce basse a été utilisée, on peut pratiquer la saignée haute, remontante. Cette dernière, bien que délicate est très productive. Elle se pratique en quarts de spirales et peut durer ainsi au moins quatre ans. Il est alors possible de recommencer la saignée basse sur l’écorce déjà saignée qui se sera entretemps régénérée. L’arbre peut ainsi produire du latex à partir de l’âge de cinq ans et pendant trente ans environ. Cependant, dans de nombreuses régions et en particulier en Thaïlande, premier pays producteur, la tendance est au raccourcissement des cycles, avec une exploitation sur moins de vingt ans.  À l’issue de sa période d’exploitation, l’hévéa est abattu pour être replanté. Les progrès de la recherche permettent de procéder à ces replantations avec un matériel végétal beaucoup plus performants.  Le latex, en sortant de l’entaille, coule dans la tasse pendant quelques heures. Puis l’encoche se bouche par coagulation du latex et l’écoulement s’arrête. La récolte peut se faire sous forme liquide (on parle de récolte en latex) si on procède juste après la saignée, ou solide si on laisse le latex coaguler dans la tasse (récolte en coagulum). En cas de récolte sous forme liquide, on peut ajouter un peu d’ammoniac pour empêcher la coagulation précoce. À l’inverse, le processus de transformation post-récolte démarre par l’ajout d’un peu d’acide (formique en général) pour faire coaguler le latex.

Aspects économiques.

L’Asie est la principale région productrice de caoutchouc naturel (95 % du total mondial). La production mondiale est estimée à de tonnes environ, dont trois pays, Thaïlande, Indonésie et Malaisie, représentent près des trois quarts.  C’est au Liberia que se trouve la plus vaste plantation d’hévéas au monde : , qui sont la propriété de Firestone, le géant américain du pneu devenu depuis 1988 une filiale du groupe japonais Bridgestone.  Les chercheurs de l'Institut Fraunhofer à Aix-la-Chapelle (Allemagne) espèrent réaliser d'ici 2014 des pneumatiques en caoutchouc de pissenlit. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le pissenlit avait déjà été utilisé à cette fin, mais s'était avéré bien moins productif que l'hévéa. Et pour cause : le latex issu du pissenlit coagule spontanément et rapidement en caoutchouc, ce qui rend difficile sa récolte. Mais les chercheurs allemands sont parvenus à créer des pissenlits transgéniques dans lesquels l'enzyme à l'origine de la coagulation a été désactivée, pour un rendement de supérieur.

Effets environnementaux délétères.

Effets amont (hévéaculture).

En 2010, l'industrie du pneu consommait 70 % du latex produit dans le monde. Elle justifie de vastes monocultures équiennes d'hévéas "Hevea brasiliensis", au détriment de la forêt tropicale, y compris dans des pays et sur des continents où l'hévéa n'existait pas. En Asie du Sud et Sud-Ouest, plus de deux millions d'hectares plantés de 2000 à 2010 ont bouleversé les écosystèmes et les réseaux socioéconomiques, constituant une menace de plus pour la biodiversité. En une génération (en ; de 1983 à 2012), la surface de plantation est passée de d'hectares environ à (57 % de la surface dédiée au palmier à huile), mais avec un taux qui a atteint 71 % en Asie du sud-est en 2015. Comme pour l'eucalyptus ou l'huile de palme, cette tendance s’accélère : dans les années 2000 environ supplémentaires d'hévéas ont été implantés (plus du double des des deux décennies précédentes).  L'automobile individuelle se développe en Chine, impliquant une extension des cultures d'hévéas et de leurs effets délétères sur la biodiversité et les populations autochtones (comparables à ceux des cultures d'huile de palme), notamment dans le sud-est asiatique (Indonésie, Malaisie, Laos, Cambodge, Viêt Nam, sud-ouest de la Chine et Philippines), au détriment de la forêt primaire, de sa biodiversité et des grands équilibres écologiques (des aires protégées qui ont ainsi déjà été sacrifiées aux plantations). À titre d'exemple, la réserve naturelle Snoul (Cambodge) a été en quatre ans (de 2009 à 2013) recouverte à plus de 70 % par d'hévéas en dépit de la présence de nombreuses espèces menacées (banteng, cerf d'Eld et plusieurs singes carnivores). La croissance de ces cultures était de 3,5 %/an dans les années 2010-2015) et de 5,3 % si l'on ne tient compte que des pneus. Eleanor Warren-Thomas estime prospectivement que de 2015 à 2024, millions d’hectares d'hévéas pourraient encore remplacer la forêt tropicale (la surface en hévéas atteindrait alors 86 % entre 2012 et 2024 ; une catastrophe pour une biodiversité déjà mise à mal. Ainsi les gibbons et d'autres espèces dépendantes de la forêt primaire ne pourront que disparaitre, et de nombreuses espèces aviaires, de chauves-souris et scarabées seraient affectées (déclin attendu : jusqu'à 75 %). L'érosion des sols et la turbidité et la pollution de l'eau augmenteraient aussi. Dans des pays comme le Viêt Nam, l'hévéaculture s'étend aussi sur les pentes et en altitude dans les derniers refuges de la biodiversité. Enfin, ces immenses monoculture sont propices aux maladies capables de décimer les hévéas. Globalement, les services écosystémiques fournis par la forêt sont ainsi fortement dégradés par l'industrie du catoutchouc.  De 2000 à 2010, le public s'est montré plus sensible aux impacts de l'huile de palme qu'à ceux de l'hévéaculture. Pourtant en 2015 selon W. Thomas : , ce qu'encourage une initiative dite "Sustainable Natural Rubber Initiative (SNR-i)" depuis et l'écocertification de certaines plantations gérées en agrosylviculture, en Indonésie par exemple. Cette même année, Ahlheim se demandent même s'il ne serait pas plus économiquement et écologiquement rentable dans le sud-ouest de la Chine de replanter des forêts tropicales à la place des monocultures d'hévéas.  Ainsi, la demande mondiale en caoutchouc toujours croissante met en lumière des effets environnementaux. En 2018, la revue Nature relève que 23,5 % de la surface boisée du Cambodge ont été détruits entre 2001 et 2015 pour pallier la demande. De cette manière, la situation continuera à s’aggraver à moins de mettre fin aux politiques en faveur du développement de plantations de caoutchouc.

Effets aval.

Les pneus s'usent (de plusieurs millimètres sur la bande de roulement) en roulant, contribuant à la pollution routière et urbaine. Vers 2005, environ de caoutchouc (enrichies d'additifs mal connus) ont ainsi été générées et dispersées en un an dans l'air, le sol et l'eau le long des routes européennes (soit l'équivalent de de de caoutchouc de pneu). En fin de vie lors de leur mise en décharge, incinération ou recyclage, ils sont aussi sources de particules, de polluants et substances chimiques problématiques dans l'air, l'eau et les sédiments, pouvant affecter la santé humaine, animale et les écosystèmes.  Alors que dans les années 1990 on constate que des fragments de caoutchouc issus de pneus ou de leur valorisation sont répandues dans l'environnement, peu de données scientifiques (méta-analyses en particulier) sont disponibles en matière de santé environnementale (caractérisation chimique fine d'éluats et lixiviat des pneus ou de leur résidus, études écoépidémiologiques d'exposition, données précises de toxicité et d'écotoxicité, de mutagénicité et cancérogénicité pour les mammifères, les organismes aquatiques et du sol, les microbes, et résidus dans leurs organites. Des chercheurs plaident pour des études interdisciplinaires et pour une modélisation de la pollution associé à la gestion des pneus usés. On a montré (2006) que les substances relarguées par les pneus se montrent toxiques pour la daphnie (espèce modèle courante en toxicologie) et en 2009 qu'ils peuvent être retrouvés . Les taux maximaux (PEC) de microparticules issues de l'usure des pneus dans les eaux de surface vont de , grimpant de de matière sèche dans les sédiments, deux milieux où ils peuvent être absorbés par des animaux, filtreurs notamment. Une étude basée sur "Ceriodaphnia dubia" et "Pseudokirchneriella subcapitata" a cherché à calculer la PNEC et le ratio PEC/PNEC pour l'eau et les sédiments. Ce ratio dépassait la valeur 1, ce qui signifie que ces particules présentent un risque potentiel pour les organismes aquatiques, suggérant qu'il serait utile de traiter ou gérer les particules de pneus usés notamment dans les eaux de ruissellement routières et urbaines. En 2009, divers tests écotoxilogiques "en laboratoire" (sur l'algue "Pseudokirchneriella subcapitata", deux crustacés : "Daphnia magna, Ceriodaphnia dubia", et sur un poisson "Danio rerio") ont confirmé ces risques à moyen et long termes pour trois types différents de pneus, aux concentration attendues dans l'environnement, ces effets écotoxiques et reprotoxiques ayant été attribuée au zinc d'une part et aux composés organiques lixiviés.

L’arbre à caoutchouc, l’hévéa ou l’hévéa du Brésil ("Hevea brasiliensis") est une espèce d’arbres, du genre "Hevea" de la famille des "Euphorbiaceae". On en extrait un latex qui est utilisé pour être transformé en caoutchouc.

Hevea brasiliensis, the Pará rubber tree, "sharinga" tree, seringueira, or, most commonly, the rubber tree or rubber plant, is a flowering plant belonging to the spurge family Euphorbiaceae. It is the most economically important member of the genus "Hevea" because the milky latex extracted from the tree is the primary source of natural rubber.


Biographie.

Jeunesse.

Tracy Chapman est née à Cleveland, dans l'Ohio. Elle est élevée par sa mère dans la banlieue de la ville. À trois ans, celle-ci remarque son intérêt pour la musique et lui achète un ukulélé. Elle commence à jouer de la guitare et à écrire des chansons à l'âge de huit ans. Elle déclare avoir voulu apprendre cet instrument en regardant, enfant, l'émission de variétés "Hee Haw", qui diffusait des artistes de musique country.  Élevée dans la religion baptiste, elle fréquente un lycée épiscopalien ; tous les dimanches, elle chante avec sa mère à l'église de son quartier. Elle bénéficie d'un programme de soutien aux étudiants issus de milieux défavorisés et est admise dans un établissement scolaire d'excellence dans le Connecticut. Elle est ensuite admise à l'université Tufts, à Boston, elle obtient un "Bachelor of arts" en anthropologie et en études africaines en 1986.

Débuts et premier album (1988).

Elle passe son temps libre à chanter dans les bars de Boston ainsi que dans la rue, et devient alors l'une des idoles de la scène folk locale, où le fils du patron de sa future maison de disques la repère. Elle enregistre une maquette qui sera diffusée sur quelques radios locales, ainsi qu'une chanson ("For My Lover") pour "Fast Folk Musical Magazine", un magazine local de folk vendu avec un CD.  Après avoir obtenu son diplôme, un contrat lui est proposé par le label Elektra Records, qui a notamment produit The Doors, Queen et Metallica. En 1988, elle publie son premier album, intitulé "Tracy Chapman". L'album est apprécié par la critique : elle effectue une petite tournée promotionnelle aux États-Unis et commence à se faire connaître. Le , elle participe au concert pour les 70 ans de Mandela au stade de Wembley, à Londres, au cours duquel elle interprète "Fast Car", "Behind The Wall" et "Talkin' 'Bout a Revolution". L'album se vend à cinq millions d'exemplaires en un an, et Tracy Chapman remporte trois Grammy Awards, dont celui de la révélation de l'année. Le magazine Rolling Stone a classé "Fast Car" en dans son classement des 500 plus grandes chansons de tous les temps.  Elle participe par la suite à des concerts aux côtés de Sting, Peter Gabriel, Youssou N'Dour et Bruce Springsteen lors du "Human Rights Now! Tour" organisé par Amnesty International en 1988. D'après le site de la chaîne de télévision MTV, .

"Crossroads" (1989), "Matters of the Heart" (1992) et "New Beginning" (1995).

Son deuxième album, "Crossroads", sort le . Elle déménage de Boston et s'installe à San Francisco deux semaines avant le séisme de Loma Prieta, qui provoqua la mort de 63 personnes. L'album ne connaît pas un succès comparable au précédent mais devient néanmoins disque de platine aux États-Unis. Il comprend une chanson dédiée à Nelson Mandela, "Freedom Now". En , elle participe à un second concert de soutien à Mandela organisé au Stade de Wembley. En , elle prononce le discours de réception du groupe The Impressions au "Rock and Roll Hall of Fame".  L'album "Matters of the Heart", sorti le , ne rencontre guère de succès : Tracy Chapman se fait alors plus rare sur scène et dans les médias, jusqu'à la sortie de son quatrième album, "New Beginning", en 1995. Elle fait des apparitions dans les émissions de télévision américaines les plus populaires, comme le "Late Show with David Letterman" ou "The Tonight Show".  En , Tracy Chapman publie son huitième album, intitulé "Our Bright Future". L'opus s'est vendu à plus de copies en France. Forte de son succès en 2008, elle repart en tournée durant l'hiver 2008 en solo puis, durant l'été, 2009, accompagnée d'un groupe en passant par Nantes, Lille, Rouen ou encore Paris. Le , en hommage au « roi de la pop » Michael Jackson, elle interprète à Paris "I'll Be There", des Jackson 5.  Elle a réalisé huit albums studio et deux compilations, vendus à plus de 40 millions d'exemplaires à travers le monde.

Tracy Chapman est une auteur-compositrice-interprète américaine née le à Cleveland (Ohio). Son répertoire, qui comprend une dimension contestataire et engagée, et son style mêlant blues, rock folk et soul lui ont valu le surnom de « Dylan noire » au début de sa carrière. Elle connaît le succès dès la sortie de son premier album, grâce notamment à sa participation au concert pour les 70 ans de Mandela en , où elle interprète "Talkin' 'bout a Revolution" et "Fast Car."  Auteur de huit albums studio, de "Tracy Chapman" (1988) à "Our Bright Future" (2008), elle a vendu plus de quarante millions d'albums dans le monde et a reçu quatre Grammy Awards. Parmi ses principaux succès figurent également les chansons "Baby Can I Hold You", "Crossroads", "New Beginning" et "Sing for you". Elle participe au concert "Tribute to Buddy Guy" en 2012 au Kennedy Center devant le président Barack Obama. Elle interprète la chanson blues "Hound Dog".

Tracy Chapman (born March 30, 1964) is an American singer-songwriter, known for her hits "Fast Car" and "Give Me One Reason", along with other singles "Talkin' 'bout a Revolution", "Baby Can I Hold You", "Crossroads", "New Beginning", and "Telling Stories". She is a multi-platinum and four-time Grammy Award–winning artist.  Chapman was signed to Elektra Records by Bob Krasnow in 1987. The following year she released her critically acclaimed debut album "Tracy Chapman", which became a multi-platinum worldwide hit. The album earned Chapman six Grammy Award nominations, including Album of the Year, three of which she won, including Best Female Pop Vocal Performance for her single "Fast Car", and Best New Artist. Chapman released her second album "Crossroads" the following year, which garnered her an additional Grammy nomination. Since then, Chapman has experienced further success with six more studio albums, which include her multi-platinum fourth album "New Beginning", for which she won a fourth Grammy Award, for Best Rock Song, for its lead single "Give Me One Reason". Chapman's most recent album is "Our Bright Future", released in 2008.


Biographie.

Enfance et formation.

Alexis Bledel est née à Houston, d'un père argentin, Martín Bledel, et d'une mère mexicaine, Nanette (née Dozier), préparatrice de commande et hôtesse de l'air. Elle a un jeune frère nommé Eric. Son grand père paternel était Enrique Einar Bledel Huus, née à Buenos Aires, il était vice président de la marque Coca-Cola en Amérique latine.  Elle grandit dans un foyer hispanophone, l'espagnol est sa langue maternelle, et elle n'a appris l'anglais que quand elle a commencé à aller à l'école. Elle a des origines anglaises, écossaises, néerlandaises et latino-américaines. Elle-même se considère comme latina.  Elle fréquente l'école catholique St. Agnes Academy à Houston ainsi que des écoles baptistes et luthériennes. Sa mère l'encourage à essayer le théâtre communautaire pour surmonter sa timidité. Enfant, Bledel apparaît dans des productions locales comme "Our Town", "The Wizard of Oz" et "Aladdin".  Elle est finalement repérée dans un centre commercial et se voit proposer une offre de travail dans le mannequinat. Elle fréquente ensuite l'école des arts Tisch de l'Université de New York, pendant un an.

Carrière.

Les années 2000 : révélation télévisuelle et débuts au cinéma.

Après une carrière de mannequin durant son adolescence, ce qui lui permet de voyager à travers le monde (notamment Tokyo, Milan, New York et Los Angeles), Alexis Bledel fait ses débuts à la télévision en 2000 dans la série télévisée tragi-comique et familiale, "Gilmore Girls". La série raconte la relation complice et même privilégiée de Lorelai avec sa fille Rory qu'elle eut à 16 ans.  Vedette aux côtés de Lauren Graham, le show la révèle au grand public et la rend célèbre. Elle remporte, à deux reprises, le Teen Choice Awards de la meilleure actrice, démontrant le succès de la série auprès d'un jeune public, ainsi que les prestigieux Bravo Otto et Young Artist Awards.  Forte de ce succès, elle porte le film dramatique "Tuck Everlasting", en 2002, très bien reçu par la critique et qui lui vaut une citation pour le Saturn Award de la meilleure jeune actrice. En 2004, elle poursuit sa carrière au cinéma. Dès lors, elle apparaît dans "DysEnchanted", "Coup de foudre à Bollywood", et "I'm Reed Fish", avant de jouer dans "Quatre filles et un jean" et "Quatre filles et un jean 2", qui rencontrent tous deux le succès au box-office. Partageant l'affiche aux côtés de Blake Lively, America Ferrera et Amber Tamblyn, cette production lui permet de recevoir quelques nominations lors des Teen Choice Awards. Enfin, elle participe au film d'action "Sin City" aux côtés d'une pléiade d'acteurs reconnus comme Mickey Rourke, Bruce Willis et Clive Owen .Après 7 saisons, "Gilmore Girls" prend fin en 2007. Au cours de sa carrière, elle a été de nombreuses fois citée dans la presse féminine ("Cosmopolitan", "W", "TV Guide") comme étant l'une des plus belles actrices au monde de ces dix dernières années.  Après une apparition dans la série médicale "Urgences", on la retrouve, en 2009, au cinéma dans deux longs métrages du genre comédie romantique : d'abord "Le fiancé idéal" dont elle occupe le rôle titre aux côtés de Scott Porter et Bryan Greenberg, puis, elle porte "Post Grad". Deux tentatives de briller en tête d'affiche qui se soldent par des échecs retentissants.

Les années 2010 : cinéma indépendant et retour télévisuel remarqué.

En 2010, elle revient donc dans un second rôle pour le drame salué "La Conspiration" avec Robin Wright, James McAvoy et Tom Wilkinson. Elle porte tout de même le thriller dramatique indépendant "The Kate Logan Affair" mais dont l'aspect peu conventionnel divise la critique et le public. L'année d'après, elle continue dans l'indépendant avec la comédie dramatique "Girl Walks into a Bar", dans lequel elle donne la réplique à Carla Gugino, Rosario Dawson et Josh Hartnett, enfin, elle remplace Carey Mulligan pour la comédie d'action "Violet & Daisy" dont elle partage la vedette aux côtés de Saoirse Ronan.  En 2012, elle revient sur un projet exposé en rejoignant la cinquième saison de la série plébiscitée "Mad Men". Une participation en tant que guest star, sur un arc narratif de trois épisodes, saluée par un prix lors des Gold Derby Awards 2012. Il s'ensuit un second rôle dans la comédie indépendante "The Brass Teapot" avec Juno Temple et Michael Angarano, le téléfilm "L'Amour au jour le jour" ou elle donne la réplique à Zachary Levi ainsi qu'une intervention dans le film dramatique chorale "Parts Per Billion".  Entre 2013 et 2014, elle tente de porter la série comique "Us and Them" qui était initialement prévue pour la mi-saison 2013–2014 sur le réseau Fox et au Canada sur Citytv mais dont la production réduit le nombre d'épisodes à sept avant de prendre la décision d'arrêter purement la série. Elle se contente alors de jouer dans un épisode de la série télévisée canadienne "Motive" et seconde Katherine Heigl dans la comédie dramatique "Marions-nous !", un échec.  Elle revient finalement sur le devant de la scène, en 2016, grâce à "Gilmore Girls". En effet, une huitième et dernière saison en quatre épisodes de 90 minutes, intitulée "Une nouvelle année", a été diffusée le 25 novembre 2016 sur la plateforme Netflix, ce qui lui permet de renouer avec de bonnes critiques.  Elle enchaîne alors avec la série télévisée dramatique acclamée et multi-récompensée "" dans laquelle elle interprète le rôle d'Emily, une Servante auparavant professeure d'université en couple avec une femme, qui s'implique dans un mouvement de résistance à la République de Gilead, dictature protestante restaurationniste et fondamentaliste issue d'un coup d’État aux États-Unis. Dans cette série, elle donne notamment la réplique à Elisabeth Moss et à Samira Wiley. Son interprétation lui vaut de recevoir l'Emmy Awards de la meilleure actrice invitée dans une série télévisée dramatique. Elle est finalement promue dans la distribution principale à partir de la seconde saison. Cette promotion se traduit par une nouvelle nomination pour le Primetime Emmy Awards mais cette fois-ci dans la catégorie meilleure actrice dans un second rôle.

Vie privée.

Durant le tournage de "Gilmore Girls", elle fait la connaissance de Milo Ventimiglia qui devient son compagnon. À partir de début 2012, elle sort avec Vincent Kartheiser rencontré sur le tournage de la série "Mad Men". Ils se marient en . Le , Alexis Bledel accouche d'un garçon.

Alexis Bledel , née le à Houston (Texas), est une actrice, productrice et chanteuse américaine.  Elle est révélée, à la télévision, dans la série télévisée dramatique "Gilmore Girls" (2000-2007). Ce rôle lui vaut de nombreuses citations et récompenses dont le Young Artist Awards, le Prix Bravo Otto de la meilleure actrice ainsi que deux Teen Choice Awards.  Au cinéma, elle porte le drame "Tuck Everlasting", elle participe au film d'action "Sin City" et incarne l'un des personnages principaux de l'adaptation cinématographique du livre "Quatre filles et un jean" (2005 et 2008).  Après avoir porté une poignée de films indépendants ainsi qu'un second rôle dans le prestigieux drame "La Conspiration", sans oublier un rôle de guest remarqué dans la cinquième saison de la série "Mad Men" (2012), elle tente de porter l'éphémère série comique "Us and Them", sans succès.  En 2016, elle fait un retour télévisuel remarqué en retrouvant le rôle qui l'a révélée au grand public pour la mini série "Gilmore Girls : A Year In The Life" avant d'accéder à la reconnaissance critique grâce à sa participation à l'acclamée série dramatique "" qui lui vaut le Primetime Emmy Award de la meilleure actrice invitée dans une série télévisée dramatique, en 2017.

Kimberly Alexis Bledel ( ; born September 16, 1981) is an American actress and model. She is best known for her role as Rory Gilmore on the television series "Gilmore Girls" (2000–2007), for which she received nominations for Satellite, Teen Choice and Young Artist Awards. In 2016, Bledel reprised her role on the Netflix reunion miniseries "".  Bledel made her feature film debut as Winnie Foster in "Tuck Everlasting" (2002), and has since appeared in "Sin City" (2005), "Post Grad" (2009), and as Lena Kaligaris in "The Sisterhood of the Traveling Pants" film series. Since 2017, she has appeared in the Hulu drama series "The Handmaid's Tale". For her work on the series, she received the Primetime Emmy Award for Outstanding Guest Actress in a Drama Series and an additional nomination in the Supporting Actress category.


Naissance de l'expression.

L'expression provient du « discours secret » de Nikita Khrouchtchev au congrès du Parti communiste de l'Union soviétique, en 1956. Elle traduit l'expression russe "культ личности", qui signifie « culte de la personne [de Staline] ». Utilisée à l'origine pour dénoncer le stalinisme, et la propagande en faveur du « Père des peuples », Joseph Staline, l'expression s'est vite appliquée à toutes les dérives égocentriques dans les régimes totalitaires communistes (comme en Roumanie avec Nicolae Ceaușescu, en Chine avec Mao Zedong) ou anticommunistes avec le nazisme et sa mise en avant constante du "Führer", le franquisme espagnol qui promeut le "Caudillo" « par la grâce de Dieu », le salazarisme portugais ou le fascisme italien avec le culte du "Duce".

Un culte résolument moderne.

En dehors de la méritoire période athénienne du , où il n'était pas question qu'un homme seul, même en se prévalant du prestige résultant d'une victoire militaire (Miltiade, Thémistocle, Cimon), accapare la direction de la cité, le culte du chef n'a cessé de se poser en problème politique et social : les empereurs romains sont divinisés lors d'une apothéose, le roi est souvent considéré comme un « père de la nation » et son autorité est souvent alliée à un mandat divin. La figure du souverain est omniprésente et accompagne ses sujets du billet de banque aux timbres, de la piécette aux portraits accrochés dans les tribunaux et les administrations.  Ce qui est nouveau et ce que dénonce Khrouchtchev, c'est qu'une société qui se veut démocratique, qui se doit de l'être, copie ces habitudes féodales dans une dérive égocentrique. La nouveauté réside également dans la modernité des moyens mis en œuvre : le offre les outils techniques d'une médiatisation sans précédent à l'époque féodale. Via la radio, les journaux ou l'affichage, la personne du chef, qu'il soit Führer, Petit père des peuples, Grand Timonier, Caudillo, Duce, Président de la République ou candidat à cette présidence, pénètre dans l'intimité quotidienne des citoyens endoctrinés. George Orwell fera une satire de ce culte nouveau avec la figure de Big Brother (« Grand Frère ») dans son roman "1984".

Ailleurs dans le monde.

En République dominicaine, Rafael Leónidas Trujillo, au pouvoir de 1930 à 1961, instaure autour de lui un fort culte de la personnalité, se fait officiellement appeler « Son Excellence le généralissime docteur Rafael Leonidas Trujillo Molina, Honorable Président de la République, Bienfaiteur de la Patrie et Reconstructeur de l'Indépendance Financière », fait construire des milliers de statues à son effigie et rebaptise la capitale du pays Ciudad Trujillo.  En Corée du Nord, dès le plus jeune âge, les citoyens se prosternent devant des statues géantes de Kim Il-sung, surnommé le "président éternel", ou de son successeur dynastique, Kim Jong-il, son fils, appelé lui le "cher dirigeant" par la propagande. Le fils et successeur de Kim Jong-il, Kim Jong-un, se voit quant à lui décerner le titre de "brillant camarade".  Au Proche-Orient, l'expression s'applique aussi aux chefs d'État de pays non-démocratiques, qui imposent leur portrait à chaque coin de rue ou presque, et à des dirigeants religieux, comme l'imam Khomeini en Iran.  En Irak, après avoir exécuté physiquement toute opposition possible au sein du parti Baas qui l'avait porté au pouvoir, Saddam Hussein instaure un pouvoir centré sur sa personnalité ; il modifie pour cela le contenu pédagogique dans les écoles primaires, fait preuve de népotisme en plaçant à la tête du pouvoir des personnes émanant de son clan ou de son village natal pour le seconder, et, signe du culte lié à sa mise en scène, se représentant sous diverses formes comme continuateur impérial des époques mésopotamiennes et assyriennes que le pays avait assimilées comme faisant partie de son Histoire.  Au Turkménistan, le régime de Saparmyrat Nyýazow dit "Türkmenbaşy" (« Père des Turkmènes ») a instauré un culte de la personnalité. Si les Chinois sous Mao brandissaient le "Petit Livre rouge", avec Nyýazow les Turkmènes ont le "Ruhnama (Livre de l'Âme)", écrit du dirigeant qui fut selon lui inspiré du Coran.

Le culte de la personnalité est l'adulation excessive d'un chef d'État dans un régime. Par extension, elle peut s'appliquer à toute personne en vue bénéficiant d'un fort battage médiatique ; ou pour dénoncer le pouvoir excessif d'un leader. Le culte de la personnalité est entretenu par divers moyens de propagande, et suppose en particulier un large besoin des médias et des événements, les rassemblements et les manifestations étant spontanés ou non.

A cult of personality, or cult of the leader, arises when a country's regime – or, more rarely, an individual – uses the techniques of mass media, propaganda, the big lie, spectacle, the arts, patriotism, and government-organized demonstrations and rallies to create an idealized, heroic, and worshipful image of a leader, often through unquestioning flattery and praise. A cult of personality is similar to apotheosis, except that it is established by modern social engineering techniques, usually by the state or the party in one-party states and dominant-party states. It is often seen in totalitarian or authoritarian countries.  The term came to prominence in 1956, in Nikita Khrushchev's secret speech "On the Cult of Personality and Its Consequences", given on the final day of the 20th Congress of the Communist Party of the Soviet Union. In the speech, Khrushchev, who was the First Secretary of the Communist Party – in effect, the leader of the country – criticized the lionization and idealization of Joseph Stalin, and by implication, his Communist contemporary Mao Zedong, as being contrary to Marxist doctrine. The speech was later made public and was part of the "de-Stalinization" process the Soviet Union went through.


Biographie.

Terry Riley a étudié au Shasta College, à l'université de San Francisco et au conservatoire de San Francisco avant de remporter, en 1961, un "Master of Art" à l'université de Californie à Berkeley, avec les professeurs Seymour Shifrin et Robert Erickson. Il a été impliqué dans l'expérimental San Francisco Tape Music Center, collaborant avec Morton Subotnick, Steve Reich, Pauline Oliveros et . Son plus influent professeur fut, toutefois, Pandit Prân Nath, un maître du chant classique Indien, qui enseigna également à La Monte Young et Marian Zazeela. Terry Riley fit de nombreux voyages en Inde durant leur association, pour étudier mais aussi pour l'accompagner aux tablas, tampoura et au chant. Durant les années 1960, il voyagea fréquemment en Europe, recevant de nouvelles influences musicales. Entre autres, il joua du piano dans le quartier de Pigalle, en compagnie de Daevid Allen, futur membre du groupe Soft Machine. Il rejoignit la faculté du Mills College en 1971 pour enseigner la musique classique indienne. Il fut nommé docteur honoris causa en musique de "Chapman University" (Orange (Californie)) en 2007.  C'est durant les années 1960 que Terry Riley inaugura les "All-Night Concerts", durant lesquels il jouait, essentiellement en improvisant, de la nuit tombée jusqu'au petit matin suivant. Il utilisait un vieil harmonium (rafistolé avec un moteur d'aspirateur) et un saxophone couplé à un enregistreur magnétique dit "tape-delayed". Ce type d'enregistreur modifié permet de repasser en boucle, avec un retard, le son immédiatement enregistré. Quand il voulait faire une pause, après des heures de jeu, il faisait jouer en boucle des fragments de saxophone enregistrés dans la soirée. Il continua ces concerts durant des années, alors que les auditeurs apportaient des sacs de couchage, des hamacs et toute leur petite famille.  Terry Riley commença une longue coopération avec le Kronos Quartet lorsqu'il rencontra son fondateur David Harrington alors qu'ils étaient au Mills College. Durant sa carrière, Terry Riley a composé 13 quatuors pour cordes, en plus d'autres œuvres. Il écrivit sa première pièce pour orchestre, "Jade Palace", en 1991, et a continué dans cette voie, avec plusieurs autres compositions orchestrales qui lui ont été commandées.  De nos jours, Terry Riley professe et interprète le chant râga indien et le piano.

Technique musicale.

Alors que ses premières compositions ont été influencées par Stockhausen, Terry Riley a changé d'orientation stylistique après avoir rencontré La Monte Young. Le Quatuor pour cordes (1960) fut la première composition de cette nouvelle période, très vite suivi d'un trio pour cordes, dans lequel il employa pour la première fois de courtes phrases répétées. Riley est considéré, pour cette raison, comme l'un des pères fondateurs de la musique minimaliste.  Dès les années 1950, il travailla avec des bandes magnétiques montées en boucle, une toute nouvelle technologie. Il continua d'utiliser, durant toute sa carrière, des bandes magnétiques pour créer des effets musicaux, aussi bien en studio que sur scène. Il a composé des œuvres en intonation juste aussi bien qu'en microtonal.  Sa musique est généralement composée d'improvisations basées sur des phrases modales de différentes longueurs, comme dans "In C" et les "Keyboard Studies".  Son œuvre la plus marquante est sans conteste "In C" ("en do"), créée en 1964, aujourd'hui pièce maîtresse de la musique américaine et une des grandes œuvres du mouvement minimaliste. La première fut jouée par Steve Reich, Jon Gibson, Pauline Oliveros et Morton Subotnick entre autres. L'œuvre influença les travaux de ces derniers et ceux d'autres tels John Adams et Philip Glass. La structure de l'œuvre innovait: la pièce consiste en 53 motifs. Chaque motif contient une phrase musicale différente et de longueur variable mais presque toujours, comme le titre l'indique, en Do. Un instrumentiste donnait le tempo en tapant rythmiquement un Do au piano. Le choix des instruments joués ainsi que le nombre d'instrumentistes était libre. Terry Riley décrit ainsi la façon de jouer : "tous les interprètes jouent la même partition de 53 motifs à répéter (...). Chaque interprète a la liberté de choisir le nombre de répétitions avant qu'il ne passe au motif suivant. Aucune règle ne fixe le nombre de répétitions". Bien que l'interprétation soit très libre, Riley préconisait toutefois que les différents interprètes se surveillent quand même, de façon qu'ils n'aient pas trop d'avance ou de retard les uns par rapport aux autres. La composition "Keyboard Studies", pour un seul interprète, est structurée de la même façon.  Son album expérimental "A Rainbow in Curved Air" fut très bien accueilli par le monde de la pop music et y a eu une forte influence, du fait de son climat considéré comme "hypnotique". Le groupe progressif anglais "Curved Air" tire son nom de cette œuvre. Il a également inspiré Pete Townshend, compositeur du groupe rock britannique The Who, notamment dans les chansons de l'album "Who's Next", "Won't Get Fooled Again" et "Baba O'Riley", dont le titre est un hommage au travail de Terry Riley.  Il a également composé des musiques de film et notablement collaboré avec le poète de la Beat Generation Michael McClure, avec qui il a publié plusieurs CD.

Terrence Mitchell “Terry” Riley, né le à Colfax en Californie, est un compositeur contemporain américain. Il est considéré comme un des fondateurs de la musique minimaliste, courant de la musique contemporaine, et l'un des compositeurs les plus importants de la musique classique aux États-Unis.

Terrence Mitchell Riley (born June 24, 1935) is an American composer and performing musician best known as a pioneer of the minimalist school of composition. Influenced by jazz and Indian classical music, his music became notable for its innovative use of repetition, tape music techniques, and delay systems.  Riley is best known for his 1964 composition "In C" and 1969 album "A Rainbow in Curved Air", both considered landmarks of minimalism and important influences on experimental, rock, and electronic music. Since the 1970s, he has collaborated extensively with chamber ensemble the Kronos Quartet.