Histoire.

Débuts.

Fondé en 1951 par le flûtiste Milan Munclinger et sa femme, la pianiste et claveciniste Viktorie Švihlíková, Ars Rediviva - à l'initiative de Jean-Pierre Rampal - a repris le nom de l´ensemble français de Claude Crussard, dont les membres ont péri tragiquement en 1947.  Dans les années 1950, le chef de l'Orchestre philharmonique tchèque Václav Talich a travaillé avec l'ensemble.

Musique baroque (1954–1994).

Depuis 1954, Ars Rediviva a donné son cycle de concerts pour les abonnés au Palais Wallenstein, plus tard dans la Salle Dvořák au Rudolfinum à Prague (toujours 6, plus tard 12 concerts au cours de la saison). Pendant 40 ans, plusieurs centaines d'œuvres baroques y ont été présentées au public, parmi lesquelles de nombreuses premières de manuscrits d'archives.  Une partie des enregistrements des concerts au Rudolfinum est déposée au Musée tchèque de musique (voir Liens externes).

Solistes.

Ars Rediviva, formé par Milan Munclinger - flûte, Stanislav Duchoň - hautbois (plus tard suivi de Václav Snítil et Antonín Novák - violon), František Sláma - violoncelle et Viktorie Švihlíková (suivie de Josef Hála) - clavecin, s´est consacré particulièrement à la musique de chambre.  En élargissant son répertoire, la formation a régulièrement atteint l'effectif d'un orchestre de chambre, composé pour la plupart des solistes de l'Orchestre philharmonique tchèque et dirigé par Milan Munclinger.  Dans les compositions vocales se présentaient p.ex. les solistes Theo Altmeyer, Nedda Casei, Otto Peter, Věra Soukupová, Ladislav Mráz, Karel Berman, Jana Jonášová, Virginie Walterová, ainsi que le chœur de l'Orchestre philharmonique tchèque – "Český pěvecký sbor" en tchèque.  Ars Rediviva a également collaboré avec Jean-Pierre Rampal (1951-1984), Maurice André, András Adorján. Il a donné de nombreux concerts en Europe. Plusieurs compositeurs tchèques (par exemple Ilja Hurník, Jan Tausinger, Ivan Jirko, Petr Eben) lui ont dédicacé leurs compositions néo-classiques.

Enregistrements et répertoire.

L'ensemble a été le premier en Tchécoslovaquie à enregistrer beaucoup d'œuvres baroques (par exemple Johann Sebastian Bach : les "Concertos brandebourgeois", suites pour orchestre, "l'Offrande musicale", "l'Art de la fugue", cantates sacrées et profanes, l´œuvres de musique de chambre ; Carl Philipp Emanuel Bach: les symphonies, cantates, sonates en trio, sonates pour clavier, concertos pour clavecin, concertos pour violoncelle, concertos pour flûte traversière; Johann Christian Bach : les symphonies, l´œuvres de musique de chambre; Wilhelm Friedemann Bach: les symphonies, l´œuvres de musique de chambre ; Georg Friedrich Haendel : "Musique pour les feux d'artifice royaux", "Water Music", les sonates en trio opus 2 et opus 5, les sonates opus 1 ; Georg Philipp Telemann: les suites pour orchestre, symphonies, concertos, "Moralische Kantaten", la "Musique de table", les "Quatuors Parisiens", "Essercizii Musici" ; Heinrich Schütz: "Oratorio de Noël" ; François Couperin: les sonates en trio, "Le Parnasse ou l'apothéose de Corelli", le "Concert en forme d'apothéose à la mémoire de l'incomparable M. de Lully", les "Concerts royaux"; Jean-Philippe Rameau : les "Pièces de clavecin en concert" ; Antonio Vivaldi: "Stabat Mater", les sonates, concertos, cantates; Arcangelo Corelli: l´œuvres de musique de chambre; Alessandro Scarlatti : les cantates, l´œuvre instrumentale de musique de chambre; Franz Benda : les concertos pour flûte - un des premiers enregistrements de Jean-Pierre Rampal en Tchécoslovaquie, sonates en trio, symphonies ; Jiří Antonín Benda : les concertos pour clavecin, symphonies, sonates en trio, le duodrame "Ariadne auf Naxos", "Bendas Klage" ; François-Xavier Richter : les sonates en trio ; Jan Dismas Zelenka : les sonates en trio, l´œuvre pour orchestre, "Lamentationes Jeremiae Prophetae", etc.)  Depuis 1954, Ars Rediviva a collaboré avec Supraphon, plus tard avec Panton, Columbia, Vanguard, Ariola, DG, CBS, Orfeo, Nippon, Sony Classical et aussi avec la Radio et la Télévision (distinctions : Grand Prix du Disque de l'Académie Charles Cros, "Lion d'or de Supraphon", etc.).

Ars Rediviva était un ensemble tchèque réputé, basé à Prague. Il a joué un rôle fondamental dans la redécouverte de la musique baroque en Tchécoslovaquie.

Ars Rediviva was a Czech classical instrumental music group, whose historically-informed performances played a key role in the revival of Baroque music in Czechoslovakia.


Accession au trône.

Le prince Adolphe de Nassau est le troisième des huit enfants du couple ducal dont seul quatre parviendront à l'âge adulte : Thérèse qui épousera un cousin du tsar et se signalera par sa Charité envers les nécessiteux, Maurice héritier en second puis héritier de son frère qui mourra prématurément en 1850, Marie, devenue princesse de Wied sera la mère de la première reine de Roumanie. Le prince Adolphe perd sa mère à l'âge de 8 ans en 1825. Son père se remarie en 1829 avec la princesse Pauline de Wurtemberg qui lui donne quatre enfants : Hélène, princesse de Wzldeck-Pyrmont sera la grand-mère de la reine Wilhelmine des Pays-Bas; Nicolas contractera une union morganatique et sera à l'origine de la branche des prince de Merenberg; Sophie qui épousera le roi Oscar II de Suède. Le duc Guillaume est un souverain, un mari et un père particulièrement autoritaire. Il meurt le . Le prince Adolphe lui succède et devient duc souverain de Nassau à l'âge de 22 ans. Il est également un des prétendants putatifs de la reine Victoria du Royaume-Uni.  Désespéré par la mort de sa première épouse, il fit construire une église orthodoxe sur une colline surplombant Wiesbaden afin de pouvoir apercevoir depuis son palais le lieu où avait été inhumée son épouse. La mort de son frère et héritier à l'âge de 30 ans le poussera à se remarier après 6 années de veuvage. Il apporta son soutien à l'Autriche lors de la guerre austro-prussienne de 1866. Après la défaite de l'Autriche, le duché de Nassau fut annexé par le royaume de Prusse (1866). Le duc reçut une indemnité substantielle.  En 1879, sa nièce Emma de Waldeck-Pyrmont (fille de sa demi-sœur Hélène de Nassau) épousa le vieux roi Guillaume III des Pays-Bas. En 1890, leur unique fille, Wilhelmine, hérita du trône des Pays-Bas, mais en vertu du traité entre les branches de la Maison de Nassau de 1783-1815 qui réservait la couronne aux seuls héritiers mâles, elle fut exclue de la succession concernant le Luxembourg. Le grand-duché uni aux Pays-Bas depuis 1815 échut donc au duc Adolphe.  Le grand-duc Adolphe était également un grand-oncle de l'archiduchesse Marie-Christine d'Autriche-Teschen qui avait épousé en 1879 le roi Alphonse XII d'Espagne et assuma la régence pour son fils Alphonse XIII de 1886 à 1902.

Règne.

En 1888, le prince Oscar, petit-neveu du grand-duc, épousa Ebba Funck contre la volonté de son père, le roi Oscar II de Suède. Il fut alors dépossédé de ses titres princiers, aussi, en 1892, le grand-duc Adolphe conféra à son petit neveu le titre de comte héréditaire de Visborg, château de Visby (Gotland). Visborg se trouve dans le duché de Nassau, duché annexé par la Prusse en 1866. Ce titre fut de nouveau créé pour le grand-duché de Luxembourg.  Le grand-duc Adolphe appartenait à la huitième branche (branche cadette de Nassau-Weilbourg), elle-même issue de la septième branche (branche aîné de Nassau-Weilbourg) de la maison de Nassau. Cette lignée cadette de Nassau-Weilbourg appartient à la tige walmarienne qui donna des grands-ducs au Luxembourg.  Le grand-duc Adolphe est, par la grande-duchesse Charlotte l'ancêtre de l'actuel grand-duc Henri.  En 1902, son épouse, Adélaïde-Marie, fonde le prix Grand-Duc Adolphe : le couple princier décide de récompenser chaque année un artiste. Le prix existe toujours.

Union et postérité.

Le , Adolphe épouse la grande-duchesse Élisabeth Mikhaïlovna de Russie (1826-1845), (fille du grand-duc Michel Pavlovitch et de la duchesse Charlotte de Wurtemberg), nièce du tsar Nicolas Ier de Russie, qui mourut en mettant au monde une petite fille qui ne vécut pas.  Veuf, il épouse le Adélaïde-Marie d'Anhalt-Dessau (1833-1916), (fille de Frédéric, duc d'Anhalt-Dessau). De cette union naquirent :

Adolphe de Nassau, né le au château de Biebrich à Biebrich, et mort le au château de Hohenburg, fut duc de Nassau de 1839 à 1866 et grand-duc de Luxembourg de 1890 à sa mort.  Adolphe est le fils de Guillaume de Nassau (1792-1839) et de Louise de Saxe-Hildburghausen.  Héritier de la branche aînée de la maison de Nassau, Lointain cousin du roi Guillaume III des Pays-Bas, il était un proche parent des rois Maximilien II de Bavière, Othon de Grèce, Carol de Roumanie, Oscar II de Suède, Guillaume II de Wurtemberg, du régent Léopold de Bavière et du grand-duc Louis III de Hesse.

Adolphe (Adolf Wilhelm August Karl Friedrich; 24 July 1817 – 17 November 1905) was the last sovereign Duke of Nassau, reigning from 20 August 1839 until the duchy's annexation to Kingdom of Prussia in 1866. In 1890, he became Grand Duke of Luxembourg following the death of King William III of the Netherlands, ending the personal union between the Netherlands and Luxembourg, until his own death in 1905. He was the first monarch of Luxembourg from the House of Nassau-Weilburg.  Adolphe became Duke of Nassau in August 1839, following the death of his father William. After Austria's defeat in Austro-Prussian War of 1866, Duchy of Nassau was annexed to Kingdom of Prussia and he lost his throne.  From 1815 to 1839, Grand Duchy of Luxembourg was ruled by the kings of the Netherlands as a province of the Netherlands. Following the Treaty of London (1839), Grand Duchy of Luxembourg became independent but remained in personal union with the Netherlands. Following the death of his sons, King William III of the Netherlands had no male heirs to succeed him. In the Netherlands, females were allowed to succeed to the throne. Luxembourg, however, followed Salic law which barred females from succession. Thus, upon King William III's death, the crown of the Netherlands passed to his only daughter, Wilhelmina, while that of Luxembourg passed to Adolphe in accordance with the Nassau Family Pact.  Adolphe died in 1905 and was succeeded as Grand Duke of Luxembourg by his son, William IV.


Biographie.

Enfance.

Charlotte est la fille aînée du duc Paul-Charles de Wurtemberg et de son épouse, née princesse Charlotte de Saxe-Hildburghausen. Ses parents s'établissent à Paris, car son père avait des rapports conflictuels avec son frère, le roi Guillaume de Wurtemberg.  La jeune princesse Charlotte grandit dans des conditions relativement modestes dans la pension de l'école de Madame Campan, où elle devient amie des filles du général Walter, parent du naturaliste Georges Cuvier. Cuvier et son entourage donnent à la jeune princesse une grande ouverture d'esprit. Elle reçoit d'autre part une solide éducation et étonne son entourage par ses idées et par l'étendue de sa culture générale. Ses longues promenades avec le naturaliste dans le Jardin des Plantes de Paris développent l'intelligence de cette princesse curieuse et douée. De retour en Allemagne, elle poursuivra sa correspondance avec Georges Cuvier.

Mariage et descendance.

Le , à peine âgée de dix-sept ans, elle épouse à Saint-Pétersbourg son cousin le grand-duc Michel Pavlovitch de Russie (1798-1849), le plus jeune fils du tsar Paul (mort en 1801) et de l'impératrice Maria Feodorovna, elle aussi issue de la maison de Wurtemberg.  À son entrée dans l'orthodoxie, Marie-Charlotte choisit d'être nommée Elena Pavlovna (« Hélène, fille de Paul ») et reçoit le titre de grande-duchesse. Peu après ce mariage, son beau-frère, le tsar Alexandre meurt en 1825 et son successeur est Nicolas (1796-1855), Constantin (1779-1831) ayant renoncé au trône impérial.  De leur mariage sont issus :  Les premiers mois de leur union sont un échec, car le jeune époux voue à l'armée une passion dévorante. Cependant, la famille impériale considère que la jeune grande-duchesse était un être exceptionnellement intelligent et mûr pour son âge, avec des manières agréables et une conversation brillante. Elle enchante tout le monde.  Au décès de l'impératrice douairière Marie Fiodorovna, la grande-duchesse reçoit en héritage le patronage des Instituts d'obstétriques dits de l"'Impératrice-Marie" et est nommée commandant honorifique du de dragons de Novgorod.

Activités sociales et actes de bienfaisance.

La grande-duchesse Hélène se révèle une véritable protectrice des arts : elle remet une importante somme d'argent au peintre Alexandre Ivanov (1806-1858) pour son tableau "L'apparition du Christ au peuple". Les peintres Briullov (1799-1852), Aïvazovski (1817-1900), Rubinstein (1829-1894) bénéficient également de son soutien.  La grande-duchesse Hélène finance aussi la création de la "Société de musique russe" et du conservatoire, avec le produit de la vente de ses diamants personnels. L'école du conservatoire primaire ouvre ses portes en 1858 dans son palais.  La grande-duchesse fournit également un soutien à l'acteur russe S.I Gorbounov, au ténor Nilski, au chirurgien et anatomiste Nikolaï Ivanovitch Pirogov (1810-1881), etc.  Elle promeut l'édition posthume des œuvres complètes de Gogol et témoigne d'un grand intérêt pour les activités de l'Université de Saint-Pétersbourg, de l'Académie de sciences et de la Société d'Économie libre.  Dans les années 1853 1856, la grande-duchesse Hélène est l'une des fondatrice d'un ordre de religieuses infirmières pour la Croix-Rouge, les "Sœurs de l'Exaltation de la Croix". De décembre 1854 à janvier 1856 plus de deux cents infirmières travaillèrent en Crimée, pendant la guerre.  En mémoire de ses défuntes filles, Elisabeth et Marie, la grande-duchesse Hélène fonde à Saint-Pétersbourg l"'Hôpital pour enfants Élisabeth", les "orphelinats Marie et Élisabeth" à Moscou et à Pavlovsk.  Elle crée aussi en collaboration avec le professeur thérapeute E. E. Eichwald, une institution médicale destinée à la formation et au perfectionnement professionnels des médecins. Elle est inaugurée en 1885, sous le nom d"'Institut clinique de la grande-duchesse Elena Pavlovna."  La grande-duchesse fait preuve de talents d'organisatrice dans ses œuvres de bienfaisance, ainsi que d'administratrice.

Son cercle politique et artistique.

De 1840 à 1873, au palais Michel, chaque soirée du jeudi était consacrée à discuter de questions de politique, de culture, de nouvelles littéraires. Le cercle du jeudi de la grande-duchesse devient bientôt le salon d'éminentes personnalités et de promoteurs des grandes réformes du milieu du , comme Milioutine (1818-1872), ami proche de la grande-duchesse.  La grande-duchesse réunissait aussi au palais Michel, le jeudi, des hommes tels que Bloudov (1864-?) diplomate et écrivain, le président du conseil d'État et du conseil des ministres, le prince Orlov (1787-1862) ou bien le comte Panine, procureur général, favorable à l'émancipation des serfs (1801-1874). Elle recevait aussi le prince Gortchakov, diplomate et chancelier (1798-1883) ou bien le comte Mouraviov-Amourski (1809-1881) gouverneur de la Sibérie orientale, le comte Kisseliov (1788-1872), et même le prince Otto von Bismarck (1815-1898). Nikolaï Alexeïevitch Milioutine, le prince Tcherkassky (1824-1878), V. Tarnovsky, G.P Galagan, le slavophile Samarine (1819-1876), le juriste et historien, Kaveline (1818-1885), Ivan Aksakov (1823-1886, écrivain et poète slavophile, Alexandre Golovine (1821-1886, conseiller d'État, furent aussi parmi ses invités. Le comte polonais Reutern, le comte Iouri Mikhaïlovitch Wielgorsky (1753-1857), le prince Odoïevski (1803-1869), écrivain et philosophe, ainsi que Tioutchev (1803-1873), ou Alexandre von Humboldt (1769-1859) et le baron Haxthausen. Elle reçut aussi le baron de Custine (1790-1857) qui n'aimait pourtant pas la Russie. Dans le domaine scientifique, elle invita l'un des fondateurs de l'embryologie, Charles-Ernest von Baer (1792-1876) et l'astronome Otto Struve (1819-1905). Elle ouvrit aussi ses portes au ministre de l'Intérieur, le comte Lanskoï (1787-1862) et au ministre des chemins de fer, Konstantin Vladimirovitch Tchevkine (1802-1875). Certaines réunions eurent lieu en présence du tsar Alexandre II, de son épouse Marie Alexandrovna ou d'autres membres de la famille impériale.

L'émancipation des paysans russes.

À la mort de son beau-frère le tsar Nicolas (1855), elle devient une conseillère écoutée de son neveu le nouvel empereur Alexandre II notamment sur le choix de ses collaborateurs. La grande-duchesse réprouve le servage et déplore la façon de vivre des moujiks. cette attitude courageuse joue un rôle certain dans l'abolition du servage décrétée par le tsar en 1861.  Elle procède aussi en 1856, pour montrer l'exemple à la noblesse russe, à la libération des paysans de son domaine de Karlovka, dans la province de Poltava, comprenant douze villes et villages, de terres, une population de et . Elle met en œuvre ce projet avec le baron Engelhart, et établit un partage des terres pour leur donner des moyens de subsistance.  La même année, sur les conseils du comte Kisseliov, la grande-duchesse se rapproche de Milioutine. Elle élabore un plan d'action en mars 1856, avec Milioutine, pour la libération de ses paysans à Poltava et dans les provinces voisines. Elle reçoit l'approbation du jeune tsar. Ce plan consiste à demander aux propriétaires terriens de Poltava, comme le prince V.V. Tranovsky et le prince A. Kotchoubeï et d'autres de donner leur point de vue sur la libération des moujiks de Poltava, Kharkov, Tchernigov, et des provinces de Koursk. Elle prend donc en compte les différents commentaires puis fait éditer une note par Kaveline qu'elle fait remettre au grand-duc Constantin qui se sert de cet exemple de Karlovka dans ses travaux avec l'empereur.  La grande-duchesse Hélène introduit aussi Milioutine auprès de hauts fonctionnaires de l'Empire et de l'empereur en personne. Elle le présente, un soir au palais Michel, à l'impératrice ce qui lui permet de converser longuement avec la souveraine sur l'émancipation des serfs. Il est également présenté au prince Gortchakov. En février 1860, au cours d'une réception au palais, Milioutine engage une longue conversation avec le tsar, où il est question des travaux du comité de rédaction. En citant les mots des Saintes Écritures : « Qui sème dans les larmes, récoltera dans la joie » la grande-duchesse tentait de soutenir le comité dans la bonne humeur pour les convaincre de la réussite de leur projet. Les acteurs principaux de la libération des serfs en Russie : Milioutine, le prince Tcherkassky et Samarine rendent constamment visite à la grande-duchesse, et vivent même au palais de l'été 1859 à 1860.  La société russe surnommait la grande-duchesse "la princesse de la liberté".

Décès.

Le grand-duc Michel meurt prématurément à Varsovie en 1849, alors que l'Europe est en proie à des révolutions qui touchent l'Empire russe de façon périphérique.  La grande duchesse Hélène meurt le dans sa ville natale de Stuttgart. Elle est inhumée à Saint-Pétersbourg, en la cathédrale Saints-Pierre-et-Paul où elle repose près de son époux et de ses filles Alexandra et Anna.

Personnalité de la grande-duchesse.

La jeune grande-duchesse avait commencé à apprendre le russe pendant son premier voyage en Russie et à son arrivée à Saint-Pétersbourg, elle put accueillir chacune des deux cents personnes présentes avec quelques mots de russe. Elle put aussi rapidement lire "L'Histoire générale de la Russie, depuis les temps les plus reculés jusqu'en 1611" de Karamzine.  Elle avait une culture encyclopédique et avait un sens inné de l'élégance. Elle aimait à converser avec d'éminents scientifiques et artistes. Toute sa vie, elle montra un grand intérêt pour l'art, en apportant son soutien aux artistes russes, aux musiciens, aux écrivains. L'empereur Nicolas I l'appelait avec ironie « L'esprit savant de notre famille ».  La grande-duchesse fut l'amie de Tourgueniev et après la sentence pénale de Wilhelm Küchelbecker, ami de Pouchkine, une relation de confiance s'établit entre eux.  Elle accueillit entre autres dans son palais de Saint-Pétersbourg Hector Berlioz, lors de sa tournée triomphale de 1847.

La princesse Marie-Charlotte-Frédérique de Wurtemberg (en allemand : "Maria Charlotte Fredericka, Prinzessin von Württemberg"), née le à Stuttgart où elle est morte le , est devenue, suite à son mariage avec le grand-duc Michel de Russie et à sa conversion à la religion orthodoxe, grande-duchesse de Russie sous le nom de grande-duchesse Hélène.  Elle était philanthrope, partisan de l'abolition du servage et des grandes réformes du milieu du .

Princess Charlotte of Württemberg (9 January 1807 – 2 February 1873) was later known as Grand Duchess Elena Pavlovna, the wife of Grand Duke Michael Pavlovich of Russia. He was the youngest son of Emperor Paul I of Russia and Duchess Sophie Dorothea of Württemberg.


Biographie.

Yossef Klausner naît à Valkininkai dans l'actuelle Lituanie en 1874. Au tournant du siècle sa famille quitte la Lituanie où l'antisémitisme ne cessait de croître pour s'établir à Odessa. Il grandit et étudie à Odessa, où il fréquente les mouvements sionistes et les cercles scientifiques et littéraires.  Sioniste convaincu, Klausner a personnellement connu Theodor Herzl. En 1919 il émigre en Palestine sous mandat britannique, et tient à l'Université hébraïque de Jérusalem la chaire de littérature en hébreu moderne, puis celle d'Histoire juive à laquelle il aspirait, et qui comprenait la recherche sur l'histoire du Second Temple de Jérusalem.  Joseph Klausner était membre du cercle des militants politiques sionistes russes d'Odessa, qui comprenait Vladimir Jabotinsky et Menahem Ussishkin. Bien qu'il ne soit pas un «homme du parti», il a soutenu le Sionisme révisionniste. En , Klausner a créé le pour promouvoir le droit de Juifs sur le Mur. Au dire de son petit-neveu, Amos Oz (dans son roman autobiographique "Une histoire d'amour et de ténèbres"), sa maison dans le quartier Talpiot de Jérusalem a été détruite lors des émeutes palestiniennes de 1929

Travaux et pensée.

Klauzner visite la Palestine en 1912 pour la première fois, et s'y installe définitivement en 1919. Il y enseigne l'histoire du peuple juif au séminaire des instituteurs de Jérusalem, et en 1925, il entre comme professeur à l'Université de Jérusalem.  Il passa son doctorat en Allemagne et écrivit sur Jésus de Nazareth un livre qui fut trouvé si riche d'informations par Herbert Danby , un prêtre anglican, que ce dernier le traduisit d'hébreu en anglais pour que les érudits anglais pussent profiter de ses renseignements. Il acquit la célébrité par son livre "Jésus de Nazareth" et sa suite "De Jésus à Paul". Il soutenait que c'était en regardant Jésus comme un juif et un israélite non-conformiste qu'on le comprenait le mieux. Il soutenait que Jésus était un juif réformateur mais juif pratiquant jusque dans sa mort. Ce point de vue fut contesté tant du côté chrétien que du côté juif. Certains hommes d'église furent si scandalisés que Danby ait osé traduire cette œuvre controversée, qu'ils demandèrent son rappel de Jérusalem.  Bien que n'étant pas un juif orthodoxe en termes d'adhésion à la pensée orthodoxe traditionnelle, . Klausner a aussi repris d'Ahad HaAm l'édition de "HaMe'assef". S'il ne fut pas un juif orthodoxe, il fut un sioniste national libéral passionné. En 1949, il fut candidat des conservateurs lors des élections pour la présidence d'Israël. Il a soutenu plusieurs controverses avec Chaim Weizmann, lequel devint finalement le premier président d'Israël.

Récompenses et honneurs.

En 1941 et 1949, Klausner a reçu le Prix Bialik, prix littéraire annuel décerné par la municipalité de Tel Aviv, pour récompenser la littérature hébraïque et la « pensée juive ».  La rue dans laquelle se trouvait sa maison dans le quartier Talpiot fut rebaptisée "rue Klausner".  Pour honorer ses mérites, un timbre commémoratif le représentant fut aussi gravé en 1982.

Yossef Gedaliah Klauzner ( יוסף קלוזנר) ou Klausner ( - à Jérusalem) est un historien et érudit juif. Professeur de littérature hébraïque à l'Université hébraïque de Jérusalem, il fut le rédacteur en chef de l’"Encyclopedia Hebraica", et un candidat à l'élection du premier Président d'Israël en 1949. Il est le grand oncle d'Amos Oz.

Joseph Gedaliah Klausner (; 20 August 1874 – 27 October 1958), was a Jewish historian and professor of Hebrew Literature. He was the chief redactor of the "Encyclopedia Hebraica". He was a candidate for president in the first Israeli presidential election in 1949, losing to Chaim Weizmann. Klausner was the great uncle of Israeli author Amos Oz.


Biographie.

Jiří Kolář est issu d'une famille modeste, son père est boulanger et sa mère couturière. Il fait des études de menuiserie avant d'exercer diverses professions. Il expose pour la première fois en 1937 des collages « poétistes ». Son premier recueil de poésie date de 1941.  En 1942, avec le théoricien de l’art, Jindřich Chalupecký, le sculpteur Ladislav Zívr, le peintre František Hudeček, les poètes Ivan Blatný, Jiřina Hauková, Josef Kainar et quelques autres artistes, il fonde le « Groupe 42 » ("Skupina 42") qui célèbre « l'enchantement de la technique ».  Jiří Kolář rencontre Běla en 1944 et l'épouse en 1949. Jiří et Běla ont non seulement produit mais aussi intensément collectionné les œuvres de leurs amis plasticiens. Cette collection, ainsi que certaines de leurs propres œuvres ont été léguées en 2002 par les époux Kolář au musée Kampa de Prague.  Comme beaucoup d'autres à la fin de la guerre, Jiří Kolář prend sa carte au parti communiste tchécoslovaque mais contrairement à ceux-ci, ses yeux se déscillent rapidement et il quitte le parti après quelques mois. Il publie plusieurs textes, dont "Dny v roce" [« Jours de l’année »], journal poétique de 1947, dont le second volet en prose, "Roky v dnech" [« Années des jours »], est saisi par la censure du nouveau régime communiste. En 1953, en pleine terreur stalinienne finissante, il est condamné à un an de prison.  Entre 1959 et 1961, il travaille à ses "Básně ticha" [« Poèmes du silence »] qui consomment la rupture avec la poésie verbale et pousse la déconstruction du poème initiée par Stéphane Mallarmé dans son "Coup de dé" et poursuivi par Guillaume Apollinaire dans ses "Calligrammes".  Dès lors sa création prend la forme du collage à base de textes et d’images imprimés. Dans son "Týdeník 1968" [« Semainier 1968 »], journal sous forme de collages des événements du Printemps de Prague et de l'invasion suivante de la Tchécoslovaquie par les troupes du Pacte de Varsovie, le poème n'est plus qu'une illustration de l'image poétique.  Interdit de publication et d’exposition pendant la période de la « Normalisation », signataire de la Charte 77, Jiří Kolář émigre à Paris en 1980. C'est dans la capitale française qu'il fonde la "Revue K" consacrée aux artistes d’origine tchèque vivant en exil. La suite de son œuvre écrite est un commentaire de l’œuvre plastique, avec l’interview "Odpovědi" [« Réponses »] (1984) et surtout le "Slovník metod" [« Dictionnaire des Méthodes »] (1986), qui recense les différentes techniques de collage qu'il emploie dans son œuvre graphique et dont certaines sont de son invention.  Il fait de fréquents séjours à Prague après la Révolution de velours de 1989, qui met fin au régime communiste dans son pays. En 1990, avec Václav Havel et le peintre Theodor Pištěk, il crée le prix Jindřich Chalupecký ("Cena Jindřicha Chalupeckého") qui récompense un jeune artiste de moins de 35 ans et qui est devenu une sorte de « prix Goncourt » des arts plastiques tchèques, toujours très suivi et parfois très controversé. Jiří Kolář décède à Prague à l'été 2002.

L'écrivain.

Le poète.

Ses premiers poèmes sont publiés en 1938 mais ses œuvres complètes ne le mentionnent pas sans doute en raison du caractère érotique de ceux-ci, "Ústnice" décrit une fellation, "Svícen a trakař" des positions sexuelles quand "Růže Večernice" évoque l'amour avec une prostituée. Aussi "Křestní list" [« Certificat de baptême »], 1941 est-il considéré comme sa première publication. Avec les trois autres recueils des années 1940, sa poésie est alors placée sous l'existentialisme propre au "Groupe 42".  Sous Klement Gottwald, il écrit des journaux intimes poétiques : "Očitý svědek" [« témoin oculaire »] (1949), "Prométheova játra" [« Les foies de Prométhée »] (1950). En 1957, il s'inspire de "L'Art de la guerre" de Sun Zi et le paraphrase pour écrire "Mistr Sun o básnickém umění" [« L'Art poétique de Maitre Sun »].  En 1964, "Náhodný svědek" [« Témoin accidentel »], recueille ses ouvrages des années 1940 et est publié. Deux ans plus tard, "Vršovický Ezop" [« L'Ésope de Vršovice »] (Vršovice étant un quartier de Prague et évoque le mot tchèque "verš", « vers (poétique) ») recueille ses ouvrages poétiques des années 1950 mais ne passe pas le barrage de la censure.

Le dramaturge.

Kolář est l'auteur de deux pièces de théâtre "Mor v Athénách", [« La peste à Athènes »], publiée à Prague, en 1965, et "Chléb náš vezdejší", [« Notre pain quotidien »], dont la première édition est en allemand et publiée sous le titre "Unser täglich Brot", à Vienne, en 1966, dans une traduction de K. B. Schäufellen.

Le traducteur.

Jiří Kolář est, entre autres, le traducteur en tchèque des "Fables" d’Ésope (1957) et des "Aventures du baron de Münchhausen" (en tchèque : "Baron Prášil") traduites en 1965 avec Josef Hiršal à partir de la version de Gottfried August Bürger, "Aventures" qu’avait rendues populaire, en 1961, le film homonyme de Karel Zeman, connu en France sous le titre français de "Le Baron de Crac".

Le plasticien.

S'il est mondialement connu c'est comme créateur de collages. Dans son "Dictionnaire des Méthodes" il recense les techniques suivantes dont certaines sont issues de sa propre recherche créative ;

Bibliographie.

Poèmes (le lieu de publication est Prague, sauf mention contraire et est suivi de la date de publication) :

Jiří Kolář (né le , à Protivín en Bohême du Sud – mort le à Prague) est un collagiste, poète, écrivain, peintre, traducteur tchèque. Son œuvre se partage à égalité entre la littérature et les arts visuels.

Jiří Kolář (24 September 1914, Protivín – 11 August 2002, Prague) was a Czech poet, writer, painter and translator. His work included both literary and visual art.


Description.

Taille de . Les feuilles sont disposées par séries de rayons autour de la tige. Il peut y en avoir de 6 à 9 par série  Cette petite plante aquatique, flottante, sans racine, est vivace. Les feuilles réunies en verticilles, portent des pièges charnières de de long. Fleurs blanches . Les pétales sont oblongs et mesurent de 3 à de long. L'ovaire, qui mesure de 2 à de diamètre , présente 5 loges à placentation pariétale. Les graines sont noires.  Actuellement, aucune variété ni forme n'est reconnue, néanmoins on connaît au moins en Australie et en Hongrie des populations au feuillage rouge.

Répartition et habitat.

Habitats naturels.

Cette plante pousse en climat tropical, subtropical ou tempéré, dans certaines régions d'Afrique (y compris Madagascar), d'Asie (nord est et sud-est), d'Europe (centre et sud), d'Australie et des îles du nord du Pacifique).  Mais la plante a disparu de nombreux pays et les sites existants sont épars.  Ses milieux naturels sont les lacs, marais, rivières à très faible courant, fossés.

Culture.

En raison de sa rareté, sa culture n'est pas encore répandue et n'est pas simple pour les jardiniers amateurs. Elle peut être cultivée en aquarium ou en bassin d'extérieur. Cette plante fait de petite fleurs blanches, en été.Son piège est un piège dit actif. Il est constitué de deux lobes qui se ferment si on touche l'intérieur de ceux-ci (un peu comme un piège à loup).  Elle peut être de forme tropicale ou tempérée :

Appellations et systématique.

Histoire et étymologie.

C'est au que la plante fut observée en Inde. En 1696, elle est nommée "Lenticula palustris indica" par L. Plukenet}. Le botaniste italien G. Monti en 1747 la baptisa "Aldrovandia vesiculosa" en l'honneur d'un naturaliste italien U. Aldrovandi.

Synonymes.

Citons également plusieurs variétés qui ne sont plus reconnues par beaucoup d'auteurs :

Statut de protection.

Cette espèce est inscrite sur la liste des espèces végétales protégées sur l'ensemble du territoire français métropolitain, en Annexe I.

Aldrovanda vesiculosa est une espèce de plantes aquatiques carnivores de la famille des "Droseraceae". Elle est très rare dans le monde.

Aldrovanda vesiculosa, commonly known as the waterwheel plant, is the sole extant species in the flowering plant genus "Aldrovanda" of the family Droseraceae. The plant captures small aquatic invertebrates using traps similar to those of the Venus flytrap. The traps are arranged in whorls around a central, free-floating stem, giving rise to the common name. This is one of the few plant species capable of rapid movement.  While the genus "Aldrovanda" is now monotypic, up to 19 extinct species are known in the fossil record. While the species displays a degree of morphological plasticity between populations, "A. vesiculosa" possesses a very low genetic diversity across its entire range.  "A. vesiculosa" has declined over the last century to only 50 confirmed extant populations worldwide. These are spread across Europe, Africa, Asia, and Australia. It is kept by hobbyists.


Description.

Les Hostas sont des plantes vivaces herbacées, poussant par rhizomes ou stolons. Ils mesurent de 5 à 80 cm pour une largeur de 20 à 100 cm.  Ces plantes se composent de feuilles ovales plus ou moins panachées selon les espèces et variétés.  Les fleurs sont des grappes de clochettes blanches ou mauves odorantes ressemblant aux fleurs de lys. La floraison peut durer jusqu'à huit semaines. La seule espèce fortement parfumée est "Hosta plantaginea" dont les fleurs s'ouvrent le soir et se ferment le matin.  Les fruits sont des capsules noires contenant beaucoup de graines.

Histoire.

Le nom "Hosta" a été donné au genre en 1812 en l'honneur du botaniste autrichien Nicolaus Thomas Host. Le nom japonais "Giboshi" ou l'autre nom du genre, Funkia (donné en 1817), également utilisé comme nom commun, peuvent être trouvés dans certains textes anciens. Aujourd'hui le nom de "Hosta" a été officialisé en raison de son antériorité, comme le veut la règle de la nomenclature botanique. Les Anglais appellent l'hosta , en raison de la forme de ses feuilles aux nervures parallèles qui rappellent cette herbe folle.  Bien que "Hosta plantaginea" soit originaire de Chine, la plupart des espèces répandues dans les jardins occidentaux ont été introduites du Japon en Europe par Philipp Franz von Siebold au milieu du . De nouvelles espèces ont été depuis découvertes sur la péninsule coréenne.

Culture.

Bien qu'étant une espèce supportant le soleil, les hostas préfèrent être à l'ombre où les rayons ne brûlent pas leur feuillage. Ils sont très rustiques et aiment un sol riche toujours légèrement humide. Il n'est pas nécessaire de les pailler en hiver. Son beau feuillage peut être utilisé en bouquet.  Pas besoin non plus de diviser les touffes, sauf si elles deviennent encombrantes. Dans ce cas, le meilleur moment de le faire sera en début de printemps ou immédiatement après la floraison. Les jeunes divisions reprennent rapidement. La multiplication est facile par semis, mais les jeunes plantes ressemblent rarement à leurs parents. Les hostas, qui sont devenus une des plantes vivaces les plus populaires, sont proposés par la plupart des pépiniéristes producteurs de plantes vivaces. Par contre pour trouver un large choix de variétés (sur les quatre mille qui existent aujourd'hui), il est conseillé de contacter une pépinière spécialiste (par exemple le Jardin Anglais en France .  Les hostas sont parfaits pour illuminer un coin sombre du jardin.  Comestibles, les hostas sont nommés "urui" au Japon où ils sont couramment consommés sous différentes formes. Sinon, ce sont généralement des plantes de jardin faciles et à longue durée de vie, relativement exemptes de maladie, exigeant peu de soins autres que l'arrosage et un peu d'engrais pour améliorer la croissance.

Parasites.

Les hostas constituent aussi un mets de choix pour les cerfs, les limaces et les escargots, qui causent fréquemment des dégâts sur les feuilles. On peut éviter ce problème en utilisant un limacide ou grâce à un arrosage avec un purin de fenouil ou de persil aura une action répulsive efficace. La solution souvent proposée consistant à répandre une fine couche de sable autour de l'hosta fonctionne rarement.

Quelques espèces.

L'hybridation à l'intérieur et entre les espèces a produit de nombreux cultivars, avec plus de trois mille variétés référencées dont de nombreux à feuilles panachées crème et vert.

Hosta est un genre de plantes vivaces de la famille des "Liliaceae" selon la classification classique, et des "Asparagaceae" selon la classification phylogénétique APG III. Ce genre a parfois été placé également parmi les "Agavaceae" (APG II) ou encore les "Hyacinthaceae".  Il comprend une quarantaine d'espèces originaires d'Asie.

Hosta (, syn. "Funkia") is a genus of plants commonly known as hostas, plantain lilies and occasionally by the Japanese name giboshi. Hostas are widely cultivated as shade-tolerant foliage plants. The genus is currently placed in the family Asparagaceae, subfamily Agavoideae, and is native to northeast Asia (China, Japan, Korea, and the Russian Far East). Like many "lilioid monocots", the genus was once classified in the Liliaceae. The genus was named by Austrian botanist Leopold Trattinnick in 1812, in honor of the Austrian botanist Nicholas Thomas Host. In 1817, the generic name "Funkia" was used by German botanist Kurt Sprengel in honor of Heinrich Funk, a collector of ferns and alpines; this was later used as a common name and can be found in some older literature.


Biographie.

Dicke naît à Saint-Louis dans le Missouri, il obtient son bachelor à l'université de Princeton et son doctorat de physique nucléaire en 1939 à l'université de Rochester. Durant la Seconde Guerre mondiale il est membre du laboratoire des radiations (RadLab) du Massachusetts Institute of Technology où il travaille sur le développement du radar. Il y construit aussi le radiomètre de Dicke, un récepteur micro-onde qu'il utilise pour vérifier que la température d'antenne du fond diffus cosmologique est inférieur à 20 kelvins.  En 1946 il retourne à Princeton où il reste jusqu'à la fin de sa carrière. Il travaille en physique atomique, plus particulièrement sur les lasers et mesure le facteur de Landé de l'électron.  Il contribue aux premières mesures du fond diffus cosmologique avec James Peebles, David Todd Wilkinson et Peter G. Roll. Le radiomètre de Dicke est utilisé pour ces mesures. Toutefois ils sont battus par Arno Allan Penzias et Robert Woodrow Wilson qui découvrent accidentellement ce rayonnement en travaillant sur un nouveau type d'antenne aux Laboratoires Bell. Dicke avait oublié les travaux de George Gamow sur ce sujet.  Il consacre le reste de sa carrière au développement de tests de précision de la relativité générale basé sur le principe d'équivalence. Avec il met au point la théorie de Brans et Dicke, une alternative à celle d'Einstein. Il effectue des mesures de précision de l'aplatissement du Soleil qui sont utiles pour comprendre la précession du périhélie de Mercure, un des tests classiques de la relativité générale.  Dicke développe aussi l'amplificateur lock-in, qui est devenu un instrument indispensable en sciences appliqués et en ingénierie.  L'effet Dicke est utilisé dans le domaine des micro-ondes pour annuler l'effet Doppler.

Robert Henry Dicke (Saint-Louis, - Princeton (New Jersey), ) est un physicien américain qui a fait d'importantes contributions à l'astrophysique, la physique nucléaire la cosmologie et l'étude de la gravité.

Robert Henry Dicke (; May 6, 1916 – March 4, 1997) was an American astronomer and physicist who made important contributions to the fields of astrophysics, atomic physics, cosmology and gravity. He was the Albert Einstein Professor in Science at Princeton University (1975 - 1984).


Historique.

L’histoire ancienne du kanoun n’est pas bien connue. Il est vraisemblable qu'il descend de l’ancienne harpe. On lui attribue une origine grecque ou assyrienne.  Dans la musique byzantine instrumentale, c'est-à-dire la musique savante profane de l'Empire romain d'Orient (appelé aussi Empire byzantin), le kanoun existait déjà sous une forme appelée « psaltirio » en grec.  La plus ancienne mention de cet instrument dans la littérature arabe se trouve dans les contes des Mille et une nuits au .  Le kanoun avait alors une caisse de résonance aux formes variées (rectangle, triangle ou trapèze) sur laquelle étaient posées des cordes en boyau soutenues à la droite de l’instrument, par un chevalet en contact avec la table d'harmonie (en bois) et rattachées, à sa gauche, à des chevilles ("malawi" en arabe) pour permettre l’accordage.

Lutherie.

Le kanoun moderne remonte à la fin du et résulte de l'évolution de l'instrument déjà utilisé dans l'Empire byzantin, dans les pays sous influence ottomane, au Maroc, en Iran, etc. Le kanoun ne permettait alors qu’un jeu monophonique avec la main droite. La main gauche devait appuyer sur les cordes pour changer la longueur de la partie pincée et ainsi permettre les modulations, à la manière des cithares asiatiques (koto ou qin).  À la fin du , des luthiers de l'Empire ottoman (d'origine ethnique inconnue) ont introduit à la gauche de l’instrument, près des chevilles, des leviers ("mantalia" en grec, "mandal" en turc et "'orab" en arabe) permettant lorsqu’ils sont abaissés ou levés de modifier la longueur de la corde et ainsi d’altérer la note. Une autre modification a consisté à ne plus laisser le chevalet en contact direct avec la caisse de résonance mais à le placer sur une série de en peau de poisson qui ont considérablement amélioré la qualité (timbre et volume) du son.  Aujourd'hui, le kanoun a une caisse de résonance en forme de trapèze d'une épaisseur variant entre , la grande base varie entre et la petite base entre . La longueur de l'arête perpendiculaire varie entre . Elle est en plusieurs types de bois (érable, acajou, noyer). La table d'harmonie est percée de et peut être incrustée de mosaïques.  Le chevalet ("köpru" en turc et "faras" en arabe) en épicéa à pieds multiples est posé « à cheval » sur des peaux ("raqma" en arabe) de poisson rectangulaires (4 pour les kanouns turcs et 5 pour les kanouns arabes) servant d'amplificateurs de résonance. Il est perpendiculaire à la base de l'instrument.  Les leviers sont des éléments métalliques (en cuivre pour le kanoun arabe et en alliage cuivre, nickel et zinc pour le kanoun turc) permettant d'altérer le ton d'une corde, de plusieurs degrés. Ils sont toujours placés en série, à gauche de l'instrument, près des chevilles, sur la table de support des leviers et chevilles. Ils doivent l'être avec une grande précision pour avoir des intervalles corrects car ils remplacent les doigts de l'instrumentiste qui modifient la longueur de la corde en la pinçant (luth…).  Leur nombre est la principale caractéristique d'un kanoun car il détermine la musique qui peut y être jouée. Plus on a de leviers, plus on peut atteindre des micro-intervalles petits :  Les cordes du kanoun sont regroupées en chœurs de deux (pour les graves) ou trois cordes, accordées à l'unisson, de telle sorte qu'elles vibrent simultanément. Les graves sont à la base du trapèze et les aigus à son sommet. Leur nombre varie entre 63 et 84 et elles couvrent entre . Elles sont faites de métal (pour les graves, jusqu’au do ) et de nylon de différents calibres.

Accord du kanoun arabe.

L'instrument est accordé selon la gamme d'ut majeur en partant du sol et en choisissant une position pour les leviers de chacune d’elles. Mais pour jouer certaines œuvres, il n’est pas rare de voir le joueur de kanoun abaisser ou augmenter certaines notes (on n’est plus dans un tempérament égal).  Vu le nombre de cordes, l’accordage du kanoun peut être une tâche fastidieuse (surtout par temps humide en raison des peaux). Un joueur de kanoun expérimenté peut accorder un bon instrument en un quart d’heure à l'aide d'une clef d’accordage, qu'il place sur la cheville correspondante et tourne tout en exerçant une pression vers le bas pour que la cheville reste fixée dans le trou.  Les cordes ainsi accordées prendront les noms des notes. Ces noms peuvent être ceux du système occidental (do, ré, mi…, ou A, B, C) ou oriental (rast = do, doukah = ré, sikah = mi…). Sur le kanoun arabe, les cordes sol et do sont généralement repérées par deux petits symboles.  On accorde les notes ré, mi, fa, sol (ayant chacune 5 leviers) avec le à partir de la droite levé, on peut donc jouer ré, mi, fa, sol sans avoir à altérer les cordes :  En altérant la corde du mi et du fa par abaissement de tous les leviers des deux cordes, on peut jouer : Maintenant on accorde les notes ré, mi, fa, sol (ayant chacune 5 leviers) avec le levé, sauf pour le fa où ils sont tous abaissés. Avec cette configuration, il n’est pas possible de jouer ré, mi b, mi, sol sur quatre cordes consécutives (ré, mi, fa, sol) car la corde du fa ne peut pas être abaissée en mi. Par contre, elle permet de jouer ré, mi, sol, sol b puisque la corde du fa peut être altérée en sol.

Techniques de jeu.

C'est essentiellement la musique savante arabo-turque, les maqâms, qui est jouée sur cet instrument difficile, bien qu'il soit aussi utilisé dans la musique actuelle, pour les films notamment. Il peut se jouer en solo, ou accompagné d'une percussion (riqq ou daf) ou en accompagnant un chanteur ou un ensemble.  Le kanoun se joue en étant posé sur un support ou sur les genoux du "kanounji" (joueur de kanoun) assis sur une chaise. Les cordes sont pincées avec l’index de chaque main ou à l'aide de plectres ("mezrab" fait de corne de bœuf, de plume de rapace, de métal ou de plastique) fixés à l’index par une bague métallique, si bien que le kanoun est un instrument très riche en sonorités.  Pour pincer la corde, le pouce de la main droite doit être placé derrière ou sur la corde qui précède celle que l’on veut frapper. L’index est levé puis vient frapper la corde de façon que le plectre la pince perpendiculairement en touchant les trois cordes à la fois. Ces contraintes sont déroutantes et constituent une difficulté non négligeable pour les débutants.  Les mains ont un rôle bien spécialisé et pas toujours symétrique :  Ornementations :

Le kanoun (en ; en ; en arménien քանուն ; aussi transcrit « kanun », « qanun », « qanoun » ou « quanoun », « kanon »), aussi appelé « kanonaki » ou « kalong », est un instrument à cordes pincées de la famille des cithares sur table, très répandu dans le monde arabe, le monde iranien, en Asie du Sud-Ouest ainsi qu'en Grèce et dans le Turkestan, à ne pas confondre avec le santour, dont les cordes sont frappées. Son nom dériverait du grec «  » (signifiant « la mesure »), qui était aussi le nom donné à un instrument monocorde destiné à l’étude des intervalles en musique et connu déjà de Pythagore.

The qanun, kanun, ganoun or kanoon (; ; , "qanon"; , "qānūn"; ; ; ; ) is a string instrument played either solo, or more often as part of an ensemble, in much of the Middle East, North Africa, West Africa, Central Asia, and southeastern regions of Europe. The name derives from the Arabic word "qanun", meaning "rule, law, norm, principle", which is borrowed from the ancient Greek word and musical instrument (rule), which in Latin was called canon (not to be confused with the European polyphonic musical style and composition technique known by the same name). Traditional and Classical musics executed on the qanun are based on Maqamat or Makamlar. Qanun trace its origins to a stringed Assyrian instrument from the Old Assyrian Empire in Mesopotamia, specifically from the nineteenth century BC. This instrument came inscribed on a box of elephant ivory found in the Assyrian capital Nimrud (old name: Kaleh), which is about 35 km from the city of Mosul in Iraq. The instrument is a type of large zither with a thin trapezoidal soundboard that is famous for its unique melodramatic sound.


Biographie.

Son père était un chanteur et metteur en scène connu à l'Opéra du Théâtre National de Prague, sa mère était une actrice au Théâtre National Slovaque à Bratislava. Entre 1946-1952, Munclinger a étudié au Conservatoire de Prague (la flûte), à la Faculté de Musique de l'Académie tchèque des arts musicaux à Prague (la direction et la composition) et à l'Université Charles (la musicologie, l'esthétique, la philosophie et l'orientalisme).  Depuis 1946, il s'est orienté avant tout vers la musique baroque et les questions de son interprétation. En 1951, il a créé l'ensemble "Ars Rediviva" dont les enregistrements et concerts (commentés par Munclinger) ont fait connaître au grand public tchèque la musique baroque.

Éditeur, chef d'orchestre.

Munclinger a édité de nombreux manuscrits d'archives tchèques et allemandes (il a collaboré notamment avec les éditions Supraphon, International Music Company New York et Bärenreiter). Il a également dirigé plusieurs formations de musique historique (p.ex. "l'Orchestre de chambre de Prague", "Musici de Praga"). Entre 1955-1956, il a participé à l'édition "Musica Antiqua Bohemica", récompensée par le grand prix du disque: le Concerto pour flûte de Benda et celui de Richter a été un de premiers enregistrements de Jean-Pierre Rampal en Tchécoslovaquie (Jean-Pierre Rampal flûte, Milan Munclinger direction, Orchestre de chambre de Prague, Ars Rediviva; Supraphon SUA 190 37, partiellement réédité en 2002 - voir Liens externes: "Benda, Stamitz, Rosetti Flute Concertos").

Collaboration avec Jean-Pierre Rampal.

Avec Jean-Pierre Rampal, son maître et ami, Munclinger a collaboré jusqu'à sa mort en 1986. Il a été juré des concours d'interprétation (p.ex. Concours de flûte Jean-Pierre Rampal 1980 et 1983), maître des cours d'interprétation à Bayreuth et à Nice (l'Académie internationale d'été). Il a dédicacé à Rampal ses reconstructions des concerts de Johann Sebastian Bach. Rampal écrit de Munclinger dans son livre "Musique, ma vie". Il a dédicacé à Munclinger ses performances de la musique de Carl Philipp Emanuel Bach.

Autres activités.

Il s'est également donné à l'improvisation de jazz, a fondé les ensembles "Quatuor à vent Munclinger" et "Aulos", a réalisé de nombreux enregistrements. Il a fait découvrir au public tchèque les compositeurs français modernes comme André Jolivet.  Il a fait partie des fondateurs de la "Jeunesse Musicale" en Tchécoslovaquie.  Son activité a considérablement influencé dans son pays la redécouverte de la musique ancienne.

Milan Munclinger, né le à Košice (Tchécoslovaquie) et mort le à Prague (Tchécoslovaquie), était un flûtiste, chef d'orchestre, compositeur et musicologue tchécoslovaque.

Milan Munclinger (3 July 1923 Košice, Slovakia, Czechoslovakia – 30 March 1986 Prague, Czechoslovakia) was a significant Czech flautist, conductor, composer and musical scientist.


Carrière en club.

Bondra a commencé à jouer au hockey sur glace à Poprad en Tchécoslovaquie, où sa famille avait déménagé de l'Ukraine quand il avait trois ans. Il débute avec le LVS Poprad en première division tchécoslovaque lors de la saison 1985-86, et signe à la fin de la saison au TJ VSŽ Košice où il restera quatre ans, devenant champion de Tchécoslovaquie en 1988.  Lors du repêchage d'entrée dans la LNH 1990, il est choisi au neuvième tour par les Capitals de Washington et quelques mois plus tard, il fait ses débuts dans la Ligue nationale de hockey. En 14 saisons avec les Capitals, il a inscrit 472 buts et 825 points, ce qui en fit alors le meilleur buteur et le meilleur compteur de l'histoire du club.  Lors des saisons 1994-1995 et saisons 1997-1998, il a terminé meilleur buteur de la LNH. Lors de la saison 1997-1998 il a atteint avec les Capitals la finale de la Coupe Stanley mais dut s'incliner face aux Red Wings de Détroit.  En 2004, alors que les Capitals connaissaient une saison décevante et des difficultés financières, il a été transféré aux Sénateurs d'Ottawa. À l'automne 2005, Bondra a signé avec les Thrashers d'Atlanta.  Le , après n'avoir pas trouvé d'équipe depuis le début de saison, il signe un contrat d'un an avec les Blackhawks de Chicago. Le , il devient le de l'histoire à inscrire 500 buts dans la LNH en marquant le but gagnant contre les Maple Leafs de Toronto.  Le , il annonce qu'il prend sa retraite de joueur pour devenir directeur-général de l'équipe nationale de Slovaquie.

Carrière internationale.

N'ayant obtenu la nationalité slovaque qu'en 1993, Bondra endosse pour la première fois le maillot slovaque en septembre 1993 à Sheffield lors du tournoi de qualification pour les Jeux olympiques de Lillehammer.  Bondra a ensuite représenté la Slovaquie lors de cinq compétitions internationales : les Jeux olympiques d'hiver de 1998 et de 2006, la Coupe du monde de hockey 1996 et les championnats du monde de 2002 et 2003. En 2002, il termina meilleur buteur du tournoi avec sept buts, alors que la Slovaquie remportait la médaille d'or après avoir battu en finale la Russie 4-3, Bondra marquant le but décisif cent secondes avant la fin du match. En 2003, l'équipe remporta la médaille de bronze.  Il compte 35 buts pour 47 sélections.

Distinctions.

Bondra a été élu trois fois meilleur hockeyeur slovaque ("Zlatý puk") et, en 2002, meilleur sportif slovaque. Il a participé à cinq Matchs des étoiles de la LNH.

Peter Bondra (né le à Bakivtci, Raïon de Loutsk en Ukraine) est un joueur slovaque de hockey sur glace jouant en position d'ailier droit. Il passe l'essentiel de sa carrière avec les Capitals de Washington dans la Ligue nationale de hockey. Il a un frère, Juraj, qui a également eu une carrière professionnelle. Il est le père de Dávid Bondra.

Peter Bondra (; born February 7, 1968) is a Soviet-born Slovak former professional ice hockey player. He was the general manager of the Slovakia national team from 2007 to 2011. A two-time 50-goal scorer, Bondra became the 37th player in National Hockey League (NHL) history to score 500 NHL goals. He has the fewest points among all players who reached that milestone with 892.


Définition.

L'"assessment center" est un procédé utilisé pour mesurer les capacités d'individus dans l'objectif d'évaluer leurs possibilités de réussir une mission ou d'atteindre des objectifs précis. Cette méthode se caractérise par l'utilisation d'une multitude de techniques et de plusieurs assesseurs évaluant le candidat sur des compétences bien définies (compétences liées au faire comme au savoir-être). Les outils (tests, exercices de jeu de rôle,mise en situation "", littéralement "l’épreuve de la corbeille de courriers") permettent de vérifier si le candidat dispose bien des compétences nécessaires pour réussir à la tenue d'un poste. Il n'existe pas de règles définissant le nombre précis d'exercices que doit contenir l"'assessment" ou des types de compétences (estime de soi, compétences émotionnelles, capacités managériales, à l'organisation, à la vente ou la gestion) qu'il peut ou pas évaluer.  Qu’est-ce qu’un "assessment center" ? C’est une approche de l’évaluation des potentiels qui se fonde essentiellement sur ce que font les « candidats », sur ce qu’ils peuvent faire et non pas sur ce qu’ils sont en termes de diplôme, de niveau intellectuel, ou d’appartenance sociale. Face à une situation concrète, c'est-à-dire le poste et la fonction qu’ils envisagent, quels comportements adoptent-ils, comment règlent-ils les problèmes, comment peuvent-ils s’améliorer ? Sous-jacent à ses comportements, existent des compétences, des talents qu’il s’agit de mettre en œuvre et de développer. En découle une méthode précise, transparente, que peuvent partager les candidats, les spécialistes de l’évaluation et les décisionnaires opérationnels de l’entreprise. Mise en situation au travers de « cas d’entreprise » dont les simulations les plus connues sont l’exercice « in basket » (je traite en quelques heures les problèmes qui me sont soumis quand je prends une fonction, puis je rencontre en face à face plusieurs de mes nouveaux interlocuteurs (collaborateurs, clients, supérieurs hiérarchiques...) "Une journée complète m’est offerte pour faire la preuve de ce que je peux faire et de ce qui me reste à développer pour atteindre l’excellence ».  « Des stimuli me sont donnés, des cas sont à résoudre. En direct ou en différé, souvent par le truchement de caméras que j’oublie facilement, je démontre de façon plus ou moins complète mes talents de prise de décision, de délégation, de suivi de mes collaborateurs, d’analyse, de synthèse, d’adhésion, de capacité à remettre les choses en cause ; autant de compétences que mes évaluateurs sont amenés à mettre en œuvre par rapport au référentiel de compétences de leur société et poste que je brigue. Quelques jours plus tard, quand ils ont fait leur travail, un feedback complet de mes résultats m’est assuré, de façon écrite et de façon orale ». Ainsi est décrit le process par un bénéficiaire d’"Assessment Center". On en perçoit bien l’intérêt pédagogique pour l’évaluateur et pour l’évalué : une journée d’"assessment" est déjà une formation à l’acquisition des comportements souhaités.  Les "Assessment Center" les plus réputés sont ceux du secteur financier. Ils comportent des épreuves très différentes, allant du cas à résoudre en groupe aux tests numériques en passant par un cas individuel et des entretiens avec les opérationnels.

Histoire en France.

Mais il en va des "assessment center" comme il en va des films. Certains scenarios sont excellents, d’autres ne répondent pas à une méthode rigoureuse et ne tiennent donc pas la route. Pour cette raison, et parce qu’elles étaient une simple traduction de package américain, les premières expériences d’"assessment center" furent souvent un « flop ». En France, fin des années 1970 les pionniers de la méthode, partirent des problèmes qu’il leur fallait régler . Quels vendeurs deviennent de bons chefs de ventes ? Quels techniciens deviennent de bons chefs de service technique ? Quels ouvriers deviennent de bons contremaitres ? Fi était fait aux préjugés, aux postulats que le meilleur vendeur était le meilleur chef de vente. Parmi les pionniers que furent les consultants d’Ernoult Search Infraplan dirigé par Victor Ernoult figuraient aussi des interlocuteurs de l’entreprise dont faisaient partie Jean-Joseph Crampe alors chez Placoplatre et co-auteur du premier "in basket" digne de ce nom . Le coup d’envoi était donné et furent innovantes dès le départ des sociétés comme Xeros, Groupe Mars, Kodak, et bientôt des sociétés dont la maison mère étaient françaises : Air France, Carrefour Auchan, Monoprix, le Groupe Accor… mais aussi des PME .  En réalité, la belle histoire des "assessment center" a été d’aller au-delà de la sélection et de la promotion des candidats en adoptant une approche des ressources humaines plus globale : définition de fonction, stratégie de la récompense, gestion prévisionnelle, qui soient plus justes parce que plus objectifs et donnent une égalité des chances, avant même que ces enjeux ne deviennent des faits de société et un élément politique partout en Europe. Dans les milieux où sont nés les "assessment centers", sont nés aussi, 20 ans plus tard, les appréciations dites 360° : « je ne suis plus apprécié que par mon patron mais je le suis aussi par mes collaborateurs, mes pairs et mes clients. Ces perceptions croisées sont enregistrées pour me servir de levier dans mon développement ». De cette « école » d’assessment center sont nés de nouveaux types de DRH, avec une vision stratégique et la volonté d’aller vers plus de justice, plus d’ouverture dans la recherche de potentiel, plus de métissage.  Les héritiers de cette approche ont pris leur envol et quelque 25 ans après la naissance des premières expériences nous en retrouvons l’esprit dans des outils très nouveaux, parce qu’ils ont intégré les nouvelles technologies sans trahir les fondements, les nouveaux modes d’organisation (en mode projet par exemple) et les nouvelles cultures, plus européenne et plus mondiales.  Une aventure dans le développement des potentiels et des talents qui connait un nouvel essor face aux enjeux actuel. Certes, la plupart des acteurs s’accordent à la nécessité de redonner du sens à ce que nous faisons, à diversifier nos recrutements et nos promotions au-delà du clonage, à respecter l’égalité des chances, à répondre au défi des jeunes et des seniors. Mais au-delà du déclaratif, la vraie clé est de proposer une réponse opérationnelle et maîtrisée des compétences. C’est le cœur même d’un Assessment Center.

Un assessment center est une méthode qui évalue les compétences d'un candidat au travers de plusieurs outils psychométriques et par des mises en situation . Il vise à compléter les méthodes d’évaluation plus traditionnelles telles que l’entretien d’évaluation ou l’auto-évaluation et par ce fait, à améliorer la qualité des décisions RH (Ressources Humaines). C’est notamment le cas en matière de recrutement (interne ou externe) et de gestion de carrière (mobilité, développement de compétences, coaching, plan de carrière …).

An assessment center is a process where candidates are examined to determine their suitability for specific types of employment, especially management or military command. The candidates' personality and aptitudes are determined by techniques including interviews, group exercises, presentations, examinations and psychometric testing.


Biographie.

Son père, Michele, est homme de lettres et secrétaire à l'administration de la ville de Naples. Le jeune Ferdinando reçoit sa première formation musicale d'un prêtre maître de chapelle qui lui enseigne le violoncelle, instrument dont le rôle était de soutenir ou accompagner le chœur (à l'époque professionnel) de l'église. Il apprend ensuite la guitare en autodidacte, car à Naples il n’y a pas de professeur qui puisse l’initier à l’art de cet instrument. Cette obligation de se forger tout seul une technique et d’écrire de la musique pour la guitare est pour lui un atout considérable.  Carulli est alors un instrumentiste talentueux et ses concerts napolitains sont si populaires qu'il commence à en donner dans le reste de l'Europe. Vers 1801, il épouse une Française, Marie-Joséphine Boyer, qui lui donne un fils, Gustavo (1801-1876).  Après un séjour à Vienne suivi d'une tournée triomphale à Paris, Carulli s'installe en 1808 dans la capitale française, .  Il rencontre vers 1810 Filippo Gragnani avec lequel il se lie d'amitié.  Carulli s'est également intéressé à la fabrication de la guitare. Il a introduit, avec l'aide du luthier français , des modifications importantes pour l'amélioration du son de l'instrument. En décembre 1826, il fait breveter, avec Lacôte, une variante de guitare appelée "Décacorde", munie de cinq cordes traditionnelles et de cinq bourdons aériens vibrant par le phénomène acoustique de sympathie. Il écrit d'ailleurs pour cet instrument une "Méthode pour le Décacorde".  Divers exemplaires de Décacorde sont conservés dans des musées européens, notamment à Bruxelles et à Paris, mais l'instrument n'a jamais été vraiment utilisé.

Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli (né le à Naples et mort le à Paris) est un guitariste et compositeur italien qui fut l'un des plus célèbres compositeurs pour guitare classique du . Il est l'auteur de la première méthode complète de guitare classique, encore en usage aujourd'hui.

Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli (9 February 1770 – 17 February 1841) was an Italian composer for classical guitar and the author of the influential "Méthode complète pour guitare ou lyre", op. 27 (1810), which contains music still used by student guitarists today. He wrote a variety of works for classical guitar, including numerous solo and chamber works and several concertos. He was an extremely prolific writer, composing over 400 works for the instrument.


Biographie.

Origines.

Premier des dix enfants d'Hugh Brunty et d'Eleanor McCrory, il naît à Drumballyroney, dans le comté de Down, en Irlande du Nord.  L'étymologie du patronyme, d'abord "Prunty" (cf. "infra"), puis Brunty, dénote des origines celtiques. La famille pourrait descendre du clan irlandais "mac Aedh Ó Proinntigh", traduit en anglais par "son of Aedh, grandson of Proinnteach" (« fils de Aedh, petit-fils de Proinnteach »). "Aedh" est un prénom masculin dérivé de "aodh" (« feu »). "Proinnteach" ("the bestower", « celui qui confère, qui donne ») trouve son origine dans un nom désignant une personne généreuse.  C'est peut-être à l'instigation de Thomas Tighe que Patrick Brunty change son nom en Brontë, lors de son entrée à l'Université de Cambridge, en 1802. On peut penser que la ressemblance de ce nom avec le titre de l'amiral Nelson, duc de Bronte, pour qui Patrick Brontë avait une grande admiration, a joué un rôle dans ce choix.

Études et vocation.

Il est apprenti chez un maréchal-ferrant, en 1789, un marchand de lin et un tisserand, Robert Donald, avant de devenir enseignant en 1798.  C'est un garçon doué qui a fréquenté l'école jusqu'à seize ans. Pour financer ses études, ses parents ont loué un peu plus de deux hectares de terres supplémentaires. Il a ensuite fondé une école dite "public" — c'est-à-dire, selon la terminologie employée en Grande-Bretagne (et en Irlande), privée — et a travaillé comme précepteur et fait quelques économies. Ce pécule lui permet d'entrer au "St John's College" de Cambridge. Il est exceptionnel qu'un Irlandais du sud et de souche si humble soit admis dans un collège aussi prestigieux que "St John's", égal en notoriété à "Trinity College" de Cambridge. Normalement, les Irlandais intellectuellement compétents fréquentent le "Trinity College" de Dublin.  Patrick doit cette admission à ses capacités reconnues par les autorités académiques, et aussi à la recommandation de Thomas Tighe. Juge de paix, fils de parlementaire et demi-frère de deux membres du parlement irlandais. Il vante ses mérites en connaissance de cause, puisque Patrick a supervisé les études de ses enfants pendant quatre ans. De plus, il a vraisemblablement fait étudier à Patrick le latin et le grec, prérequis de l'entrée à Cambridge, peut-être en paiement partiel de son préceptorat. Le jeune Brontë reçoit une "sizarship", bourse particulière à l'université, qui supplémente son pécule. Ainsi, il peut étudier les disciplines générales, l'histoire ancienne et moderne, et la théologie de 1802 à 1806, ce qu'il fait avec sérieux, à la différence de nombre de ses condisciples fortunés. Les documents relatifs à sa scolarité subsistent dans les archives de l'université et ils attestent que, de bout en bout, Patrick a reçu la distinction de "first class" (« première classe »), ce qui correspond au minimum à notre mention « Bien ». Il obtient son diplôme en 1806, puis est nommé vicaire à Wethersfield, dans l'Essex, où il est ordonné diacre de l'Église d'Angleterre, avant d'accéder à la prêtrise en 1807.  En 1809, il devient vicaire assistant à Wellington, dans le Shropshire et, en 1810, publie son premier poème "Pensées de soirée d'hiver" dans un journal local, suivi en 1811 d'un recueil de vers moraux, "Poèmes de cottage".

Mariage, naissance et éducation des enfants Brontë.

L'année suivante, il est nommé examinateur scolaire à l'Académie wesleyenne de Woodhouse Grove, près de Guiseley, où il rencontre Maria Branwell (1783-1821), avec laquelle il se marie le . Leurs deux premiers enfants, Maria, (1814-1825) et Elizabeth (1815-1825) naissent après le déménagement des Brontë pour aller habiter Hightown, à l'époque où Patrick Brontë est en poste à Hartshead-cum-Clifton. En 1815, ils vont s'installer à Thornton, près de Bradford, où naîtront leurs quatre autres enfants, Charlotte, (1816-1855), Branwell (1817-1848), Emily, (1818-1848) et Anne (1820-1849). Patrick obtient la cure perpétuelle d'Haworth en juin 1819, où il se rend avec sa famille en avril 1820.  Sa belle-sœur Elizabeth Branwell (1776-1842), qui a vécu avec la famille à Thornton en 1815, rejoint la maisonnée en 1821 pour l'aider à élever les enfants et soigner Maria Brontë, qui est au stade terminal d'un cancer. Elle décide de rester à Haworth comme gouvernante de Patrick.  Soucieux de donner une bonne éducation à ses filles, malgré ses moyens financiers limités, il envoie en 1824 les quatre aînées, Maria, Elizabeth, Charlotte et Emily, au pensionnat de Cowan Bridge ("Clergy Daughters' School"). Malheureusement, l'école est très mal tenue, et les deux filles aînées, ramenées d'urgence au presbytère au vu de leur état de santé alarmant, décèdent quelques semaines après de la tuberculose. Patrick Brontë garde alors ses enfants pour un temps, s'occupant surtout de l'éducation de son fils Branwell, mais contribuant largement à l'éveil intellectuel de ses filles par la lecture et la discussion passionnée des journaux auxquels il est abonné, en particulier le "Blackwood's Magazine".  En 1831, il envoie Charlotte à l'excellente école de Miss Wooler, à Roe Head ; Charlotte y enseignera elle-même en 1835, rejointe alors par Emily en tant qu'élève, rapidement remplacée par Anne.  Patrick Brontë est responsable de la construction d'une école du dimanche à Haworth, qui ouvre ses portes en 1832. Il demeure actif pour des causes locales jusqu'à un âge avancé et, entre 1849 et 1850, organise l'action conduisant à l'aménagement d'un réseau d'eau potable pour Haworth, ce qui est effectivement réalisé en 1856.

Après la mort des enfants.

Après la mort de sa dernière fille survivante, Charlotte, neuf mois après le mariage de celle-ci avec Arthur Bell Nicholls, il collabore avec Elizabeth Gaskell à une biographie de sa fille et, avec son gendre qui écrit une préface, à la publication à titre posthume du premier roman de Charlotte, "Le Professeur", en 1857.  Patrick Brontë, qui survit à toute sa famille, décède six années après la mort de Charlotte, à 84 ans, après avoir subi deux AVC ("strokes") sans graves séquelles, souvent cloîtré dans son bureau où il prend depuis toujours ses repas, penché sur sa Bible et son "Book of Prayers," (« Bréviaire »). Jusqu'à son dernier souffle, il est aidé par son gendre, le Révérend Arthur Bell Nicholls, vicaire (« "curate" ») de la paroisse, qui retourne après sa mort s'installer, après avoir quitté les ordres, dans son Irlande natale à Banagher, accompagné de Martha Brown qui reste à son service (celle-ci meurt à Haworth lors d'une visite à sa famille, et est donc enterrée au cimetière jouxtant l'église et le presbytère).

Personnalité.

Apparence.

Selon Elizabeth Gaskell, Patrick Brontë, comme ses frères et sœurs, est d'une beauté frappante : même à un âge avancé, il conserve une grande prestance, très droit, avec un visage plein de caractère.  C'est un admirateur passionné de Wellington, le vainqueur de Waterloo, au point d'enrouler autour de son cou, comme son héros, une large cravate blanche qui ne cesse de s'allonger et finit par lui couvrir le menton. La mode en est tout à fait passée de son temps, mais il ne l'abandonnera jamais sous le prétexte qu'il a la gorge fragile.

Caractère.

Elizabeth Gaskell, première biographe de Charlotte à la demande de Patrick, le décrit, suivant l'archétype du pasteur anglican, comme plutôt inflexible, rigide, hypocondriaque et misanthrope, description reprise depuis par certains auteurs. Elle évoque en particulier au travers de deux anecdotes l'attitude rigoriste de Patrick Brontë envers tout ce qui peut induire chez les siens un amour coupable de la toilette, puisqu'il jette au feu des bottines de cuir qu'on avait offertes à ses enfants, et réduit en lambeaux une robe de soie que sa femme a oublié de garder sous clé (cette dernière anecdote est généralement considérée aujourd'hui comme apocryphe).  Patrick Brontë se dépeint lui-même dans une lettre qu'il écrit en 1855 à Elizabeth Gaskell, au sujet de la biographie de Charlotte :  En fait, Patrick, tout excentrique qu'il paraît (il ne se couche jamais sans deux pistolets chargés, pour se protéger des rôdeurs semble-t-il, qu'il vide à son réveil, par prudence, en tirant de sa fenêtre sur le clocher de son église, sur lequel les impacts sont toujours visibles, habitude prise après la révolte sociale dite des Luddites), serait plutôt, comme l'a montré Juliet Barker, dans "The Brontës", 1995, à l'opposé de cette image : ouvert, intelligent, généreux comme tous les Branwell-Brontë, aimant profondément ses enfants. Il les encourage à écrire, lire, courir la lande ou rêver. Après le tragique épisode de Cowan Bridge (l'école insalubre d'où Maria et Elizabeth ne rentrent que pour mourir de la tuberculose), il fait revenir ses filles au presbytère de Haworth où se poursuit leur éducation.

Le Révérend Patrick Brontë , ( - ) est un vicaire et un auteur britannique, ainsi que le père des femmes de lettres Charlotte, Emily et Anne Brontë.  Issu d'une famille irlandaise de dix enfants, d'un milieu paysan très pauvre, il parvient, à force de volonté et de talent, à mener de brillantes études à l'Université de Cambridge. Ses enfants lui sont redevables du climat de curiosité intellectuelle et de culture qu'il sait insuffler à toute la maisonnée.

Patrick Brontë (, ; 17 March 1777 – 7 June 1861) was an Irish Anglican priest and author who spent most of his adult life in England. He was the father of the writers Charlotte, Emily, and Anne Brontë, and of Branwell Brontë, his only son. Patrick outlived his wife, the former Maria Branwell, by forty years, by which time all of their children had died as well.


Histoire.

L'origine exacte des "castells" est méconnue. Ils proviendraient d'anciennes danses pratiquées dans le Pays valencien dénommées "moixigangues", lesquelles étaient aussi exécutées dans le sud de la Catalogne au début du , où elles étaient connues sous le nom de "Balls de Valencians". À la fin de chaque danse une petite tour humaine était réalisée. La volonté de réaliser des tours de plus en plus spectaculaires a entraîné un développement de la technique, avec des constructions de plus en plus hautes et complexes, jusqu'à ce que cette pratique devienne une activité en soi. En 1805, deux colles castelleres existaient à Valls : celle des paysans et celle des bourgeois. Aujourd'hui, ces deux manifestations se nomment : la colla "vella" (ancienne) et "jove" (jeune).  Pendant la majeure partie du , les "colles" réalisant des "castells" furent appelés « "colles de Valencians" ». Peu à peu, . Vers le milieu du , l'appellation de "casteller" est progressivement remplacée par « "Xiquets de Valls" » (jeunes hommes de Valls).  La période comprise entre le milieu du et le début du est connue comme le premier âge d'or des castells. En effet, les « "actuacions castelleres" » (« représentations de "castells" »), comprenant de grandes pyramides, étaient pratiqués de façon extrêmement courante, particulièrement dans le sud de la Catalogne. Les villes comprises dans le triangle formé par Valls, Tarragone et Vilafranca del Penedès deviennent l'aire traditionnelle des "castells".  À l'aube du , la crise du phylloxéra touche fortement les vignes catalanes et la construction d'une ligne de chemin de fer entre Valls et Barcelone est suivie d'une importante émigration vers la capitale catalane. Dans le même temps, les sports populaires connaissent un important développement et concurrencent les "castells". Les représentations de "castells" se font moins fréquentes à Tarragone et les « "Xiquets de Valls" » abandonnent peu à peu leur pratique. Cependant, entre 1926 et 1927, de nouvelles « "colles castelleres" » sont créées et les "castells" suscitent un certain regain de popularité.  À la différence d'autres symboles catalans, comme son drapeau, son hymne ou la sardane, les "castells" n'ont pas été interdits sous la dictature franquiste. Ils ont cependant perdu de leur attrait à cette époque. Après le retour de la démocratie, les "castells" redeviennent à la mode au milieu des années 1980, une période considérée comme le deuxième âge d'or des "castells". Les "colles castelleres" se font plus nombreuses, les "castells" plus spectaculaires et les manifestations se multiplient en Catalogne.  À partir du milieu des années 1990, la pratique des "castells" se redéveloppe fortement. Des tours de dix étages sont réalisées et de nouvelles figures sont inventées (le « 9 de 8 » par exemple). Une soixantaine de "colles" sont créées, notamment dans d'autres régions d'Espagne (îles Baléares, nord de la Catalogne), voire d'autres pays comme le Canada, le Chili, le Brésil ou encore la Chine.  Les "castells" ont été inscrits au patrimoine culturel immatériel de l'humanité de l'UNESCO le .

Devise.

Les castellers ont une devise : "« Força, Equilibri, Valor i Seny »", en français : « De la force, de l'équilibre, du courage et du bon sens ». Elle est dans le très célèbre poème "Els Xiquets de Valls" de Josep Anselm Clavé et publié en 1867.  , car . . Au début du , l'évêque de Vic a demandé au poète et dramaturge Josep Abril i Virgili (1869-1918) de réunir la philosophie catalane du "seny" dans un livre, le "Bon Seny", il est composé de proverbes, d'aphorismes, de fables, et même de blagues, toutefois ce livre ne devait pas être contre les valeurs traditionnelles chrétiennes.

Costume.

Les castellers portent un costume traditionnel qui se compose d'un pantalon blanc, une "" (sorte de ceinture de flanelle communément portée par le passé dans les Pays catalans et en Occitanie) ainsi qu'un "mocador casteller" rouge à points blancs.  Lors des représentations, c'est la couleur de la chemise qui indique à quelle "colla" appartient le "castell". Lors des répétitions, les pantalons et les chemises peuvent être de n'importe quelle couleur. Seuls les castellers au sol ont des souliers, ceux qui montent sur les autres sont pieds nus.  Le "castell" et son costume sont inspirés de la danse du "ball de Valencians". Le costume du "ball de Valencians" variait selon le village mais était normalement composé d'un pantalon et d'une chemise blanche ou de couleurs claires (), d'un "faldellí" (une sorte de minijupe portée sur le pantalon), de deux écharpes triangulaires croisées sur la poitrine appelées "faixa", parfois d'un gilet (à Tarragone par exemple, mais pas à Reus), d'un mouchoir sur la tête ainsi que d'espadrilles aux pieds. Les danseurs portaient également des instruments de musique : des grelots attachés aux chevilles et des castagnettes aux mains.  Les "balls de Valencians" devaient aboutir à construction humaine. Or, pour la faire aisément et monter les uns sur les autres certains vêtements pouvaient gêner, (les chaussures pour ceux qui montent par exemple, les grelots, les écharpes, le gilet ou le faldellí). Par conséquent, le costume des castellers a été dépouillé de tous ses éléments gênants, et n'ont été conservés que le pantalon blanc, la "faixa" et la chemise. Enfin, les castellers portent aussi le "mocador casteller", un bandana rouge à pois blancs, à l'origine porté par les danseurs à la tête et aujourd'hui un symbole des castellers.  Au a été ajouté le casque pour les enfants qui montent dans les étages supérieurs.

Pantalon.

Les pantalons actuels sont toujours blancs et sont le plus souvent des jeans dans la mesure où ils sont confortables et résistants. Ils peuvent toutefois être également en coton. La couleur blanche des pantalons est issue de la tradition des danseurs de "ball de Valencians". Lorsque les hommes, paysans et ouvriers, participaient aux répétitions, ils venaient directement de leur travail et avaient donc des pantalons résistants mais peu confortables. Ils enlevaient alors leurs pantalons et faisaient les mouvements en culotte, laquelle à l'époque était plus longue qu'aujourd'hui et toujours de couleur blanche.  Le pantalon est au choix de chaque casteller, qui l'achète selon son gout personnel. Il doit être blanc et assez résistant pour ne pas se casser quand les autres montent sur lui, car les castellers se saisissent par les pantalons lorsqu'ils montent ou descendent. Il est souhaitable que la taille soit bien serrée et pas trop basse, pour éviter que les pantalons glissent, entraînant de possibles chutes. Parfois on porte sous la "faixa" un "mocador casteller", genre de ceinture.

"Faixa".

La "faixa castellera" est une sorte de ceinture rectangulaire, normalement noire, et de longueur et largeur variables. Le casteller l'enroule autour de son corps avec l'aide d'une autre personne. Sur la "faixa" on peut nouer un ou plusieurs "mocadors castellers" pour la décorer. Pour la garder après une représentation, on la plie ou on l'enroule sur elle-même, et souvent on l'attache avec un "mocador casteller".  La "faixa" appartient au costume traditionnel des Pays catalans et on la retrouve dans d'autres manifestations culturelles populaires que les "castells", dans lesquels elle a plusieurs fonctions. Elle sert notamment à aider les castellers à monter et descendre les uns sur les autres, ou à la protection de la zone lombaire. Elle est portée en fonction de la position du "casteller" dans le castell, selon les besoins de chacun. Elle n'a qu'une fonction esthétique pour l’"acoixador", l’"anxaneta" (les deux enfants qui se hissent au plus haut du "castell") et pour les musiciens, tandis que certains castellers de la partie plus basse des "castells" ont parfois aussi à l’intérieur une ceinture orthopédique en complément.

Chemise.

Individuellement, les chemises étaient de couleur et de motifs libres jusqu'au . Ceci jusqu'au jour où la Colla Vella dels Xiquets de Valls réalisa une grande performance lors de l'Exposition universelle à Barcelone en 1929. Ils portaient tous une chemise rouge des pantalons blancs et une "faixa" noire. L'exploit réalisé, leur notoriété fit que leur tenue, en particulier le port d'une chemise unie et de même couleur, fut adoptée rapidement par les autres "colles castelleres" et ce malgré le vives marques de désaccord des plus anciens.  Aujourd'hui, la chemise est le symbole de chaque "colla castellera" : elle a la couleur de la colla et son écu brodé ou imprimé sur une poche à la poitrine. Au elle avait le nom de la colla écrit au dos. C'est une chemise à manches longues, retroussées en l'été. Les porteurs castellers mordent le col de la chemise pour qu'elle soit toujours à sa place. En hiver, on peut porter un pull en dessous.  La chemise sert à protéger le thorax des castellers car elle absorbe la transpiration et évite des glissements et égratignures. Elle permet d'éviter le contact direct de la peau des pieds d'un casteller avec les épaules et dos de l'autre. En plus, elle est un bon endroit où s'agripper en cas de besoin.  On requiert des castellers une certaine formation et expérience pour pouvoir arborer la chemise. Quand une personne entre dans une "colla castellera", elle porte un maillot aux couleurs de sa "colla". Elle le portera pendant quelques mois pour que les autres sachent qu'elle est novice. Certaines "colles" leur font de plus porter une "faixa" de couleur différente, par exemple bleue ou blanche.

"Mocador casteller".

Le "mocador casteller" est un foulard carré en coton, normalement rouge à points blancs, qui est le symbole identificatif des castellers en général, de toutes les colles castelleres. Par exemple, les membres de "l'Associació Cultural Tarragonina d'Amics Castellers (ACTAC)", portent des "faixes" en noir et des "mocadors castellers", sans aucune chemise en particulier. Son origine était le foulard que les danseurs du "ball de Valencians" portaient à la tête, pour absorber la transpiration du front, pour se protéger de la chaleur et pour éviter d'être gênés par les cheveux.  Aujourd'hui il est porté à la tête ou ailleurs : en serre-tête par certaines femmes, aux poignets, sur les genoux (pour aider les enfants à monter), autour du cou ou autour de la taille ou du torse ou sur la "faixa".  Le foulard peut porter une image brodée ou imprimée, par exemple l'écu de la "colla castellera" ou commémorative d'une fête ou journée. Seuls les castellers de Sant Feliu portent "mocador casteller" non rouge : il est noir mais garde les points blancs.

Casque.

Le casque est devenu obligatoire pour les mineurs à partir de 2006 après la mort d'une enfant de 12 ans.

Lieux de pratique.

Des "colles castelleres" se sont exportées dans d'autres pays comme au Mexique, au Chili, en Argentine et au Canada, avec les Casteliers de Montréal. En outre, des Français, entre autres nationalités, font partie d'une "colla castellera" et participent, en Catalogne, aux festivités les plus importantes.

Musée Casteller de Catalogne.

Le musée Casteller de Catalogne est musée de la ville de Valls. Il est abordé comme un espace de référence dans tout le monde casteller, pour y vivre ses expériences.  Voir la fiche complète de Món Casteller. Musée Casteller de Catalogne.  [vidéo] L'Expérience des Tours Humaines. Museu Casteller de Catalunya - Valls  sur YouTube  [vidéo] Découvrez les collections photographiques du musée  sur YouTube

Validation.

Différents types de tours humaines sont pratiqués. Pour valider ("decarregar") une tour, l'enfant, le moins lourd de l'ensemble doit terminer la démonstration en levant le bras une fois qu'il s'est hissé tout en haut de l'édifice pour former comme une tour humaine qui, chaque année peut avoir de plus en plus de personnes la formant

Un castell (« château » en catalan) est une manifestation culturelle traditionnelle des pays catalans consistant à bâtir une pyramide humaine de six à dix étages de forme et organisation bien définies. Contrairement à d'autres tours humaines catalanes, elle est, en principe, statique (à l'exception du "pilar caminant"). Outre les castells, il existe d'autres manifestations culturelles catalanes basées sur les tours humaines, par exemple les falcons, la moixiganga. Au pays valencien, on trouve également la muixeranga, qui partage vraisemblablement des origines communes.  Une "colla castellera" est un regroupement de personnes réalisant des pyramides humaines (les castellers, mot venu du catalan) et concourant aux "concurs castellers". Chaque équipe est reconnaissable par la couleur de sa chemise.  Les castells de Catalogne sont inscrits par l'Espagne sur la liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l'humanité.

A castell () is a human tower built traditionally at festivals in Catalonia, the Balearic islands and the Valencian Community. At these festivals, several 'colles castelleres Muixeranga of Algemesí in Valencia, the tradition of "castells" within Catalonia originated in the "Ball dels Valencians" (Valencian Dance) in Valls, near the city of Tarragona, first documented in 1712. Over the course of the 18th century, they spread to other towns and cities in the area, including Vilafranca del Penedès and Tarragona, though it was not until the last 50 years that the practice of building "castells" began to spread to the rest of Catalonia. Interest in castells began to grow in the 1960s and 1970s. In the 1980s, the inclusion of women in the formerly male-only discipline ushered in the "època d'or" (golden age) of castells; the presence of women is credited with allowing castells to be built lighter and stronger, permitting the construction of previously undreamed-of 9- and 10-story castells.  While in Catalonia, the "Ball dels Valencians" began to focus more on the acrobatic nature of building ever taller human towers, their more religious and allegorical predecessors retain their traditions: the "Muixeranga", which is performed in the Valencian city of Algemesí, and in other places in the Valencian Land and Catalonia, where it is often called the "moixiganga".  In 2015 the hosted 99 groups, including and Minyons de Terrassa, who were able to construct the tallest human tower to date, the (10 levels of people with four in each level).  These icons of Catalan culture and sports were featured in the opening ceremonies of the Barcelona 1992 Summer Olympics.


Famille.

La princesse Alexandra est la fille du roi Georges de Grèce (1845-1913) et de son épouse la grande-duchesse Olga Constantinovna de Russie (1851-1926). Par son père, elle descend du roi Christian IX de Danemark (1818-1906), surnommé le « Beau-père de l'Europe », et de la reine Louise de Hesse-Cassel (1817-1898) tandis que, par sa mère, elle est la petite-fille du grand-duc Constantin Nikolaïevitch de Russie (1827-1892) et de la princesse Alexandra de Saxe-Altenbourg (1830-1911).  Le , la princesse Alexandra épouse, à Saint-Pétersbourg, le grand-duc Paul Alexandrovitch de Russie (1860-1919), dernier fils du tsar Alexandre II de Russie (1818-1881) et de son épouse la princesse Marie de Hesse-Darmstadt (1824-1880), également connue sous le nom de Maria Alexandrovna de Russie.  Du mariage d'Alexandra et de Paul naissent deux enfants :

Biographie.

Une enfance heureuse.

Née le au palais de "Mon Repos", sur l'île de Corfou, la princesse Alexandra est la troisième enfant du roi Georges de Grèce et de son épouse, la reine Olga Constantinovna de Russie. Aînée des filles du couple, elle a la réputation d'être la plus jolie et l'enfant préférée de son père.  La princesse grandit entre le palais royal de la place Syntagma, à Athènes, et celui de Tatoï, au pied du mont Parnès. Enfant, elle effectue aussi de nombreux séjours à l'étranger et visite notamment le Danemark et la Russie. Pour la princesse et sa fratrie, et Olga Constantinovna se montrent des parents attentionnés et le roi participe souvent aux jeux de ses enfants. Avec ses parents et ses "nurses", Alexandra parle anglais mais c'est le grec qu'elle utilise avec ses frères et sœurs ou dans sa scolarité. Le roi insiste en effet pour que ses enfants maîtrisent parfaitement la langue de leur peuple.  Avec sa sœur Marie, Alexandra est confiée aux soins de la comtesse Gröben et d'une myriade de gouvernantes et de préceptrices de nationalités différentes. À la demande de son père, la princesse reçoit une éducation soignée, fondée sur l'étude des langues (grec, anglais, français et allemand) mais aussi de la littérature, de l'arithmétique, de la musique, du dessin et de la religion orthodoxe. Elle pratique en outre l'équitation et la gymnastique.

Fiançailles et mariage.

En 1888, le roi Georges célèbre les de son accession au trône, ce qui donne lieu à de grandes festivités dans le royaume hellène. Pour l'occasion, de nombreuses personnalités du gotha sont accueillies à Athènes. Parmi celles-ci, se trouve le grand-duc Paul Alexandrovitch de Russie, plus jeune frère du tsar Alexandre III et cousin germain de la reine Olga Constantinovna.  Intime de la famille royale de Grèce, à laquelle il a déjà rendu plusieurs fois visite, le jeune homme de profite de son voyage pour demander sa main à la princesse Alexandra, alors âgée de . Réputé doux et charmant, le grand-duc sert alors dans la garde impériale russe.  Les noces princières sont fixées au et la famille royale de Grèce se rend au grand complet en Russie pour les célébrations. Après un passage en Allemagne, les membres de la dynastie passent en Pologne, où le grand-duc Paul vient retrouver sa promise. La petite troupe va ensuite à Saint-Pétersbourg, où elle s'installe au palais de Marbre, propriété du grand-duc Constantin Constantinovitch, oncle d'Alexandra.  Finalement, les deux jeunes gens s'unissent au cours d'une cérémonie somptueuse qui se déroule dans la chapelle du palais d'Hiver. Moment de joie, l'événement est aussi un moment d'angoisse pour le couple puisque le grand-père maternel d'Alexandra, le grand-duc Constantin Nikolaïevitch, subit un léger accident vasculaire cérébral pendant la célébration. Un mois plus tard, le vieil homme traverse une autre crise qui le laisse paralysé jusqu'à sa mort, en 1892.

Vie en Russie.

Après une lune de miel passée dans le domaine rural d'Ilynskoe, situé dans la région de Moscou, Alexandra s'installe avec son mari dans le palais que celui-ci a acquis à Saint-Pétersbourg, au bord de la Neva. L'entrée de la jeune femme dans la famille impériale a un effet apaisant sur les relations qu'entretient Paul avec son frère, le grand-duc Serge Alexandrovitch. Très proches depuis leur enfance, les deux frères ont longtemps partagé une même résidence mais des rumeurs affirmant que Paul entretenait une liaison avec l'épouse de Serge ont fini par mettre un peu de distance entre eux.  Du fait de ses fonctions militaires, le grand-duc Paul s'absente de son foyer durant de longues périodes et Alexandra, déjà sujette au mal du pays et à la nostalgie de sa famille, éprouve rapidement un sentiment de solitude. Bientôt enceinte, la princesse donne le jour à sa première enfant, la grande-duchesse Marie Pavlovna, le . L'automne suivant, le grand-duc et son épouse se rendent en Grèce afin de sortir Alexandra de sa tristesse et d'y présenter leur bébé au roi Georges et à la reine Olga.  Cependant, à leur retour en Russie, le grand-duc Paul est promu par le tsar Alexandre III commandant de la garde impériale, ce qui prolonge encore ses absences. Contraints à déménager à Tsarskoïe Selo, Alexandra et Paul reçoivent de vastes appartements dans le palais Catherine mais ne se voient désormais plus que le weekend. Cela n'empêche pas la princesse d'être à nouveau enceinte, au bout de quelques mois.

Une mort inattendue.

Durant l', Paul et Alexandra retournent séjourner à Ilynskoe avec le grand-duc Serge Alexandrovitch et son épouse, la princesse Élisabeth de Hesse-Darmstadt. Mais, enceinte de sept mois, Alexandra s'évanouit et se met à faire des convulsions au cours d'une promenade au bord de la Moskova. Ramenée dans la "datcha" du grand-duc, elle est confiée aux soins d'une matrone du village, faute de docteur. La princesse donne alors naissance à un fils prématuré, baptisé Dimitri Pavlovitch. D'abord laissé pour mort, l'enfant s'en sort finalement indemne mais sa mère s'enfonce dans un profond coma.  L'état de la princesse paraissant vraiment préoccupant, ses parents sont appelés à son chevet. Ceux-ci quittent alors précipitamment le Danemark, où ils séjournaient, pour retrouver leur fille. Malgré la présence du roi et de la reine des Hellènes, Alexandra ne reprend jamais conscience et s'éteint, après six jours de coma, à l'âge de .

Inhumations.

À l'annonce de la mort de la princesse, des paysans de toute la région affluent à Ilynskoe. Ils organisent alors une marche funèbre, durant laquelle ils se relaient pour porter sur leurs épaules le cercueil de la princesse, depuis la "datcha" du grand-duc jusqu'à la station de train située à de là. De son côté, le grand-duc Serge Alexandrovitch ferme à clé la chambre dans laquelle sa belle-sœur est morte et la maintient dans l'état où elle était ce jour-là.  Transférée à à Saint-Pétersbourg, la dépouille de la princesse Alexandra est inhumée, le , dans le mausolée de la famille impériale de la cathédrale Pierre-et-Paul. Cependant, après la Révolution bolchevique et le massacre de nombreux membres de la famille impériale, parmi lesquels le grand-duc Paul Alexandrovitch, la reine Olga Constantinovna émet le souhait que les cendres de sa fille soient exhumées d'Union soviétique et rapatriées en Grèce.  En 1939, quatre ans après la restauration du roi Georges de Grèce, neveu d'Alexandra, le gouvernement hellénique présente au Kremlin une demande de transfert de la dépouille princière. Joseph Staline accède à cette demande et le corps d'Alexandra est exhumé puis transporté par un navire battant pavillon grec. Le 21 ou , les cendres d'Alexandra sont enterrées dans le cimetière royal du palais de Tatoï, situé près d'Athènes.  Depuis cette époque, le tombeau dans lequel reposait la grande-duchesse à la cathédrale Pierre-et-Paul est toujours en place, mais vide.

Dans la culture.

En Russie et en Grèce, plusieurs lieux et institutions sont attachés à la mémoire de la princesse Alexandra :  Plusieurs auteurs, parmi lesquels l'écrivain russe Afanassi Fet, ont publié des poèmes en l'honneur de la princesse Alexandra à l'occasion de son mariage avec le grand-duc Paul Alexandrovitch. Par ailleurs, le ballet "Les Caprices du papillon" de Marius Petipa et Nikolaï Krotkov a été composé à l'occasion des noces des deux époux en 1889.

Alexandra de Grèce (en / "Alexándra tis Elládas" et en / "Alexandra Gueorguievna"), princesse de Grèce et de Danemark puis, par son mariage, grande-duchesse de Russie, est née le , au palais de "Mon Repos", à Corfou, et morte le dans le domaine d'Ilynskoe, en Russie. C'est une personnalité de la famille impériale russe.  Fille préférée du roi des Hellènes Georges, la princesse Alexandra passe une enfance dorée entre la Grèce, le Danemark et la Russie. Éduquée avec soin par une myriade de gouvernantes et de préceptrices, la jeune fille a la réputation d'être la plus jolie des enfants du couple royal. En 1889, Alexandra épouse, au palais d'Hiver, le grand-duc Paul Alexandrovitch de Russie, plus jeune frère du tsar Alexandre.  Après leur mariage, Alexandra et Paul emménagent dans le palais du grand-duc, situé sur le quai des Anglais, à Saint-Pétersbourg. Pour la jeune femme, l'intégration à sa nouvelle patrie n'est pas facile, d'autant que Paul s'absente régulièrement à cause de ses fonctions militaires. Elle est cependant rapidement enceinte et donne le jour à une fille, la grande-duchesse Marie Pavlovna, en 1890. Peu de temps après, le grand-duc Paul est nommé commandant de la garde impériale et le couple déménage à Tsarskoïe Selo. À l', Alexandra et Paul séjournent, avec le grand-duc Serge Alexandrovitch et son épouse, dans le domaine d'Ilynskoe. Enceinte de sept mois, Alexandra a un malaise, qui la conduit à accoucher d'un fils prématuré, le grand-duc Dimitri Pavlovitch. Elle perd alors conscience et meurt, entourée de ses parents, après six jours de coma.  Inhumée à la cathédrale Pierre-et-Paul de Saint-Pétersbourg le , la dépouille de la princesse est finalement rapatriée en Grèce à la demande de sa mère, en .

Grand Duchess Alexandra Georgievna of Russia (; "née" Princess Alexandra of Greece and Denmark (); 30 August [O.S. 18 August] 1870 – 24 September 1891) was the third child and firstborn daughter of King George I and Queen Olga of Greece, who herself was a Russian grand duchess and was also a grandchild of Denmark's King Christian IX and Queen Louise. She was a sister to Constantine I of Greece, and thus aunt of three kings and two queens, Constantine's three sons, who all became kings of Greece, and two of his daughters, who were queens, of Romania and (titularly) Croatia, respectively. She was also first cousin of Tsar Nicholas II of Russia, King George V of the United Kingdom, King Christian X of Denmark, and both King Haakon VII and Queen Maud of Norway, as well as a paternal aunt of Prince Philip, Duke of Edinburgh.