Biographie.

Enfance (1934-1946).

Agostino Ferrari est l'unique enfant de Pietro (dit Pierre) Ferrari (1901-1981), né dans une des familles les plus fortunées de Gênes, élevé de façon stricte par des parents amateurs de musique classique, et de Raymonde Magnien (1912-1998), née à Nouméa dans une famille modeste, vite surnommée Mounette par ses parents, et passionnée de théâtre et de littérature. Pierre Ferrari, dont les parents contrarient la vocation littéraire, obtient un doctorat de chimie, puis rejoint la Nouvelle Calédonie comme directeur d'une usine de la Société Le Nickel grâce à l'entregent de son père. En 1932, Mounette et Pierre s'y rencontrent à l'issue d'une représentation de théâtre. Marié en 1933, le couple décide quelques mois plus tard de passer des vacances en Italie. Agostino Ferrari naît à Gênes alors que ses parents résident chez ses grand-parents paternels. De retour en Nouvelle Calédonie, sa famille lui offre un cadre insouciant au sein duquel son caractère déterminé voire colérique apparaît rapidement. Ses parents décident de passer de nouvelles vacances en Italie en 1939, et s'y trouvent bloqués par le début de la Seconde Guerre mondiale.  La famille s'installe à Rome, puis manquant d'argent, rejoint les Ferrari qui vivent en communauté, à l'écart de la guerre dans une demeure familiale située à Stazzano. Agostino, rapidement appelé Nino, y grandit au milieu de ses cousins et cousines, découvre l'opéra italien, et des chanteurs de variétés des années 1930. Son père ayant souhaité qu'il apprenne prioritairement l'italien, sa maîtrise du français, qu'il ne pratique qu'oralement avec sa mère, se dégrade. Celle-ci, par peur des bombardements de plus en plus fréquents, le retire de l'école communale pour assurer elle-même son éducation. En grandissant, il devient un enfant solitaire, s'adonnant à la lecture et parcourant la campagne à la recherche de coléoptères dont il fait la collection. En 1943, il réalise sa première communion, étant également enfant de chœur.

Jazz, premier amour et études (1947-1959).

La guerre terminée, le couple Ferrari s'installe à Paris en 1947. Pierre Ferrari souhaite en effet s'éloigner de l'Italie, et a gardé un bon souvenir de la France où il a passé quelques mois avant de partir pour la Nouvelle Calédonie. Le jeune Nino, qui maîtrise assez mal la langue française qu'il pratique avec un fort accent italien, est alors victime de railleries à l'école, auxquelles il réagit violemment. Sa scolarité est dès lors marquée par des changements fréquents d'établissement, ses parents s'efforçant de l'inscrire à chaque renvoi dans un établissement huppé (Henri IV, Janson de Sailly, Saint-Louis) où il est également l'objet de moqueries en raison des moyens financiers limités de sa famille. Vers 15 ans, il commence à dessiner, peindre, et écrit ses premiers textes, certains étant mis en musique par lui bien plus tard.  Adolescent « mal dans sa peau », il découvre le jazz sur un poste à galène qu'il écoute la nuit dans sa chambre, et qui lui « permet de décoller vers un autre monde ». Au début des années 50, il s'essaie à divers instruments qu'il loue dans une boutique du boulevard St Germain. Le banjo et la contrebasse ont rapidement sa préférence. En 1953, alors qu'il est en première année de propédeutique à La Sorbonne, il rencontre Richard Bennett, un lycéen qui comme lui fait partie de la bourgeoisie de la Rive gauche, et veut se consacrer à la batterie. Les deux jeunes hommes fraternisent.  Avec un cousin de Bennett qui joue de la clarinette, ils forment un trio jouant du jazz Nouvelle-Orleans dans les jardins publics de Paris ou sur les quais de Seine du côté du Pont Neuf. Leur groupe, baptisé Les Dixie Cats, et au sein duquel il joue désormais de la contrebasse, se fait remarquer. En 1956, il remporte un concours réservé aux orchestres de jazz amateurs organisé par la revue Jazz Hot. Les jeunes hommes animent les 3 années suivantes des bals de grandes écoles parisiennes, passent dans des clubs réputés comme le Vieux-Colombier, animent l'été des casinos de province, si bien qu'ils envisagent de faire de leur passion un métier. Régulièrement, Nino propose ses chansons au public, parmi lesquelles "Un an d'amour" écrite suite à la rupture en 1953 de sa relation amoureuse avec une étudiante prénommée Claire, rupture subie qui l'a beaucoup marqué. Mais sa voix cassée ne séduit guère les amateurs de jazz.  Poussé par ses parents pour lesquels une carrière de musicien, hormis la musique classique, n'est pas envisageable, il poursuit en parallèle ses études à la Sorbonne. Après une licence de lettres obtenue en 1953 axée sur l'ethnologie et l'histoire des religions, il s'oriente vers l'archéologie. Élève d'André Leroi-Gourhan, il participe plusieurs fois à des fouilles sur le site d'Arcy-sur-Cure, où il anime les soirées autour du feu de camp avec sa guitare. En 1957, toujours sous la conduite de Leroi-Gourhan, il participe à des fouilles à Santander.

L'heure des choix (1959-1960).

Les Dixie Cats accompagnent régulièrement des jazzmen dans les clubs où ils se produisent. Cherchant à sortir un premier disque, Richard Bennett convainc les Disques Président de publier un 45 tours avec le trompettiste Bill Coleman qui doit se produire lors d'une soirée organisée par HEC. "Bill Coleman presents Richard Bennett & The Dixie Cats", un super-45 tours contenant trois titres publié en février 1959, se vend uniquement dans le monde étudiant. Peu de temps après, un second disque est publié à l'occasion d'un gala de l'école vétérinaire de Maison-Alfort.  La collaboration de Nino Ferrari avec les Dixie Cats s'interrompt opportunément pour lui à l'été 1959. Sa grand-mère maternelle, sentant la fin de sa vie proche, et avec le prétexte de la fin des études de son petit-fils, l'invite en Nouvelle-Calédonie. Hésitant entre une carrière de musicien, et une autre d'archéologue, il y voit l'opportunité de se donner du temps. Le août, il embarque sur un paquebot dont il devient rapidement la vedette, animant des soirées arrosées au champagne en s'accompagnant de sa guitare. Ce voyage, lors duquel il multiplie les rencontres, est ponctué par plusieurs escales qui lui permettent de s'adonner à la peinture. Apprenant le décès de sa grand-mère alors qu'il se trouve à Tahiti, Nino se rend tout de même en Nouvelle-Calédonie où il retrouve une partie de sa famille et les paysages de sa petite enfance. Il y participe à une campagne de fouilles archéologiques néo-zélandaise sur l'Île des Pins.  Revenu en France durant l'été 1960, il est en plein désarroi au moment de devoir choisir une voie. Selon la volonté de ses parents pour lesquels on ne devient pas chanteur, il a achevé ses études tout en écrivant des chansons sans vraiment penser pouvoir en faire un métier. Il renonce finalement à une carrière d'archéologue qui, outre les faibles revenus qu'elle permet d'envisager, ne l'attire guère, et envisage un temps de se faire représentant de commerce. Il s'accorde finalement une période de deux ou trois ans pour connaître le succès dans le domaine musical et retrouve sa place dans les Dixie Cats qui accompagnent toujours Bill Coleman.

Des débuts difficiles (1960-1965).

Son ambition est contrariée par le déferlement en France du rock. Il constate rapidement que le jazz joué par les Dixies Cats est passé de mode. Le groupe, rebaptisé RB RB (« Richard Bennet Rythm'n and Blues ») se réoriente vers le blues et le rhythm and blues et Nino troque sa contrebasse pour une basse électrique. Durant l'été 1961, RB RB accompagne la tournée des Chaussettes noires, puis joue tous les soirs en première partie, alternativement, de Ray Charles et Count Basie au Festival de Jazz d'Antibes. Mais comme l'explique Richard Bennett, constater l'immense succès d'une nouvelle génération « de types qui avaient le même niveau que nous 10 ans avant, à nos débuts », est un choc. Le groupe dépité se sépare à la fin de l'été.  Ne se considérant pas à sa place dans la génération des yéyés, Nino Ferrari enchaîne sans succès les auditions à Paris, espérant se faire connaître comme chanteur « rive gauche ». Il se fait engager en 1962 comme bassiste dans un orchestre de twist, où il peut interpréter des reprises, ce qui lui permet de se familiariser davantage avec le chant. Ce second groupe, baptisé TNT, disparaît à l'automne 1962, une fois la mode du twist retombée. Nino Ferrari est alors recontacté par Richard Bennett qui lui propose de remonter les Dixie Cats, une jeune artiste américaine, Nancy Holloway, cherchant un groupe pour l'accompagner. Elle connaît le succès au printemps 1963, et lui laisse souvent la place pour une ou deux chansons au milieu de ses concerts en plus des nombreux duos qu'ils interprètent. Durant cette période, il apparaît sous le nom de Nino Ferrari, ou de Laurent Tosca. Il se cherche en effet un nom de scène, par respect pour ses parents et grand-parents qui réprouveraient une carrière de saltimbanque sous son vrai nom.  En plus d'accompagner Nancy Holloway, il multiplie les prestations avec Bennett dans des cabarets de jazz et finit par être repéré. En novembre 1963, un magazine annonce le lancement de « Nino Ferrair, déjà surnommé le Ray Charles français » : l'artiste a trouvé son nom de scène, et été présenté au responsable du label Bel Air. Son premier disque, "Pour oublier qu'on s'est aimé" sort fin novembre 1963 mais les difficultés de gestion de ce label contrarient sa promotion. Y figure la chanson "Un an d'amour (c'est irréparable)", écrite dix ans plus tôt et qui connaîtra un important succès à travers de nombreuses reprises"".  Le chanteur participe à sa première émission de télévision en février 1964, et découvre le cinéma en jouant un petit rôle dans les films "Laissez tirer les tireurs" de Guy Lefranc sorti en 1964 et "Ces dames s'en mêlent" de Raoul André, sorti en 1965. Un second super 45 tours est publié en mars 1964, alors que le label Bel Air est en pleine déroute. À la fin de l'été, il est transféré chez Riviera, un autre label Barclay. Un troisième enregistrement sort en janvier 1965, et ne rencontre pas plus de succès que les deux premiers. Il manque alors à ses chansons l'étincelle qui permettrait au public de s'embraser : le chanteur italien, qui a une noble idée de la musique, refuse d'appliquer des recettes faciles. Alors qu'il est sur le point d'être renvoyé, il obtient un sursis grâce à son ami Richard Bennett qui vient d'intégrer Riviera comme producteur musical.

Mirza et autres succès populaires (1966-1967).

Comme chaque été depuis quelques années, Nino Ferrer s'engage pour animer les soirées de divers clubs du sud de la France. Alors qu'il se produit en trio au Playa, un club-restaurant de Saint-Raphael, il se livre à une improvisation bon enfant lors d'un entre-acte. Le propriétaire du lieu, inquiet, cherche son chien ; Nino s'empare du micro : « Z'avez pas vu Mirza ? » puis enchaîne avec « La la la la la la », s'inspirant d'un succès de Little Stevie Wonder, "Fingertips". En quelques jours, la chanson est entièrement composée, et le chanteur a l'occasion de mesurer son bon accueil par le public devant lequel il se produit.  Le disque de la dernière chance, "Mirza," sort fin 1965 et devient un phénomène en 1966, en partie grâce au soutien de l'émission "Salut les copains" : Nino Ferrer connaît enfin le succès. Le chanteur est pendant deux semaines la première partie d'Hugues Auffray à l'Olympia en mars 1966, et convié à figurer sur la "Photo du siècle" pour le magazine Salut les Copains. Il est finalement absent du cliché, s'étant présenté volontairement trop en retard à la séance photo.  La même année, il apparaît comme bassiste sur deux disques confidentiels des Gottamou (Bernard Estardy, Nino Ferrer, Richard Hertel), ce trio étant en fait celui qui s'était produit au Playa l'année précédente : il s'agit pour lui de s'offrir un moment de détente avant d’enchaîner avec un nouveau disque en son nom propre.  Savourant cette réussite après laquelle il a longtemps couru, Nino Ferrer cultive cette veine humoristique avec des titres comme, "Le" "Téléfon", ou "Oh ! Hé ! Hein ! Bon !", qui l'imposent dans le rôle du chanteur décalé qu'il trouve rapidement trop restrictif.  En 1967, il embauche Jacqueline Monestier, surnommée Kinou, une jeune femme âgée de 20 ans, comme assistante personnelle. Elle installe son bureau dans l'appartement des parents du chanteur. Une relation intime naît entre Nino Ferrer et elle quelques semaines plus tard, alors que le couple du chanteur rencontre de nombreuses difficultés.

Exil italien (1967-1970).

Ses disques continuent de sortir en France avec autant de succès ("Mao et Moa", "Mon copain Bismarck", nettement plus ironiques). Sa chanson "Les Hommes à tout faire", extraite de l'album "Agata" publié en France en 1969 accompagne le générique du feuilleton télévisé "Agence Intérim", réalisé par Marcel Moussy et Pierre Neurrisse et diffusé en septembre de la même année sur la première chaîne de l'ORTF. Nino Ferrer apparaît à l'écran interprétant la chanson, accompagné de ses musiciens, vers le milieu de ce générique.  Dès 1967, il multiplie les aller-retours entre la France et l'Italie. Il connaît également dans son pays natal un important succès mais n'a pas à y affronter les malentendus liés aux yéyés, ce qui lui permet de prendre du recul avec cette célébrité qui ne correspond pas à ses ambitions artistiques. Il y anime à partir de 1968 une émission le samedi soir sur la RAI, "." Cet exil italien est également l'occasion de mettre de l'ordre dans sa vie privée : il emménage en 1969 à Rome avec Kinou, qui devient sa compagne officielle.  Il rencontre rapidement des musiciens, particulièrement Giogio Giombolini et Santino Rocchetti, qui lui font découvrir le rock progressif, genre musical encore ignoré en France. Accompagné de Giombolini, Rochetti et d'autres musiciens, il donne plusieurs concerts en 1970, l'un d'entre eux étant immortalisé par le disque "Rats and Rolls", majoritairement chanté en italien, et publié de façon confidentielle par la filiale italienne de sa maison de disque.

Une ambition artistique incomprise (1971-1975).

Frustré par son séjour en Italie pour des raisons tant professionnelles ("Rats and Rolls" ne bénéficie d'aucune promotion) que personnelles (il s'y confronte au conservatisme catholique de la société italienne), Nino Ferrer rentre en France et menace de porter plainte contre sa maison de disques. Eddy Barclay lui propose, pour mettre fin à la polémique, de publier une version française de "Rats and Rolls".  "Métronomie" sort fin 1971 et reprend ainsi la plupart des morceaux de l'album paru en Italie l'année précédente. Alors que le chanteur le considère comme son premier véritable album et qu'il y place beaucoup d'ambition, il est largement ignoré du grand public, alors que le titre "La Maison près de la fontaine" connaît un succès important. Nino Ferrer participe ensuite à l'enregistrement de la première adaptation française de l'opéra-rock "Jesus Christ Superstar".  Faisant suite à sa rencontre avec Mickey Finn durant l'été 1972, l'album "Nino Ferrer and Leggs", au style beaucoup plus brut et marqué par de longs solos de guitare électrique, paraît en 1973. Nino Ferrer souhaite donner libre cours à ses envies et sa créativité musicale, mais ce deuxième album ne rencontre pas davantage les faveurs du public.  Le premier enfant de Nino et Kinou, Pierre, naît en septembre 1973. Vivant à La Martinière, une propriété de style colonial acquise en 1968 en banlieue parisienne, il y fait aménager un studio d'enregistrement pour disposer de la plus grande liberté artistique possible. Cette propriété, qui lui rappelle l'Italie et la Nouvelle-Calédonie de son enfance, lui inspire les paroles de "South", un morceau aux accents de country-folk américaine qu'il enregistre en novembre 1973. "South" devient le premier titre de l'album aux rythmes funky "Nino and Radiah", entièrement chanté en anglais et publié en 1974 sur un nouveau label, CBS, après le non-renouvellement de son contrat par Barclay qui se défie des changements de style incessants de l'artiste.  Mais c'est avec sa version française, "Le Sud", dont la publication en 45 tours lui a été imposée par CBS en contrepartie de la sortie de "Nino and Radiah", et qu'il n'apprécie pas du tout, que le chanteur connaît son plus grand succès. Le disque se vend à plus de en France et devient un des « tubes » du printemps 1975 alors que "Nino and Radiah" connaît un petit succès d'estime, ce qui renforce l'amertume de Nino Ferrer, de plus en plus convaincu d'être un artiste victime de la logique commerciale de l'industrie du disque. Il refuse ainsi d'assurer toute promotion de l'album suivant, "Suite en œuf", qui passe totalement inaperçu en dépit de certains titres ("Les Morceaux de Fer", "Chanson pour Nathalie") considérés parmi ses meilleurs, ce qui lui vaut des relations difficiles avec CBS.

Rupture avec l'industrie musicale (1976-1977).

Le chanteur décide de prendre du recul avec le microcosme parisien. Devant contractuellement un troisième album à CBS, il s'installe au Château de Blanat où il fait transférer le studio d'enregistrement de La Martinière et y enregistre suffisamment de morceaux pour respecter son engagement contractuel avec sa maison de disque. Mais Nino Ferrer estime ces enregistrements, chantés en anglais, italien et français, de trop bonne qualité pour être livrés à CBS qui selon lui, ne les mérite pas. Il décide de rentrer à La Martinière, y fait réinstaller son studio et, s'entourant d'amis ayant collaboré avec lui à différents moments de sa carrière, enregistre en peu de temps un album fourre-tout et un peu foutraque, "Véritables variétés verdâtres," au titre sans équivoque. Publié par CBS en 1977, c'est un nouvel échec commercial.  Lors du séjour à Blanat, Nino Ferrer fait, grâce aux revenus générés par les ventes du "Sud", l'acquisition de « La Taillade », une bastide située au cœur du Quercy Blanc dans la région des Vaux près de Montcuq. Un temps tenté par un exil américain, son ami Richard Bennet prospectant pour lui permettre de signer un contrat avec une grande maison de disque outre-atlantique, il décide finalement de s'installer définitivement à La Taillade, et aménage dans cette grande maison noble un studio d'enregistrement.

Échec d'une nouvelle carrière musicale et retraite (1978-1989).

Avec Mickey Finn, il y reprend durant de longs mois les bandes enregistrées à Blanat. Kinou et Nino Ferrer se marient dans la plus grande intimité le 30 décembre 1978 à Saint Cyprien, et leur deuxième fils, Arthur, naît le . Cette même année le très rock "Blanat," dont le chanteur dira qu'il est son disque préféré"," est publié par un petit label indépendant spécialisé dans le jazz, Free Bird records, et très bien accueilli par la critique. Il part en tournée avec Jacques Higelin, mais la faillite de Free Bird Records contrarie la promotion de "Blanat", dont les ventes, une nouvelle fois, sont modestes. À la Taillade, Nino Ferrer, qui vit des revenus générés par ses grands succès, s'adonne à l'élevage de chevaux, ce qui lui inspire la chanson "Sémiramis" ; mais ne supportant pas de devoir les vendre, il abandonne assez rapidement cette activité.  Entre 1980 et 1983, sortent chez WEA les albums "La Carmencita", "Ex-Libris" et "Rock'n'roll cowboy", avec toujours aussi peu de promotion et de succès. Certaines de ses chansons, dans lesquelles il lance de véritables diatribes à l'encontre des médias et de l'industrie musicale ("Télé Libre", "Rock n'Roll Cowboy, Le Look plouc"), sont victimes d'une censure implicite. Lui-même n'est plus invité à la radio et à la télévision suite à des interviews acerbes où il laisse libre cours à sa rancœur. Fin 1983, un unique concert donné à l'Olympia, dont ses proches ont dû assurer la promotion, est toutefois pour lui l'occasion de mesurer que sa popularité reste intacte malgré toutes ces années d'insuccès.  En 1982, il renoue avec le cinéma en jouant l'un des rôles principaux du film "" de Jean-Pierre Mocky. Mais le film, violemment mis à bas par la critique, est un échec et Nino Ferrer ne se verra plus proposer aucun rôle. En 1986, "", publié sur un label confidentiel, ne se vend pas. On y trouve la chanson "L'arche de Noé", issue de la comédie musicale du même nom dans laquelle il joue pour son plus grand plaisir le rôle de Dieu entouré d'une foule d'animaux et qui rencontre un assez important succès, ainsi que "L'Année de la Comète", dans laquelle il réaffirme ses convictions et inquiétudes écologiques qu'il avait exprimées dès "Métronomie".  Retiré à La Taillade, il s'y adonne de façon solitaire à la peinture, cette seconde passion lui apportant, selon ses propres déclarations, bien plus de satisfaction que la musique car il n'a pas besoin de tenir compte de l'avis d'autres personnes pour réaliser ses toiles.

Un nouveau départ (1989-1995).

En 1989, Nino Ferrer demande et obtient la nationalité française pour, selon ses dires, célébrer le bicentenaire de la Révolution française. Il enregistre une version de "La Marseillaise", accompagné par une chorale d'enfants avec laquelle il se produit lors d'une émission "Champs-Élysées" de Michel Drucker. La même année, il tente de renouer avec son public italien en publiant l'album "Che fine ha fatto Nino Ferrer ?" (New Enigma Records - NEM 47731). Mais ce 33 tours, reprenant certains de ses grands succès chantés en italien connaît une carrière confidentielle.  Au début des années 1990, il est redécouvert par une nouvelle génération grâce à la sortie d'une compilation. La musique le reprend et il se lance dans un nouvel album en compagnie de proches parmi lesquels Mickey Finn et Diane Véret, une de ses choristes hébergée à La Taillade. L'album "La Désabusion," enregistré à domicile et illustré par des peintures de Nino Ferrer, est publié en 1993 par le label Fnac Music et bénéficie de très bonnes critiques en dépit d'une production artisanale. "La Vie chez les automobiles", compilant différents titres chantés et/ou écrits par des membres de sa famille (son fils Arthur et sa femme Kinou) accompagne "La Désabusion" en 1994 en tant que bonus.  Durant cette période, Nino Ferrer expose ses peintures à Paris, puis part en tournée pour promouvoir "La Désabusion". Son dernier enregistrement, "Concert Chez Harry", se veut un témoignage de cette tournée.

Suite et fin (1995-1998).

Sa dernière apparition télévisée date de 1994 dans un "Taratata" que Nagui lui a consacré.  À l'occasion de la tournée de promotion de "La Désabusion" et de l'enregistrement de "Concert chez Harry", Nino Ferrer mesure que ses facultés auditives déclinent, ce qui l'affecte profondément. Dès lors, il envisage de réaliser un ultime album. En , sa mère Mounette, qui vivait à ses côtés dans sa propriété de La Taillade depuis le décès de son père en 1981, meurt à l'âge de 86 ans après plusieurs mois durant lesquels elle a connu d'importants problèmes de santé (AVC, arrêt cardiaque) et s'est progressivement affaiblie. Kinou Ferrari attribue sa mort aux conséquences d'une violente chute qu'elle avait faite alors que Nino Ferrer lui faisait visiter de nouveaux aménagements sur sa propriété.  Selon ses premiers biographes, le suicide aurait hanté Nino Ferrer dès l'âge adulte. Au printemps 1998, alors que l'état de santé de sa mère ne laisse plus de doute quant à sa fin prochaine, il commence l'écriture d'un journal intime manuscrit (le précédent ayant été arrêté quarante ans plus tôt), qu'il intitule "1998 et suite (peut-être)." Il n'y couche que les brouillons de nouvelles chansons et un testament en rimes, dans lequel il demande pardon à ses proches pour son caractère irascible, et lance ses dernières accusations contre le "show-biz". Après le décès de sa mère dont il s'estime responsable, Nino Ferrer s'enfonce dans une profonde dépression qui inquiète ses proches et interrompt les premières sessions d'enregistrement de ce qu'il veut être son dernier album, "Suite et fin", et dont un seul morceau, "L'Innocence", enregistré avec son fils Pierre, a été publié depuis. Début août, de nombreux signes laissent deviner qu'il est en train d'organiser son suicide.  Inquiète, sa femme fait venir un médecin, auquel Nino déclare qu'il va se tuer dans deux jours. Celui-ci ne le prend pas au sérieux, et lui prescrit des anxiolytiques qui le font plonger dans un état d'intense exaltation. Le jour suivant, à l'occasion d'un repas donné pour l'anniversaire de Kinou, il exige qu'on l'appelle désormais « Don Nino Ferrer », en référence à Don Quichotte, avant de se dévêtir et de plonger nu dans la piscine de sa propriété. Le lendemain matin, il s'arrange pour éloigner Kinou en lui demandant d'aller disperser les cendres de Mounette dans le jardin de La Taillade. Il endosse une vieille veste qu'il portait en concert dans les années 1960, revêt un chapeau rappelant ceux qu'il arborait à l'époque du "Sud". Il dépose à divers endroits de sa propriété des lettres pour ses proches, prend sa voiture, se rend dans un champ d'où il appréciait la vue sur la région du Quercy, et se donne la mort d'un coup de fusil..  Son ami Richard Bennett raconte que, quelques mois avant sa disparition, le chanteur lui avait téléphoné, passant dans une discothèque où il va le retrouver. Il est désabusé et déclare : Bennett ajoute que

Discographie.

45 tours quatre titres (EP) et singles.

Bel Air - Score pour les 2 premiers, Riviera ensuite, jusqu'en 1971. Ne sont cités que les pressages français.

Nino Ferrer, nom de scène d'Agostino Arturo Maria Ferrari, est un auteur, compositeur et chanteur franco-italien , né le à Gênes (Italie) et mort le à Saint-Cyprien (Occitanie).  Il connaît le succès dès 1966 avec la chanson "Mirza", un blues teinté d'humour. Puis, souhaitant s'écarter de la vague des yéyés dans laquelle il ne se reconnaît pas, il découvre le rock progressif, dont il va fortement s'inspirer pour ses futures compositions. Après le succès de la chanson "Le Sud" en 1975, il vit très mal le décalage entre son image publique et ses ambitions personnelles et finit par rompre avec l'industrie du spectacle. Il arrête donc progressivement la musique pour se consacrer à la peinture.  À l'occasion de la sortie d'une compilation de ses plus grands succès au début des années 1990, il retrouve la faveur du public, publie de nouveaux albums et réalise de nombreux concerts, avant de se donner la mort en 1998, victime d'un épisode de dépression consécutif au décès de sa mère quelques semaines plus tôt. Laissant l'image d'une personnalité colérique, complexe, sensible, romantique et exigeante envers elle-même, Nino Ferrer est l'auteur-compositeur-interprète de plus de 200 chansons aux influences multiples.

Nino Agostino Arturo Maria Ferrari, known as Nino Ferrer (15 August 1934 – 13 August 1998), was an Italian-born French singer-songwriter and author.


Historique.

Conçue comme la déclinaison trois portes de la Citroën C3 I, son succès commercial est fortement dépendant de l'absence de conflit avec cette dernière dont le prix est proche et l'habitabilité supérieure. Toutefois, les deux voitures ont des styles extérieurs relativement différents qui font parfois dire que la C2 est conçue pour attirer un public masculin alors que la rondeur de la C3 est conçue pour séduire un public féminin. Son coffre s'ouvre en deux parties : un hayon classique en haut et une ridelle (plate-forme qui s'ouvre à l'horizontale) en bas.  La Citroën C2 mesure de longueur, et offre de la place pour quatre passagers. Elle propose en option ou en série des sièges individuels arrière qui peuvent coulisser et se replier via un système de vérins, ce qui permet d'augmenter si nécessaire le volume initial du coffre ou l'espace aux jambes.  La Citroën C2 est déclinée en version sportive VTS en . Celle-ci est équipée d'un moteur essence 1.6i 16V de 125 ch, et d'un châssis retravaillé, aussi décliné pour la compétition avec la version Super 1600.  Après sa sœur la Citroën C3, la C2 reçoit en le système Stop & Start, associé à un moteur essence 1.4i 16V de 90 ch spécifique à cette version par ailleurs très bien équipée, ainsi que la boîte de vitesses robotisée Sensodrive qui est aussi proposée sur les versions 1.4i 75 ch et 1.6i 16V 110 ch. Le mode Stop & Start est déconnectable (via un bouton mal placé car masqué par le volant) car il peut être gênant dans certaines circonstances (ronds-points, embouteillages...).  La C2 restylée est arrivée en concession en . Après la présentation de la Citroën DS3, sa présence au catalogue ne se justifiait plus et la fabrication s'est finalement arrêtée en (en Europe).

Publicité.

Contrairement à la Citroën C1, la C2 est une victime d'une mauvaise publicité. Selon de nombreux admirateurs de Citroën et de la presse automobile, elle est la plus négligée dans la gamme de Citroën en termes de promotion. En comparaison, la Citroën C1 et la Citroën C3, sur laquelle est basée la C2, sont mieux présentées dans les médias.

Finitions et moteurs.

Le restylage de la C2 en s'était accompagné d'une refonte de la gamme avec un choix de sept moteurs et de quatre niveaux de finition : La gamme sera une nouvelle fois modifiée en avec la fermeture de la finition Pack Ambiance et le lancement de la finition Collection, le tout accompagné de la fermeture de la motorisation 1.6i 16V 110 ch sur C2 VTR.

Restylage de la C2.

Phase 1.

La Citroën C2 VTR phase 1.

Phase 2.

Début 2008, Citroën a présenté sa nouvelle C2. Les principales modifications se portent sur la face avant. Celle-ci intègre un nouveau bouclier plus imposant, une nouvelle calandre ainsi que des chevrons avant et arrière plus larges. A l'arrière, les feux deviennent bicolores. Une nouvelle teinte fera aussi son apparition : le gris Manitoba. Côté jantes, le modèle 'Guépard' fait son apparition sur la version VTS.

La Citroën C2 en Amérique du Sud.

En 2008, afin d'élargir sa gamme, Citroën a commencé à produire des C2 en Amérique du Sud, notamment en Argentine où elle est proposée en version VTS. La fabrication continue encore à ce jour.

La Citroën C2 en Chine.

En septembre 2006, Citroën a annoncé la commercialisation en Chine de son nouveau modèle C2. Totalement différente de la C2 vendue dans le reste du monde, cette voiture est en fait étroitement dérivée de la Peugeot 206. Elle s'en différencie surtout au niveau de la face avant, adoptant une identité Citroën et au niveau du hayon arrière, légèrement retouché.  La C2 originelle était en effet jugée inadaptée au marché chinois et la seule usine locale de PSA à Wuhan produisant déjà six ou sept modèles, il n'a pas été choisi d'y lancer la plate-forme des C2, C3 et 207, mais plus simplement de produire un dérivé de la 206, déjà produite sur place.  Proposée uniquement en 5 portes, carrosserie peu appréciée en Chine, la C2 se vend très modestement : voitures seront livrées en 2009 et un peu plus de en 2010. En 2012 modèles ont été produits. À titre de comparaison, dans le même temps la Citroën C-Quatre dépasse les ventes sur le marché chinois.

La Citroën C2 en compétition.

Citroën C2 Super 1600.

Destinée au Rallye, la Citroën C2 Super 1600 représenta la marque officiellement dans plusieurs championnats nationaux et aussi en JWRC. Elle obtient ce titre à deux reprises en 2006 avec l'espagnol Daniel Sordo et en 2008 avec le français Sébastien Ogier. De nombreux pilotes de renommée ont conduit cette auto tels que Bruno Thiry, Simon Jean-Joseph ou encore Sébastien Loeb à quelques occasions.

Citroën C2 R2.

Également destinée au Rallye, la Citroën C2 R2 est une voiture homologuée pour le groupe R2 qui est développé dans les championnats nationaux et internationaux.  Sortie en 2006, Citroën Sport décida de sortir une version plus évoluée de la C2 R2. Celle-ci est nommée C2 R2 Max, sortie en 2008. A noter qu'une C2 R2 peut être évoluée en C2 R2 Max.

Citroën C2 Challenge.

La C2 Challenge est une voiture conçue spécialement pour le Challenge C2 qui a eu lieu de 2004 à 2006 (succédant au Challenge Saxo). Deux Challenges avaient lieu en France, un en Rallye et un en Rallycross.  À la suite de l'arrêt du Challenge C2 fin 2006, la majorité de ces voitures sera transformée en C2 R2.

La Citroën C2 est un petit modèle de voiture, uniquement disponible en trois portes. Succédant à la Citroën Saxo trois portes, elle était commercialisée entre et et produite à l'usine d'Aulnay-sous-Bois dans le département de la Seine-Saint-Denis.

The Citroën C2 is a supermini that was produced by the French manufacturer Citroën, with production starting August 2003. It replaced the Citroën Saxo, and was built at the Aulnay plant, on the outskirts of Paris. A different design of the C2, based on that of the Peugeot 206, is sold in China. The Citroën C2 was discontinued in October 2009, and replaced by the Citroën DS3 in January 2010.  Along with the Citroën C3, the C2 successfully replaced the popular, but ageing Citroën Saxo. The two cars have relatively different designs, allowing Citroën to grab different sub markets of the supermini class. The C2 was designed by Donato Coco. The C3 was originally designed as a larger "family friendly vehicle", with its five doors, whereas the C2 was to project a "young driver" image with two doors and flatter styling.  Unlike the Saxo, with 2 of 5 stars from Euro NCAP, the C2 achieved 4 out of 5 stars.


Synopsis.

Cette série met en scène les exploits du célèbre détective Sherlock Holmes, adaptés des romans et nouvelles de sir Arthur Conan Doyle.  Soulignons la présence de nombreuses guest-stars dans les différents épisodes de la série, qu'ils soient de nationalité britannique ou étrangère. Ces acteurs étaient pour la plupart connus à l'époque du tournage, tandis que d'autres ont joui d'une plus grande notoriété après leur passage dans la série. Certains de ces acteurs avaient déjà joué dans des films de réalisateurs célèbres, tels que Stanley Kubrick (comme Clive Francis, Frank Middlemass), Alfred Hitchcock (Patrick Allen, Jon Finch), John Boorman (Robert Addie, Nicholas Clay), James Ivory (Peter Vaughan, James Wilby), Terry Gilliam, Richard Attenborough ou encore Guy Hamilton pour ne citer que ceux-ci.

Distribution.

Phyllis Calvert, Ciaran Hinds, Jonathan Hyde, Caroline John, Jude Law et Natasha Richardson sont sans doute les guest-stars de la série les plus connus en France.  D'autres acteurs ont participé à des sagas devenues cultes :  Claudine Auger, Serena Gordon, Catherine Rabett, (série des films James Bond)  Caroline Blakistone, Michael Culver (première trilogie Star Wars)  Vernon Dobtcheff, Ronald Lacey, Wolf Kahler (saga Indiana Jones)  Fiona Shaw, Elisabeth Spriggs, Sophie Thompson, Eric Sykes (saga Harry Potter)  Les deux principaux antagonistes des sergents de police Riggs et Murtaugh dans "l'Arme Fatale 2" et "l'Arme Fatale 3" font également une apparition dans la série. Il s'agit de Joss Ackland et de Stuart Wilson qui apparaissent respectivement dans "Les Hêtres rouges" (saison 1) et "La Deuxième Tache" (saison 2).  Notons la présence de comédiens très renommés en Grande-Bretagne issus du monde du théâtre et (ou) de séries TV : Richard Wilson ("One Foot in the Grave") Patricia Hodge ("Miranda"), James Hazeldine ("London's Burning"), Oliver Tobias ("Arthur of the Britons"), Marina Sirtis (""), Kim Thomson ("Virtual Murder"), Juliet Aubrey ("Nick Cutter et les Portes du temps"), Hugh Bonneville et Peter Wyngarde ("Downtown Abbey"), James Purefoy, Ciaran Hinds (série "Rome") ou encore Maurice Denham, Peter Guinness, Susannah Harker, Alan Howard, Peter Wyngarde qui ont maintes fois joué sur les planches.  Enfin, plusieurs comédiens en plus de leur participation à un épisode de la série, ont été présents dans une autre adaptation du héros de Conan Doyle : Jeremy Kemp dans "Sherlock Holmes attaque l'Orient-Express" (rôle du Baron von Leinsdorf), Nicholas Clay dans "The Hound of the Baskervilles" (téléfilm) de Douglas Hickox (rôle de Hugo Baskerville), Caroline John dans la série TV de 1982 "The Hound of the Baskervilles" (rôle de Laura Lyons). Mais le plus pittoresque demeure la participation de Jude Law (qui apparaît dans l'épisode 3 de la saison 3 intitulé "Le Mystère de Shoscombe)" car près de vingt ans plus tard, il incarnera lui-même le Dr. Watson dans "Sherlock Holmes" (2009) et (2011) de Guy Ritchie.

Épisodes.

L'œuvre a été produite en quatre séries différentes, de 1984 à 1994. Un redécoupage a été opéré par Granada à l'occasion de la sortie DVD en 2006 : les deux saisons des "Aventures de Sherlock Holmes" et du "Retour de Sherlock Holmes" ont été fusionnées chacune en une seule, et les deux séries suivantes renommées saisons 3 et 4, le tout regroupé sous le titre générique "Sherlock Holmes".  Les titres français ci-dessous sont ceux utilisés lors de la première diffusion sur FR3, le titre alternatif de la version DVD, étant éventuellement indiqué en second.

Voir aussi.

Liste des séries policières britanniques

Sherlock Holmes est un ensemble de quatre séries et cinq téléfilms britanniques produits par Michael Cox et June Wyndham-Davies pour Granada Television, et diffusés sur ITV sous les intitulés suivants :  En France, la série a été diffusée à partir du sur FR3 puis sur TMC.

Sherlock Holmes is the overall title given to the series of Sherlock Holmes adaptations produced by the British television company Granada Television between 1984 and 1994. The first two series were shown under the title "The Adventures of Sherlock Holmes" and were followed by subsequent series with the titles of other short story collections by Arthur Conan Doyle. The series was broadcast on the ITV network in the UK and starred Jeremy Brett (who had earlier portrayed Dr Watson on stage in the Los Angeles production of "The Crucifer of Blood" ) as the famous detective. His portrayal remains very popular and is accepted by some as the definitive on-screen version of Sherlock Holmes.  In addition, Holmes's faithful friend and companion Dr. Watson is portrayed as the kind of thoroughly competent sidekick that Holmes would want. Initially, Watson was portrayed by David Burke (who had earlier played the villain in an adaptation of "The Adventure of the Beryl Coronet" for the 1965 BBC series starring Douglas Wilmer and Nigel Stock). Burke appeared in the first year of the "Adventures" series before leaving to join the Royal Shakespeare Company. He was replaced by Edward Hardwicke, (who had earlier had a role in an adaptation of "The Greek Interpreter" for the 1968 BBC series) who played Watson for the remainder of the run.  Of the 60 Holmes stories written by Sir Arthur Conan Doyle, 42 were adapted in the series spanning 36 one-hour episodes and five feature-length specials. (Episode 40 incorporates the plot lines of both "The Adventure of the Mazarin Stone" and "The Adventure of the Three Garridebs".)


Genèse de la pièce.

L'idée de la pièce est venue à Ionesco lorsqu'il a essayé d'apprendre l'anglais par le biais de la méthode Assimil. Frappé par la teneur des dialogues, à la fois très sobres et étranges mais aussi par l'enchaînement de phrases sans rapport, il décide d'écrire une pièce absurde intitulée "l'anglais sans peine. "Mais ce titre ne plait pas au metteur en scène, celui-ci désire changer ce titre trop proche de "L'Anglais tel qu'on le parle", de Tristan Bernard. Ce n'est qu'après un trou de mémoire, lors d'une répétition, que le titre de la pièce est fixé : le comédien qui jouait le pompier transforma « institutrice » en « cantatrice ». Ionesco, dans la salle, se lève d'un bond et s'écrie : C'est le titre ! Depuis, il n'a pas changé...  Ionesco s'inspire de la méthode Assimil, mais dans "Notes et contre-notes", il explique que l'absurde est venu se surajouter à la simple copie du manuel d'apprentissage. L'absurde devient le moteur de la pièce, car Ionesco a le projet de "“grossir les ficelles de l'illusion théâtrale”".

Résumé.

Il est neuf heures du soir, dans un intérieur bourgeois de Londres, le salon de M. et . La pendule sonne les .  M. et ont fini de dîner. Ils bavardent au coin du feu. M. Smith parcourt son journal. Le couple se répand en propos futiles, souvent saugrenus, voire incohérents. Leurs raisonnements sont surprenants et ils passent sans transition d’un sujet à un autre.  Ils évoquent notamment une famille dont tous les membres s’appellent Bobby Watson. Cela raconte que Bobby Watson est mort il y a deux ans, mais qu'ils sont allés à son enterrement il y a un an et demi et que cela fait trois ans qu'ils parlent de son décès. M. Smith, lui, s’étonne, de ce qu’on mentionne . Un désaccord semble les opposer, mais ils se réconcilient rapidement. La pendule continue de sonner , puis , , , puis, comble de l'absurde, .  Mary, la bonne, entre alors en scène et tient, elle aussi, des propos assez incohérents. Puis elle annonce la visite d’un couple ami, les Martin. M. et quittent la pièce pour aller s’habiller.  Mary fait alors entrer les invités, non sans leur reprocher leur retard.  Les Martin attendent dans le salon des Smith. Ils s’assoient l’un en face de l’autre. Ils ne se connaissent apparemment pas. Le dialogue qui s’engage leur permet pourtant de constater une série de coïncidences curieuses. Ils sont tous deux originaires de Manchester. Il y a , ils ont pris le même train, ont occupé le même wagon et le même compartiment. Ils constatent également qu’ils habitent à Londres, la même rue, le même numéro, le même appartement et qu’ils dorment dans la même chambre. Ils finissent par tomber dans les bras l’un de l’autre en découvrant qu’ils sont mari et femme. Les deux époux s’embrassent et s’endorment.  Mais, Mary, la bonne, de retour sur scène, remet en cause ces retrouvailles et révèle au public qu’en réalité les époux Martin ne sont pas les époux Martin. Elle-même confesse d’ailleurs sa véritable identité : .  Les Martin préfèrent ignorer l’affreuse vérité. Ils sont trop heureux de s’être retrouvés et se promettent de ne plus se perdre.  Les Smith viennent accueillir leurs invités. La pendule continue de sonner en toute incohérence. Les Smith et les Martin parlent maintenant pour ne rien dire. Puis par trois fois on sonne à la porte d’entrée. va ouvrir, mais il n’y a personne. Elle en arrive à cette conclusion paradoxale : . Cette affirmation déclenche une vive polémique. Un quatrième coup de sonnette retentit. M. Smith va ouvrir. Paraît cette fois le capitaine des pompiers.  Les deux couples questionnent le capitaine des pompiers pour tenter de percer le mystère des coups de sonnette. Mais cette énigme paraît insoluble. Le capitaine des pompiers se plaint alors des incendies qui se font de plus en plus rares. Puis il se met à raconter des anecdotes incohérentes que les deux couples accueillent avec des commentaires étranges.  Réapparaît alors Mary, la bonne, qui souhaite, elle aussi raconter une anecdote. Les Smith se montrent indignés de l’attitude de leur servante. On apprend alors que la bonne et le pompier sont d’anciens amants. Mary souhaite à tout prix réciter un poème en l’honneur du capitaine. Sur l’insistance des Martin on lui laisse la parole, mais on la pousse hors de la pièce pendant le récit. Le pompier prend alors congé en invoquant un incendie qui est prévu . Avant de sortir il demande des nouvelles de la cantatrice chauve. Les invités ont un silence gêné puis répond : .  Les Smith et les Martin reprennent leur place et échangent une série de phrases dépourvues de toute logique. Puis les phrases se font de plus en plus brèves au point de devenir une suite de mots puis d’onomatopées. La situation devient électrique. Ils finissent tous par répéter la même phrase, de plus en plus vite :  Ils quittent alors la scène, en hurlant dans l’obscurité.  La lumière revient. M. et sont assis à la place des Smith. Ils reprennent les répliques de la première scène. La pièce semble recommencer, comme si les personnages, et plus généralement les individus étaient interchangeables. Puis le rideau se ferme lentement.  N.B. : Lors des premières représentations, le recommencement final s'effectuait avec les Smith, l'auteur n'ayant eu l'idée de substituer les Martin aux Smith qu'à la centième représentation.

Mises en scène.

Autres mises en scène.

Plusieurs metteurs en scène ont manifesté leur enthousiasme et leur engouement face au texte de Ionesco. Jean-Luc Lagarce, dramaturge du et metteur en scène a proposé une mise en scène de la pièce de "La Cantatrice chauve". Il y pousse à l'extrême le non-sens et le sentiment de l'absurde. Les personnages sont des « fantoches », livrés à eux-mêmes. La dérision est poussée à son paroxysme révélant des personnages hauts en couleurs. Jean-Luc Lagarce utilise des couleurs vives pour dénoncer le ridicule des bourgeois ainsi qu'un décor (une maison blanche et un jardin) pour souligner leur conformisme. Il souligne ainsi l'artificialité et la superficialité de ce monde (comme la mise en scène d'un tuyau en plastique jaune fluo). L'artificialité est créée à partir de rires pré-enregistrés diffusés lors de dialogues non comiques ou encore par les caractères imprévisibles des personnages, qui, le temps d'une réplique, peuvent changer totalement de personnalité. Des allusions aux films d'Alfred Hitchcock ou encore aux séries américaines entrecoupées de pages publicitaires (c'est pour cela que des pauses surviennent lors de la scène) sont remarquées.  Jean-Claude Berutti propose quant à lui, une mise en scène où l'étrange côtoie la peur et le bizarre. Les personnages portent des masques en plâtre et évoluent sur une scène de ring. Le décor, comme beaucoup de décors au , est très sobre voire dépouillé. Il joue sur le côté automate des personnages. Berutti propose également un jeu très sensuel et érotique à ses personnages, provoquant malaise et gêne chez le spectateur.  À l'instar de la Huchette, une version plus moderne au décor plus symbolique (représentant le drapeau anglais) a été créée en 2009 et à l'Alambic Comédie et s'est jouée pendant 4 saisons en continu. Cette mise en scène d'Alain Lahaye, inspirée des conseils de Nicolas Bataille, respecte scrupuleusement le texte et apporte une fantaisie sobre à la pièce.

La Cantatrice chauve est la première pièce de théâtre écrite par Eugène Ionesco. La première représentation a eu lieu le au théâtre des Noctambules dans une mise en scène de Nicolas Bataille. Cette œuvre du théâtre de l'absurde fut publiée pour la première fois le par le Collège de 'Pataphysique, qui promeut une philosophie et édite des textes basés sur l'absurde. La pièce détient le record du monde du nombre de représentations sans interruptions d'une pièce de théâtre dans une même salle, étant jouée depuis 1957 au théâtre de la Huchette. Elle totalise plus de 19 000 représentations et plus de 2 millions de spectateurs en 2019.

La Cantatrice chauve – translated from French as The Bald Soprano or The Bald Prima Donna – is the first play written by Romanian-French playwright Eugène Ionesco.  Nicolas Bataille directed the premiere on 11 May 1950 at the Théâtre des Noctambules, Paris. Since 1957 it has been in permanent showing at the Théâtre de la Huchette, which received a "Molière d'honneur" for its performances. It holds the world record for the play that has been staged continuously in the same theatre for the longest time. Although it went unnoticed at first, the play was eventually championed by a few established writers and critics and, in the end, won critical acclaim. By the 1960s, "The Bald Soprano" had already been recognized as a modern classic and an important seminal work in the Theatre of the Absurd. With a record number of interpretations, it has become one of the most performed plays in France.


Définition.

D'après l'encyclopédie Larousse,

Origines étymologiques.

Le terme « kitsch », introduit de manière plutôt accidentelle vers 1860, présente une étymologie incertaine. On recourt généralement à trois hypothèses différentes pour expliquer son origine. William Styron indique une origine yiddish de ce mot dans son roman "Le Choix de Sophie".

Origines historiques.

Le concept apparaît vers 1860-1870, en Bavière, sous le maniérisme de .  Il est intimement lié à l'idée de l'inauthentique, de la surcharge et du mauvais goût. Désignant au départ la « production artistique et industrielle d'objets bon marché » (Legrand), le concept est indissociable de l'industrie de consommation de masse.  Dans le langage courant, le kitsch désigne des objets de mauvais goût, agrémentés de décorations superflues, qui copient le plus souvent des œuvres reconnues comme des classiques. Le kitsch, produit de changements sociaux et historiques, émerge au cours de deux périodes précises.

Première période.

La première phase du kitsch est amenée, au milieu du , par l'industrialisation et l'urbanisation.  En Europe et en Amérique du Nord, ceux qui profitent des positions offertes par l'industrie forment une nouvelle classe moyenne. Ces travailleurs, satisfaits autrefois par l'art rural et traditionnel, ont maintenant accès à de nouveaux produits culturels. Les nouvelles classes moyennes cherchent à se divertir avec des moyens adaptés à elles. Ces dernières se contentent donc de ce que Clement Greenberg appelle un  Les loisirs permettent entre autres aux classes moyennes de développer un goût pour les imitations à bon marché du grand art traditionnel. Les manufactures et le commerce au détail leur permettent ainsi d'acquérir facilement des produits culturels distribués à grande échelle.  Dans le domaine religieux se développent à la même époque les objets de bondieuserie, essentiellement liés au culte catholique.

Deuxième période.

Au milieu du , lorsque se développe la seconde phase du kitsch, ce dernier devient une cible privilégiée pour critiquer la culture de masse. Les intellectuels de gauche utilisent le kitsch pour condamner la culture de la nouvelle société de consommation. Cette fois, on ne reproche pas au kitsch d'éroder la culture d'élite, on l'accuse plutôt d'être un outil privilégié pour manipuler les masses :

Vision politique.

Pour certains penseurs des années 1950, le kitsch, dans la mesure où il encourage l'abaissement de la masse devant l'autorité, opère de la même manière dans le contexte capitaliste américain qu'il a opéré chez les fascistes et les communistes.  Ainsi, Milan Kundera développe dans son roman "L'Insoutenable Légèreté de l'être" le rapport entretenu, par le régime communiste d'après-guerre de Tchécoslovaquie, entre les valeurs attendues chez le citoyen communiste idéal et le kitsch. Selon lui, toute tentative de démarcation de l'individu par rapport au mode de pensée de la masse est rejetée par le kitsch communiste.

Aujourd'hui.

Parallèlement à la globalisation progressive des marchés et des produits échangés, le kitsch est devenu involontairement un des styles les plus répandus dans le monde à travers les produits de consommation courante. Le terme se situe entre péjoratif et affectif (« mauvais » goût assumé) ; le kitsch d'un objet est surtout corollaire des goûts de son observateur. Ainsi, l'art rococo, les nappes napolitaines, la boule à neige, les nains de jardin et les horloges bavaroises ou la pendule à coucou sont souvent taxés de « kitsch », parfois avec condescendance, ou avec humour.  On peut estimer aujourd'hui que les courants esthétiques de l'après post-modernisme, accueillant avec bienveillance toutes les formes plastiques témoignant d'une histoire personnelle, ont largement revalorisé la notion de kitsch.

Dans les arts plastiques.

Dans les années 1980, le plasticien Jeff Koons a délibérément développé son œuvre au sein de l'esthétique kitsch, trouvant dans la marketisation des images des ressources de création potentielles. On retrouve une démarche similaire chez Pierre et Gilles.  Au Japon, la culture manga, et notamment le style "kawaii" (mignon) ont été les vecteurs d'incalculables productions kitsch : Takashi Murakami a détourné la connotation puérile de ces productions dans ses œuvres.  Le peintre norvégien Odd Nerdrum, qui a publié "On Kitsch", revendique que sa peinture relève du kitsch.

Dans les arts du spectacle.

Aux États-Unis, des séries comme les deux séries "Dynastie" (1981 et 2017) développent une esthétique kitsch.  En France, Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff ont repris dans leur série télévisée "Les Deschiens" les codes vestimentaires du kitsch.

Le kitsch ou kitch est l'accumulation et l'usage hétéroclite, dans un produit culturel, de traits considérés comme triviaux, démodés ou populaires.  Son emploi implique donc nécessairement un jugement de valeur et la norme qui le conditionne.

Kitsch ( ; loanword from German) is art or other objects that, generally speaking, appeal to popular rather than "high art" tastes. Such objects are sometimes appreciated in a knowingly ironic or humorous way. The word was first applied to artwork that was a response to certain divisions of 19th-century art with aesthetics that favored what later art critics would consider to be exaggerated sentimentality and melodrama. Hence, 'kitsch art' is closely associated with 'sentimental art'. Kitsch is also related to the concept of camp, because of its humorous and ironic nature.  Kitsch art may often contain palatable, pleasant and romantic themes and visuals that few would find disagreeable, shocking or otherwise objectionable; it generally attempts to appeal to the human condition and its natural standards of beauty on a superficial level. It may also be quaint or "quirky" without being controversial.  To brand visual art as "kitsch" is generally (but not exclusively) pejorative, as it implies that the work in question is gaudy, or that it serves a solely ornamental and decorative purpose rather than amounting to a work of what may be seen as true artistic merit. However, art deemed kitsch may be enjoyed in an entirely positive and sincere manner. The term is also sometimes applied to music or literature, or indeed any work.


Biographie.

Comme son cousin, Jiajing se désintéressa du pouvoir, occupé par sa vie galante et la recherche de l'élixir d'immortalité par des rites taoïstes. Il laissa le pouvoir aux eunuques, enracinant un mode de gouvernement qui précipita le déclin de la dynastie. Sous son règne, les parties latérale et occidentale de la Cité interdite sont en pleine construction.  Il affronte victorieusement la bureaucratie de l'Empire au cours de dix-sept ans de "Controverse sur les Grands Rituels", polémiques pour décider de la titulature posthume de ses parents. Jiajing réforme ainsi tous les grands rites et sacrifices impériaux, et n'hésite pas à utiliser la force contre les fonctionnaires réticents, comme en 1524. La bureaucratie chinoise se divise entre une minorité de partisans de l'empereur et les autres. Bien que la plupart des réformes rituelles de Jiajing soient rapidement abandonnées, la rupture entre la bureaucratie divisée en factions et l'empereur Ming est consommée. La situation perdure jusqu'à la fin de la dynastie en 1644.  Son intronisation fut l'occasion d'une querelle rituelle sur la fiction qu'il fallait employer pour légitimer cette succession inhabituelle : nombreux étaient les partisans de proclamer de façon posthume le nouvel empereur fils adoptif du père du précédent, donc le frère de ce dernier et son successeur légitime, mais le nouvel empereur préférait élever son propre père à la dignité impériale de façon posthume. Cette controverse suscita des protestations virulentes de plusieurs lettrés opposés à la volonté du nouvel empereur, car elle offrait une plus grande marge de manœuvre aux futurs candidats au pouvoir en cas de crise successorale, ce qui était particulièrement périlleux alors que l'empire se remettait de deux révoltes princières. Après dix années et plusieurs condamnations à l'exil de ses opposants les plus virulents (dont Yang Tinghe), Jiajing et ses partisans firent triompher leur position. Le long règne de Jiajing fut une période faste sur le plan économique, en l'absence de catastrophes climatiques ou épidémiques, surtout après le milieu du siècle. Ces années-là virent néanmoins l'arrivée de nouvelles menaces aux frontières septentrionale et orientale. Au Nord d'abord, les troupes du chef mongol Altan Khan firent plusieurs raids dans la région de Pékin, emportant un lourd butin, assiégeant Pékin quelques jours en 1550 puis enlevant une partie de l'actuel Shanxi aux Ming deux ans plus tard. Sur le littoral de l'Est ensuite, les attaques de pirates désignés sous le terme de "wakō" furent virulentes dans les années 1540-1565, touchant sévèrement les riches régions du Sud (Nankin, Anhui, Zhejiang, Fujian). La réplique des Ming fut poussive : elle débuta seulement en 1555-1556, rétablissant l'ordre sans être pour autant en mesure de juguler complètement les attaques de pirates. Pendant la seconde moitié de son règne, l'empereur victime de tentatives d'attentats par ses domestiques s'enferme dans un palais annexe de la Cité interdite et se tourne vers le taoïsme.  Il meurt à l'âge de 60 ans, possiblement d'un empoisonnement au mercure qu'il utilisait lors de ses rites taoïstes. Son fils Longqing lui succède.

Jiajing (, né dans la province de Hubei le et mort à Pékin le ), de son nom personnel Zhu Houzong (朱厚骢), est le onzième empereur de la dynastie Ming (1521-1566). Il succède à son cousin Zhengde, mort sans héritier.

The Jiajing Emperor (; 16September 150723January 1567) was the 12th Emperor of the Ming dynasty, reigned from 1521 to 1567. Born Zhu Houcong, he was the former Zhengde Emperor's cousin. His father, Zhu Youyuan (1476–1519), the Prince of Xing, was the fourth son of the Chenghua Emperor (reigned from 1464 to 1487) and the eldest son of three sons born to the emperor's concubine, Lady Shao. The Jiajing Emperor's regnal name, "Jiajing", means "admirable tranquility".


Règne.

Né Zhu Zhanji, il était le fils aîné de l'empereur Ming Renzong et de l'impératrice Cheng Xiao Zhao. Contrairement à son père, l'empereur a décidé de faire de Pékin la capitale impériale. Il permit à Zheng He de mener une septième et dernière expédition maritime.  Son oncle Zhu Gaoxu, prince de Han, avait été un favori de Yongle en raison de ses succès militaires, mais il désobéit aux instructions impériales et fut exilé en 1417 dans le petit fief de Le'an (province de Shandong). Lorsque commença la rébellion de Zhu Gaoxu, le nouvel empereur siègeait à Le'an. Zhu Gaoxu dut se rendre peu de temps après. Il fut réduit à l'état de roturier et mourut sous la torture. Six cents fonctionnaires jugés coupables de rébellion furent exécutés, 2 200 furent bannis. L'empereur ne souhaitait d'abord pas exécuter son oncle, mais changea d'avis plus tard sous le coup de la colère. Zhu Gaoxu fut exécuté sous la torture ainsi que tous ses fils. Il est très probable que l'arrogant Zhu Gaoxu avait offensé l'empereur. Selon une théorie, lors d'une visite impériale, Zhu Gaoxu fit volontairement trébucher son neveu l'Empereur.  L'empereur créa un conseil privé des eunuques qui renforça le pouvoir central en contrôlant une police secrète ; leur influence continua à croître après son règne. En 1428, le célèbre censeur Liu Guan fut condamné aux travaux forcés et remplacé par l'incorruptible Zuo Gu (1446). La même année, l'empereur réforma les règles régissant la conscription militaire et le traitement réservé aux déserteurs. Pourtant, les militaires ont continué à être héréditaire. D'énormes inégalités en matière de charges fiscales avaient causé la faillite de plusieurs agriculteurs. En 1430, l'empereur ordonna des réductions d'impôt sur toutes les terres impériales et envoya des missionnaires afin de coordonner l'administration provinciale, tout en exerçant un contrôle civil sur l'armée.  Il dut reconnaître l'indépendance de l'Annam en 1427 et mener l'armée contre des rebelles mongols pour stabiliser la situation et protéger l'empire. Pendant son règne, l'état social et économique fut considérablement amélioré et la situation politique fut la plus stable de la dynastie Ming.  L'empereur Ming Xuanzong était doué en littérature et en poésie. Il était également doué dans le domaine militaire, en stratégie notamment. Il mourut le à l'âge de 35 ans. Il fut inhumé dans le tombeau Jingling (景陵), un des treize tombeaux des Ming près de Pékin. Son fils ainé Ming Yingzong lui succéda.

Empereur artiste.

L'empereur était connu comme un peintre accompli, particulièrement habile à peindre des animaux. Certaines de ses œuvres sont conservées au Musée national du palais, à Taipei, et au Musée Arthur M. Sackler, une division de Harvard Art Museum, à Cambridge. Robert D. Mowry, le conservateur de l'art chinois au Musée Arthur M. Sackler, l'a décrit comme « le seul empereur Ming qui affiche un véritable talent artistique ».

Ming Xuanzong (明宣宗, né le à Pékin et décédé le à Pékin) est empereur de Chine du à sa mort. En Chine, on le désigne depuis sa mort par son nom de règne, Xuande (宣德帝, « Empereur Xuande »).  De son nom personnel Zhu Zhanji (朱瞻基), il était le fils aîné de l'empereur Ming Renzong et de l’impératrice Cheng Xiao Zhao. Il fut le cinquième empereur de la dynastie Ming.

The Xuande Emperor (; 16 March 1399 31 January 1435), personal name Zhu Zhanji (朱瞻基), was the fifth Emperor of the Ming dynasty, reigned from 1425 to 1435. His era name "Xuande" means "Proclamation of Virtue".


Résumé.

Au cours de l'été 1978, Arnie Cunningham, un adolescent intelligent mais timide, acnéique et complexé, aperçoit une Plymouth Fury modèle 1958 rouge et blanche délabrée. Sous le charme de la voiture, il l'achète à Roland LeBay, un homme âgé qui a surnommé le véhicule Christine. Doué en mécanique, le jeune homme remet la voiture en état de rouler dans un garage dirigé par Will Darnell, qui est soupçonné d'utiliser son établissement comme façade pour des opérations illicites. Arnie devient renfermé et cynique, mais aussi plus confiant et plus sûr de lui qu'auparavant. Par ailleurs, son apparence s'améliore en tandem avec celle de Christine, dont certaines réparations semblent excéder le budget et les compétences d'Arnie.  Dennis Guilder, le meilleur ami d'Arnie, qui n'a pas aimé cette voiture dès le début et voit le comportement de son ami changer du tout au tout, mène son enquête sur le passé du véhicule. Lorsque LeBay meurt, Dennis rencontre son frère cadet, George, qui lui révèle que la fille et l'épouse de LeBay sont mortes dans la voiture. Au fil du temps, Dennis observe qu'Arnie s'approprie plusieurs traits de personnalité de LeBay et qu'il agit comme convoyeur pour Darnell dans ses opérations de contrebande. Arnie commence à sortir avec Leigh Cabot, une séduisante nouvelle lycéenne. Lors d'un rendez-vous avec Arnie, Leigh manque de s'étouffer dans la voiture et n'est sauvée que par l'intervention d'un auto-stoppeur. Apeurée par l'aspect presque vivant de Christine, elle jure de ne plus jamais monter dans la voiture. Les parents d'Arnie refusent qu'il gare Christine chez eux, ce qui cause une violente dispute.  Peu après, Buddy Repperton, un petit caïd du lycée qui blâme Arnie pour son expulsion, vandalise Christine avec l'aide de son gang. Arnie l'amène au garage de Darnell, où Christine se répare peu à peu elle-même. Sa relation avec Leigh décline et ils se séparent, en partie à cause de Christine. Après une série de morts étranges s'abattant sur Darnell et les voyous ayant vandalisé Christine, sauf un qui fuit la ville, Dennis devient persuadé que la voiture est animée d'une vie propre. La police trouve des indices reliant Christine à chacun des meurtres, mais aucune preuve n'est trouvée sur la voiture. L'inspecteur de police Rudy Junkins se méfie d'Arnie malgré ses alibis en béton.  Leigh et Dennis entament leur propre relation amoureuse. Dennis spécule que LeBay aurait délibérément sacrifié sa fille et sa femme pour faire de Christine un réceptacle pour son propre esprit. Peu de temps après, Junkins meurt dans un accident de voiture. Se doutant qu'ils sont les prochains sur la liste de Christine, Dennis et Leigh élaborent un plan pour détruire la voiture. Profitant d'une absence d'Arnie, parti avec sa mère, ils attirent Christine, qui vient de tuer le père d'Arnie, au garage et la percutent plusieurs fois avec un camion de vidange des fosses septiques, après quoi Christine se fait compresser à la casse. Ils apprennent peu après qu'Arnie et sa mère sont morts dans un accident de voiture, apparemment causé par une lutte entre Arnie et l'esprit de LeBay, Arnie voulant se libérer de son emprise.  L'épilogue se situe quatre ans plus tard. Dennis et Leigh se sont séparés, et Dennis apprend par le journal que le dernier membre de la bande de voyous qui avait vandalisé Christine s'est fait écraser par une voiture. Dennis pense alors que Christine a fini par se reconstruire et qu'elle va vouloir se venger de Leigh et lui.

Accueil et distinctions.

Le roman est resté 32 semaines, avec un meilleur classement à la deuxième place, sur la "New York Times Best Seller list", y apparaissant le . Le "Publishers Weekly" le classe à la cinquième place des meilleures ventes de romans aux États-Unis en 1983.  "Christine" a été nommé au prix Locus du meilleur roman de fantasy 1984, terminant à la sixième place.

Analyse.

"Christine" est considéré par de nombreux critiques comme l'un des romans les plus faibles de Stephen King mais a néanmoins ses adeptes. Michael R. Collings met l'accent sur le côté mélodramatique de l'histoire, qui , et les . La rupture dans la narration à la première personne lorsque Dennis est à l'hôpital mais le récit est néanmoins sauvé en partie par , explorant . Le roman est chargé de symboles sur le passage à l'âge adulte, Christine ayant 21 ans au moment du récit et la société américaine entrant dans une époque où les excès de consommation deviennent presque inacceptables. Il traite de , reflétant à la fois de cet âge, tout en critiquant la société américaine de l'époque. King poursuit également sa série de portraits de parents destructeurs à travers les mensonges et l'hypocrisie des parents d'Arnie. Pour Laurent Bourdier, le roman fait partie de ceux dans lesquels King critique notre dépendance à la technologie, Christine se voyant attribuer un prénom féminin et des sentiments humains comme la jalousie, alors qu'en parallèle Arnie . C'est un exemple .

Liens avec d'autres œuvres de Stephen King.

Christine fait une réapparition dans "Ça" où Grippe-Sou l'envoie servir de véhicule à Henry Bowers.  Elle est également présente dans "Le Fléau", lorsque Stu et Tom cherchent un véhicule fonctionnel. En entrant dans Christine, ils découvrent les clés de voiture d'Arnie branchées sur le contact avec ses initiales. De plus, Stu a l'impression continuelle d'apercevoir de mystérieux cadavres sur la banquette arrière de cette Plymouth.

Adaptation.

Le réalisateur John Carpenter a adapté le roman au cinéma dès 1983, en achetant les droits d'adaptation du livre avant même sa sortie.

Christine (titre original : "Christine") est un roman fantastique de Stephen King publié en 1983. Il est dédicacé au réalisateur George Romero, avec qui l'écrivain a collaboré sur "Creepshow", sorti en 1982.

Christine is a horror novel by American writer Stephen King, published in 1983. It tells the story of a car (a 1958 Plymouth Fury) apparently possessed by supernatural forces. A film adaptation, directed by John Carpenter, was released in December of the same year; this adaptation starred Keith Gordon, John Stockwell, Alexandra Paul and Harry Dean Stanton. In April 2013, PS Publishing released "Christine" in a limited 30th Anniversary Edition.


Synopsis.

"Simutrans" permet de développer un réseau routier, ferroviaire (tram et train), fluvial et aérien, de construire des infrastructures (gares, voies du circulation, bâtiments, des dépôts, mais également de modifier le relief. Le jeu inclut de nombreux modèles différents de bateaux, trains et véhicules. Il est multilingue et peut être configuré pour jouer avec des cycles jour/nuit. Une option de jeu libre ("freeplay") permettant de jouer sans crainte de banqueroute est également disponible. Le but n'est pas tant de développer le réseau que de gérer les investissements et coûts de transport entre les sites de production de matière première, de traitement puis de production et de distribution.

Système de jeu.

Modes de jeu.

Dans les versions récentes, il est possible de choisir entre différents graphismes, nommés paksets : pak64 (anciennement 64x64) et ses différentes déclinaisons, pak128 (anciennement 128x128) et déclinaisons, pak32, pak48, pak96, pak192, tous en développement constant. Dans tous les cas, comme dans un jeu de gestion de transport classique, de nouveaux types de véhicules apparaissent et disparaissent avec le temps.  Il est possible de jouer sur des cartes de différentes tailles, de gérer le format des villes, le nombre d'attractions touristiques, le nombre d'industries par ville, et le nombre de villes au début de la partie.  Le projet est désormais Open source : il est offert à chacun de dessiner des bâtiments des véhicules, de proposer simplement des idées, ou de participer activement au développement du jeu et aux traductions des textes. De nombreux addons (trains, wagons, bâtiments, véhicules, avions...) sont disponibles sur internet, créés par des passionnés.  Comme beaucoup d'autres jeux tels que "Railroad Tycoon" ou "Transport Tycoon", son unique but est de créer une économie stable et de prospérer en évitant la banqueroute, et ce le plus longtemps possible.

Ergonomie.

Le jeu fonctionne principalement grâce à des barres d'outils, chaque menu s'ouvre sous forme de fenêtre flottante. Les fenêtres sont elles-mêmes constituées de boutons d'action, celui-ci sélectionné le curseur change de forme, et rend l'action sur la carte possible. Le mode loupe à deux fonctions : ouvrir les menus des dépôts de véhicule et prendre des informations sur la carte ou les industries.  Il est possible de relier plusieurs lignes, tel qu'une ligne fluviale soit en continuité avec une ligne routière pour transporter le chargement sur mer puis sur terre.  Un train peut mesurer jusqu'à" "24 éléments (ou cases), et être constitué de wagons de plusieurs types.

Transports.

Les camions, comme les trains et les bateaux, peuvent transporter des marchandises, parmi lesquelles (liste non exhaustive) :

Simutrans est un jeu de simulation gratuit et open source, disponible sous Windows, BeOS et Linux. Axé sur le transport des biens, du courrier et des personnes, ce jeu a été écrit par Hansjörg Malthaner. De nouvelles versions sont disponibles régulièrement. Le jeu est similaire à "Transport Tycoon" (et donc aussi à "OpenTTD").

Simutrans is a cross-platform simulation game in which the player strives to run a successful transport system by constructing and managing transportation systems for passengers, mail and goods by land (rail, road, tram, monorail, maglev), air (airplanes) and water (ship) between places. Like "OpenTTD", "Simutrans" is an open-source transportation game based on the "Transport Tycoon" idea.


Hagiographie.

La vie et le martyre d'Agnès sont rapportés par saint Damase, par Ambroise et Prudence ("Peristephanon" 14), ainsi que les Passions grecques et romaines qui mentionnent la "" (déposition de son corps) dans les près de la via Nomentana. Tous les récits médiévaux relatifs au martyre d'Agnès (hymnes, poèmes, sermons, abrégés) se basent sur un texte de référence, la Passion pseudo-ambrosienne. Le dominicain Jacques de Voragine rapporte aussi son histoire, dans la "Légende dorée". Son récit dans ce recueil d'hagiographies rédigé entre 1261 et 1266, relève du remploi, de la réécriture et de l'assemblage de ces sources antiques.  Née vers 290, Agnès serait issue de la noblesse romaine, hypothèse dénuée de preuve selon l'historien Paul Allard. Elle serait la "sœur de lait" de sainte Émérentienne.  À l'âge de douze ans (topos de la littérature antique, symbolisant une frontière entre l’enfance et l’âge adulte) selon Ambroise, elle rejette les avances du fils du préfet de Rome qui la courtise avec empressement, lui déclarant qu'elle est déjà fiancée à quelqu'un de bien plus noble que lui. Le jeune homme serait tombé malade d'amour.  Lorsque son père en connaît la raison, il convoque Agnès qui lui confie qu'elle est chrétienne et promise à Jésus-Christ. Le préfet lui ordonne alors de sacrifier aux dieux romains sous peine d'être enfermée dans un lupanar. Refusant de lui céder, Agnès est dépouillée de ses vêtements et conduite, nue, à travers la ville, jusqu'au lieu de prostitution, mais ses cheveux se mettent à pousser miraculeusement, recouvrant entièrement son corps.  Arrivée dans le lupanar, un ange apparaît et l'enveloppe d'une lumière éblouissante, et le lupanar devient un lieu de prière. Alors que le fils du préfet lui rend visite, bien décidé à la conquérir, un démon l'étrangle et il meurt. Fou de colère, le préfet ordonne qu'Agnès soit brûlée en place publique comme une sorcière, mais le feu épargne la jeune fille et détruit ses bourreaux ; finalement, Agnès est égorgée. Avant que le bourreau ne frappe, Agnès lui aurait dit : « Celui qui le premier m'a choisie, c'est Lui qui me recevra ».  Sur ce point, la "Légende dorée" diverge et raconte que le gouverneur veut qu'Agnès prouve qu'elle n'a pas usé de magie en ressuscitant son fils, ce qu'elle fait par la prière ; les prêtres la font alors arrêter, et le gouverneur, qui aurait voulu la libérer mais craint la proscription, charge un substitut de la juger. Ce dernier la fait brûler, mais le feu l'épargne et touche le peuple déchaîné qui se tient autour. Le substitut la fait alors égorger.  Son martyre se placerait vers 304 ou 305 pendant la persécution de Dioclétien mais les historiens n'ont pu établir le lieu, la date de sa mort (fixée le ou le selon les traditions chrétiennes) et le mode du martyre.

Postérité.

Culte.

La dévotion à Agnès est basée sur une riche littérature .  La plus ancienne attestation de son culte date de 354, avec le "Depositio Martyrum" qui mentionne au la déposition d'Agnès sur la via Nomentana, et tous les anciens sacramentaires consacrent des formulaires à son anniversaire. La fête de sainte Agnès, semi-double au moyen âge, est insérée comme double dans le calendrier romain de 1568 ( et octave d'Agnès, "Agnetis secundo", le ).  Depuis le , chaque année le , en mémoire du martyre, le pape bénit deux agneaux élevés dans un couvent romain et dont la laine sera utilisée pour le futur pallium des archevêques nommés au cours de l’année.  Elle fait partie des sept martyres citées dans le canon de la messe : « Félicité, Perpétue, Agathe, Lucie, Agnès, Cécile, Anastasie ».

Sanctuaires romains.

À Rome, la basilique Sant'Agnese fuori le Mura abrite la tombe de la martyre, au-dessus des catacombes qui portent son nom. À côté de l'église médiévale, qui est l'un des principaux lieux de pèlerinages romains, se dressent les ruines d'une imposante basilique construite par Constantin, dont une annexe, la tombe de sa fille sainte Constance, demeure intacte (avec de magnifiques mosaïques).  L'église romaine Sainte-Agnès-en-Agone, reconstruite par Borromini, se dresse sur la "piazza Navona", ancien stade de Domitien, sous une voûte duquel avait été exposée la martyre. Sur l'emplacement du « lupanar » se trouve maintenant une chapelle souterraine.

Patronage.

Sainte Agnès est la patronne de la chasteté, des couples, de la pureté corporelle, des Enfants de Marie Immaculée, du Collegio Capranica de Rome, des récoltes, des guides (scoutisme), des filles, des victimes de viol, du diocèse de centre de Rockville dans l'État de New York et des vierges. L'ordre de la Très Sainte Trinité (ordre religieux fondé en 1193 pour le rachat des captifs chrétiens capturés par les barbaresques) la vénère également.

Iconographie.

Sainte Agnès est généralement représentée avec un agneau à ses pieds ou dans ses bras. Bien qu'il n'y ait aucun rapport étymologique entre le grec agnê (à l'origine du prénom Agnès et le latin agnus (agneau), les Romains ont en effet très tôt rattaché la sainte au nom agnus par allusion à l'agneau mystique, faisant d'elle la personnification féminine de l'Agnus Dei. .  Elle peut aussi être présentée recouverte de ses longs cheveux ou du manteau dont l'enveloppe un ange. Les artistes la montrent aussi lors de son martyre, indemne proche d'un bûcher ou prête à être égorgée.  José de Ribera "Sainte Agnès en prison" Galerie des Beaux Arts Dresde.  Vicente Masip "Martyre de Sainte Agnès" Musée du Prado 1540.

Agnès de Rome ou sainte Agnès (v. 290 - v. 304 ou 305) est une sainte, et martyre, fêtée le 21 janvier.  Ses principaux attributs sont un agneau blanc, la palme du martyre, un rameau ou une couronne d'olivier, une épée ou un poignard et un bûcher en flammes. Son prénom vient du grec "Agnos" qui signifie chaste ou pur.  Cette sainte célèbre est principalement connue par des traditions orales recueillies dans la seconde moitié du dans les écrits de saint Damase et saint Ambroise. La légende hagiographique est enrichie au par le poète Prudence et les Passions grecques de la sainte qui figurent dans la BHG, et au par les Passions latines dans la BHL, notamment la Passion pseudo-ambrosienne qui s'impose comme la référence littéraire et hagiographique de la sainte et bénéficie en Occident d'une renommée importante. Sur le nom même d'Agnès qui invitait à en faire une vierge et sur un mince canevas historique, la légende a ainsi greffé traditions et topoi littéraires.

Agnes of Rome () is a virgin martyr, venerated as a saint in the Roman Catholic Church, Eastern Orthodox Church, the Anglican Communion, and Lutheranism. She is one of seven women who, along with the Blessed Virgin, are commemorated by name in the Canon of the Mass.  Agnes is depicted in art with a lamb, evoking her name which resembles the Latin word for "lamb", "agnus" (the given name is Greek, from "hagnē" ἁγνή "chaste, pure"). She is also shown with a martyr's palm. She is the patron saint of girls and chastity.  Agnes' feast day is 21 January.


Histoire.

Ce chant a été écrit déjà en 1816 par le prêtre Joseph Mohr (1792-1848) qui était alors coadjuteur à la paroisse de Mariapfarr dans les Alpes salzbourgeoises. En , il arriva à Oberndorf où l'organiste Franz Xaver Gruber (1787-1863) a travaillé comme enseignant. À la demande de Mohr, Gruber a composé la ligne mélodique inspirée du poème avant Noël 1818. La transcription la plus ancienne qui a été découverte remonte à l'an 1823, conservée aujourd'hui au Musée de Salzbourg.  Les raisons de la composition du chant ne sont pas certaines. Une hypothèse est que l'orgue vieillissant de l'église n'étant plus en état, Mohr et Gruber décidèrent alors de créer un chant destiné à être accompagné à la guitare. D'Oberndorf, le chant populaire se répandit ainsi dans le monde entier. L"'Allgemeine musikalische Zeitung" note une représentation au Gewandhaus de Leipzig en 1832 ; un morceau préféré du roi Frédéric-Guillaume IV de Prusse, sa Staatskapelle de Berlin s'est adressée pour une transcription à l'archi-abbaye Saint-Pierre de Salzbourg et est tombée sur la paternité de Franz Xaver Gruber.  Le , le long du front belge près d'Ypres, quelques soldats allemands allument des bougies et entonnent "Douce nuit" ; le chant est repris par des combattants anglais et une « Trêve de Noël » s'instaure, pour une journée. Une version de Bing Crosby, chantée durant une émission radio de Noël 1934, est devenue l'un des singles les plus vendus dans le monde.

Paroles.

Il existe plus d'une centaine de traductions de '. En plus de plusieurs versions françaises, on peut citer le ' anglais, le ' italien et ' espagnol, "Nozvezh sioul" breton.  Les paroles sont disponibles sur Wikisource :  Une autre version du texte commence par les mots "Ô nuit de paix, sainte nuit / Dans le ciel l'astre luit". Elle a entre autres été endisquée par Céline Dion sur son deuxième album, en 1981. Une autre version de R. Reyon & M. Combre existe également.

Douce nuit, sainte nuit ( ) est l'un des chants de Noël les plus célèbres au monde représentant Noël dans l'espace germanophone. Il a été chanté pour la première fois à la veille de Noël 1818 dans l'Église Saint-Nicolas à la ville autrichienne d'Oberndorf bei Salzburg. Depuis , "Douce nuit, sainte nuit" appartient au patrimoine culturel immatériel de l'humanité reconnu par l'UNESCO.

"Silent Night" () is a popular Christmas carol, composed in 1818 by Franz Xaver Gruber to lyrics by Joseph Mohr in the small town of Oberndorf bei Salzburg, Austria. It was declared an intangible cultural heritage by UNESCO in 2011. The song has been recorded by many singers across many music genres. The version sung by Bing Crosby in 1935 is the fourth best-selling single of all-time.


Les formes de la musique romantique.

Symphonie.

Portée au plus haut degré par Ludwig van Beethoven, la symphonie devient la forme la plus prestigieuse à laquelle se consacrent de nombreux compositeurs. Les plus conservateurs respectent le modèle beethovénien : ainsi de Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann ou de Johannes Brahms. D'autres font preuve d'une imagination qui leur fait dépasser ce cadre, dans la forme ou dans l'esprit : le plus audacieux d'entre eux est Hector Berlioz.  Enfin, certains vont par delà raconter une histoire tout au long de leurs symphonies ; tels Franz Liszt, ils vont créer le poème symphonique, nouveau genre musical, généralement composé d’un unique mouvement et inspiré par un thème, un personnage ou un texte littéraire. Puisque le poème symphonique est articulé autour d’un leitmotiv (motif musical permettant d’identifier un personnage, le héros par exemple), il est à rapprocher de la musique à programme symphonique.

Lied.

Ce genre musical est apparu avec l'évolution du pianoforte vers le piano au cours de la période romantique. Le lied est une musique vocale accompagnée le plus souvent par cet instrument. Le chant est tiré de poèmes romantiques et ce style permet de rapprocher le plus possible la voix des sentiments. L'un des premiers et des plus célèbres compositeurs de lieder est Franz Schubert, avec "Le Roi des aulnes", cependant, beaucoup d'autres compositeurs romantiques se sont adonnés au genre du lied comme Robert Schumann, Johannes Brahms, Hugo Wolf ou Gustav Mahler.

Concerto.

C'est Beethoven qui inaugure le Concerto romantique, avec ses cinq concertos pour piano (surtout le cinquième) et son concerto pour violon. Son exemple est suivi par de nombreux compositeurs : le concerto rivalise avec la symphonie dans le répertoire des grandes formations orchestrales.  Enfin, le concerto va permettre à des compositeurs instrumentistes de révéler leur virtuosité, tels Niccolò Paganini au violon, et Frédéric Chopin ou Franz Liszt au piano.  Au cours du , le romantisme gagne l’opéra et c’est Paris qui en est le foyer. La plupart des opéras romantiques sont composés par des compositeurs vivant en France, tels que Luigi Cherubini, Gaspare Spontini ou Daniel-François-Esprit Auber. L’apogée du style est marqué par les œuvres de Giacomo Meyerbeer. "Les Troyens" d'Hector Berlioz est d'abord ignoré, tandis que "Faust" de Charles Gounod est l’un des opéras français les plus populaires du milieu du .

Opéra romantique.

Pendant la deuxième partie du , Georges Bizet va révolutionner l’opéra avec "Carmen" : « couleur locale reposant sur l'utilisation de chansons et de danses espagnoles » d’après Nietzsche, c’est « un rayon de lumière méditerranéen dissipant le brouillard de l’idéal wagnérien ». L’intérêt pour les œuvres à « couleur locale » est confirmé avec "Lakmé" de Léo Delibes, et "Samson et Dalila" de Camille Saint-Saëns. Le compositeur français le plus productif d'opéras de la dernière partie du siècle est Jules Massenet ("Manon", "Werther", "Thaïs"… )  Jacques Offenbach ("Les Contes d'Hoffmann"), s’impose comme le maître de l’opéra-comique français du , inventant un genre nouveau, l'opéra bouffe français, qui se confondra plus tard avec l'opérette.  En 1902, on quitte le romantisme français, pour se tourner vers la musique impressionniste avec "Pelléas et Mélisande" de Claude Debussy  Carl Maria von Weber, avec "Der Freischütz" (1821) crée le premier opéra romantique allemand ; le premier grand opéra étant "Fidelio" (1805) de Beethoven, unique œuvre opératique de ce compositeur.  Richard Wagner, à partir du "Der Fliegende Holländer", introduit le leitmotiv et le procédé de . Il révolutionne l’opéra par la durée et la puissance instrumentale. Son œuvre majeure, la "Tétralogie" est l'un des sommets de l’opéra allemand. Il crée le dans lequel l’orchestre devient désormais protagoniste au même titre que les personnages. En 1876 est créé le festival de Bayreuth consacré à la représentation exclusive des œuvres de Wagner.  L’influence de Wagner se poursuit dans pratiquement tous les opéras, jusque dans "Hänsel und Gretel" d’Engelbert Humperdinck. La figure dominante en est par la suite Richard Strauss, qui utilise une orchestration et des techniques vocales similaires à celles de Wagner dans "Salomé" et "Elektra "tout en développant sa propre voie. "Der Rosenkavalier" est l'œuvre de Strauss ayant connu le succès le plus flamboyant à l'époque.  Le romantisme italien commence avec Gioachino Rossini ("Le Barbier de Séville", "La Cenerentola") ; il crée le style , style adopté par ses contemporains Vincenzo Bellini ("La sonnambula", "Norma", "I puritani") et Gaetano Donizetti ("L'elisir d'amore", "Lucia di Lammermoor", "Don Pasquale").  Cependant, le symbole de l’opéra italien, est Giuseppe Verdi : "le chœur des esclaves" de "Nabucco" sera un hymne à toute l’Italie. La trilogie que forment "Rigoletto", "Il trovatore" et "La traviata" comptent parmi ses œuvres majeures mais il atteindra le sommet de son art avec "Otello" et "Falstaff" à la fin de sa carrière. Il a insufflé à ses œuvres une vigueur dramatique et une vitalité rythmique inégalées.  Dans la deuxième partie du , Giacomo Puccini, successeur incontesté de Verdi, transcende le réalisme en vérisme. "La Bohème", "Tosca", "Madame Butterfly", "Turandot" sont des opéras mélodiques, chargés d’émotion.

Le romantisme tardif et la fin du romantisme.

Fin du romantisme.

La fin du romantisme va permettre à des compositeurs d’affirmer leur patriotisme, en mettant leur style musical au service de leur nation.

Postérité.

L’héritage du romantisme est aussi complexe que les origines du mouvement. Même si certains compositeurs comme Serguei Rachmaninov continuent, sans s'en réclamer, à être post-romantiques, d'une certaine façon, des mouvements comme l’impressionnisme (Claude Debussy ou Maurice Ravel), l’expressionnisme (Seconde école de Vienne) et le vérisme (Giacomo Puccini) sont tous les héritiers des idées romantiques.

L'expression musique romantique désigne un type de musique qui domine en Europe tout au long du . Ce courant musical aux formes variées qui met au premier plan l'expression de l'émotion s'inscrit dans le mouvement esthétique européen du romantisme qui touche les arts et la littérature sous l'influence de l'Angleterre et de l'Allemagne où s'approfondit une nouvelle sensibilité à partir de la fin du . De nombreux compositeurs célèbres s'illustreront dans cette longue période aussi bien dans la musique instrumentale et orchestrale que dans l'art lyrique et vocal.  Le piano-forte, en remplaçant le clavecin, permet désormais d'exploiter de puissants contrastes de dynamique. De la même façon, l'orchestration devient de plus en plus audacieuse et élaborée, d'autant plus que certains instruments, comme le cor, sont modifiés par les facteurs d'instruments de manière à devenir plus maniables. Les sonorités inventées par les romantiques sont particulièrement colorées et évocatrices, davantage en tout cas que chez des classiques comme Joseph Haydn ou Wolfgang Amadeus Mozart. À la jonction de ces deux courants se situe la puissante personnalité de Ludwig van Beethoven, dont les premières œuvres se rattachent à l'esthétique classique tandis que celles de sa maturité sont considérées comme le début du romantisme musical.  Tout au long du , la musique romantique conservera dans ses caractéristiques une certaine continuité, une homogénéité temporelle de style, que les autres formes artistiques du romantisme ne connurent pas. À la base de cette continuité se trouve peut-être une idéologie philosophique : la musique devenait enfin une réelle forme d'art. La musique commençait à prendre une tout autre dimension : elle n'était désormais plus considérée comme un art mineur, œuvre d'artisans. Par conséquent, ce qui caractérise la musique romantique est surtout l'individualité dans les styles. Cette époque incarne avant tout la liberté.

Romantic music is a stylistic movement in Western classical music associated with the period of the nineteenth century commonly referred to as the Romantic era (or Romantic period). It is closely related to the broader concept of Romanticism—the intellectual, artistic and literary movement that became prominent in Europe from approximately 1800 until 1910.  Romantic composers sought to create music that was individualistic, emotional, dramatic and often programmatic; reflecting broader trends within the movements of Romantic literature, poetry, art and philosophy. Romantic music was often ostensibly inspired by (or else sought to evoke) non-musical stimuli, such as nature, literature, poetry or the plastic arts.  Influential composers of the early Romantic era include Adolphe Adam, Ludwig van Beethoven, Hector Berlioz, François-Adrien Boieldieu, Frédéric Chopin, Mikhail Glinka, Fanny Mendelssohn, Felix Mendelssohn, John Field, Ignaz Moscheles, Otto Nicolai, Gioachino Rossini, Ferdinand Ries, Vincenzo Bellini, Franz Berwald, Luigi Cherubini, Carl Czerny, Gaetano Donizetti, Johann Nepomuk Hummel, Carl Loewe, Niccolò Paganini, Giacomo Meyerbeer, Anton Reicha, Franz Schubert, Clara Schumann, Robert Schumann, Louis Spohr, Gaspare Spontini, and Carl Maria von Weber. Later nineteenth-century composers would appear to build upon certain early Romantic ideas and musical techniques, such as the use of extended chromatic harmony and expanded orchestration. Such later Romantic composers include Bruckner, Brahms, Tchaikovsky, Mussorgsky, Dvořák, Liszt, Wagner, Mahler, Richard Strauss, Verdi, Puccini, Georges Bizet, Nikolai Rimsky-Korsakov, Sibelius, Elgar, Grieg, Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff, and Franck.


Présentation.

La plus ancienne édition connue de l'ouvrage date de 1803. Elle comporte cinquante-six chapitres. Le cinquante-sixième chapitre a plus tard été considéré comme apocryphe, peut-être à tort. Quoi qu'il en soit, une édition en cinquante-cinq chapitres a paru en 1955 pour célébrer le bicentenaire de la mort de l'auteur. C'est d'après cette édition que s'est faite la traduction en français de Tchang Fou-jouei.  La "Chronique indiscrète des mandarins" est à mettre en relation avec le roman des Ming "Au bord de l'eau", dont il est en quelque sorte le miroir. Là où "Au bord de l'eau" raconte l'histoire d'une bande de brigands révoltés contre l'injustice de la société, la "Chronique" est le tableau de cette société injuste. Certains épisodes du roman de Wu Jingzi semblent même faire écho à des passages du roman antérieur. Cependant, dans l'histoire de la littérature chinoise, la "Chronique indiscrète des mandarins" est le premier roman dont le sujet est une création de son auteur, alors que les romans précédents étaient la reprise de sujets historiques ou populaires antérieurs.  Le roman présente toute une série de personnages, qui défilent les uns après les autres tout au long des chapitres. Les critiques chinois du début du , jugeant à l'aune des standards du roman européen, n'ont pas manqué de lui reprocher un certain relâchement dans la composition. En réalité l'œuvre fait preuve d'une unité plus profonde. Ainsi, selon Shang Wei, l'absence d'intrigue ou de personnages principaux a en elle-même un sens : aucun de ces personnages de faible envergure ne saurait soutenir une action qui soit à l'image des hauts faits relatés par les histoires officielles du passé. Dans ce présent déconsidéré, la vie des lettrés relève de l'anecdote.  L'ouvrage est en outre structuré par trois grandes parties sous-jacentes. Une première partie (chapitres 2-30) expose les défauts des lettrés. Ces derniers appartiennent à deux catégories : ceux qui s'échinent à passer les examens, et ceux qui, poètes autoproclamés, dédaignent les carrières officielles, encore plus hypocrites que les précédents dans leur poursuite de la renommée. Une deuxième partie expose le véritable confucianisme, enfin une troisième montre l'écroulement de cet univers.  L'histoire racontée dans le roman commence en 1487, sous le règne de Chenghua, et s'achève en 1595 (chap. 55) ou en 1615 (chap. 56) sous le règne de Wanli. On y trouve de nombreuses références à des personnages ou événements de la dynastie Ming. L'ouvrage n'est cependant pas un roman historique. Les situations passées peuvent tout aussi bien faire allusion à des réalités de la dynastie Qing et être une façon voilée d'en faire la critique.  Certains aspects du roman sont autobiographiques. Wu Jingzi avait quitté sa région natale pour se dégager de ses obligations familiales. Il avait aussi renoncé à passer les examens impériaux et à faire une carrière officielle. L'un des personnages du roman, Du Shaoqing (Tou Chao-k'ing), "alter ego" de l'auteur, a la même attitude. À l'inverse, les personnages qui se conforment aux obligations des lettrés ont une existence faite de renoncement et d'insatisfaction. (1691-1767), penseur opposé à l'orthodoxie néoconfucéenne et ami de l'auteur, est sans doute le modèle de Zhuang Shaoguang (Tchouang Chao-kouang, chapitres 34, 35 49). Certains critiques ont d'ailleurs voulu lire la "Chronique indiscrète des mandarins" comme un roman à clé. Pour André Lévy toutefois, .

Rulin waishi (ou Julin waishi), la Chronique indiscrète des mandarins () est un roman de Wu Jingzi (, 1701-1754). Chef-d'œuvre du genre satirique, il brosse un portrait féroce et vivant des lettrés chinois.  Dans le titre en chinois, "Rulin waishi", "rulin" signifie « forêt des lettrés », et "waishi" « histoire non officielle ».

Rulin waishi, or Unofficial History of the Scholars () or The Scholars, is a Chinese novel authored by Wu Jingzi and completed in 1750 during the Qing dynasty. It is considered one of the six classics of Chinese novels.  Set in the Ming period, "The Scholars" describes and often satirizes academic scholars in a vernacular style now called "báihuà". The first and last chapters portray recluses, but most of the loosely connected stories that form the bulk of the novel are didactic and satiric stories, on the one hand holding up exemplary Confucian behavior, but on the other ridiculing over-ambitious scholars and criticizing the imperial examination system.  Promoting naturalistic attitudes over belief in the supernatural, the author rejects the popular belief in retribution: his bad characters suffer no punishment. The characters in these stories are intellectuals, perhaps based on the author's friends and contemporaries. Wu also portrays women sympathetically: the chief character Du treats his wife as a companion instead of as an inferior. Although it is a satiric novel, a major incident in the novel is Du's attempt to renovate his family's ancestral temple, suggesting the author shared with Du a belief in the importance of Confucianism in life in spite of his criticism.  In the novel, classical phrases ("wényán") appear occasionally, but only in the speech of elite characters. The novel was a favorite of 20th-century language reformers, who used it to support the view that "wényán" was a form of snobbery.