Biographie et carrière.

Meilleur classement Elo.

Le classement Elo de Morozevitch est très variable : ainsi, son meilleur Elo est de en juillet 2008, où il est alors le deuxième mondial derrière Anand et à égalité avec Kramnik, et son Elo de mars 2011 est de ce qui le classe alors à la mondiale. Il est mondial en 2012.

Champion de Moscou et de Russie.

Aleksandr Morozevitch remporta le championnat d'échecs de Moscou en 1992.  Il obtint le titre de maître international en 1993 et celui de grand maître l'année suivante, en 1994.  Il gagna deux titres de champion de Russie (en 1998 et 2007) et fut également - en 2003 (battu au départage par Svidler), - en 2005 et en 2011.

Tournois internationaux.

Parmi les succès de Morozevitch, on peut noter :

Championnats du monde FIDE 2005 et 2007 (tournois à deux tours).

En 2005, Morozevitch finit à la au Championnat du monde 2005 à San Luis, en Argentine, derrière Veselin Topalov, Viswanathan Anand et Peter Svidler.  En 2007, il termine - au Championnat du monde 2007 disputé à Mexico.

Championnats du monde à élimination directe et coupes du monde.

Morozevitch a participé cinq fois à la coupe du monde d'échecs organisée par la fédération internationale :  En 2000 et 2002 : il finit dernier de sa poule lors du tournoi préliminaire.  Morozevtich est absent de la coupe du monde en 2005, 2015 et 2017. En 2007, Morozevitch refuse de participer à la coupe du monde pour protester contre l'exemption dont bénéficie Veselin Topalov.

Compétitions par équipe.

Morozevitch a participé à sept olympiades avec la Russie de 1994 à 2008, remportant la médaille d'or par équipe en 1998, 2000 et 2002, la médaille d'argent par équipe en 2004 et la médaille de bronze par équipe en 1996. En 2000, Morozevitch remporta une médaille d'or comme meilleur à l'Olympiade d'échecs de 2000 (7,5/10 avec une performance de 2803)  Avec la Russie, il remporta le championnat du monde d'échecs par équipes en 2005 et 2010 et le championnat d'Europe d'échecs des nations en 2003 et 2007. En 2013, il fait partie de l'équipe de Russie qui termine troisième aux Championnats d'Europe d'Échecs par équipe à Varsovie.  En 2006, il remporte la coupe d'Europe des clubs d'échecs avec Tomsk.

Tournois à l'aveugle à Monte-Carlo.

Morozevich a remporté trois victoires au classement combiné (rapide et aveugle) du tournoi d'échecs Amber de Monaco (en 2002, 2004 et 2006) et quatre fois le tournoi à l'aveugle (2002, 2004, 2006 et 2008)

Style de jeu.

Morozevitch est connu pour utiliser un répertoire d'ouvertures plutôt inhabituel, considéré comme « faible ».  Contre le gambit de la dame, il utilise par exemple la défense Tchigorine (1.d4 d5 2.c4 Cc6) ou le contre-gambit Albin (1.d4 d5 2.c4 e5), cette dernière étant une ouverture très rarement employée à haut niveau.  Il est également bien connu pour préférer des positions compliquées. En raison de son style risqué et spectaculaire qui produit relativement peu de parties nulles, Morozevitch est populaire parmi les fans d'échecs.

Exemples de parties.

Morozevitch - Anand, 2005.

Cette partie est la seule défaite de Viswanathan Anand au championnat du monde 2005 de San Luis (Argentine).  Aleksandr Morozevitch – Viswanathan Anand
Championnat du monde FIDE, San Luis, , ronde 7
Défense Caro-Kann (code ECO : B12) :
 1. e4 c6 2. d4 d5 3. e5 Ff5 4. Cf3 e6 5. Fe2 Ce7 6. Cbd2 h6 7. O-O Cd7 8.c3 a6 9. Cb3 Tc8 10. Ch4 Fh7 11. f4 c5 12. Fh5 Cf5 13. Cxf5 Fxf5 14. Fe3 g6 15. Fe2 h5 16. dxc5 Cxc5 17. Cd4 Fe4 18. a4 h4 19. a5 h3 20. g3 Fg2 21. Tf2 Ce4 (diagramme)  22. Txg2 hxg2 23. Rxg2 Fc5 24. Fd3 Dd7 25. Df3 Fxd4 26. Fxd4 f5 27. exf6 e5 28. Fxe4 Dh3+ 29. Rf2 Dxh2+ 30. Dg2 exd4 31. Fxg6+ Rf8 32. Te1 d3 33. Fxd3 Tc6 34. Te5 Td6 35. Rf3 Dxg2+ 36. Rxg2 Th6 37. g4 Thxf6 38. f5 Tf7 39. Rg3 b5 40. axb6 Txb6 41. g5 Td7 42. f6 d4 43. Fg6 Tb8 44. cxd4 Txd4 45. Te7 Tdb4 46. Tf7+ Rg8 47. Tg7+ Rh8 48. Ff7 Td4 49. Tg6 Td3+ 50. Rg4 1-0

Grichtchouk - Morozevitch, 2012.

Aleksandr Grichtchouk (2761) - Aleksandr Morozevitch (2769), Mémorial Tal, , ronde 3
 Début Réti (code ECO : A09) :
 1.Cf3 d5 2.c4 c6 3.g3 Fg4 4.Db3 Db6 5.Ce5 Fe6 6.d3 f6 7.Cf3 Ff7 8.Fh3 e5 9.0–0 Ca6 10.Cc3 Ce7 11.Fe3 d4 12.Ce4 Cg6 13.Fc1 Cc5 14.Cxc5 Fxc5 15.Cd2 0–0 16.Ce4 Fe7 17.f4 exf4 18.gxf4 Tfe8 19.f5 Ce5 20.Ff4 Ff8 21.Fg2 Dc7 22.Dc2 Dd7 23.Fd2 b5 24.c5 a5 25.Tf4 a4 26.Fb4 Tac8 27.Cg3 Rh8 28.Th4 Fg8 29.Dd2 Da7 30.Tc1 Cd7 31.Df4 Fxa2 32.Dxd4 Cb8 33.Fe1 Tcd8 34.Dc3 Ca6 35.Ff2 b4 36.De1 Db7 37.Ta1 Fb3 38.Dc1 Cc7 39.Ff3 Ta8 40.Fh5 Ted8 41.Fg6 h6 42.Ce4 Ce8 43.Fe3 Fd5 44.Rf2 Fxe4 45.Txe4 Cc7 46.Fxh6 gxh6 47.Te7 Td4 48.Th7+ Rg8 49.De3 Tg4 50.h3 Txg6 51.fxg6 Dc8 52.Tg1 Df5+ 53.Re1 Te8 54.Dg3 Ce6 55.e4 Dxc5 56.Rd1 Fg7 57.Tg2 De5 58.De3 Td8 59.Re1 c5 60.Txh6 Cf4 0-1

Publication.

Aleksandr Morozevitch est l'auteur avec son entraîneur Vladimir Barsky de :

Aleksandr Sergueïevitch Morozevitch (en ) est un joueur d'échecs russe né le à Moscou.  Grand maître international depuis 1994, il a fait partie des trois meilleurs joueurs mondiaux dans les années 2000 et a remporté le Championnat de Russie d'échecs à deux reprises, en 1998 et en 2007.  Au , avec un classement Elo de points, il est le mondial.

Alexander Sergeyevich Morozevich (; born July 18, 1977) is a Russian chess player. He was awarded the title of Grandmaster by FIDE in 1994. Morozevich is a two-time World Championship candidate (2005, 2007), two-time Russian champion and has represented Russia in seven Chess Olympiads, winning numerous team and board medals.  He has won both the Melody Amber (alone 2002, shared 2004, 2006, 2008) and Biel (2003, 2004, 2006) tournaments several times.  Morozevich is known for his aggressive and unorthodox playing style. His peak ranking was second in the world in July 2008.


Description.

Le festival s'est tenu jusqu'en 1977 au , puis au théâtre Ariston depuis l'édition 1977.

Succès internationaux.

De nombreuses chansons présentées lors du festival sont devenues des tubes internationaux : "Nel blu dipinto di blu (Volare)" et "Piove (Ciao ciao bambina)" de Domenico Modugno et Johnny Dorelli (1958/1959)", Una lacrima sul viso" de Bobby Solo et Frankie Laine (1964) , "Nessuno mi può giudicare" de Caterina Caselli et Gene Pitney (1966) reprise par Dalida la même année sous le titre "Baisse un peu la radio" et par Richard Anthony en 1974 sous le titre "Amoureux de ma femme", "La voce del silenzio" de Tony Del Monaco et Dionne Warwick (1968) reprise par Tom Jones sous le titre "Silent Voices", "Quando m'innamoro (1968) de Anna Identici repris avec succès par Engelbert Humperdinck sous le titre A man without love, La pioggia" de Gigliola Cinquetti et France Gall (1969), "Il cuore è uno zingaro" de Nicola Di Bari et Nada (1971) reprise par Al Martino sous le titre "The Gipsy in You", Jesahel de Delirium (1972), "Sarà perché ti amo" de Ricchi & Poveri (1981), "Felicità" de Al Bano et Romina Power (1982), "L'italiano" de Toto Cutugno (1983), "Una storia importante" de Eros Ramazzotti (1985), "La solitudine" de Laura Pausini (1993), "Io che non vivo senza te" de Pino Donaggio et Jody Miller (1965) a été reprise par Dusty Springfield puis Elvis Presley qui en firent un tube international sous le titre "You Don't Have to Say You Love Me".

Lauréats.

Gagnants "Nuove Proposte".

Chaque année colorée en or désigne le lauréat représentant l'Italie au Concours Eurovision de la chanson.  Entre 1993 et 1998, puis en 2001 et 2002, et enfin entre 2015 et 2018, certains participants à cette catégorie sont sélectionnés lors de l'émission "Sanremo Giovani" se tenant généralement en fin d'année précédente. À partir de 1998, le concours "Area Sanremo" joue aussi rôle de sélection partielle pour la section "Nuove Proposte".  Finalement, la catégorie est supprimée en 2019, remplacée par l'émission "Sanremo Giovani" qui prend alors une ampleur plus importante.

Le festival de Sanremo (en italien : "Festival della canzone italiana di Sanremo") est un festival de chansons italiennes, créé en 1951, qui a lieu chaque année au théâtre Ariston de Sanremo sur la Riviera ligure, en Italie, et diffusé sur la Rai dont c’est l’émission la plus regardée.

The Festival della canzone italiana di Sanremo ("Italian song festival of Sanremo") is the most popular Italian song contest and awards ceremony, held annually in the town of Sanremo, Liguria, and consisting of a competition amongst previously unreleased songs. Usually referred to as Festival di Sanremo, or outside Italy as Sanremo Music Festival, it was the inspiration for the Eurovision Song Contest.  It is the music equivalent to the "Premio Regia Televisiva" for television, the "Premio Ubu" for stage performances, and the Premio David di Donatello for motion pictures.  The first edition of the Sanremo Music Festival, held between 29 and 31 January 1951, was broadcast by RAI's radio station Rete Rossa, and its only three participants were Nilla Pizzi, Achille Togliani, and Duo Fasano. Starting from 1955, all editions of the festival have been broadcast live by the Italian TV station Rai 1.  From 1951 to 1976, the Festival took place in the Sanremo Casino, but starting from 1977, all the following editions were held in the Teatro Ariston, except in 1990, which was held at the Nuovo Mercato dei Fiori.  Between 1953 and 1971, except in 1956, each song was sung twice by two different artists, each one using an individual orchestral arrangement, to illustrate the meaning of the festival as a composers' competition, not a singers' competition. During this era of the festival, it was custom that one version of the song was performed by a native Italian artist while the other version was performed by an international guest artist. This became a way for many international artists to debut their songs on the Italian market, including Louis Armstrong, Stevie Wonder, Jose Feliciano, Roberto Carlos, Paul Anka, Yardbirds, Marianne Faithfull, Shirley Bassey, Mungo Jerry, and many others.  The festival is used as a way of choosing the Italian entry to the Eurovision Song Contest, and it has launched the careers of some of Italy's most successful singers, including Andrea Bocelli, Paola e Chiara, Il Volo, Giorgia, Laura Pausini, Eros Ramazzotti, and Gigliola Cinquetti.


Histoire.

La toile est devenue le support le plus répandu pour la peinture à l'huile, remplaçant progressivement la peinture sur bois. L'une des premières peintures à l'huile sur toile est une œuvre française, la "Madone avec les anges" réalisée vers 1410 et conservée au musée Gemäldegalerie à Berlin. Toutefois, la peinture sur panneau de bois a perduré jusqu'au en Italie et au en Europe du Nord. Le peintre Andrea Mantegna et des artistes vénitiens sont parmi ceux qui ont amené le changement. La toile vénitienne était aisément disponible et considérée comme de meilleure qualité.

Préparation.

La toile est habituellement tendue sur une armature en bois appelée le châssis, et elle peut être enduite de "gesso" avant d'être utilisée afin d'empêcher la peinture à l'huile d'entrer en contact direct avec les fibres de la toile, ce qui pourrait la délabrer. Malgré le risque de détérioration des matériaux, beaucoup d'artistes modernes, comme Jackson Pollock, Kenneth Noland, Francis Bacon, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield et d'autres peintres du mouvement Colorfield Painting ou de l'abstraction lyrique peignent parfois sur une « toile brute », sans "gesso" protecteur.  Si la fabrication des toiles est maintenant industrialisée, certains peintres préfèrent travailler sur une toile fabriquée de façon traditionnelle, ou même fabriquer eux-mêmes leur support en achetant toiles et châssis « en gros », ce qui s'avère finalement plus économique. L'une des différences les plus exceptionnelles entre les techniques modernes de peinture et celle des peintres classiques est dans la préparation de la toile. Les techniques « modernes » tirent profit de la texture de la toile, de son « grain », ce qui rend presque impossible le réalisme de la peinture classique. Les peintres de la Renaissance prenaient un soin extrême pour s'assurer que la texture de la toile disparaisse totalement. Cela exigeait un processus de préparation soigneux et long consistant à recouvrir la toile brute avec habituellement une peinture blanche, puis à polir la surface, le tout à plusieurs reprises de manière à obtenir une toile glacée. Bien que cela puisse paraître une solution extrême pour les peintres modernes, elle est cruciale si l'on veut atteindre un réalisme « photographique ». Avec une toile correctement disposée, le peintre constatera que chaque couche de couleur glisse sur la précédente comme « du beurre » et, avec une application uniforme de la peinture, le tableau sera entièrement exempt de traces de pinceaux ou de brosses.  Il existe également des toiles cannelées qui se distinguent des toiles sur châssis par le fait qu'elles ne sont pas agrafées sur les côtés. L'avantage de ce type de toile est que les côtés de la toile sont vierges, ce qui permet au peintre d'incorporer les bords peints au dessin lui-même. En outre, ce type de toile permet à l'œuvre d'être montrée sans les moulures de l'encadrement.

Types de toile.

Au départ, la toile elle-même était faite de lin textile, un tissu brunâtre très résistant, qui était donc particulièrement approprié pour la peinture à l'huile. Au début du , la toile de coton a commencé à être utilisée. La toile de lin étant néanmoins un matériel de plus haute qualité, elle reste populaire pour beaucoup d'artistes professionnels, particulièrement ceux qui travaillent la peinture à l'huile. La toile de coton, qui s'étire plus complètement, offre pourtant une alternative plus économique. L'arrivée de la peinture acrylique a considérablement augmenté la popularité et l'utilisation de la toile de coton.

En peinture, une toile est un support utilisé notamment pour la peinture à l'huile et la peinture acrylique.  Une toile est généralement faite de fibres de lin, parfois chanvre ou d'un mélange des deux, de coton, ou de fibres synthétiques. Elle est enduite d'un apprêt, avant utilisation, et est tendue sur un châssis, ou marouflée sur un panneau de bois ou de carton.  Par métonymie, une toile désigne aussi une peinture sur toile.

Canvas is an extremely durable plain-woven fabric used for making sails, tents, marquees, backpacks, shelters, and other items for which sturdiness is required, as well as in such fashion objects as handbags, electronic device cases, and shoes. It is also popularly used by artists as a painting surface, typically stretched across a wooden frame.  Modern canvas is usually made of cotton or linen, along with polyvinyl chloride (PVC), although historically it was made from hemp. It differs from other heavy cotton fabrics, such as denim, in being plain weave rather than twill weave. Canvas comes in two basic types: plain and duck. The threads in duck canvas are more tightly woven. The term "duck" comes from the Dutch word for cloth, "doek". In the United States, canvas is classified in two ways: by weight (ounces per square yard) and by a graded number system. The numbers run in reverse of the weight so a number 10 canvas is lighter than number 4. Canvas has become the most common support medium for oil painting, replacing wooden panels. It was used from the 14th century in Italy, but only rarely. One of the earliest surviving oils on canvas is a French Madonna with angels from around 1410 in the Gemäldegalerie, Berlin.  The word "canvas" is derived from the 13th century Anglo-French "canevaz" and the Old French "canevas". Both may be derivatives of the Vulgar Latin "cannapaceus" for "made of hemp", originating from the Greek (cannabis).


Notice biographique.

Kóstas Karyotákis est né à Tripoli, dans le Péloponnèse, le . Sa jeunesse est marquée par de multiples déménagements qui amènent sa famille à Leucade, Larissa, Kalamata, Athènes, ou encore à La Canée en Crète, son père étant ingénieur de travaux civils. À La Canée, il rencontre Anna Skordili et il tombe amoureux d'elle. En 1913 il est diplômé du Premier collège de La Canée avec de très bonnes notes. À 16 ans, il présente ses premiers poèmes dans diverses revues pour enfants et en 1919 il publie son premier recueil de poèmes "La douleur de l'homme et des choses". Il a aussi participé à un concours de récit appelé « "Diaplasis Paidon" »  Après des études de droit qu’il termine en 1917, il s’essaie au métier d’avocat mais le manque de clients le conduit à demander un poste de fonctionnaire à la préfecture de Thessalonique. Ses rapports avec la hiérarchie et la bureaucratie feront qu'il sera rapidement éloigné de son poste et nommé à Syros, puis à Arta. Il revient ensuite à la préfecture d'Athènes où il se lie avec la poétesse María Polydoúri, alors qu'il publie son deuxième recueil "Népenthès", qui est primé dans un concours poétique en 1920. De 1924 à 1928, il voyage à travers la France, l'Italie et l'Allemagne. Son dernier recueil, "Élégies et satires", paraît en 1927.  Nommé à Patras, puis à Préveza, il ne cesse de se plaindre de l’ennui, de la petitesse et de la mesquinerie de la vie provinciale et sombre dans un profond désespoir qui le conduira au suicide. La décision de mettre fin à ses jours est sans doute due aussi à la syphilis dont il était atteint. Le , il se tire une balle dans le cœur après avoir tenté en vain de se noyer.

Œuvres.

La poésie de Kóstas Karyotákis n'innove pas sur le plan de la prosodie : elle est écrite sans recherche, dans une forme relâchée recourant à un registre familier, proche de la vulgarité. La langue mêle néologismes et clichés archaïques. Exprimant le désenchantement de l'après-guerre, son œuvre traduit une vision pessimiste de la vie et un ennui de vivre. Dans la morne durée de la vie quotidienne où domine la saveur amère de la désillusion, seul l'accent du sarcasme introduit quelque vigueur dans ses poèmes.

Kóstas Karyotákis () (1896–1928) est l’un des poètes grecs les plus représentatifs des années 1920. Sa poésie contient beaucoup d’images tirées de la nature et des tendances à l’expressionnisme et au surréalisme. Il se suicida en 1928. Son œuvre, peu appréciée de son vivant, est représentative du climat de scepticisme qui prédomine dans la génération des poètes de cette époque. Odysséas Élytis, dans "Chronique d'une décennie", le présente cependant comme « "le grand favori" » des années 1925-1930.

Kostas Karyotakis (, 11 November [OS October 30], 1896 – 20 July 1928) is considered one of the most representative Greek poets of the 1920s and one of the first poets to use iconoclastic themes in Greece. His poetry conveys a great deal of nature, imagery and traces of expressionism and surrealism. He also belongs to the Greek Lost Generation movement. The majority of Karyotakis' contemporaries viewed him in a dim light throughout his lifetime without a pragmatic accountability for their contemptuous views; for after his suicide, the majority began to revert to the view that he was indeed a great poet. He had a significant, almost disproportionately progressive influence on later Greek poets.


Biographie et carrière.

Carrière aux échecs.

Le premier tournoi important de la carrière de Pachman fut le tournoi international de Prague en 1943. Le champion du monde Alexandre Alekhine domina la compétition et Paul Keres arriva deuxième. Le jeune Pachman fut remarqué par Alekhine qui l'invita à participer à l'analyse des parties chaque soir à partir de la cinquième ronde. Pachman finit neuvième dans ce tournoi qui réunissait 19 joueurs, alors qu'il n'avait jusque-là rien gagné d'autre que le championnat du village voisin.  Dans les années 1950, Ludek Pachman devint l'un des meilleurs joueurs du monde. Il gagna 15 tournois internationaux, mais son résultat le plus remarquable fut sans doute une seconde place, "ex æquo" avec Mikhail Tal à La Havane en 1963, derrière Viktor Kortchnoï. Pachman remporta le championnat tchécoslovaque à sept reprises entre 1946 et 1966 et représenta la Tchécoslovaquie aux huit Olympiades d'échecs entre 1952 et 1966. Il participa à six tournoi interzonaux entre 1948 et 1976. À Saltsjöbaden (Suède) en 1948, il finit dix-septième, puis il termina 11-13 en 1952, 10-11 en 1955, 7-11 en 1958 et en 1964. Son dernier interzonal fut celui de Manille en 1976 où il se classa . Le pic de sa carrière fut en 1959, après avoir gagné le championnat national, il parcourt l'Amérique du Sud et remporte les tournois de Mar del Plata ("ex æquo" avec Miguel Najdorf), et Santiago du Chili ("ex æquo" avec Borislav Ivkov). Pendant cette période, il bat même le jeune Bobby Fischer à deux reprises.  Après avoir émigré en Allemagne de l'Ouest, Pachman fut aussi le champion de RFA en 1978.

Engagement politique.

Pachman est resté actif en politique toute sa vie, d'abord comme communiste en ensuite comme anti-communiste. En 1968, de retour d'un tournoi à Athènes qu'il avait remporté, il est arrêté à Prague, emprisonné et torturé pendant plusieurs mois. En décembre 1969, sa femme est appelée à son chevet parce qu'on croit sa mort imminente. En 1972, il est finalement autorisé à émigrer en Allemagne, où il devient un militant anti-communiste radical. Son éloquence fait de lui un invité régulier lors de réunions politiques.

Publications.

Pachman est aussi un auteur prolifique, signant pas moins de 80 livres sur les échecs dans 5 langues. Dans les années 1950, il est considéré comme un expert de premier plan au sujet de la théorie des ouvertures d'échecs avec la publication de sa "Théorie moderne des échecs" en 5 tomes. Pachman considère sa "Stratégie moderne des échecs" (3 tomes) comme son meilleur livre. Le Tome est le plus conseillé aux joueurs de compétition, l'exposition des éléments stratégiques se faisant "progressivement" d'un Tome à l'autre. Son livre "Échec et mat à Prague" raconte les traitements subis aux mains des communistes.

Luděk Pachman est un joueur d'échecs tchèque puis allemand né le à Bělá pod Bezdězem, en Tchécoslovaquie, et mort le à Passau, en Allemagne. Il obtint le titre de Grand maître international en 1954 et participa à huit olympiades avec l'équipe de Tchécoslovaquie de 1952 à 1966. En 1972, il fut autorisé à émiger en Allemagne de l'Ouest où il remporta le championnat de Allemagne de l'Ouest en 1978.

Luděk Pachman (German: Ludek Pachmann, May 11, 1924 in Bělá pod Bezdězem, today Czech Republic – March 6, 2003 in Passau, Germany) was a Czechoslovak-German chess grandmaster, chess writer, and political activist. In 1972, after being imprisoned and tortured almost to death by the Communist regime in Czechoslovakia, he was allowed to emigrate to West Germany. He lived the remainder of his life there, and resumed his chess career with considerable success, including playing in the Interzonal in 1976 and winning the West German Championship in 1978.


Biologie.

Le Pachyure étrusque a un corps très allongé, avec une taille mesurant entre 3 et , queue exclue. Cette dernière mesure entre 2,4 et . Son poids varie entre 1,3 g et , avec un poids habituellement mesuré de . C'est un animal fin au museau allongé, aux dents totalement blanches et au pelage gris tirant sur le brun sur le dos. Il fréquente les milieux ensoleillés herbeux ou rocailleux.  Du fait de sa petite taille il doit avoir un métabolisme accru pour maintenir sa température : cœur plus musclé, ultra rapide et sang hyper oxygéné. Ainsi "Suncus etruscus" a un cœur qui bat de par seconde (soit environ par minute), elle a d'oxygène pour de sang et doit manger deux fois son poids en nourriture par jour.  Son activité est principalement nocturne et il est actif toute l'année. Son alimentation est à base d'insectes et de larves d'insectes.

Répartition.

L'espèce fréquente les zones chaudes du Bassin méditerranéen (sud de l'Europe et Afrique du Nord), d'Asie depuis la péninsule Arabique jusqu'en Chine orientale ou en Malaisie.  En France, l'espèce se rencontre sur le pourtour méditerranéen, la vallée du Rhône, mais aussi le sud-ouest jusqu'à la Charente-Maritime.  En Suisse, elle est présente dans le canton italophone du Tessin (Ticino).  À moins d'organiser des campagnes destinées à la piéger, il est très difficile d'établir la présence de cette espèce en un lieu donné. Sur des zones de boue très fine, il peut arriver que l'on relève ses traces aisément reconnaissables avec un peu d'expérience eu égard à leurs dimensions. Ses restes dans les pelotes de réjection de rapaces demeurent les indices témoignant le plus fréquemment de la présence du pachyure.

Le Pachyure étrusque (Suncus etruscus), ou musaraigne étrusque, est une espèce de musaraigne.  Il s'agit du plus léger mammifère existant : il ne pèse que en moyenne pour une taille comprise entre 5,4 et de long, queue comprise (la chauve-souris Kitti à nez de porc est à peu près du même poids mais a une taille comprise entre 2,9 à , ce qui en fait le plus petit mammifère).

The Etruscan shrew ("Suncus etruscus"), also known as the Etruscan pygmy shrew or the white-toothed pygmy shrew, is the smallest known mammal by mass, weighing only about on average. (The bumblebee bat is regarded as the smallest mammal by skull size and body length.)  The Etruscan shrew has a body length of about excluding the tail. It is characterized by very rapid movements and a fast metabolism, eating about 1.5–2 times its own body weight per day. It feeds on various small vertebrates and invertebrates, mostly insects, and can hunt individuals of the same size as itself. These shrews prefer warm and damp climates and are widely distributed in the belt between 10° and 30°N latitude stretching from Europe and North Africa up to Malaysia. They are also found in the Maltese islands, situated in the middle of the Mediterranean sea. Although widespread and not threatened overall, they are generally uncommon and are endangered in some countries.


Histoire.

Moyen Âge - sous l'autorité des Doges de la République de Venise.

Cette île était autrefois appelée « Popilia » ou « Dei Pioppi » probablement en raison de sa végétation.  Selon , dans la seconde moitié du , l’île a été peuplée par environ deux cents familles de Venise. Il s'agit alors des serviteurs du doge Pietro Tradonico, tué en 864 à la suite d’un complot de nobles vénitiens. Ils se barricadèrent dans le palais des Doges jusqu’à ce qu’il leur soit assuré la vie sauve et une terre où s’installer. Orso Partecipazio, le successeur du doge assassiné, leur accorda l’île et un certain nombre de privilèges.  En , , Iacopo Ricco, Guido Avogaro et Pirolino de’ Costantini, ambassadeurs de Gerardo et et de la commune de Trévise, demandèrent au Doge de Venise que leur soient livrés certains coupables de « machinations » contre da Camino et la municipalité de Trévise. Le Doge leur a répondu qu’il était désolé, mais qu’il ne pouvait pas les « livrer comme des étrangers », mais qu’il les avait déjà fait arrêter à Poveglia où ils seraient jugés.  En moins d’un siècle, la communauté de Poveglia s’agrandit : plus de huit cents maisons furent construites et l’île était riche en vignobles et marais salants. En 1378, elle était devenue une république autonome gouvernée par un Gastaldo ducal et dix-sept Consiglieri.  , la justice à Poveglia était administrée par un intendant (gastaldo) qui en référait au Palazzo Ducale.  Compte tenu de l’importance prise par la population de île, le , par une résolution du Grand Conseil, on chargea le podestat de rendre la justice, et on élut Pietro Lando podestat de Poveglia.  Le nouveau podestat avait compétence sur Malamocco, Pellestrina et Pastene. Chaque lundi, il devait aller à Malamocco et un autre jour de la semaine à Pellestrina. Mais comme le voyage à Pellestrina était long et désagréable en hiver, il a été décidé en d’y renoncer. Le podestat était élu pour un an et cet homme âgé de 20 à 50 ans était assisté par un notaire et quatre « famuli ».  En plus des juridictions civile et juridique, il devait assurer la protection du fragile équilibre environnemental, veiller à l’état des vignes, et faire entretenir les quais et les rives. Il était également chargé de veiller à la régularité des entrées dans la ville, Poveglia étant le point de passage obligé pour se rendre alors à Venise.  En , notamment, il fit arrêter des habitants de Chioggia qui transportaient de nuit à Venise du vin de contrebande.  Le déclin commença après 1379, à cause de la guerre de Chioggia. La population a considérablement diminué, mais ceux qui sont restés sur l’île n’ont jamais été privés de leurs anciens privilèges, comme l’exemption de taxes.  Au , l'île fut transformée en lazaret (le Lazzaretto Vecchio et le Lazzaretto Nuovo étaient saturées), permettant d'accueillir les personnes malades de la peste. Les rumeurs locales racontent que plus de de ces personnes y furent enterrées. De grandes fosses y auraient été ainsi creusées et d’imposants bûchers installés afin de brûler les corps. Craignant que le bacille ne se propage, certaines personnes qui présentaient des symptômes moins graves y auraient été envoyées après avoir été séparées de leurs familles.

Époque moderne - île en quarantaine.

Au , deux lois furent promulguées pour que les navires suspectés de cas de peste à bord puissent rester en quarantaine devant Poveglia.  En 1777, l’île est passée sous la juridiction du .  Les navires, leurs équipages et passagers ne venaient pas directement au Lido, mais empruntaient le et le , et transitaient par Poveglia, où le grand bâtiment servait de lazaret. En 1793, on y isola un équipage d’une mais on n’enregistra aucun décès de la peste. Dans le rapport d’un ingénieur daté du , on peut lire que ; de nouveaux puits sont construits pour éviter toute contamination possible.  , il y avait sur l'île une église dédiée à San Vitale, qui possédait un crucifix célèbre, aujourd’hui conservé dans l’église de Malamocco, et un tableau de Titien, mais elle a été fermée en 1806 et plus tard détruite. Il n’en reste plus que le campanile pointu qui a été transformé en phare quand l’île a servi pour mettre les navires en quarantaine.

Époque contemporaine - entre lieu d'isolement et abandon.

Au cours du , l’île a été transformée en centre de quarantaine, usage maintenu jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, durant laquelle elle fut occupée par les soldats et où on déposa les cadavres de victimes.  Par la suite, Poveglia accueille également une maison de convalescence et de repos pour les personnes âgées, et ce jusqu’en 1968.  En 1922, un hôpital psychiatrique fut bâti sur l’île. Il y avait des rumeurs persistantes selon lesquelles des patients, après leur arrivée, voyaient les fantômes des esprits tourmentés, victimes de la peste cinq siècles auparavant. Le médecin résident décida d'enquêter sur ces phénomènes en pratiquant des lobotomies et des expériences médicales. Après ces incidents, l’hôpital fut abandonné et demeure inhabité depuis. Aucun article de journaux de l’époque, ni des archives de Venise ne rapportent que des médecins se soient suicidés sur l’île de Poveglia en se jetant du haut du campanile.  Au , de nombreuses légendes urbaines ont été propagées sur cette île par des chasseurs de fantômes, notamment anglo-saxons, selon lesquelles elle serait hantée, ces rumeurs n'étant néanmoins confirmées par aucun travail historique. Selon le "Daily Telegraph", , et ajoute que l'île est même .  En 2004, l'activité principale de l’île est l’agriculture, surtout la viticulture, et elle n’est pas accessible aux touristes.

Avenir de l'île.

En 2014, le gouvernement italien annonce son intention de se séparer de l'île, qui fait partie du domaine de l'État. Cette démarche entre dans la politique de vente du patrimoine étatique visant à réduire l'endettement de l'État italien. Poveglia est mise aux enchères pour un bail d'une durée de quatre-vingt-dix-neuf ans par l'. Pour éviter que ce lieu historique ne devienne un lieu de villégiature pour les plus fortunés de la planète, les Vénitiens ont créé une association, . Pour tenter de remporter les enchères, chacun peut participer à hauteur de et avoir ainsi sa part dans l'avenir de l'île.  Malgré la mobilisation des Vénitiens permettant de rassembler , la vente aux enchères est remportée par l'homme d'affaires Luigi Brugnaro, avec une offre de , en . L'offre de cet acheteur est rejetée en par l'agence publique italienne chargée de la vente qui disposait de trente jours pour valider l'offre d'achat. Celui-ci compte bien transformer les bâtiments en hôtel de luxe.

Poveglia est une petite île située dans la lagune de Venise en Italie, entre la ville de Venise et la dune de Lido.

Poveglia () is a small island located between Venice and Lido in the Venetian Lagoon, northern Italy. A small canal divides the island into two separate parts. The island first appears in the historical record in 421, and was populated until the residents fled warfare in 1379. For more than 100 years beginning in 1776, the island was used as a quarantine station for those suffering the plague and other diseases, and later as a mental hospital. Because of this, the island is frequently featured on paranormal shows. The mental hospital closed in 1968, and the island has been vacant since.  Visits to the island are prohibited, but various books and articles discuss visits by a writer and/or photographer. One of the latter described a place of "peace and serenity".


Définition du concept.

Histoire du concept.

Cette notion reprend en partie l'idée de fétichisme de la marchandise, concept développé par Karl Marx dans "Le Capital", où l'auteur évoque la disparition des interactions humaines dans le processus de production désincarné du capitalisme.  Ce concept fut repris et développé par György Lukács. Il fut étendu par Guy Debord à l'ensemble des activités humaines, dans sa théorie de "La société du spectacle".

Une extension du domaine du marché.

La marchandisation est un terme polémique qui concerne l'extension supposée des domaines de ce qu'on peut acheter et vendre sur les marchés. Le processus consisterait à transformer tous les échanges non marchands (santé, culture, etc) en marchandise classique. Les utilisateurs de ce terme péjoratif attribuent ainsi l'expression "marchandisation du monde" aux effets de la mondialisation qu'ils considèrent comme un méfait de la pensée néo-libérale.  La marchandisation des services publics, c'est-à-dire l'application des règles du marché aux services publics, est le principe de base de la nouvelle gestion publique dont le postulat de base considère que les marchés sont plus efficients que la planification. On trouve beaucoup de mouvements altermondialistes qui s'opposent à ce qu'ils considèrent comme la marchandisation de telle ou telle chose.

Les domaines où régnerait la marchandisation.

Ses opposants rangent par exemple dans cette notion :  Ses adversaires s'en prennent notamment à l'OMC et aux accords de commerce internationaux comme l'AGCS, qui promeuvent une plus grande extension des domaines des marchés.

Phénomènes inverses.

Le phénomène inverse de la marchandisation est la démarchandisation, ou décommodification, qui vise à extraire de la sphère du marché certains biens, considérés comme vitaux, essentiels, ou consubstantiels à une citoyenneté sociale. Elle vise à donner aux citoyens une autonomie vis-à-vis des logiques de profit du marché.

Articles connexes.

Concepts  Théoriciens

La marchandisation (à ne pas confondre avec le merchandising, une technique propre aux magasins en libre-service) évoque l'extension des domaines économiques librement accessibles aux marchés. Elle est souvent opposée à la notion de « collectivisation » pouvant être appliquée aux biens publics et services publics.

Within a capitalist economic system, commodification is the transformation of goods, services, ideas, nature, personal information and people into commodities or objects of trade. A commodity at its most basic, according to Arjun Appadurai, is "anything intended for exchange," or any object of economic value.  Commodification is often criticised on the grounds that some things ought not to be treated as commodities—for example water, education, data, information, knowledge, human life, and animal life. Human commodity is a term used in case of human organ trade, paid surrogacy also known as commodification of the womb, and human trafficking. Slave trade as a form of human trafficking is a form of the commodification of people. According to Gøsta Esping-Andersen people are commodified or 'turned into objects' when selling their labour on the market to an employer.


Biographie.

Formation.

Elle intègre en 1975 la faculté de philosophie de l'université Comenius de Bratislava, où elle effectue des études supérieures de sociologie. Elle décroche un premier doctorat dans ce domaine en 1981 auprès de son université, puis un second cinq ans plus tard à l'Académie slovaque des sciences. En outre, elle accomplit, au cours de l'année 1990, des études post-doctorales à l'université d'Oxford.

Carrière.

Coordinatrice de l'équipe de recherche sur la politique familiale de l'Institut de sociologie de l'Académie des sciences de 1979 à 1989, elle travaille ensuite comme professeur au département de sociologie de l'université Comenius de Bratislava pendant trois ans à partir de 1990.  En 1992, elle est nommée directrice générale de la fondation "SPACE - Centre pour l'analyse de la politique sociale", à Bratislava et occupe ce poste jusqu'en 2005. Elle devient directrice adjointe de l'Académie "Istropolitana" en 1993 pour quatre ans, avant de retrouver en 1997 un emploi de professeur de sciences politiques et de lectrice de sociologie au sein de son ancienne université, qu'elle conserve huit ans.  Elle est choisie en 2005 pour occuper la direction de l'Institut de sociologie, enseigner cette matière à l'université Comenius et en superviser le département de l'université Constantin le philosophe, à Nitra, jusqu'en 2007. Elle obtient cette année-là un poste de professeur au département du travail et des sciences sociales de l'université Comenius de Bratislava.

Vie personnelle.

Elle a été mariée au comédien Stano Radič, décédé en 2005. Elle parle anglais et russe, et a des notions d'allemand et de polonais.

Carrière politique.

Les débuts.

Iveta Radičová a fait partie, de 1990 à 1992, de Public contre la violence (VPN), un mouvement politique slovaque opposé au régime communiste de la Tchécoslovaquie, et pendant du Forum civique de la République tchèque. Elle quitte VPN en 1992, au moment de sa disparition.  Par la suite, elle reste éloignée de la scène politique jusqu'au , lorsque le président du gouvernement Mikuláš Dzurinda la choisit comme ministre du Travail, des Affaires sociales et de la Famille dans son second cabinet, de centre droit.  Elle est élue députée au Conseil national de la République slovaque au cours des législatives anticipées du , et démissionne le 4 juillet du gouvernement, la coalition gouvernementale au pouvoir ayant été défaite. Elle rejoint alors l'Union démocrate et chrétienne slovaque - Parti démocrate (SDKÚ-DS) et devient vice-présidente de la commission parlementaire des Affaires sociales, puis du parti quelques mois plus tard. Elle renonce à son mandat parlementaire le , après avoir voté à la place d'une députée de son parti qui n'avait pu arriver à temps pour la session parlementaire, en contradiction avec les dispositions du règlement intérieur de l'assemblée.

Élection présidentielle de 2009.

Candidate de la SDKÚ-DS, du Mouvement chrétien-démocrate (KDH) et du Parti de la coalition hongroise (SMK-MKP) lors de l'élection présidentielle des 21 mars et 4 avril 2009, elle mène une campagne sur le thème du « changement » et accuse le président sortant, Ivan Gašparovič, d'être au service du gouvernement de Robert Fico.  Elle est dans le même temps attaquée par l'Église catholique romaine, qui lui reproche sa position favorable à l'avortement. Au soir du premier tour, elle se classe deuxième avec 38,05 % des voix, soit un score plus élevé qu'attendu, devenant la première femme à accéder au second tour de la présidentielle en Slovaquie, tandis que le chef de l'État reçoit 46,7 % des suffrages. Au cours de la campagne de l'entre deux tours, elle est accusée par Ivan Gašparovič et les nationalistes de soutenir l'autonomie de la minorité magyare de Slovaquie, du fait du soutien du SMK-MKP à sa candidature. Le 4 avril, elle est nettement battue par le président sortant en obtenant 44,46 % des suffrages.

Élections législatives de 2010.

Au début de l'année 2010, elle est choisie, au cours d'élections primaires, comme tête de liste de son parti pour les élections législatives du 12 juin au détriment de l'ancien ministre des Finances, Ivan Mikloš et à la suite du retrait de Mikuláš Dzurinda, qui reste cependant chef du parti. Sa campagne est centrée sur la récession économique, la hausse du chômage et des déficits publics, induites par la crise économique internationale, ainsi que la dénonciation des politiques sociales de Robert Fico, qu'elle juge responsable de la dégradation des finances publiques. Au soir du scrutin, son parti se classe deuxième avec 15 % des voix et 28 députés sur 150 au Conseil national de la République slovaque, trois de moins qu'en 2006. Le centre droit dans son ensemble récolte toutefois 44 % des suffrages et 79 députés.  Ivan Gašparovič, après avoir d'abord fait appel à Robert Fico, arrivé en tête du scrutin avec 62 sièges, confie le 23 juin à Iveta Radičová la mission de former le nouveau gouvernement, en lui accordant jusqu'au pour réussir. Elle annonce quelques heures plus tard avoir trouvé un accord avec Liberté et solidarité (SaS), le Mouvement chrétien-démocrate (KDH) et "Most–Híd", mais que les discussions sur la composition du cabinet sont toujours en cours.

Présidente du gouvernement.

Elle est officiellement nommée présidente du gouvernement de la République slovaque par le président Ivan Gašparovič le 8 juillet suivant. Première femme à occuper ce poste, elle annonce le lendemain la composition de son gouvernement, où siègent l'ancien commissaire européen Ján Figeľ, vice-président du gouvernement et ministre des Transports, et Mikuláš Dzurinda au poste de ministre des Affaires étrangères. Son programme prévoit une politique de rigueur budgétaire destinée à relancer la croissance économique et réduire les déficits publics, qui dépassent la limite des 3 % du produit intérieur brut autorisés pour les pays de la zone euro.  Moins de dix jours plus tard, elle tient une conférence de presse commune avec le Premier ministre hongrois, Viktor Orbán, à la suite d'une réunion du groupe de Visegrad, et annonce alors la normalisation des relations diplomatiques entre les deux pays, très tendues depuis quelques semaines.  Son gouvernement obtient le suivant la confiance du Conseil national de la République slovaque par 79 voix contre 71, soit la totalité des voix de sa coalition gouvernementale, au terme d'une semaine de débats plutôt houleux. Son programme prévoit notamment de lutter contre la corruption, de réformer le système éducatif, le système judiciaire, de renforcer l'indépendance du ministère de l'Environnement, désormais fusionné avec celui de l'Agriculture, d'assurer un retour à l'équilibre de la Sécurité sociale et de consolider les finances publiques. Depuis sa prise de fonction, le gouvernement a amendé la loi sur la double nationalité, et entrepris de mettre fin à la ségrégation des Roms dans le système éducatif.  Au mois d', elle s'oppose à son ministre des Finances, Ivan Mikloš, au sujet de la polémique concernant le choix coûteux du futur siège de l'administration fiscale à Košice, un immeuble détenu par la société du président de la SDKÚ-DS dans le district. Elle obtient finalement gain de cause avec la démission, le 20 avril, de Miroslav Mikulčík, directeur de l'administration, qu'elle avait exigée.

Démission en 2011.

À la suite de la décision du parti SaS de ne pas approuver le renforcement du Fonds européen de stabilité financière (FESF) sans d'importantes contreparties, lors d'un vote le , du Conseil national, elle annonce que ce scrutin sera lié à un vote de confiance, et menace donc de démissionner en cas de rejet. De son côté, Direction - Social-démocratie (SMER-SD), favorable au renforcement du FESF, a annoncé qu'il ne soutiendrait pas le plan de l'exécutif sans remaniement ministériel préalable.  Ayant échoué à obtenir un vote favorable, elle remet sa démission le soir même, mais parvient le lendemain à un accord avec le Smer-SD prévoyant l'approbation du projet relatif au FESF en échange de la convocation de législatives anticipées. Le , elle fait savoir au bureau de la SDKÚ-DS qu'elle n'a pas l'intention d'être candidate lors de ce scrutin, et ajoute quelques jours plus tard qu'elle compte renoncer à sa vice-présidence du parti lors du prochain congrès, prévu au plus tard en .  Elle est nommée, le suivant, ministre de la Défense par intérim, à la suite de la démission de Ľubomír Galko.

Fin de carrière politique.

Aux élections législatives du 10 mars 2012, la SMER-SD, parti social-démocrate de Robert Fico, remporte la majorité absolue des sièges avec plus de 44 % des voix, tandis que la SDKÚ-DS s'effondre avec à peine 5,8 % des suffrages, ouvrant ainsi la voie à un nouveau gouvernement de son prédécesseur. Remplacée par Fico le , elle quitte la SDKÚ-DS, dont elle était la personnalité la plus populaire, le suivant.  Elle n’était pas candidate à ce scrutin.

Iveta Radičová, née Karafiátová le à Bratislava, est une femme d'État slovaque, ancienne membre de l'Union démocrate et chrétienne slovaque - Parti démocrate (SDKÚ-DS), dont elle a été vice-présidente.  Nommée ministre du Travail en octobre 2005 dans la coalition gouvernementale de centre droit dirigée par Mikuláš Dzurinda, elle doit cependant démissionner neuf mois plus tard, à la suite de l'arrivée au pouvoir du parti Direction - Social-démocratie (Smer-SD). Élue députée au Conseil national de la République slovaque, elle adhère dans le même temps à la SDKÚ-DS.  En 2009, elle se présente à l'élection présidentielle mais perd au second tour face au président sortant, Ivan Gašparovič, puis renonce à son mandat parlementaire pour n'avoir pas respecté le règlement intérieur de l'assemblée.  Iveta Radičová est choisie au début de l'année 2010 pour conduire son parti aux élections législatives, remportées par le centre droit avec une assez courte majorité, et devient environ un mois plus tard présidente du gouvernement, prenant la tête d'une alliance de quatre partis libéraux, conservateurs et sociaux-libéraux.  Son gouvernement chute, en octobre 2011, après avoir perdu un vote de confiance concernant le plan de sauvetage de la Grèce, et elle annonce peu après son retrait de la vie politique à l'issue des élections anticipées.

Iveta Radičová (; born 7 December 1956) served as the first woman Prime Minister of Slovakia from 2010 to 2012. She led a coalition government, in which she also briefly held the post of Minister of Defence in the last five months of the coalition. Previously she had served as Minister of Labour from 2005 to 2006 in the second Dzurinda government.  In the 2009 presidential election Radičová unsuccessfully ran for the office of President of Slovakia. she stated that she has retired from politics.


En commande de procédé.

) est représenté avec un point à l'endroit du branchement.

En génie chimique.

Un schéma bloc décrit un procédé ou une unité de fabrication en utilisant des cadres rectangulaires incluant des données clefs et en indiquant les relations ou les flux reliant les différents cadres.  Un cadre peut représenter différents types d'installation ou d'étapes:  Les lignes reliant les cadres peuvent représenter des flux massiques ou énergétiques.  Les informations minimales pour un schéma-bloc sont les suivantes:  D'autres informations peuvent être ajoutées:  Le schéma-bloc est d'ordinaire utilisé pour donner un aperçu d'un procédé complexe ou pour effectuer des bilans massiques simples fournissant des indications générales sur la consommation ou la production de produits et d'énergies. Un schéma plus détaillé sera classé dans la catégorie des schémas de procédés.

En fiabilité.

En fiabilité, le schéma fonctionnel permet de représenter les systèmes complexes, c'est-à-dire ayant plusieurs possibilités de défaillance. Dans ce domaine, on utilise souvent le synonyme « bloc-diagramme de fiabilité », y compris dans le texte des normes françaises.  Les blocs peuvent être des fonctions, sous-systèmes ou composants, selon le niveau de détail souhaité ; par simplicité, nous utilisons ici le terme « composant ». Des blocs en parallèles représentent des redondances. C'est donc un outil très utilisé pour l'analyse des systèmes robustes. Le système est considéré comme fonctionnel s'il existe un cheminement du point d'entrée E vers le point de sortie S passant par des blocs en fonctionnement. Si les pannes des composants empêchent le cheminement, alors le système est défaillant.  On peut utiliser les schémas fonctionnels de deux manières :  Il s'agit bien sûr d'une hypothèse simplificatrice : dans un circuit électronique, la défaillance d'un composant peut créer une surtension qui en endommagerait d'autres, et en mécanique, le mauvais fonctionnement d'une pièce peut fausser tout le mécanisme.

Association en série.

Considérons un système formé de deux composants. Si les blocs sont en série, cela signifie que la défaillance de seulement un des composants suffit à provoquer la défaillance du système entier.  Les composants peuvent être effectivement en série ; par exemple, dans un circuit électrique formé d'une pile (générateur) et d'une ampoule, les éléments sont en série, et les blocs également (il suffit que le générateur "ou" la lampe soit défaillant pour que le système ne produise pas de lumière).  Mais les composants peuvent aussi être géométriquement en parallèle. Par exemple, un circuit RLC bouchon est en parallèle, mais la défaillance d'un seul composant modifie son fonctionnement, il ne peut donc plus remplir son rôle.  Ou encore, considérons un système mécanique faisant faire un mouvement d'aller-retour en ligne droite. La fonction « effectuer un aller-retour » est décomposé en : les deux pièces peuvent être mises en parallèle, pour autant, la défaillance d'un des deux composants suffit à mettre le système en panne, les blocs sont donc en série.  D'un point de vue qualitatif, l'association en série correspond au et logique. On peut dresser une « table de fonctionnement » (similaire à une table de vérité), un « 1 » indiquant le fonctionnement et un « 0 » une défaillance :  D'un point de vue quantitatif, si le premier composant a une loi de survie R("t") et le second une loi R("t"), alors la loi de survie globale du système est :  Si la fiabilité des composants suit une loi exponentielle (cas typique des composants électroniques) de paramètre respectif λ et λ, alors le système suit une loi exponentielle de paramètre Le temps moyen de fonctionnement avant panne (MTTF) vaut :

Association en parallèle.

Dans le cas d'une association parallèle, il faut que les deux composants soient défaillants pour provoquer la défaillance du système. Cela correspond à une redondance des matériels ; ceci est très utilisé dans l'aéronautique (doublement ou multiplication des circuits hydrauliques ou électriques), dans les systèmes d'alarme, dans la (par exemple redondance des disques durs).  D'un point de vue qualitatif, l'association en parallèle correspond à un ou logique.  D'un point de vue quantitatif, si le premier composant a une loi de défaillance F("t") et le second une loi F("t"), alors la loi de survie globale du système est : soit, avec les lois de survie : ou encore  Si l'on suppose que les systèmes redondants sont identiques, c'est-à-dire qu'ils ont la même probabilité de défaillance, alors F = F = F, R = R = R et Si l'on a "n" systèmes redondants en parallèle, alors

Systèmes série et parallèle.

On peut avoir des systèmes ayant des composants en série et d'autres en parallèle. Par exemple, on a un moteur (repère 1) qui actionne deux pompes (rep. 2 et 3) : Dans l'exemple ci-contre, la table de fonctionnement est :  Pour un calcul quantitatif, la partie en parallèle peut être remplacée par un composant global 2' dont la fiabilité est déterminée comme ci-dessus : et donc

Systèmes quelconques (non-série et parallèle).

De nombreux systèmes sont plus complexes, et donnent lieu à des diagrammes non-série et parallèle. Considérons par exemple le cas d'une alarme d'incendie, composée de : En fonctionnement normal, les capteurs envoient le signal à la centrale qui active les deux avertisseurs : un seul détecteur déclenche les deux avertisseurs. Mais en cas de défaillance de la centrale, on prévoit aussi qu'un capteur active directement l'avertisseur le plus proche ; ainsi, la fumée étant mobile, on a au pire un retard dans le déclenchement d'un signal d'alerte. Le système est considéré comme défaillant si aucun avertisseur ne s'active en présence de fumée.  Finalement, le système est défaillant si : dans tous les autres cas, il existe un cheminement de l'entrée E à la sortie S.  La table de fonctionnement est fastidieuse à construire (2 = 32 cas).  Pour faciliter l'analyse quantitative du système, on utilise la technique du conditionnement sur l'état d'un composant : on a alors  Dans le cas 1, on a deux circuits en parallèle 1' = {1 ; 2} et 2' = {3 ; 4} qui sont en série, soit Dans le cas deux, on a deux circuits série 1" = {1 ; 4} et 2" = {2 ; 5} qui sont en parallèle, soit

Annexes.

Liens externes.

Fiches pédagogiques de l'Institut de Maîtrise des Risques : Fiche Bloc diagramme de fiabilité (http://www.imdr.eu/upload/client/Fiches_methodes_FR2014.pdf)

Le schéma fonctionnel, appelé aussi schéma-bloc, schéma de principe ou en anglais block diagram, est la représentation graphique simplifiée d'un procédé relativement complexe impliquant plusieurs unités ou étapes. Il est composé de "blocs" connectés par des "lignes d'action". Il est utilisé principalement en automatique, en traitement du signal, en génie chimique et en fiabilité.  Le "bloc", ou "élément", est représenté par un rectangle avec l'action de l'élément (par ex. formula_1, formula_2, formula_3…). Il est parfois accompagné d'une description (par ex. dérivateur, intégrateur…) et du symbole du "signal d'entrée" (ou "variable de commande" en automatique) et du "signal de sortie" (ou "variable commandée").  La "ligne d'action" représente le cheminement d'un "signal". Elle est parfois accompagnée du symbole (par ex. formula_4, formula_5…) ou de la description (par ex. tension, position…) du signal.  Le "comparateur", ou "addition", est souvent représenté avec le signe + (addition) ou - (soustraction).

A block diagram is a diagram of a system in which the principal parts or functions are represented by blocks connected by lines that show the relationships of the blocks. They are heavily used in engineering in hardware design, electronic design, software design, and process flow diagrams.  Block diagrams are typically used for higher level, less detailed descriptions that are intended to clarify overall concepts without concern for the details of implementation. Contrast this with the schematic diagrams and layout diagrams used in electrical engineering, which show the implementation details of electrical components and physical construction.


Toponymie.

"Khan Tengri" signifie littéralement « roi paradis » mais est généralement traduit par « seigneur des esprits » ou « seigneur des cieux » en ouïghour et « souverain des cieux » en langues turques. Il est nommé "Kan Tau" en kazakh, c'est-à-dire la « montagne de sang », en raison des teintes qu'il prend lorsque le soleil vient frapper ses parois de marbre au crépuscule. On trouve également les noms alternatifs "Khan Tangiri Shyngy", "Kan-Too Chokusu", "Pik Khan-Tengry" et "Hantengri Feng" en fonction des langues.

Géographie.

Le Khan Tengri est situé à l'extrême Est du Kirghizistan, dans l'oblasty d'Ysyk-Köl, et au Sud-Est du Kazakhstan, dans la oblys d'Almaty, sur la frontière séparant les deux pays et à seulement six kilomètres à l'ouest du tripoint avec la République populaire de Chine. Il se trouve à à l'est-sud-est de la capitale kirghize Bichkek et au sud-est d'Almaty, principale ville et ancienne capitale kazakhe. Le sommet s'élève à d'altitude dans la chaîne du Tian Shan dont il est le deuxième plus haut sommet après le Jengish Chokusu () situé vingt kilomètres au sud. Il s'agit, après ce dernier et le pic Lénine () dans le Pamir, du troisième sommet du Kirghizistan mais également du point culminant du Kazakhstan.  Le Khan Tengri est un pic pyramidal essentiellement constitué de marbre, dont la crête sud est le plus bel exemple. Il se dresse entre les deux bras supérieurs de l'Inylchec, le plus grand glacier du Tian Shan. L'assise rocheuse de son sommet se trouve à d'altitude, alors que le dôme de neige permanent le recouvrant atteint d'altitude. Il est donc souvent désigné comme étant le plus nordique de tous les sommets de plus de d'altitude.

Histoire.

En 1856, le géographe et botaniste russe Piotr Semionov-Tian-Chanski, membre de la Société géographique de Russie, se rend dans la région du lac Yssyk Koul. L'été suivant, accompagné par , il continue son exploration vers l'est et devient le premier occidental à pénétrer dans cette partie du Tian Shan. Parmi la trentaine de sommets majeurs qu'il recense, il estime que le Khan Tengri est le plus haut. Bien que le Jengish Chokusu soit plus haut, il faut attendre une étude de 1946 pour remettre en cause cette affirmation. Semionov est suivi entre autres, quelques années plus tard, par le Suédois Sven Hedin puis l'Italien Cesare Borghese accompagné du fameux guide suisse Matthias Zurbriggen.  En 1902, le scientifique et alpiniste allemand Gottfried Merzbacher, avec Hans Pfann et Hans Keidel, accompagnés du guide Fransesco Kostener, décident de tenter l'ascension par le versant méridional. Ralentis dans leur approche par la rupture du lac glaciaire qui porte son nom, Merzbacher décide de poursuivre seul. Arrivé au pied de la montagne, il estime que l'ascension est impossible et déclare que le Tian Shan n'est pas un endroit fait pour l'alpinisme.  Avec l'amélioration du matériel et des techniques, de nouvelles expéditions sont lancées par l'Union soviétique à la fin des années 1920 mais l'acheminement logistique dans cette région reculée reste un frein. La première ascension réussie est l'œuvre, en 1931, de l'Ukrainien Mikhail Pogrebetsky par la voie désormais classique qui suit l'arête ouest. L'exploit est répété deux ans plus tard par un alpiniste suisse et son guide russe.  Aucune nouvelle voie n'est ouverte pendant . Ainsi, il faut attendre 1964 pour que les Russes Romanov et Kuzmin vainquent la « crête de marbre ». En 1974, la première voie est ouverte en face nord grâce à Khudiakov, puis en 1974 la voie classique de la face nord par Solamatov, une voie par l'équipe kazakhe menée par B. Studenin et une voie par l'équipe russe de E. Myslovski. En 1990, une équipe kazakhe réalise l'incroyable traversée pic Vazho Pshavela ()-Jengish Chokusu ()-pic Sovetskoy Armenii ()-Jengish Chokusu Est ()-pic Topografov ()-pic Druzhby ()-Shatyor ()-Khan Tengri en . Les années suivantes, alors que les Européens y font leurs premiers balbutiements, l'équipe dirigée par le Kazakh V. Khrisciaty réussit la première hivernale.

Ascension.

La position septentrionale de ce sommet le soumet à des variations saisonnières importantes et la période favorable à son ascension est généralement réduite de mi-juillet à fin août. C'est un des «  » les plus difficiles de la région et seulement quelques alpinistes réussissent son ascension chaque année, la plupart russes ou kazakhs. La voie classique est celle ouverte en 1931 par Pogrebetsky en face sud "via" l'arête ouest et est cotée 5a sur l'échelle russe. Il existe six autres voies en face sud, cotées 5b à 6b. Sept voies existent dans la face nord, haute de , s'échelonnant suivant les mêmes difficultés.  L'ascension des cinq sommets de plus de de l'ancienne URSS, dont fait partie le pic Khan Tengri, avec le pic Ismail Samani (), le pic Pobedy (), le pic Lénine () et le pic Korjenevskoï (), est récompensée par le « prix Léopard des Neiges ».

Culture populaire.

Le Khan Tengri apparaît sur le billet de au Kirghizistan.

Le Khan Tengri est une montagne qui culmine à d'altitude dans le massif du Tian Shan, point culminant du Kazakhstan, à la frontière avec le Kirghizistan dont il est le troisième plus haut sommet, et très proche du Xinjiang en Chine. Il est gravi pour la première fois en 1931 par Mikhail Pogrebetsky. Sommet particulièrement dangereux, son ascension est principalement tentée par des alpinistes russes et kazakhs.

Khan Tengri is a mountain of the Tian Shan mountain range. It is located on the China—Kyrgyzstan—Kazakhstan tripoint, east of lake Issyk Kul. Its geologic elevation is , but its glacial cap rises to . For this reason, in mountaineering circles, including for the Soviet Snow Leopard award criteria, it is considered a 7,000-metre peak.  Khan Tengri is the second-highest mountain in the Tian Shan, surpassed only by Jengish Chokusu (means "Victory peak", formerly known as Peak Pobeda) (7,439 m). Khan Tengri is the highest point in Kazakhstan and the third-highest peak in Kyrgyzstan, after Jengish Chokusu (7,439  m) and Avicenna Peak (7,134 m). It is also the world's most northern 7,000-metre peak, notable because peaks of high latitude have a shorter climbing season, generally more severe weather and thinner air.


Biographie.

Irving Penn est un photographe américain né le à Plainfield dans le New Jersey. Il étudie au Pennsylvania Museum & School of Industrial Art de 1934 à 1938. Il étudie le design au côté d’Alexey Brodovitch, un émigré russe, directeur artistique au "Harper’s Bazaar" et travaille comme son assistant lorsque ce dernier travaille pour Saks Fifth Avenue.  Il achète son premier appareil photo en 1938, un Rolleiflex, avec de l’argent obtenu suite à des publications de dessins dans le magazine du "Harper’s Bazaar". La même année, et jusqu’en 1941, il travaille en tant que directeur artistique pour le magazine "Junior League".  En 1941, il se rend au Mexique pour peindre, mais étant déçu de sa production, il la détruisit puis retourna à New York un an plus tard.  A son retour à New York, il est embauché par le directeur artistique de "Vogue", Alexander Liberman. C’est là qu’il fit sa première photographie en couleur ; il s’agit d’une nature morte qui devint la couverture du magazine du . Irving Penn considère ce tournant comme le début de sa carrière en tant que photographe professionnel.  De 1944 à 1945, il quitte "Vogue" pour servir comme bénévole dans l’"American Field Service", avant de revenir au magazine, en 1946, où il entreprend alors de longues séries de portraits de personnalités de l’époque.  En 1948, il voyage dans de nombreux pays pour le magazine, la France, l’Italie, l’Espagne et le Pérou.  De 1949 à 1950, il réalise sa première série de nus. En 1950, Alexander Liberman l'envoie à Paris pour assister aux « collections » des couturiers parisiens. Il se sent mal à l'aise au milieu de la foule des photographes et des rédacteurs qui se pressent dans ces rendez-vous mondains. Il préfère travailler au calme, dans un studio en éclairage naturel. Il installe un atelier dans un ancien bâtiment de la rue de Vaugirard, sans eau courante ni électricité, dans lequel il fait poser les mannequins devant un rideau de théâtre en guise de fond neutre.  Il y réalise de nombreuses photographies de mode, mettant notamment en scène le modèle suédois Lisa Fonssagrives, une ancienne danseuse douée d’un grand sens de la pose, qui l'a accompagné depuis New York. Leur complicité, que l'on peut percevoir dans le regard de la jeune femme, donne naissance à une suite d'images remarquables, qui paraissent dans "Vogue", dans les numéros de septembre et , et asseoient sa notoriété comme photographe de mode. Peu après, Lisa Fonssagrives deviendra sa femme.  En 1951, il achève sa série des petits métiers, série emblématique de son travail, dans laquelle il a photographié des travailleurs avec les attributs liés à leur métier, en studio. Il a fait trois séries de petits métiers, une à Paris, une à Londres et une à New York.  En 1952, il déplace son studio au 80 West 40th Street, et commence la publicité en plus de son travail éditorial. Cette même année, il a un fils, Tom. Il publie son premier livre, "Moments Preserved", en 1960, tout en continuant la photographie de mode pour "Vogue", pour lequel il voyage en Crète et au Japon. Il tente des expériences pour développer une méthode assez complexe de développement au platine et au palladium.  En 1967, Irving Penn construit un studio portable à l’aide d’une tente pour pouvoir photographier en studio pendant ses voyages. Il entreprend une série de voyages, au Bénin, au Népal, au Cameroun, en Nouvelle-Guinée et au Maroc.  Dans les années 1970, il réalise ses séries "Cigarettes", "Street Material" et "Archéologie".  Dans les dernières années de sa vie, Irving Penn offre successivement son oeuvre à de grandes institutions tout en continuant à photographier et à être publié dans "Vogue". Il meurt chez lui à l'âge de 92 ans en 2009.

"Vogue".

Recruté par Alexander Liberman pour intégrer l'équipe des photographes de "Vogue", il fait sa première couverture du magazine, une nature morte, en 1943. C'est à partir de ce moment-là que ses photographies paraissent régulièrement dans "Vogue" (160 couvertures en cinquante ans) et dans d'autres magazines.

"Les petits métiers".

. C'est l'écrivain et spécialiste des bas-fonds Robert Giraud, également camarade de Robert Doisneau, qui recrute pour Penn les différents modèles parisiens de cette série dont la suite sera réalisée à Londres et à New York. Les 216 photos de cet ensemble sont exposées entre et au Getty Museum de Los Angeles. Par la suite, une centaine de tirages sont exposés à la Fondation Cartier-Bresson jusqu'en .

Portraitiste.

Sa cote ayant monté à partir de 1951, Penn exécute des photos pour des commanditaires du monde entier. Il photographie de nombreuses personnalités du (peintres, musiciens, danseurs, écrivains notamment) : Giorgio de Chirico, Igor Stravinsky, Julian Schnabel, Alexander Calder, George Balanchine, Truman Capote, Pablo Picasso, Yves Saint Laurent, Blaise Cendrars et sa femme, Max Ernst, Dorothea Tanning, Rudolf Noureev, Louise Bourgeois, Al Pacino, Marlène Dietrich, Colette, la duchesse de Windsor, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Jean Cocteau, Salvador Dalí, Francis Bacon, Woody Allen, Miles Davis, et a pour mannequin fétiche, juste après la guerre, Régine Destribaud, ou Lisa Fonssagrives avec qui il se mariera.  Penn publie de nombreux ouvrages. Ce sont, avant tout, "Moments préservés" et "Des mondes dans une petite chambre" qui . C'est ce qu'a montré en particulier la publication rétrospective de 1984, à laquelle il travailla avec John Szarkowski, et où l’enchaînement des thèmes est signifié par celui des couleurs.  Il meurt à 92 ans dans son appartement new-yorkais de Manhattan.

Œuvre et style.

Irving Penn s'est rendu célèbre tout particulièrement pour son travail de photographe de mode, comme Richard Avedon. Mais contrairement à ce dernier, Penn ne s'est jamais intéressé à la photographie hors studio, pas même dans des lieux publics tels que la rue ou les cafés. Toute sa vie, il est resté fidèle à la photographie de studio. Les experts de son travail peuvent même savoir où a été prise la photo selon l'éclairage de celle-ci tant il se donne de conditions. La personne occupe une place majeure dans son œuvre. Pour lui, la personnalité du modèle tient une place importante dans sa photographie de mode, de sorte que ses images sont très proches du portrait.  Ses séries comme celle qu'il fait en 1948 pour une commande de "Vogue", qui lui demande alors de caractériser en cinq images la mode de la du , semblent cadrées individuellement autour de la personnalité du modèle, jusqu'à ce que le relâchement de la pose et du vêtement dans ses images des années 1950 fasse presque oublier qu'il s'agit de photographies de mode, si ce n'est l'accentuation légère, mais récurrente, de l'arrière-plan.  L'arrière-plan est la scène sur laquelle Penn fait évoluer ses modèles. Qu'il s'agisse de mode ou de portrait, il dégage toujours la personne du contexte social qui est le sien afin d'isoler et d'attirer ainsi l'attention sur ce qu'elle est vraiment. L'emploi de ce fond, toujours le même, a en réalité deux sortes d'effets, celui de mettre en valeur l'individu, de l'extraire de l'anonymat, mais aussi celui de faire ressortir le vêtement. Chaque vêtement, à partir du moment où il est présenté sur sa scène particulière, devient pour Penn objet de mode.  Irving Penn s'est également intéressé au corps nu, en particulier celui des danseurs. C'est ainsi qu'il photographie, en 1967, le San Francisco's Dancers' Workshop d'Anna Halprin dans une performance intitulée "Le Bain", ou que, au cours de quatre séances de pose, en 1999, il met en scène, dans l'environnement dépouillé de son studio, Alexandra Beller, danseuse de la Bill T. Jones Dance Company.

Expositions.

Années 1990 Années 2000 Année 2010

Publications.

Années 1980 Années 1990 Années 2000 Années 2010

Irving Penn, né le à Plainfield dans le New Jersey et mort le à Manhattan, est un photographe américain, considéré comme un très grand photographe de mode, de beauté, et également célèbre pour ses portraits et ses natures mortes.  Il est le frère du cinéaste Arthur Penn et le mari de Lisa Fonssagrives.

Irving Penn (June 16, 1917October 7, 2009) was an American photographer known for his fashion photography, portraits, and still lifes. Penn's career included work at "Vogue" magazine, and independent advertising work for clients including Issey Miyake and Clinique. His work has been exhibited internationally and continues to inform the art of photography.


Historique.

Édouard Lartet a défini le genre en 1856 à partir d'un fossile découvert à Saint-Gaudens (Haute-Garonne) par le docteur Fontan. Le nom de genre "Dryopithèque" (« singe des chênes » en français) fait référence à des gisements de bois fossiles découverts dans les Pyrénées et considérés comme contemporains du singe fossile. Le nom de la première espèce du genre a été donné en hommage au docteur Fontan, le naturaliste amateur qui découvrit le fossile.  De nombreux fossiles d'hominidés découverts depuis 1856 sur tous les continents de l'Ancien Monde ont été successivement rattachés par leurs descripteurs au genre "Dryopithecus" puis attribués finalement à d'autres genres, pour certains proches du Dryopithèque, et pour d'autres plus éloignés.

Espèces.

Le genre Dryopithecus comprend différentes espèces :  Des fossiles de "Dryopithecus fontani" ont été trouvés en France (Saint-Gaudens, La Grive) et en Espagne.  "Dryopithecus wuduensis" a été défini en 1988 à partir d'une mandibule fossile fragmentaire trouvée en 1947 dans la province du Gansu, en Chine. Son appartenance au genre Dryopithecus demeure discutée.

Morphologie.

"Dryopithecus fontani" mesurait environ 60 cm de long. Il était quadrupède, mais ne s'appuyait pas sur les phalanges de ses mains, ce qui est un trait exclusif des chimpanzés et des gorilles.

Habitat.

Le Dryopithèque menait une vie arboricole et tirait de son habitat son alimentation : baies et fruits.

Phylogénie.

Le Dryopithèque est considéré par les paléontologues spécialistes des Hominoidea fossiles comme un genre proche de la lignée humaine, tout comme d'autres genres fossiles européens du Miocène, tous rangés dans la tribu des Dryopithecini ou sous-famille des Dryopithecinae. La question qui demeure en débat entre spécialistes est de savoir si le premier représentant des Hominini (tribu rassemblant les chimpanzés et les humains) est issu d'un Homininae européen ou d'un Homininae africain.

Les Dryopithèques (Dryopithecus) forment un genre éteint de primates de la famille des hominidés, qui a vécu en Europe (et peut-être en Asie) du Miocène moyen au Miocène supérieur, il y a 10 à 12 millions d'années.

Dryopithecus is a genus of extinct great apes from the middle–late Miocene boundary of Europe 12.5 to 11.1 million years ago (mya). Since its discovery in 1856, the genus has been subject to taxonomic turmoil, with numerous new species being described from single remains based on minute differences amongst each other, and the fragmentary nature of the holotype specimen makes differentiating remains difficult. There is currently only one uncontested species, the type species "D. fontani", though there may be more. The genus is placed into the tribe Dryopithecini, which is either an offshoot of orangutans, African apes, or is its own separate branch.  A male specimen was estimated to have weighed in life. "Dryopithecus" likely predominantly ate ripe fruit from trees, suggesting a degree of suspensory behaviour to reach them, though the anatomy of a humerus and femur suggest a greater reliance on walking on all fours (quadrupedalism). The face was similar to gorillas, and males had longer canines than females, which is typically correlated with high levels of aggression. They lived in a seasonal, paratropical climate, and may have built up fat reserves for winter. European great apes likely went extinct during a drying and cooling trend in the Late Miocene which caused the retreat of warm-climate forests.


Origine du mot et premières évolutions.

Un kiosque est un pavillon de jardin ouvert, le plus souvent de tous les côtés. La forme peut être rectangulaire, ronde ou octogonale. Un dôme ou un toit à pans protège du Soleil aveuglant ou des intempéries. La graphie française "chiosque" est attestée en 1654. Le terme est emprunté entre 1594 et 1608 (selon les études de R. Arveiler et Cayet) à l'italien des jardiniers de l'époque maniériste : "chiosco", "chioschi" au pluriel. Le mot vient du turc médiéval "kieuchk" ou "kiösk", écrit "kiosk" en turc moderne. Il dérive de manière plus lointaine du persan کوشک / "kušk" qui signifie « palais », « salle haute », « galerie » ou « salon ».  Les kiosques se répandent en Perse, en Inde et au cœur de l'Empire ottoman à partir du . Ils semblent présents plus tardivement autour du bassin méditerranéen et dans l'ensemble du Proche-Orient. Le mot garde une phonétique similaire : la langue portugaise connaît "quiosque" et la roumaine "chioșc" pour désigner un petit pavillon de jardin ouvert d'un côté ou sur tous ses côtés.  Le mot, d'origine perse, pourrait désigner à l'origine un objet qui sert à fournir de l'ombre. Un examen plus approfondi de l'étymologie révèle que le mot "köşk" a la même racine que le mot turc "gölge" qui signifie « ombre ». Le pavillon pourrait être aussi une simple tente tendue par la pointe, comme le toit en pavillon de la plupart des kiosques.  Au cours du , les multiples influences orientales en Europe firent du kiosque un élément important des jardins européens : fabrique de jardin ou pavillon. Le roi Stanislas de Pologne fait édifier pour observer les splendides jardins de son dernier palais de Lunéville un kiosque qui a toutes les caractéristiques d'une bâtisse-belvédère à étages jouxtant une grande galerie en son milieu, avec, à la fois, de vastes fenêtres vitrées au rez-de-chaussée et un chemin de ronde abrité à l'étage supérieur.  Le kiosque des places publiques accueille les spectacles d'artistes et les concerts de musiciens. Quoique plus modeste, il est l'héritier des divers kiosques des sociétés de cour. En 1893, le "kiosque à musique" est bien souvent un simple abri circulaire dans un jardin public ou sur une place publique qui permet d'accueillir des musiciens pour un concert en plein air, en journée ou en nocturne si l'éclairage est offert.  Toutefois, en dehors du sens premier préservé par l'espace public, surgit vers 1848 un emploi économique de petite maison de vente. La mutation est européenne puisque le mot allemand "der Kiosk" s'étend aussi au champ économique. Il s'agit d'une petite boutique installée sur le trottoir ou accessible de celui-ci. Le "kiosque de journaux" ou le "kiosque à journaux" est un édicule établi sur les voies fréquentées, dans les lieux publics divers, comme les gares. Le "kiosquier", "kiosquaire" ou "kiosquiste" y vend des journaux, des revues, des livres. Mais il existe aussi des kiosques de distributions d'objets divers : kiosque à fleurs, à tabac ou à cigarettes.

Kiosque ou pavillon de jardin.

En Turquie, le mot "kiosk" désigne au une construction de style ottoman, en bois recouvert d'un parement de pierres, à plusieurs étages, qui servait principalement de résidence d'été ou d'hiver pour les riches dans l'ancien palais impérial ottoman. Il y a de nombreux kiosques à l'intérieur et à proximité du palais de Topkapı à Istanbul, et ils sont encore fréquents en Grèce. Les kiosques turcs sont généralement polygonaux.

Kiosque à musique.

Un kiosque à musique est une construction pour le divertissement, typique au et début de l'aménagement des villes et des parcs, très ouverte, symétrique par rapport à l'axe central (forme panoptique) et de plan polygonal.

Édicule urbain : kiosque à journaux, à fleurs....

Un kiosque à journaux est une petite boutique installée sur un trottoir où l'on vend essentiellement des journaux et des magazines. Un kiosque à fleurs est un kiosque où l'on vend des fleurs.

Kiosques à journaux parisiens.

Les kiosques à journaux emblématiques de la ville de Paris ont été conçus par l'architecte français Gabriel Davioud en 1857. En 2016, la maire de Paris Anne Hidalgo propose de les remplacer par de nouveaux modèles plus modernes et fonctionnels. Une pétition demande le maintien des anciens kiosques, estimant qu'ils participent à l'image romantique de Paris.

Terme de marine et d'architecture.

Entre 1900 et 1912, le terme kiosque acquiert auprès du grand public un sens d'architecture maritime. Il s'agit d'un lieu central abrité, véritable dispositif panoptique de commandement et d'action sur les dispositifs embarqués.  Le kiosque de timonerie est un abri vitré sur le pont d'un bâtiment pour protéger le personnel et les appareils de navigation. Parfois, sur de modestes croiseurs ou sur de puissants cuirassés, le kiosque est positionné sur un aménagement de passerelles pour que le commandant et ses seconds, avec jumelles, instruments de navigation et cartes marines, puissent opérer la manœuvre et donner les ordres au combat.  Sur un sous-marin, le kiosque est la superstructure centrale qui comporte une partie supérieure ou "baignoire", servant de passerelle pendant la navigation en surface. Après l'immersion, le cœur du kiosque est le lieu d'utilisation du périscope.  En architecture, le vocable désigne toute structure portante suffisamment ouverte pour offrir un dispositif panoptique, au moins provisoire. Ainsi la partie centrale en corniche du chapiteau d'un cirque à mât unique prend cette dénomination technique.

Service de vente ou de mercatique.

Le kiosque est un système de vente de service par téléphone ou par minitel avant l'essor d'internet.

Un kiosque désigne dans la société de cour royale ou princière européenne dès le milieu de l'époque moderne un pavillon de jardin ouvert de multiples côtés vers le paysage jardiné. Sa construction dépasse ses modèles originels issus du palais stambouliote de Topkapi au ainsi que le lieu d'édification quitte les jardins à la mode orientaliste ou d'inspiration orientale turco-persane, pour s'appliquer à un lieu offert au divertissement : point de vue abrité, belvédère, place de musique, de danse ou de fêtes, lieu d'observation de festivités dans les jardins, lieu de contemplation ou de récréation...  D'un point de vue urbanistique, le terme se précise au en quelques types et modèles de constructions spécifiques à l'espace public qui conservent une structure ouverte et légère. Au début du , le terme prend des acceptions techniques précises dans les domaines (sous-)maritime et architectural.

Historically, a kiosk () was a small garden pavilion open on some or all sides common in Persia, the Indian subcontinent, and in the Ottoman Empire from the 13th century onward. Today, several examples of this type of kiosk still exist in and around the Topkapı Palace in Istanbul, and they can be seen in Balkan countries.  The word is used in English-speaking countries for small booths offering goods and services. In Australia they usually offer food service. Freestanding computer terminals dispensing information are called interactive kiosks.


Étymologie.

Le mot « maltais » viendrait du phénicien "màlat" qui veut dire « lieu sûr », c'est l'origine du nom de Malte ; cette racine se retrouve dans d'autres lieux méditerranéens comme dans celui de l'île adriatique de Méléda (l'actuelle Mljet). Les ancêtres de ces petits chiens étaient nombreux dans les ports de la Méditerranée centrale et à bord des bateaux. Ils détruisaient les rats et les souris dans les magasins de stockage des denrées et dans les cales des bateaux de commerce. Le nom tire donc son étymologie d'un lieu où ce chien était répandu et non de son utilité ou de sa fonction d'alors.

Histoire.

Le bichon maltais appartient à l'une des races les plus anciennes, citée par Ésope dans la fable "Le Singe et le Dauphin", Aristote dans son "Histoire des animaux" parle du - Théophraste dans "Les Caractères", et Lucien de Samosate, entre autres. Le Bichon maltais est connu de la Grèce antique et la Rome antique, Strabon en parle comme du chien de compagnie des matrones. Dans "Les Caractères" de Théophraste, le Poseur pousse l'ostentation jusqu'à faire graver, à son décès, le nom de son bichon maltais, race de chien très chère et signe de luxe

Description.

Ce chien d'agrément et de compagnie (groupe 9, section 1) possède un standard de la Fédération cynologique internationale (FCI) sous le patronage de l'Italie publié le 27 novembre 1989.Chien de petite taille, élégant au port de tête fier et distingué, de 21 à au garrot (hag = hauteur au garrot) pour les mâles, de 20 à pour les femelles et d'un poids compris entre 3 et , au tronc allongé représentant plus de 138 % hag. La queue courbe, allant en s'effilant, a une longueur de 60 % hag. Son poil de texture soyeuse sans ondulation est d'un blanc pur mais il est admis qu'elle puisse tirer sur l’ivoire pâle. Sa peau comporte des taches de couleur d'un rouge plutôt sombre et la peau apparente, aux paupières à ouverture proche du cercle, aux lèvres bien jointives, à la truffe volumineuse et aux coussinets, est strictement noire. Sa tête est plutôt large égale au 6/11 hag. La longueur du museau au chanfrein rectiligne et au faces latérales parallèles, fait les 4/11 de la longueur de la tête. Les oreilles à peu près triangulaires sont tombantes, la largeur fait 1/3 de la longueur. Les yeux, situés sur le même plan frontal aux globes à fleur de tête, sont de couleur ocre foncé. Les membres, bien appliqués au corps, bien d'aplomb et parallèles entre eux, musclés à l'ossature robuste : épaules 33 % hag, bras 40/45 % hag et avant-bras 33 % hag, cuisses 40 % hag et jambes un peu plus de 40 % hag. Il est hypoallergénique.

Le bichon maltais est une race de chien méditerranéenne dont il est impossible de reconstituer l'origine, du fait de sa grande ancienneté : il était déjà connu dans la Rome antique. En France, il fait partie de la famille des bichons (5 variétés) et, en dehors de France, c'est une race à part entière. Suivant les pays, le maltais est appelé : "maltese", "malteser", "maltezer"

The Maltese is a breed of dog in the toy group. It is thought to have originated in south-central Europe from dogs of spitz type. Despite the name, it has no verified historic or scientific connection to the island of Malta.


Histoire.

La construction du palais fut entreprise par Charles de Bourbon (sans numérotation spécifique quand il devint roi des Deux-Siciles en 1734, mais qui était connu sous le nom de Charles V au royaume de Sicile et de Charles VII au royaume de Naples, et de Charles III d'Espagne quand il retourna à Madrid à partir de 1759). Charles de Bourbon est né à Madrid le et y est mort le .  Ce personnage à multiples titres ne doit pas être confondu avec Charles III de Naples auquel il est constamment fait référence alors qu'il lui est bien antérieur. Le projet fut confié à l'architecte Luigi Vanvitelli au milieu du pour rivaliser avec Versailles et le palais royal de Madrid. Le palais devait en effet être le symbole du nouvel état bourbonien : d'un côté façade de sa puissance et sa magnificence, de l'autre instrument efficace et rationnel. Il s'insérait dans un plan politique plus vaste de Charles, qui voulait déplacer à Caserte les principales structures administratives de l'État, tout en reliant la ville à la capitale, Naples, par une avenue monumentale de plus de vingt kilomètres. Ce plan ne fut cependant jamais réalisé.  La construction du palais débuta en 1752 et se conclut en 1780, supervisée par qui remplaça son père après sa mort.

Le palais.

Quand en 1752, Charles III de Bourbon fit commencer les travaux pour la construction du palais de Caserte, son but était d'en faire le Versailles du royaume de Naples. Son objectif fut pleinement atteint grâce à la réalisation de l'architecte Luigi Vanvitelli, digne représentant de la tendance classiciste européenne et créateur d'un langage architectural équilibré et rigoureux. L'édifice comprend une énorme structure linéaire qui englobe à l'intérieur quatre cours identiques. À l'implantation architectonique régulière, avec de longues façades encadrées aux angles par des corps légèrement saillants, correspond une distribution rigoureuse des espaces intérieurs, articulés selon des exigences de fonctionnalité et de représentation précises. À partir de la pose de la première pierre le , jour du trente-sixième anniversaire du roi, il faudra attendre jusqu'en 1774 pour que la construction soit achevée. La mort du souverain espagnol Ferdinand IV, et le retour à Madrid de Charles III pour le remplacer sur le trône, n'interrompirent pas les travaux du palais, parachevé après la mort de Luigi Vanvitelli par son fils Carlo.  Du portail central, qui s'ouvre sur la façade en travertin et terre cuite au-dessus d'un socle en bossage, on accède à une galerie à trois nefs, reliées par autant de couloirs. Du couloir principal part l'escalier monumental qui monte à la chapelle palatine et aux appartements royaux, décorés et aménagés entre la fin du et la première moitié du , par des artistes et des artisans locaux. Un parc fut imaginé autour du palais, prenant également exemple sur le célèbre jardin du Roi Soleil et dont la décoration et les aménagements furent conçus par Vanvitelli lui-même.

Le parc.

Le parc s'étend sur derrière le palais, en partie sur un terrain de collines. Il s'inspire du parc du château de Versailles. Face au centre de la façade postérieure du palais s'ouvre une très longue allée agrémentée de fontaines, bassins et cascades artificielles en succession. De l'allée principale partent des allées transversales plus petites qui s'enfoncent dans une végétation assez dense qui fait place ensuite à d'autres fontaines ornées de statues mythologiques, un bassin à poissons et un lac de cygnes.  Le parc est donc tout entier construit d'après le modèle italien, géométrique et rationnel.  Pour l'approvisionnement de l'eau nécessaire au fonctionnement de tous les éléments du parc, Vanvitelli a dû spécialement construire un aqueduc qui parcourt la campagne sur de nombreux kilomètres.

Le palais de Caserte au cinéma.

C'est dans ce palais que furent tournées les scènes du palais de Theed dans les films "" et "" ainsi que certains passages du film "Mission Impossible 3", de "Waterloo", de Anges et Démons et aussi du film "Le Purificateur" avec Heath Ledger.

Le palais royal de Caserte (en italien : "") est une résidence de la famille royale des Bourbons de Naples. L'ensemble monumental, proclamé patrimoine de l'humanité par l'UNESCO, est exceptionnel dans la manière dont il réunit un somptueux palais avec son parc et ses jardins mais aussi une partie naturelle boisée, des pavillons de chasse et un complexe industriel pour la production de la soie. C'est une évocation éloquente et concrète du siècle des Lumières, intégrée plutôt qu'imposée à son paysage naturel d’inspiration calabraise.  En termes de volume, le palais de Caserte est la plus grande résidence royale au monde avec plus de , le palais atteint les (ou .)

The Royal Palace of Caserta ( ) is a former royal residence in Caserta, southern Italy, constructed by the House of Bourbon-Two Sicilies as their main residence as kings of Naples. It is the largest palace erected in Europe during the 18th century. In 1997, the palace was designated a UNESCO World Heritage Site; its nomination described it as "the swan song of the spectacular art of the Baroque, from which it adopted all the features needed to create the illusions of multidirectional space". In terms of volume, the Royal Palace of Caserta is the largest royal residence in the world with over 1 million m³ and covering an area of 47,000 m².


Historique.

Des fossiles de sivapithèques ont été découverts depuis le dans la chaine des Siwaliks, comprenant le plateau du Potwar au Pakistan, et les piémonts himalayens en Inde et au Népal. La première description est faite par le paléontologue britannique Richard Lydekker en 1879 sous le nom de "Palaeopithecus sivalensis".  En 1982, David Pilbeam publia la description d'une découverte fossile importante : une grande partie de la face d'un sivapithèque avec sa mâchoire. Le spécimen présentait beaucoup de ressemblances avec un crâne d'orang-outan, ce qui conforta la théorie déjà avancée par d'autres selon laquelle le genre "Sivapithecus" était étroitement lié aux orangs-outans.

Classification phylogénétique.

"Sivapithecus" appartient à la sous-famille des Ponginae, dont le seul genre subsistant est l'orang-outan ("Pongo").

Stratigraphie.

On a trouvé des fossiles de sivapithèques exclusivement dans les niveaux miocènes de trois formations géologiques du Groupe Siwalik de la chaine des Siwaliks :

Espèces.

On distingue les quatre espèces suivantes:

Le cas du "Ramapithecus".

Certains spécimens des Siwaliks avaient autrefois été attribués au genre "Ramapithecus" (le ramapithèque).  Le premier spécimen type, YPM 13799, "Ramapithecus brevirostris", était un demi-maxillaire découvert en 1932 par G. Edward Lewis dans les piémonts himalayens indiens situés dans l'Himachal Pradesh, près d'Haritalyangar. Lewis affirmait alors que le maxillaire était plus proche de celui du genre "Homo" qu'aucun des fossiles de singes connus jusque-là. Ce point de vue fut revu dans les années 1960 à la suite d'une reconstruction par symétrie et qui correspondait à la forme upsiloïde caractéristique des grands singes.  Des fossiles plus complets de "Ramapithecus" furent découverts en 1975 et 1976, montrant qu'il était moins proche des humains que ce que l'on pensait auparavant. Il présentait au contraire de nombreuses similitudes avec "Sivapithecus", et priorité fut donnée à ce nom qui était antérieur. On considère aujourd'hui que les fossiles autrefois attribués à "Ramapithecus" correspondent plutôt à des femelles d'une espèce de "Sivapithecus" en supposant que celle-ci avait un fort dimorphisme sexuel.

Sivapithecus est un genre éteint de primates de la famille des hominidés, qui vivait en Asie du Sud durant le Miocène moyen et supérieur. Ses restes fossiles sont datés sur une période allant de 13 à 8 millions d'années environ. Ils ont été découverts depuis le au nord du sous-continent indien, dans la chaine des Siwaliks qui court du Pakistan jusqu'au Népal.

Sivapithecus (Shiva's Ape) (syn: "Ramapithecus)" is a genus of extinct apes. Fossil remains of animals now assigned to this genus, dated from 12.2 million years old in the Miocene, have been found since the 19th century in the Siwalik Hills of the Indian subcontinent. Any one of the species in this genus may have been the ancestor to the modern orangutans.  Some early discoveries were given the separate names "Ramapithecus" (Rama's Ape) and "Bramapithecus" (Brahma's Ape), and were thought to be possible ancestors of humans.


Histoire.

Dès le , de nombreuses boutiques se tenaient dans la partie « haute » de la Place Rouge. En 1886, les commerçants, organisés en « Société des Galeries supérieures de la Place Rouge à Moscou » décident de lancer un concours d'architecture pour créer un bâtiment durable.  En 1889, le projet des architectes et Vladimir Choukhov est retenu. Ce bâtiment de plan trapézoïdal, est construit entre 1890 et 1893 en marbre, grès et granite, le tout recouvert d'une immense verrière semi-cylindrique, dont le diamètre est de . Celle-ci semble légère, mais c'est une construction ferme faite de plus de de métal (d'une poids d'environ ). L'illumination est fournie par les énormes lucarnes arquées de fer et de verre, pesant à l'unité pour certaines et contenant plus de .  L’ouverture officielle a lieu le en présence des membres de la famille du tsar Alexandre III. A cette époque, Moscou n'est pas la capitale de l'Empire russe ; c'est Saint-Petersbourg qui l'est, depuis la création de cette ville par Pierre le Grand, en 1703 ; Moscou devient la capitale du nouveau régime bolchevik, en janvier 1918. Le Goum était à l'époque le plus grand centre commercial au monde, et il le restera longtemps.  Après la révolution d'octobre 1917, le magasin est nationalisé par le nouveau gouvernement et servira en premier lieu, lors de la période dite du "communisme de guerre" de gigantesque remise de matières premières réquisitionnées sans aucune indemnisation , puis par la suite de bureaux aux commissions du plan quinquennal et partiellement de logements au deuxième étage pour certains cadres du Parti communiste travaillant dans les services du Plan. Il retrouvera après 1922 partiellement son rôle de magasin, notamment dans le cadre de la N.E.P.- nouvelle politique économique décidée par Lénine, permettant la poursuite du capitalisme,dans certaines fonctions et circonstances.  En 1930, Staline décide de fermer le Goum .  Il fut aussi le lieu où fut exposé le corps de la femme de Staline, qui s'est suicidée en 1932.  En 1935 puis en 1947, Staline décide de détruire ce magasin qu'il détestait mais l'ordre de destruction ne fut jamais exécuté et ce pour des raisons inconnues.  Après le 5 mars 1953 (date du décès de Staline, pour rappel), les successeurs de Staline décident alors de mener de grands travaux de rénovation qui durent plus de neuf mois et qui permettent de réouvrir ce magasin et de voir à nouveau la célèbre fontaine en fonctionnement, le nouveau "Goum" possédant également des ateliers de confection de produits destinés aux privilégiés de l'Union Soviétique (ateliers de couture, de chaussures, de fourrures et cuirs) et où se trouve également un cinéma qui se trouve lié à l'histoire du cinéma russe, depuis sa création au début du XX ème siècle. La réouverture du magasin se déroula le 24 décembre 1953. A titre anecdotique, la fille de Leonid Brejnev se fit réaliser un manteau de fourrure pour elle, dans l'atelier de fourrures du "Goum."  À compter de 1960, se mettent en place au "Goum", dans la grande salle d'exposition, les premiers défilés de mode russe, organisés par un " Comité de la mode soviétique ", avec des mannequins russes.  C'est au sein du "Goum" en 1969 que la première carte de crédit, acceptée en Union Soviétique, est utilisée ; il s'agit de la carte émise par la société américaine Diner' s Club International.  Un des idéologues du comité central du parti communiste soviétique, Mikhail Souslov, voulut le faire fermer sous l'ère Brejnev, dans les années 1970/1975.  Au cours des années 1990 et 1991, le "Goum" ne présente quasiment plus de produits, en raison de la désorganisation quasi totale de l'économie soviétique.  Privatisés après la fin de l'Union Soviétique le 26 décembre 1991, les quelque de galeries marchandes du "Goum" qui sont réparties sur comptent aujourd'hui appartenant à des grandes marques étrangères spécialisées principalement dans le luxe ou le vêtement de sports.Le personnel des différentes boutiques a suivi des cours d'anglais, payés par leurs employeurs, afin de pouvoir être une galerie marchande de niveau international.  Depuis l'hiver 2006, est mise en place devant le "Goum", pendant les mois d'hiver, une grande patinoire, dont le coût incombe à une grande société russe. A compter du printemps, un grand marché aux fleurs existe pendant environ trois mois, à la place de la patinoire.  Il existe un magasin similaire à Moscou rivalisant depuis longtemps avec le "Goum" par sa taille et son architecture, le "Tsoum" pour "Tsentralny Ouniversalny Magazin", « Magasin central universel », près du théâtre Bolchoï.

Le Goum, acronyme de "Glavny Ouniversalny Magazin" (en ), c’est-à-dire « Magasin principal universel », est un grand centre commercial huppé situé sur la place Rouge à Moscou.

GUM (, pronounced , an abbreviation of , literally "Main Universal Store") is the main department store in many cities of the former Soviet Union, known as State Department Store () during the Soviet era (until 1991). Similarly-named stores operated in some Soviet republics and in post-Soviet states.  The most famous GUM is the large store facing Red Square in the Kitai-gorod area – traditionally a centre of trade in Moscow. , the building functions as a shopping mall. Before the 1920s the location was known as the Upper Trading Rows ().