Historique.

La famille Bianchi, originaire de Milan, s'expatrie en Belgique en 1950 pour suivre le pilote belge Johnny Claes, qui dispute le championnat du monde de Formule 1 sur Talbot Lago T26C et dont le père de Luciano est un des mécaniciens de course. Dès 1952, Claes introduit un peu plus le jeune "Lucien" dans le monde de la compétition automobile en en faisant son coéquipier en rallye. Rapidement Lucien Bianchi mène de front les courses de rallye et les épreuves disputées sur circuit.  En 1957, Lucien Bianchi, pour sa seconde participation à l'épreuve, décroche une victoire de classe aux 24 Heures du Mans, sur Ferrari 2 litres (septième au classement général). Cette même année, toujours au volant d'une Ferrari, au côté d'Olivier Gendebien, il remporte pour la première fois le Tour de France automobile, épreuve qu'il remportera également en 1958, 1959 et 1964. Il est également vainqueur du Rallye de Sestrières, avec Pier-Carlo Borghesio sur Panhard Dyna X 86 T750.  En 1959, lorsque est créée l'ENB, il est recruté aux côtés d'Alain de Changy, André Pilette, André Milhoux, Olivier Gendebien, Paul Frère, Willy Mairesse, Jean Blaton, Gilberte Thirion et son frère Mauro Bianchi. Il rate sa première qualification en Grand Prix lors de l'épreuve de Monaco au volant d'une Cooper T51 et doit attendre l'année suivante pour disputer son premier Grand Prix, à Spa en Belgique. Toujours sur Cooper T51, il se qualifie en quatorzième position et inscrit son premier point en championnat du monde en terminant sixième. Il dispute encore deux Grands Prix mais est à chaque fois contraint à l'abandon sur rupture mécanique.  En 1961, l'ENB achète deux Emeryson-Maserati 61 pour Bianchi et Gendebien. Rapidement l'ENB redessine les Emeryson pour les rendre plus compétitives mais Bianchi est victime d'un accident lors du Grand Prix de Pau. Lorsque Bianchi et Gendebien ne parviennent à se qualifier ni à Monaco ni à Monza, l'équipe belge abandonne définitivement Emeryson pour se tourner vers Lotus : si Bianchi parvient alors à se qualifier en Grand Prix, il ne reçoit toujours pas le drapeau à damiers et quitte alors l'ENB pour l'UDT Laystall Racing Team qui engage aussi des Lotus 18 et 21, sans résultat. Cette même année, Bianchi intègre l'équipe officielle Citroën en rallye et, comme consolation d'une saison blanche en Formule 1, remporte sur DS 19 la course Liège-Sofia-Liège (accompagné de Georges Harris). Il termine également quatrième de l'éprouvant Rallye Centrafrique associé à Olivier Gendebien (cinquième et dernière édition du raid Méditerranée-Le Cap).  En 1962, au volant de la Ferrari 250 TRI/61 qui a mené à la victoire son ami Gendebien l'année précédente, il dispute et remporte à son tour (avec Joakim Bonnier) les 12 heures de Sebring. En Formule 1, il renoue avec l'ENB et dispute deux Grands Prix, obtenant comme meilleur résultat une neuvième place lors du Grand Prix de Belgique.  Bianchi va alors peu à peu se détourner de la Formule 1 puisqu'en 1963, il ne dispute que son Grand Prix national (il est devenu citoyen belge) sur une Lola Mk4 qui le conduira à l'abandon sur accident. En 1964, il termine second des 500 miles de Daytona et quatrième des 1 000 kilomètres du Nürburgring sur Ferrari GTO. L'année suivante, il remporte, avec son frère Mauro, sur Alpine, les du Nürburgring et renoue avec la Formule 1 au sein de la Scuderia Centro Sud qui engage des BRM pour le Grand Prix de Belgique. Bianchi, qualifié en dix-septième position, ne peut mieux faire que douzième de son seul Grand Prix de l'année.  En 1966 et 1967, Lucien Bianchi s'expatrie aux États-Unis où il dispute des épreuves du championnat USAC, sans résultats notables. Il rentre en Europe en 1968 pour disputer, enfin, sa première saison complète en Formule 1 au sein de l'écurie Cooper. Au volant de la T86B, il termine troisième de la première épreuve de la saison, le prestigieux Grand Prix de Monaco avant de terminer sixième de son Grand Prix national. Malheureusement, après un début de saison en fanfare, il ne terminera plus aucun des sept autres Grands Prix qu'il dispute et tourne alors définitivement le dos à la Formule 1. Parallèlement à ses engagements en Formule 1, Bianchi court aussi, avec succès, en Endurance : sur |Alfa 33, il remporte l'épreuve du Mugello et termine troisième de la Targa Florio. Il remporte aussi, mais sur Ford GT40 et avec son compatriote Jacky Ickx, les six heures de Watkins Glen. Mais le meilleur advient lorsqu'il remporte, au côté de Pedro Rodriguez, les 24 Heures du Mans.  En 1968, alors qu'il est en tête du Rallye-marathon Londres-Sydney en compagnie de Jean-Claude Ogier au volant d'une Citroën DS à quelques kilomètres de l'arrivée de l'avant dernière étape, un automobiliste australien le percute, le privant de la victoire finale.  En 1969, Lucien Bianchi signe pour l'écurie Autodelta afin de piloter leur Alfa Romeo T33 aux du Mans où il compte « remettre son titre en jeu ». Fin mars, soit dix semaines avant la course, les concurrents se retrouvent au Mans pour participer aux essais préliminaires des . Dès la première journée de tests, son Alfa 33 à moteur trois litres connaît des problèmes au niveau de son capot moteur qui a tendance à s'ouvrir en pleine charge. Au bout d'une heure d'essai, le capot cède, obligeant Bianchi à stopper en catastrophe sur le bord de la piste. Le lendemain matin, , bien que ses mécaniciens aient renforcé les attaches, le capot continue de s'ouvrir et une nouvelle réparation de fortune est nécessaire. Bianchi repart alors mais, au niveau de la bosse qui mène vers Mulsanne, il est obligé de ralentir brusquement et actionne son clignotant pour indiquer que sa voiture a un problème. D'un coup, l'Alfa 33/3 mord le bas-côté au bout de la ligne droite de Mulsanne, percute un poteau télégraphique, s'enflamme puis explose. Bianchi, prisonnier des flammes, trouve la mort à 34 ans.  Lucien Bianchi a écrit le livre "Mes rallyes", paru aux éditions Flammarion, pendant sa période de convalescence après son accident lors de la course Londres-Sydney en 1968. À partir de 1970, en son hommage, un rallye automobile a été créé dans la région de Beaumont ; il a compté tour à tour pour le championnat de Belgique, le championnat d'Europe, puis comme rallye historique de régularité et rallye du Criterium belge.

Lucien Bianchi, né Luciano Bianchi, est un pilote automobile italien naturalisé belge, né le à Milan, et mort le au Mans à l'âge de des suites d'un accident durant les essais préliminaires des 24 Heures du Mans sur Alfa Romeo.  Il a disputé dix-sept Grands Prix de Formule 1 entre 1960 et 1968, a inscrit un total de six points et décroché un podium lors du Grand Prix de Monaco 1968. Bianchi a également inscrit son nom au palmarès des 24 Heures du Mans et des 12 heures de Sebring.  Lucien Bianchi est le grand-oncle du pilote automobile français Jules Bianchi (petit-fils de son frère Mauro Bianchi), qui débute en Formule 1 en 2013 au sein de l'écurie Marussia F1 Team et meurt en 2015 des suites d'un accident survenu en Grand Prix.  Lucien Bianchi fait une première apparition dans la série BD "Michel Vaillant" à la planche 57 de l'album "Le Pilote sans visage". Lucien et son frère Mauro sont les premiers « vrais » pilotes à apparaître dans la BD "Michel Vaillant", dans le tome "Le 13 est au départ".

Lucien Bianchi (10 November 1934 – 30 March 1969), born Luciano Bianchi, was an Italian born Belgian racing driver who raced for the Cooper, ENB, UDT Laystall and Scuderia Centro Sud teams in Formula One. He entered a total of 19 Formula One World Championship races, scoring six points and had a best finish of third at the 1968 Monaco Grand Prix.  He died in a testing crash in preparation for the 1969 24 Hours of Le Mans.


Géographie.

Port Gentil bénéficie d'un climat tropical, ponctué par une saison « sèche » et une autre « de pluies ». La ville est bordée de plages (Cap Lopez et secteur Sogara Port-Gentil).  Administrativement, elle comprend quatre arrondissements.

Histoire.

En 1473, le navigateur portugais Lopo Gonçalves navigue près du cap Lopez et découvre la ville. . En 1900, la ville prend le nom de l'administrateur français Émile Gentil.

Transports.

La ville est reliée par le transport aérien avec l’aéroport international Ali Bongo Ondimba.  Il n'existe pas de route reliant Libreville à Port-Gentil. Les déplacements entre les deux plus grandes villes du pays s'effectuent soit par avion, soit par voie maritime. Les denrées alimentaires et matérielles sont donc acheminées le plus souvent par bateau depuis Libreville.

Économie.

Port-Gentil est aussi la capitale économique du Gabon et produit environ les trois-quarts de la richesse du Gabon à travers l'activité pétrolière mais aussi grâce à l'industrie du bois.  La seule raffinerie de pétrole du Gabon, la SOGARA (SOciété GAbonaise de RAffinage), est située à Port-Gentil et destinée en grande partie à la consommation locale.  La principale base navale de la marine nationale gabonaise, regroupant toutes ses unités navigantes, se situe à Port-Gentil.

Politique.

Port-Gentil est considéré comme un des bastions historiques de l’opposition au Gabon.  Ainsi, en 1990, la mort suspecte de l’opposant Joseph Rendjambé, leader du Parti gabonais du progrès et originaire de Port-Gentil, déclenche de violentes émeutes tandis que le reste du pays demeure calme.  En 2009 à nouveau, seule la cité pétrolière s’embrase.

Lieux de culte.

Parmi les lieux de culte, il y a principalement des églises et des temples chrétiens : Diocèse de Port-Gentil (Église catholique), Assemblées de Dieu, Église évangélique du Gabon. Il y a aussi des mosquées.

Port-Gentil est une ville du Gabon et le chef-lieu de la province de l'Ogooué-Maritime, la deuxième ville en nombre d’habitants (un peu moins de 137 000). Située sur l'île Mandji, à au sud-ouest de Libreville, elle a été nommée du nom d'Émile Gentil.  La devise latine de Port-Gentil est : « "Olim arena, hodie, urbs" » : « une plage de sable autrefois, aujourd'hui une ville ».

Port-Gentil or Mandji is the second-largest city of Gabon, and its leading seaport. It is the center of Gabon's petroleum and timber industries. The city is located on a delta island in the Ogooue delta with no bridges to the mainland. Nearby Cape Lopez is Gabon's westernmost point. It had a 2013 census population of 136,462.


Biographie.

Paul Strand est né à New York le dans une famille originaire de Bohême. Ses grands-parents sont arrivés de Bohême vers 1840. Son père, Jacob Stransky, a changé son nom en Strand peu de temps avant la naissance de Paul, son fils unique. Il tenait une quincaillerie.

Enfance et débuts.

Paul Strand a reçu son premier appareil photo, un Brownie, à l’âge de 12 ans mais il ne s’y intéresse guère, plus préoccupé par sa bicyclette ou par les jeux de rue avec les gamins du quartier. Deux ans plus tard, en 1904, ses parents font le sacrifice financier important de l’inscrire dans une école privée, l’, pour le soustraire à l’influence, qu’ils redoutent, des jeunes de l’école publique du quartier, le Upper West Side de Manhattan. Un de ses professeurs de sciences est Lewis Hine, qui donne un cours de photographie en option libre et encourage ses étudiants à

Carrière américaine.

C’est en 1915 qu’il estime être devenu réellement un photographe. Il avait travaillé sérieusement durant huit ans, et soudain il a ressenti qu’il avait franchi un nouveau pas et eût plus de confiance en la qualité de ses photos. Il en rassemble donc une sélection qu’il va soumettre à Stieglitz. Ce dernier est impressionné, il appelle Edward Steichen qui se trouvait au fond de la galerie, et déclare à Strand qu’il peut dorénavant considérer le 291 comme sa maison. Pour le jeune Paul Strand, c’était comme se voir offrir le monde sur un plateau. En , il expose pour la première fois chez Stieglitz et plusieurs de ses photos sont publiées au cours de l’année dans "Camera Work". La revue paraîtra pour la dernière fois en 1917, pour des raisons financières, avec un numéro qui lui sera entièrement

Cameraman.

Incorporé à l’armée en 1918, il est envoyé à Rochester (Minnesota) pour suivre une formation d’infirmier à la Mayo Clinic. Lorsqu’il assiste à une opération chirurgicale, il a l’idée de réaliser des films d’opérations pour les montrer aux étudiants en médecine. Il passera 18 mois dans le Minnesota comme technicien en radiographie dans un hôpital militaire. À la fin de son service militaire, en 1919, il s’essaye à la photo publicitaire mais, au début de 1922, quand cette activité commence vraiment à devenir profitable, il est contacté par des personnes qui envisagent de réaliser des films médicaux et Strand accepte immédiatement de devenir leur cameraman. Il avait acquis une petite expérience dans ce domaine en ayant travaillé avec le peintre Charles Sheeler avec qui il avait réalisé le film "Manhatta" l’année précédente. Ses commanditaires l’encouragent à acheter la meilleure caméra qu’il puisse trouver pour réaliser ce genre de film et son choix se porte sur une Akeley. À peine a-t-il passé la commande

L'attirance mexicaine.

Depuis 1915, depuis sa découverte d’un recueil du poète Edgar Lee Masters, "Spoon River Anthology", il caresse le rêve de faire le portrait global d’un village dont les habitants raconteraient leur histoire individuelle, mais il n’arrive jamais à trouver le village idéal. Il fera dès lors plusieurs séjours au Nouveau-Mexique et, en 1932, alors que son mariage bat de l’aile et que son épouse rentre à New York, il part pour Mexico. Comme beaucoup d’intellectuels américains de gauche à cette époque, il est attiré par le Mexique et les suites de la révolution. Il a rencontré le compositeur Carlos Chávez chez Mabel Dodge Luhan l’année précédente, et ce dernier a insisté pour qu’il y vienne faire des photos. L’accueil de Chávez est particulièrement chaleureux et, en personnage influent qu’il est, il

Retour aux États-Unis.

À son retour, il est invité à participer à un documentaire sur le Dust Bowl et, durant dix ans, il se consacrera principalement au cinéma documentaire sans pour autant abandonner complètement la photographie. Il fondera ainsi Frontier Films qui produira différents films documentaires jusqu’à sa disparition en 1942, dont "Native Land", un film sur les violations des droits civiques aux États-Unis, dirigé, filmé et édité par Paul Strand et Leo Hurwitz. En 1936 il s’est remarié et c’est à l’occasion de son voyage de noces qu’il réalise une nouvelle série de paysages en Gaspésie.  En 1945, le Musée d’Art moderne de New York organise une rétrospective de son œuvre, la première grande rétrospective du MOMA consacrée à un photographe. C’est durant la préparation de cette exposition que la directrice du département photographie, Nancy Newhall, fortement impressionnée par son travail, lui propose de réaliser en commun un livre sur la Nouvelle-Angleterre. Ils vont travailler de concert durant 5 ans à la préparation du livre "Time in New-England", Strand parcourant le pays à la recherche d’images de nature, de gens et d’architecture qui soient représentatives de la tradition de la Nouvelle-Angleterre, et Nancy Newhall écumant la bibliothèque publique de New

1950. La France.

Son second mariage s’est terminé par un nouveau divorce en 1949 et, au printemps 1950, il part pour la France avec Hazel Kingsbury, qu’il épousera en 1951, une photographe qui a travaillé pour la Croix-Rouge et a parcouru les zones de combats en Europe et en Extrême-Orient. Durant les premiers mois, ils parcourent la France en long et en large à la recherche du village idéal, sans jamais le trouver, mais Strand réalise de nombreuses photos qui feront l’objet d’un livre publié en 1952, "La France de profil", avec des textes de Claude Roy.  En 1949, Paul Strand se rend à un festival de cinéma en Tchécoslovaquie, où "Native Land" se verra récompensé, puis en Italie, au festival du film de Pérouse où les cinéastes néo-réalistes italiens réfléchissent à l’évolution de leur art et à sa diffusion au-delà des

Orgeval.

Au début de leur séjour en France, les Strand vivent à Paris, à l’hôtel puis dans un appartement au cinquième étage sans ascenseur du arrondissement, puis en 1955 ils cherchent une maison dans les environs. Ils n’ont pas décidé réellement de vivre définitivement en France, c’est principalement pour pouvoir disposer enfin d’une chambre noire, et d’un peu plus d’espace, qu’ils achètent une maison dans le petit village d’Orgeval, à une trentaine de kilomètres de Paris. À bientôt 65 ans, une chambre noire bricolée dans une salle de bains lui semble désormais un handicap à éviter. Ils pensent pouvoir la revendre facilement quand ils envisageront de retourner aux États-Unis.  Orgeval sera dès lors leur port d’attache, où ils rentreront après leurs nombreux voyages, où ils recevront des amis et des visiteurs, dont de nombreux jeunes photographes américains avec qui Strand aimait s’entretenir.

Dernières années.

En 1965, en signe de protestation contre la Guerre du Vietnam, il avait refusé publiquement par une lettre dans le "Times" une invitation à un déjeuner à la Maison Blanche à l’occasion d’un festival des arts et ce n’est qu’après plus de 20 ans d’absence qu’il reverra son pays pour un séjour de deux ans, de 1973 à 1975, à l’occasion d’une grande rétrospective qui lui est consacrée par le Metropolitan Museum of Art de New York. Depuis quelques années sa vue s’est dégradée à un point tel qu’il lui est difficile d’effectuer lui-même ses tirages et il se fera opérer

À propos de l'œuvre.

Ses photos des débuts sont encore fortement influencées par le pictorialisme, mais la peinture moderne européenne, surtout de Braque et Picasso, et la sculpture de Brancusi, qu’il a découvertes à la galerie de Stieglitz et à l’Armory Show en 1913, l’ont progressivement amené à une remise en question radicale. Quoique Stieglitz ait souvent exposé et défendu l’œuvre des principaux photographes pictorialistes de son temps, son travail personnel est très différent et représentatif de ce qui s’appellera rapidement la « "straight photography" », une photographie sans les manipulations de laboratoire et effets spéciaux chers aux pictorialistes. Strand sera d’abord perturbé, tout à fait déconcerté devant les œuvres de Picasso et Braque, entre autres, mais il sentait qu’il y avait là quelque chose d’important qui se passait et voulait en savoir plus. Il voulait comprendre ce que signifiaient ces œuvres à la fois troublantes et fascinantes, et il fit dès lors de nombreuses photos « abstraites », des motifs d’ombres, des gros plans de poteries, etc. Il pense que c’est une étape vitale dans son évolution. « "Par cela, j’ai appris comment construire une image, en quoi elle consiste, comment les formes sont en relations entre elles, comment les espaces sont remplis, comment l’ensemble doit avoir une sorte d’unité". » Dès qu’il eût compris tout cela, il n’eût plus jamais le besoin de travailler dans l’abstraction pure, il appliqua simplement cette nouvelle connaissance à la composition de ses photographies. C’est sur ces principes qu’il réalisa notamment "White Fence" et "Wall Street". À propos de "Wall Street" Strand a expliqué qu’il avait été fasciné par les gens marchant devant ces grandes fenêtres rectangulaires et sinistres à travers lesquelles on ne voyait rien. Il voulait voir s’il était possible de faire une photo de ce mouvement de façon contrôlée et abstraite. Comme dans le cas de "White Fence", c’est une représentation figurative d’un moment, mais c’est surtout une image construite selon les principes théoriques de l’abstraction qu’il a appréhendée lors de ses recherches formelles antérieures.  C’est en Gaspésie qu’il estime possible de prendre une photo de paysage ménageant une place à des êtres humains saisis dans leur environnement spécifique. Il ne recherche plus seulement la forme mais tente d’exprimer par ses images le caractère essentiel d’un lieu et de ses habitants. « "Le problème avec le paysage, est ce qui y est inclus," dit-il." Dans un paysage, vous avez l’avant-plan, le plan moyen, le lointain et le ciel. Et tout cela doit être relié. C’est très difficile à faire. Il y a beaucoup de paysages en art dans lesquels le ciel n’a aucune relation avec le terrain – certains impressionnistes, comme Pissaro, ont fait cette erreur [...] les paysages de Cézanne sont les plus grands de tous, pas seulement parce qu’il y a une unité entre chaque élément du tableau, mais aussi parce qu’il y a unité dans la profondeur ; c’est cet extraordinaire espace tri-dimensionnel qui fait aussi partie de l’espace du tableau. Je pris conscience de la nécessité de maîtriser cette question." » Strand est à la recherche de ce qu’il appelle « "le caractère essentiel d’un endroit et de sa population" », ce qui sera son guide dans la majeure partie de son travail au cours de sa carrière. C’est une recherche de la profondeur et de la signification dans la photographie, il ne s’agit pas de figer un instant sur la pellicule mais bien de montrer la continuité de l’expérience humaine dans un lieu donné et c’est ce qui transparaîtra dans toute son œuvre, surtout à partir de son premier séjour au Mexique. Dans sa photographie, il établit une perspective historico-culturelle, un lien entre le paysage et sa fascination pour la vie des gens ordinaires. Ses paysages sont rarement spectaculaires ou impressionnants comme le sont ceux de Weston ou Ansel Adams, ils ont, même dans les plans larges, un caractère plus proche, plus intime et il ne se laisse pas aller à un esthétisme gratuit, chose qu’il reprochera aux photos de nuages, les « "équivalents" », de la dernière partie de l’œuvre de Stieglitz. « "Je suis une personne ayant une conscience politique," dit-il." J’ai toujours voulu être concerné par ce qui se passait dans le monde qui m’entoure, et j’ai voulu utiliser la photographie comme un instrument de recherche et de témoignage de la vie de mon époque." » C’est bien là que se trouve le fil conducteur de son œuvre tout au long de sa carrière, c’est là l’explication simple et évidente, la justification de ses choix lors de ses voyages. Il a vu Versailles, mais Versailles n’est pas dans "La France de profil" comme les pyramides ne sont pas dans "Living Egypt". Ce qu’il choisit de montrer est une France quotidienne, de la province et des gens ordinaires, largement paysanne comme elle l’était encore dans les années 1950, et une Égypte contemporaine, de la modernité comme de la pauvreté. Avec toujours la dignité de l’être humain au centre de son propos. Certains critiques lui ont reproché de ne pas avoir montré la misère et la crasse de l’Égypte, cela tient sans doute à un choix politique et moral délibéré du photographe. Nous sommes en 1959 à un moment où le pays, peu de temps après la crise de Suez, s’oriente ouvertement vers une politique socialiste, où le président Nasser lance un programme de nationalisation de l’industrie, de réforme agraire et de grands travaux à travers le pays tout en tentant de se tenir, autant que faire se peut, à égale distance des deux grands blocs politiques représentés par les États-Unis et l’URSS en adhérent au Mouvement des non-alignés. Strand ne pouvait qu’être enthousiaste devant ce choix politique d’un pays qui tentait de recouvrir une réelle indépendance. Et d’autre part, n’ayant jamais été un photographe de la misère, là comme ailleurs il a préféré montrer des gens simples vivant dans la dignité leur difficile condition d’êtres humains. Il n’a pas de nostalgie, il ne montre pas l’impact de la modernisation sur les modes de vie traditionnels, il montre le changement social qui se profile. Il en sera de même avec "Ghana: An African Portrait."  Dans "Un Paese", il trouve en Cesare Zavattini un guide et un coauteur dont il partage les idées sur la façon dont il faut photographier le réel. Il ne s’agit plus de rendre la fiction réelle, mais bien de permettre aux choses telles qu’elles sont de parler pour elles-mêmes et de les rendre aussi signifiantes que possible ; c’est pourquoi il ne met jamais en scène ses photos, il ne dit pas où ni comment les personnages doivent se situer ou se tenir dans le lieu où il les photographie. Il les voit dans leur cadre de vie et choisit le meilleur angle pour sa photo. Strand et Zavattini se démarquent de l’invention visuelle. Un Paese montre les personnes dans leur contexte culturel, avec les objets, l’architecture et la nature qui constituent leur monde. C’est bien l’objectif qu’il poursuivait dès la conception de son projet du portrait global d’un village. Strand se concentre sur la simplicité pérenne du village, les groupes, les personnes, et les relations qui existent entre eux ; Zavattini retrace les histoires individuelles des villageois, de la guerre à la reconstruction. Cela donne une image un peu grave de l’Italie, ou plus exactement de ce village italien, assez éloignée des clichés de l’Italie insouciante, mais tout à fait conforme au climat socio-historique de l’époque à laquelle il a été réalisé.

Frontier Films.

Frontier Films, dont Strand fut le président jusqu’à sa dissolution en 1942 faute de moyens, a produit sept documentaires :

Paul Strand, né le à New York aux États-Unis, et mort le à Orgeval en France, est un photographe et cinéaste américain.

Paul Strand (October 16, 1890 – March 31, 1976) was an American photographer and filmmaker who, along with fellow modernist photographers like Alfred Stieglitz and Edward Weston, helped establish photography as an art form in the 20th century. His diverse body of work, spanning six decades, covers numerous genres and subjects throughout the Americas, Europe, and Africa.


Biographie.

Lavinia Fontana est l'unique enfant de Prospero Fontana et d'Antonia de' Bonardis. Son père est peintre de la contre-réforme très en vogue auprès des papes. Lavinia Fontana se forme dans l'atelier de son père, où elle rencontre les artistes et les mécènes de la ville.  À 25 ans, en 1577, Lavinia Fontana épouse un peintre mineur Gian Paolo Zappi d'Imola, qui arrête sa carrière pour devenir son assistant. Après son père, son mari lui trouve ses commanditaires, diffuse et vend ses œuvres. Elle meurt à Rome à 62 ans en 1614, entourée de trois enfants survivants sur les onze qu'elle a mis au monde.

Carrière artistique.

Son catalogue comporte à peu près 131 tableaux et dessins.  Elle se consacre, dans un premier temps, à des tableaux de petite dimensions répondant à des commandes et à des actes de dévotion privés, tel que (1576), conservé au Musée d'Art d'El Paso.  Portraitiste célèbre dès la fin des années 1580, elle reçoit d'importantes commandes, non seulement de nobles dames mais également d'hommes importants et de lettrés. Les portraits d'humanistes qu'elle réalise entre 1575 et 1585 font preuve d'un rendu psychologique des émotions. Les grandes familles de Bologne lui commandent de grandes compositions ("La Famille Gozzadini", 1584).  Fontana peint aussi des sujets religieux, petits tableaux de dévotion, grands tableaux d'autels, et son « splendide et atmosphérique » Noli me tangere. Très appréciée du pape Grégoire XIII et sensible à l'idéologie de la Contre-Réforme, elle exécute, en 1584, son premier retable "La Madone avec saint Pierre Chrysologue et saint Cassien."  Elle réalise également de nombreux autoportraits. Elle se représente en femme raffinée et noblement vêtue.  Vers 1590, elle réalise "La Naissance de la vierge". Elle peint essentiellement des saintes. Les études d'après modèle nu sont interdits aux femmes car il est inconvenant, pour une femme, de peindre des hommes.  En 1594 elle fait le portrait d'Antonietta (dite Tognina) Gonsalvus, une jeune fille atteinte d'hypertrichose (maladie ultra-rare provoquant une pilosité extreme sur le visage).  En 1600, on lui commande un grand tableau d'autel la "Vision de saint Hyacinthe" pour l'église Sainte-Sabine de Rome. La commande à une femme d'une œuvre de cette importance déclenche une polémique. Le tableau est cependant un succès à tel point qu'en 1603, elle s'installe à Rome.  Fait encore plus remarquable, elle peint, entre 1585 et 1613, des tableaux mythologiques. Fontana est une des premières femmes peintres à représenter des femmes nues ("Minerve s'habillant"), acheté à l'artiste ou à ses héritiers par le cardinal Scipione Borghese.  En 1604, à 52 ans, le pape Clément VIII la nomme peintre de la cour pour son talent de portraitiste. Elle est élue membre de l'Académie des Beaux-Arts de Rome.  En 1604, dans le palais du cardinal d'Este, elle réalise le retable (détruit) pour la Basilique de Saint-Paul-hors-les-murs, qui n'a aucun succès auprès du public romain. La décoration de la chapelle Rivaldi à Santa Maria della Pace de Rome est l'une de ses dernières œuvres.

Lavinia Fontana, connue aussi sous le nom de Lavinia Zappi (Bologne, - Rome, ), est une peintre italienne maniériste de l'école romaine.

Lavinia Fontana (August 24, 1552 – August 11, 1614) was a Bolognese Mannerist painter best known for her portraiture. She was trained by her father Prospero Fontana and was active in Bologna and Rome. She is regarded as the first female career artist in Western Europe as she relied on commissions for her income. Her family relied on her career as a painter, and her husband served as her agent and raised their eleven children. She was perhaps the first woman artist to paint female nudes, but this is a topic of controversy among art historians.


Historique.

L’origine du DC-7 est due à une demande d’American Airlines. Son président C.R Smith voulait un avion plus grand et disposant d’une meilleure autonomie que le DC-6. Il garantit une commande importante à Douglas. De plus les ventes du DC-6 stagnant à cause du Constellation, Douglas accepta ce projet.  Si la conception de base reste la même, le DC-7 emporte 30 % de plus de passagers sur des distances plus longues que son prédécesseur.  L'arrivée des avions à réaction comme le Boeing 367-80 (prototype du Boeing 707) oblige Douglas à développer rapidement un successeur, le Douglas DC-8. Le DC-7 a ainsi une carrière raccourcie, un certain nombre sont reconvertis en avion de fret (DC-7F).

En service.

Le DC-7 fut mis en service le par American Airlines. Cette version permettait à American Airlines de réaliser les premières traversées d’une côte à l’autre des États-Unis sans escale. Une nouvelle version le DC-7B fit son premier vol le et fut mise en service par Eastern Air Lines quatre mois plus tard .  En France l'Armée de l'Air a utilisé entre 1963 et 1978 trois DC-7C profondément modifiés. Appelés "AMOR", pour "Avion de Mesure et d'Observation au Réceptacle", ils étaient mis en œuvre par le Centre d'essais en vol de Brétigny. Ils furent utilisés notamment au profit du Centre d'essais des Landes. L'un d'entre eux a été versé en 1978 aux collections du Musée de l'air et de l'espace.

DC-7C Seven Seas.

L’ultime version de l'appareil fut le DC-7C Seven Seas mis en service pour la première fois par la Pan American Airways sur son réseau du Pacifique. Capable de relier l'Europe du Nord au Japon par la route du Pôle Nord, ou bien encore d'aller du Cap au Caire d'un seul coup d'ailes, il fut le premier avion de ligne à moteurs à pistons à traverser l’Atlantique, en service commercial, sans escale dans les deux sens.  Le DC-7C était un avion luxueux, puissant mais qui arriva trop tard sur le marché commercial, qui allait être dominé par les avions à réaction.

Principaux accidents.

Le Douglas DC-7 a subi 81 incidents et accidents pour un total de 714 morts.

Le Douglas DC-7 est un avion de ligne quadrimoteur américain construit entre 1953 et 1958. La version DC-7C est un des tout premiers avions de lignes à pouvoir traverser l'Atlantique Nord sans escale.

The Douglas DC-7 is a transport aircraft built by the Douglas Aircraft Company from 1953 to 1958. It was the last major piston engine-powered transport made by Douglas, being developed shortly after the earliest jet airliner—the de Havilland Comet—entered service and only a few years before the jet-powered Douglas DC-8 first flew. Like other aircraft in Douglas's collection of propeller-driven aircraft, examples remain in service in the present day, albeit in significantly lower numbers than the far more successful DC-3 and DC-6.


Terme.

Historique.

Si des documents indiquent l'existence d'un chant liturgique d'entrée, au dans l'Église en Occident, à la suite de la création de la schola cantorum, il n'existe pas encore sous ce nom. En effet à cette époque-là, ce chant se compose principalement d'un psaume entier. Son appellation reste le psaume.  Le terme "introït" est établi plus tardivement. De plus, durant plusieurs siècles à Rome, on parle habituellement de la formule "'antiphona ad introïtum"' (Antienne d'Introït), et non d'un seul mot ("sacramentaire" de Grégoire I (), "Ordo Romanus primus" (vers )).  Les "Eclogæ de officio Missæ," parfois attribuées à Amalaire de Metz († 850), emploient le terme "Introitus" : .  Comme terme français, le premier emploi apparaît à la fin du (ou début du ). Il s'agit de l'emploi '"Li introïte de la messe"', trouvé dans le folio 10v du manuscrit 535, auprès de la Bibliothèque municipale de Metz. Il semble que l'usage du terme "introït" est d'abord lié au chant grégorien.

Premier mot d'introït.

Par ailleurs, littérairement, le premier mot de quelques introïts exprime et "introduit" directement le sujet de la célébration :

D'autres mots signifiant le chant d'entrée.

Dans le rite gallican, ce chant s'appelle "Antiphona ad prælegendum" tandis que le rite ambrosien utilise "Ingressa". L'usage du terme "Oficium" se trouve non seulement dans le rite mozarabe mais aussi auprès de plusieurs ordres, tels les Cartusiens, Dominicains, Carmels.  Comme le rite byzantin n'a ni de procession d'entrée ni ce chant liturgique, il n'y a pas d'équivalent en grec.

Histoire.

Origine.

Dans les trois premiers siècles, le chant liturgique de l'Église est d'abord le psaume chanté en grec par le soliste qui succède à la tradition juive.  À partir du , surtout aux et siècles, avec la création de la schola cantorum, le répertoire du chant a considérablement évolué. À la base de la psalmodie, un genre de chant "fonctionnel", chanté par cette schola, apparaît en faveur de la procession solennelle d'entrée du célébrant et de ses ministres, afin de préciser le ton du jour ou de la fête.  La tradition attribue parfois le commencement de l'introït dans la messe au pape Célestin I († 432). Cela est possible, car, avant son élection, il passa un certain temps auprès de saint Ambroise de Milan, qui avait importé la schola de l'église d'Orient. Ainsi Célestin I a-t-il pu importer à Rome, non seulement la schola mais aussi l'introït. Encore faut-il retrouver un document sûr, pour que cette hypothèse soit confirmée. Ce qui est certain jusqu'ici, c'est, d'après le Liber Pontificalis qui a été écrit tardivement, que ce souverain pontife a ordonné que le psaume de David soit chanté par tous (à savoir, toute l'Assemblée) avant le sacrifice et en manière d'antienne (en alternance) : « ut psalmi David CL ante sacrificium psalli antephanatim ex omnibus » . Faute de manuscrits de notation, les renseignements sont trop faibles pour que l'on puisse conclure qu'il s'agit exactement de l'introït.  C'est la raison pour laquelle certains spécialistes tel F. Probst en attribuaient l'introduction au pape Gélase I († 496), plus tard.  D'ailleurs, l'ancienneté de l'introït dans le rite se trouve certainement dans quelques textes. Ce sont des textes en vieux-latin, avant d'être remplacés par la vulgate. Ainsi, celui de l'introït "Puer natus est" (au-dessous) ne correspond pas à celui de la vulgate (Is IX, 6 : Puer natus est nobis ≠ Parvulus enim natus est nobis). Étant donné que, pour le chant grégorien profondément lié au texte, le remplacement de mots provoque automatiquement une modification de mélodie, ces introïts restent en usage jusqu'ici sans aucune modification .

Réforme de saint Grégoire.

Il est assez probable qu'un certain nombre d'introïts furent ajoutés dans le répertoire du rite romain, sous le pontificat de saint Grégoire I et lors de sa réforme liturgique. En effet, c'était vraisemblablement lui qui adopta formellement l'Avent célébré dans les églises d'Orient, afin de rétablir l'unité du christianisme. Théoriquement, l'introït "Ad te levavi" remonte donc au . Cependant, il est vraiment difficile à reconnaître le répertoire avec certitude selon les manuscrits utilisés, car il ne reste aucun livre de chant du Vatican avant le , sauf cinq manuscrits du chant vieux-romain, tardivement copiés. Les anciens livres auraient été détruits, lorsque le Saint-Siège adopta le chant grégorien au début du . Donc, il faut consulter les sacramentaires, qui manquent de textes de chœur.  Dans le sacramentaire du pape Grégoire, ce chant d'entrée s'appelait "Antiphona ad introitum". À savoir, l'antienne était certainement suivie d'un psaume, un psaume tout entier. Aussitôt le psaume terminé, l'antienne était de nouveau chantée. Lors de la procession, la psalmodie était d'où principale, car le sacramentaire gélasien, plus ancien, indiquait "non psallitur", si l'on ne chantait pas l'introït, par exemple le Jeudi saint omettant la procession.  L' "Ordo Romanus primus", le premier "Ordo" achevé vers ou probablement plus tôt est un témoignage important. Ce document papal précisait la manière de la célébration de la messe au sein du Vatican, en détail, selon laquelle le chœur (composé de la schola masculine et des enfants de chœur) commençait immédiatement le chant d'entrée, une fois la préparation achevée : « Et mox incipit prior scholæ antiphonam ad introitum ; » . Mais, il est vraiment remarquable qu'avant le chant, l'exécutant fût précisé de la manière de la liturgie, avec le dialogue entre le pape et la schola :Pape : "Schola".Schola : "Adsum" (Je suis présente).Pape : "Quis psallet ?" (Qui est ce qui va chanter le psaume ?)Schola : "Ille, et ille" (Celui qui concerne, et celui qui concerne).

Chant vieux-romain et chant grégorien.

Les manuscrits anciens assurent indiscutablement l'authenticité de l'introït, issue du rite romain, et non de la liturgie locale. Parmi eux, le dit "Graduel de Sainte-Cécile du Transtevere" demeure le plus important. Certes, celui-ci ne fut copié qu'en 1071, en profitant de l'invention de la notation en quatre ligne de Guy d'Arezzo (vers 1030). Mais, il s'agit de l'un de cinq précieux manuscrits du chant vieux-romain, chant papal et officiel du Saint-Siège depuis, vraisemblablement, le ou . Tout comme le graduel en grégorien, ce livre de chant se commence avec l'introït "Ad te levavi" en faveur de la célébration du premier dimanche de l'Avent : La notation manque de premiers mots de texte "Ad te levavi". Cela signifie exactement que ces trois termes étaient récités ou chantés par le célébrant auprès du Vatican, comme les Gloria et Credo en grégorien.  Les introïts du chant grégorien aussi furent composés avant l'invention des neumes. Il est évident que la priorité de composition était donnée non seulement aux pièces de l'ordinaire de la messe mais également aux proses tel l'introït. Certains introïts grégoriens se trouvent en effet dans l'Antiphonaire du Mont-Blandin, actuellement conservé à la Bibliothèque royale de Belgique. Ce manuscrit, sans notation, fut copié vers 800. Ainsi, le folio 11a contient l'introït "Puer natus est nobis" tandis que celui de "Gaudete in Domino" se trouve dans le folio 4. Ces deux introïts se trouvent également dans cinq manuscrits parmi six dans l'Antiphonale missarum sextuplex, publié en 1935 par Dom René-Jean Hesbert. Il s'agit de manuscrits les plus anciens manquant de notation. Leurs mélodies peuvent être rétablies grâce au, par exemple, manuscrit Laon 239, graduel avec neumes le plus ancien et copié au .  Il faut remarquer que leur composition fut effectuée sous influence de la Renaissance carolingienne, un grand mouvement culturel soutenu par Charlemagne. En conséquence, la qualité des introïts grégoriens demeure exceptionnelle. Les œuvres furent soigneusement composées non seulement dans le contexte musical mais aussi théologiquement. Il suffit de mentionner les premières notes de "Puer natus est". Il faut beaucoup d'articulations raffinées pour ce morceau, selon cette notation.  Le terme "puer", signifiant "enfant", présente déjà le sujet de cet introït. À ce terme si important, le compositeur attribuait deux notes, "sol" et "ré". Elles ne sont autres que les deux tons principaux du septième mode, plus précisément la note finale et la teneur. En bref, la couleur de cette pièce est présentée et fixée avec ce premier élan. De plus, le compositeur carolingien demandait aux membres de chœur de chanter soigneusement ces deux notes : le copiste écrivait un "pes" carré ("pes quadratus" ) qui indique deux notes importantes et longues. Donc, il ne faut pas chanter légèrement cet élan ; au contraire, il faut beaucoup de soin.  Il est admirable que le copiste du manuscrit Einsiedeln 121 ajoutât encore deux lettres significatives à toutes ces deux notes (notation à droite), "l" et "m", qui signifient "levate" (élévation) et "mediocriter" (médiocrement) . L'expression y était effectivement précisée.

Révision de la structure.

Au milieu du Moyen Âge, une modification importante de composition fut tenue. La création de l'introït grégorien coïncidait avec ce remaniement de texte tandis que le manuscrit du chant-vieux romain aussi suivait ce remaniement, probablement plus adapté à la liturgie.  Le psaume, entièrement chanté auparavant, était désormais tranché en plusieurs versets, et même réduit jusqu'à un seul. En conséquence, la totalité de texte fut perdue. L'exécution est d'ailleurs effectuée, jusqu'à nos jours, en alternance, entre l'antienne et les versets.  Mais il faut remarquer qu'à la suite de cette modification de texte, devenu plus court, l'introït grégorien devint plus artistique. Toujours réservé au chœur, le verset psalmodique grégorien était légèrement orné, comme son antienne. Surtout, les courbes mélodiques n'étaient plus modelées simplement sur un ou deux accents quelconques, lorsqu'elles se développaient aux finales des versets. Celles-ci profitaient en effet du "cursus planus" formé de deux paroxytons, dont le second est un trisyllabe. Ce cursus présente la disposition la plus simple et harmonieuse que l'on puisse trouver dans les clausules latines.

À la Renaissance.

Alors que les compositeurs carolingiens, si brillants, étaient capables de transformer totalement le rite romain en musique, à savoir en grégorien, leurs successeurs ne voulaient pas moderniser ce vaste répertoire d'introït. Ils se contentaient de composer un grand nombre de pièces de l'ordinaire de la messe en polyphonie comme le Kyrie.  Par conséquent, l'exécution de l'introït demeurait en grégorien, ou en plain-chant. Afin d'améliorer la solennité de chant, on inventa nonobstant le faux-bourdon. Cette manière était adoptée par le dit cérémonial de Clément VIII publié en 1600.

À partir du.

Aussitôt élu, le pape Pie X fit révéler en 1903 le motu proprio "Inter pastoralis officii sollicitudes" officialisant le chant grégorien. Si ce document admettait la polyphonie ainsi que de nouvelles compositions, la publication de l'Édition Vaticane contribua considérablement à faire chanter l'introït grégorien. En effet, saint Pie X, spécialiste de la musique liturgie, souhait une centralisation de liturgie, en bénéficiant de la tradition authentique, afin de lutter contre la décadence depuis le , telle la musique de l'opéra dans les églises.  Durant 60 ans environ, l'usage de l'introït grégorien fut obligatoire auprès de l'Église. Pendant cela, quasiment toutes les églises romaines commençaient le calendrier liturgique avec l'introït "Ad te levavi", en rendant hommage à saint Grégoire I, tout comme au Moyen Âge.  Le concile Vatican II bouleversa la situation. La langue vulgaire fut rapidement adoptée, et le chant grégorien, y compris l'introït, sans être interdit, tomba en désuétude, au contraire des textes du concile (Sacrosanctum Concilium 116) et de l'esprit de la réforme liturgique des deux derniers siècles.  Aujourd'hui, il devint paradoxalement plus difficile à chanter l'introït en grégorien. D'une part, à l'époque de saint Pie X, le latin était encore en usage aux universités et aux parlements. De nos jours, il n'y reste plus. D'autre part, au contraire des pièces de l'ordinaire de la messe ayant toujours mêmes textes, tels le Kyrie, le Gloria, il faut adapter à chaque œuvre différente, c'est-à-dire un répertoire du propre, composé de vers 150 pièces.  En dépit de cette circonstance défavorable, l'exécution de l'introït grégorien est encore maintenue, auprès de nombreux monastères ainsi que d'un certain nombre de paroisses, étant donné qu'il s'agit du trésor du premier sommet de la musique occidentale.

Fonction liturgique.

Après le concile Vatican II, les fonction et manière du chant d'entrée, "introït", sont précisées en détail, avec la "Présentation Générale du Missel Romain" (articles 46 - 49).  L'introït possède plusieurs fonctions. L'article 47 de la "Présentation" exprime ses quatre objectifs : ouvrir la célébration ; favoriser l'union des fidèles rassemblés ; introduire leur esprit dans le mystère de temps liturgique ou de la fête ; accompagner la procession du prêtre et des ministres.  Traditionnellement, il s'agit des introïts grégoriens, constitués de l'antienne et des psaumes. L'article suivant précise que, dans ce cas, le répertoire est disponible dans le "Graduale romanum" ou le "Graduale simplex". Celui-ci autorise encore « un autre chant accordé à l'action sacrée, au caractère du jour ou du temps, et dont le texte soit approuvé par la Conférence des évêques. ».  Ce dernier favorise donc l'exécution « entièrement par le peuple », surtout en langue vulgaire, tandis que l'article 48 admit que l'introït est chanté par le chœur seul, de manière traditionnelle. Une autre façon est possible, c'est le chant en alternance : alternance entre le chœur et les fidèles ou celle-ci entre chantre et le peuple.  De nos jours, l'introït peut être remplacé d'une récitation, par toute l'Assemblée, soit certains fidèles, soit un lecteur, soit le prêtre (article 48). De surcroît, la solennité de l'introït chanté ne reste plus dans certains cas. Cet article autorise une forme de monition d'ouverture. Par ailleurs, l'introït est tenu singulièrement au début de la messe. Si certaines célébrations sont jointes à la messe, par exemple baptême, on omet les rites d'ouverture (article 46).

Répertoire grégorien.

Le répertoire grégorien compte normalement 150 introïts environ. Tous les huit modes s'y trouvent. Le musicologue Michel Huglo établit 147 introïts dans le fond primitif présumé : 48 pièces en mode I et II ; 46 en III et IV ; 22 en V et VI ; 31 en VII et VIII. Le "Graduale romanum" (1974 ainsi que "Graduale triplex" (1979)) conservait encore 164 introïts. Michel Huglo considérait que cette variété modale signifie une élaboration tardive du répertoire.  L'exécution de l'introït grégorien était et est confiée à la schola. En effet, lorsqu'elle le chante dans la messe solennelle, le célébrant dit ensemble avec le diacre et le sous-diacre les « prières au pied de l'autel » ("In nomine Patris, et Filii, et Spiritus Sancti. Amen" ; puis, "Introibo ad altare Dei" (J'irai à l'autel de Dieu) ... et le reste), il accède à l'autel, le baise, et d'une voix compréhensible dit le même introït L'introït se compose d'une antienne, en refrain, ainsi qu'actuellement, d'un verset de psaume. Mais auparavant, il s'agissait de plusieurs versets, ou même un psaume entier. Cette composition adapte, de manière flexible en cas de nécessité, à la durée requise pour la procession. Par exemple, pour l'Épiphanie :  En tant que conclusion, on peut y ajouter la doxologie "Gloria Patri et Filio ...", comme la notation à droite.  Bien entendu, l'introït de la messe de Requiem possède la même structure :  Comme l'introït grégorien fut composé en faveur du chœur, l'antienne possède le style neumatique adapté à cette schola. On y trouve certains mélismes desquels le chœur peut maîtriser l'expression raffinée. À la différence de l'antienne, les versets conservent la caractéristique syllabique, plus précisément style de la psalmodie, en raison de leurs textes. Ceux-ci se composent essentiellement de l'unisson et d'autres degrés ornent ce ton principal. Ces caractères sont évidents dans la notation de l'exemple, "Ecce advenit".

Reprises musicales.

Messe.

Pour l'introït de la messe ordinaire, il existe peu de versions polyphoniques, à l'exception du faux-bourdon. Comme la fonction de l'introït est annoncer le sujet de célébration de jour, il n'est pas favorable que la durée soit augmentée. Le faux-bourdon était idéal de sorte que soit améliorée la solennité de la liturgie sans prolonger l'exécution. D'où, le dit cérémonial de Clément VIII, sorti en 1600 après le concile de Trente, recommandait singulièrement cette façon pour les cathédrales ainsi que les établissements de grande taille. De nos jours, cette manière disparut, à cause de difficultés modale et rythmique, à savoir des notes égales. En conséquence, le chant grégorien demeure, à nouveau, idéal dans cette optique.  Avant la publication de ce cérémonial, Palestrina écrivit quelques introïts en polyphonie, par exemple motet "Ad te levavi" à 4 voix.

Messe de Requiem.

Au contraire, de nombreux compositeurs écrivirent leur introït "Requiem æternam", selon la nécessité liturgique de la messe de Requiem.  Mais, au regard du Moyen Âge, sa trace reste faible. L'œuvre la plus ancienne, connue de nos jours, est celle de Johannes Ockeghem, maître de chapelle de trois rois de France. Si l'on attribue parfois celle-ci aux obsèques de Charles VII, aucun document littéraire n'est disponible. De plus, il ne reste qu'une seule source, qui ne conserve pas totalement l'œuvre. Composé vraisemblablement vers 1470, le "Requiem æternam" d'Ockeghem était suivi de celui de Guillaume Dufay, qui fut perdu.  Il est vrai qu'aujourd'hui, les obsèques en grégorien sont considérées les plus solennelles, car le chant grégorien demeure le chant liturgique par excellence de l'Église. Néanmoins, à partir de la Renaissance, où les humanistes attaquaient ce chant traditionnel, il fallait que les funérailles des souverains s'accompagnassent des motets en polyphonie. C'est pourquoi Tomás Luis de Victoria donna naissance à son introït monumental "Requiem æternam", à la suite du trépas de l'impératrice Marie d'Autriche. En France, celui d'Eustache Du Caurroy, normalement attribué aux obsèques d'Henri IV, devint l'introït des funérailles royales avec les pièces suivantes, le dit "Requiem des rois de France", jusqu'en 1789.  Tardivement, ces introïts étaient exécutées, non seulement dans la liturgie des funérailles mais également en faveur des concerts. Ainsi, à partir de 1750, celui de Jean Gilles († 1705) se trouve dans plusieurs programmes du Concert Spirituel. Dans cette optique, l'introït fut révisé, vraisemblablement par Joseph-Nicolas-Pancrace Royer. Si le concert parisien exécutait singulièrement cette pièce, l'Église demande que les musiciens composent les pièces de la messe tout en ensemble et sous forme d'unité. Il est très rare qu'un introït "Requiem" soit particulièrement composé.  L'introït commence également une messe de Requiem particulière, "Messa per Rossini", achevée par treize compositeurs en 1869, à la suite du décès de Gioachino Rossini. Son "Requiem æternam" fut composé par Antonio Buzzolla. De même, quelques compositeurs écrivaient cette pièce pour l'hommage, au lieu de la liturgie. L'œuvre de Benjamin Britten, au début du "War Requiem", ne reste plus d'introït liturgique. La pièce de Giuseppe Verdi dédiée à Alessandro Manzoni, quant à elle, possède une forte caractéristique de l'opéra.  Voilà quelques exemples de chaque période :

L'introït est essentiellement un genre de chant grégorien, exécuté au commencement de la messe, et qui se distingue de sa fonction réservée à la procession d'entrée. En tant que la première des pièces qui composent le "propre" de la messe, son répertoire se trouve normalement dans le graduel romain. Il s'agit donc d'un chant caractéristique et important dans le rite romain, créé vers le auprès de l'Église en Occident, à Rome.  Au regard de celui-ci de la messe de Requiem, il existe de nombreuses œuvres en polyphonie.

The Introit (from Latin: "introitus", "entrance") is part of the opening of the liturgical celebration of the Eucharist for many Christian denominations. In its most complete version, it consists of an antiphon, psalm verse and "Gloria Patri", which are spoken or sung at the beginning of the celebration. It is part of the Proper of the liturgy: that is, the part that changes over the liturgical year.  In the Roman Rite of the Catholic Church it is known as the "antiphona ad introitum" (Entrance antiphon), as in the text for each day's Mass, or as the "cantus ad introitum" (Entrance chant) as in the General Instruction of the Roman Missal, 47 and the First Roman Ordo (sixth to seventh century). In pre-1970 editions of the Roman Missal, the word "Introitus" was used, distinguished from the normal meaning of the word (entrance) by being capitalized. In Ambrosian chant and Beneventan chant, the counterpart of the Introit is called the "ingressa". In the Mozarabic, Carthusian, Dominican, and Carmelite Rites, it is called the "officium".


Toponymie.

"Rwenzori" signifie « faiseur d'eau » car ces montagnes reçoivent annuellement environ d'eau de pluie, ce qui entraîne la formation de nombreux cours d'eau dont certains alimentent le Nil Blanc en amont.

Géographie.

Topographie.

La chaîne fait environ de long pour de large. Elle est constituée de six massifs séparés par de profondes vallées : les monts Baker, Emin, Gessi, Luigi di Savoya, et Stanley (Pic Marguerite). Le mont Stanley est le plus important, avec plusieurs sommets. Il comporte le pic Marguerite, le point culminant du massif avec d'altitude.

Géologie.

La chaîne s’est formée il y a environ d’années, à la fin du Pliocène, avec la surrection des rives du rift Albertin, branche occidentale de la vallée du grand rift. Elles sont composées de roches métamorphiques, dont du gneiss, du granite amphibole et de la quartzite, basculées et compressées par le mouvement des plaques.  La surrection du Rwenzori divisa le paléolac Obweruka et créa trois des Grands lacs africains actuels : le lac Albert, le lac Édouard et le lac George.

Flore.

La flore du Rwenzori est très diversifiée, allant de la forêt tropicale à l'étage nival avec des glaciers en passant par tous les étages intermédiaires. Grâce à des conditions de température et de pluviométrie constante et importante tout au long de l'année, certaines espèces se sont développées de manières particulièrement exubérante. Et ce avec un taux d'endémisme important, surtout dans les zones de forêts de nuages, où l'air saturé de brumes a permis le développement d'espèces complètement insolites, subissant un gigantisme impressionnant : Lobelias, Séneçon géant, bruyères, bambous.

Faune.

La faune comprend des éléphants, plusieurs espèces de primates et de nombreuses espèces d'oiseaux endémiques comme le jacana ou le nectarin de Johnston qui parvient la nuit à entrer dans une « torpeur », hibernation nocturne du fait de la baisse de température. On y trouve des animaux très étonnants comme une espèce de daman unique, le dipneuste, ou encore le caméléon de Jackson. La majorité de la chaîne fait partie du patrimoine mondial protégé par le parc national des monts Rwenzori en Ouganda et le parc national des Virunga en République démocratique du Congo.

Recul des glaciers.

L’impact du réchauffement climatique sur les glaciers du Rwenzori est le sujet de préoccupations grandissantes. En 1906, la chaîne comptait quarante-trois glaciers répartis sur six montagnes, couvrant un total de , soit environ la moitié de la surface glaciaire de toute l’Afrique. En 2005, il en restait moins de la moitié, qui ne couvraient plus que sur trois montagnes. Plusieurs études, dont celle de Tom Knudson de l’Université de Yale et de Richard Taylor du University College de Londres, attribuent ce retrait au réchauffement climatique et étudient l’impact de ces modifications sur la végétation et la biodiversité des montagnes.

Histoire.

Ces montagnes sont souvent considérées comme étant les « Montagnes de la Lune » mentionnées par Ptolémée comme étant les sources du Nil, mais ses descriptions sont trop imprécises pour en avoir la certitude. Près de plus tard, elles sont aperçues par Samuel White Baker en 1864 et attirent de nombreux explorateurs comme Henry Morton Stanley en 1889. Les premières tentatives d'ascension, de 1888 à 1905, mettent en évidence les difficultés de l'approche et le caractère alpin des difficultés du Rwenzori. La première expédition « alpine » ayant recours aux techniques de l'alpinisme est conduite en 1905 par Douglas William Freshfield. La première ascension réussie du pic Margherita a été réalisée en 1906 par l'équipe du duc des Abruzzes, forte de onze hommes dont le photographe Vittorio Sella.  Une expédition scientifique menée par la Club alpin belge en 1932 fit une description très complète de ces montagnes.

Le Rwenzori, chaîne du Rwenzori ou monts Rwenzori, aussi orthographié jusqu'en 1980 Ruwenzori, parfois identifiées comme étant les légendaires montagnes de la Lune de l'Égypte antique et plus tard des Grecs anciens, est une petite chaîne de montagnes de l'Afrique centrale, située sur la frontière entre l'Ouganda et la République démocratique du Congo, culminant à d'altitude au pic Marguerite (mont Stanley), ce qui en fait le troisième sommet d'Afrique après le Kilimandjaro et le mont Kenya. C'est une des rares montagnes englacées d'Afrique avec le Kilimandjaro ou encore le mont Kenya. Les glaciers pourraient cependant disparaître en raison du réchauffement climatique.

The Ruwenzori, also spelled Rwenzori and Rwenjura, are a range of mountains in eastern equatorial Africa, located on the border between Uganda and the Democratic Republic of the Congo. The highest peak of the Ruwenzori reaches , and the range's upper regions are permanently snow-capped and glaciated. Rivers fed by mountain streams form one of the sources of the Nile, for which reason during the European exploration of Africa, the Ruwenzori came to be identified with the legendary Mountains of the Moon, identified by the Greek scholar Ptolemy as the source of the Nile. Virunga National Park in the Congo and Rwenzori Mountains National Park in Uganda are located within the range.


Histoire.

2001–2003.

Aggro Berlin est fondé en 2001 par Specter, Spaiche et Halil en tant que label indépendant. Specter était un ancien graffeur, et il servaità la conception et à la production de couvertures et de vidéos chez Aggro Berlin. Halil était membre et fondateur d'un groupe appelé Downstairs. Spaiche était également membre actif de la scène hip-hop berlinoise. il faisait de la breakdance et des battles au sein du groupe Funky Grossangriff. Il anime également des événements, et à la fin des années 1990, participe à un projet appelé Hip-Hop-Mobil grâce auquel il peut garder contact avec bon nombre d'artiste de la scène berlinoise. Le label est lancé dans le but de promouvoir un hip-hop qui se différencie du hip-hop popularisé dans les années 1990.  Specter exprime lors d'un entretien avec le magazine de rap ' les objectifs de la société : Au début de 2002, le label publie l'album ' et le sampler '. La série des ' continuera pendant des années et présentera de nouveaux artistes afin de promouvoir le label. En , le label prend part aux festivals "Splash!". L'album ', l'EP ' de B-Tight, et le label-sampler "" sont publiés.  En , Aggro Berlin publie le premier album ' de Bushido. Il atteint la des classements allemands, et atteint les classements internationaux. Les singles ' et ' sont ensuite publiés. ' attire l'intérêt des médias popularisant ainsi Bushido et Aggro Berlin. L'album est bien accueilli par la presse spécialisée. Bushido et Sido et B-Tight participent au "Splash!" de 2003 devant spectateurs. En , les rangs d'Aggro Berlin s'allongent avec la signature du rappeur Fler au label. Ensemble avec Fler, ils publient le sampler ' qui se vend à exemplaires, devenant ainsi le sampler le mieux vendu du label. ' contient la chanson "", qui aura le droit à son clip vidéo.

2004–2005.

Au début de 2004, la vidéo du premier single de Solo, ' est tournée et publiée. La chanson ' atteint le top 20 des classements allemands. C'est également la première fois qu'un single du label atteint les classements autrichiens. En suit le premier album de Sido, ', qui atteint la troisième place des classements allemands. L'album est également classé en Autriche et en Suisse. ' atteint les exemplaires vendus et devient certifié disque d'or. En , le magazine "Comet" classe le rappeur dans la catégorie des . Le , Sido est invité à l'émission allemande "TV Total". En , la compilation ' est indexée par l'association Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien, et mènera à un faible nombre de ventes et à une mauvaise campagne publicitaire. L'association vise les titres explicites ', ' et '. Elle vise aussi certaines paroles insultant les femmes.  Au début de 2005, Sido revient dans l'émission "TV Total". Sido participe également au jeu Wok-WM. Aggro Berlin publie le premier album solo de Fler, ' qui contient le single controversé ' En , le label publie la compilation '. Depuis le , les singles ' et ' issus de la compilation ' sont interdits aux mineurs.

2006–2008.

Le deuxième album de Sido, ' est publié en , atteint la quatrième place des classements allemands et devient certifié disque d'or. L'album fait participer Massiv, Peter Fox, Alpa Gun et Kitty Kat. Kitty n'est initialement pas créditée. En , le label publie ' de Fler, et "".

Aggro Berlin est un label discographique de hip-hop allemand, situé à Berlin, fondé en 2001 et disparu en 2009. Pour la distribution de ses produits, Aggro Berlin s'associe au label Groove Attck entre 2001 et 2007, situé à Cologne. En , Aggro Berlin met la clé sous la porte et met soudainement un terme aux contrats de ses membres. Depuis, le label est devenue un site web appelé Aggro.TV, sur lequel sont diffusés des clips vidéo de nombreux nouveaux rappeurs.  Pendant sa période d'activité, le label comptait des rappeurs comme Sido, B-Tight, Bushido, Fler, Tony D, G-Hot et Kitty Kat. Stylistiquement parlant, les rappeurs du label se distinguent de par leurs paroles agressives. Les différents genres du hip-hop au label incluent notamment gangsta et crunk. Aggro Berlin représente, quelques années après le lancement du label, le plus grand succès commercial indépendant en Allemagne.

Aggro Berlin was a German hip-hop independent record label based in Berlin, Germany that existed from 1 January 2001 until 1 April 2009. Three artists; Sido, Tony D and Kitty Kat were signed with the label at the time of its closure. Since the end of 2007 it used to be a sub-label of Universal.  "Aggro" (in this context a noun) is German slang for having an aggressive attitude (as in British English).


Historique.

D’origine hongroise, le braque hongrois à poil court est à l'origine un chien de la noblesse hongroise qui aurait suivi l'implantation du peuple hongrois. Ses origines peuvent être retracees à 1000 ans avant Jesus Christ: il serait le résultat de croisement avec des chiens courants hongrois, peut-être le chien courant de Pannonie ou le transylvanien à pattes courtes, et un chien jaune turc. Le sloughi a été utilisé comme apport dans cette race. Des documents décrivant des chiens ressemblant au braque hongrois à poil court existent dès le . Des sujets de conformation proche sont notés dès le . À la fin du , on organise en Hongrie des concours pour chiens d'arrêt auquel participe le braque hongrois et il est probable que des races de chiens de chasse étrangères aient joué un rôle dans son développement. L'élevage en race pure a débuté en 1920. Le braque hongrois à poil court a été reconnu par la Fédération cynologique internationale (FCI) en 1936.  Le braque hongrois à poil court est bien implanté en Hongrie, en Allemagne et aux États-Unis. Le braque hongrois à poil dur, d'apparition plus récente, est moins bien représentée.  En 2011, sous le gouvernement de Viktor Orbán a été adoptée en Hongrie une taxe sur les chiens dont le braque hongrois est exempté au motif d'être , au sens de la Grande Hongrie.

Standard.

Le braque hongrois à poil court est un braque de taille moyenne, de constitution plutôt légère, sèche et sans poids superflu. La longueur du corps dépasse de peu la hauteur au garrot et la hauteur de la poitrine est un peu inférieure à la moitié de la hauteur au garrot. Attachée un peu bas, la queue est forte à sa naissance pour ensuite s’amenuiser progressivement. Lorsque la caudectomie n’est pas interdite par la loi, la queue peut être raccourcie d'un quart. En mouvement elle est relevée jusqu’à l’horizontale.  La tête est sèche, noble, bien proportionnée avec un crâne modérément large et légèrement bombé. Le museau est un peu plus court que la moitié de la longueur de la tête. Les yeux sont de forme quelque peu ovale et de grandeur moyenne. Les paupières épousent bien la forme du globe oculaire. La couleur brune des yeux s’accorde avec celle de la robe, mais on préfère les yeux d’une nuance aussi foncée que possible. Les oreilles sont disposées légèrement en arrière et attachées à hauteur moyenne. Elles sont tombantes et l’extrémité de l’oreille forme un V arrondi. La longueur de l’oreille mesure environ les trois quarts de la longueur de la tête.  Le poil est court et serré, il est rêche et dur au toucher. Le braque hongrois à poil court est sans sous-poil. À la tête et aux oreilles il est plus fin, plus soyeux et plus court. La queue est bien couverte d’un poil serré, sur la face inférieure de la queue, il est très légèrement plus long. Le poil couvre tout le corps et seul le ventre présente un poil un peu plus clairsemé. La robe est unicolore fauve, décrite comme froment-doré ("semmelgelb"). Les oreilles peuvent être d’une nuance plus foncée. Une petite marque blanche au poitrail ou dans la région de la gorge, dont le diamètre ne doit pas dépasser , et des marques blanches sur les doigts ne sont pas pénalisées.

Caractère.

Le standard FCI décrit le braque hongrois à poil court comme vif de tempérament, aimable, équilibré et facile à éduquer. Il dispose d'une faculté exceptionnelle de maintenir le contact avec son maître. Il ne supporte pas d’être traité avec brutalité et il ne doit être ni agressif ni timide. Il a néanmoins besoin d'éducation. Il adore les enfants et sait être l’ami de toute la famille.  Bien qu’excellents chiens de compagnie, le braque hongrois est un chien de chasse qui a besoin de beaucoup d'exercice : la vie en appartement nécessite plusieurs sorties quotidiennes.

Utilité.

Le braque hongrois à poil court est un chien de chasse polyvalent. Le dressage est facile. L'arrêt est ferme sur la plume comme sur le poil. Il est adapté à la chasse en plaine, au bois ou au marais. Il adore l’eau et c'est un bon chien de rapport. Avec un dressage spécifique, il peut être utilisé à la recherche au sang du grand gibier blessé.  Le braque hongrois à poil court est également un très bon chien de compagnie.

Le braque hongrois à poil court (en hongrois ) est une race de chien originaire de Hongrie. Il s'agit d'un braque de couleur uniforme fauve.  Il existe une variété à poil dur, de taille plus grande, et considérée comme une race différente : le braque hongrois à poil dur. Dans son pays d'origine, le vizsla devint vite populaire comme chien de chasse polyvalent.

The Vizsla () is a dog breed from Hungary and belongs to the FCI group 7 (Pointer group). The Hungarian or Magyar Vizsla are sporting dogs and loyal companions. The Vizsla's medium size is one of the breed's most appealing characteristics. As a hunter of fowl and upland game, the Vizsla has held a prominent position among sporting dogs – that of household companion and family dog.  The Vizsla is a natural hunter endowed with an excellent nose and outstanding trainability. It was bred to work in fields, forests or bodies of water. Although they are lively, gentle-mannered, demonstrably affectionate and sensitive, they are also fearless and possess a well-developed protective instinct.


Histoire.

Aux origines : une région franque à part depuis le.

Au la partie orientale de cette contrée formait le centre du royaume des Thuringes. Vers l'an 531, elle est conquise par les Francs sous les rois Thierry Ier et Clotaire Ier, et le territoire se retrouve intégré dans le royaume d'Austrasie.  La grande majorité des Francs ethniques, répartis entre Saliens et Ripuaires, ont été confinés respectivement aux Pays-Bas, à la pointe nord-est de la France moderne et sur les rives du Rhin, à proximité du Main et de la Hesse. Cependant, une élite franque, dispersée dans tout l'empire carolingien, a donné son nom à la Franconie.

La fondation du duché au.

Le nom des Francs : d'une identité ethnique à une revendication nationale.

Au , l'identité franque passe progressivement d'une identité ethnique à une identité nationale. Le nom de "Francs" cesse d'être utilisé, même par les Francs d'origine eux-mêmes. Par contre, certains groupes de personnes, qui ne sont pas des Francs, mais gouvernés par la noblesse franque, commencent à utiliser cette appellation pour désigner leurs terres et leurs gens.  Quand, au début du , le duché de "Franconie" est créé au sein de la Francie orientale ("Ostfrankenreich"), son nom est choisi pour rappeler explicitement celui des Francs (en allemand, "Franken" est utilisé pour désigner à la fois les Franconiens modernes et les Francs historiques). Sous le règne de Louis l'Enfant, le dernier roi des Carolingiens dans la Francie orientale, à partir de 900, le duché ethnique apparaît, et ses possesseurs se rendent de bonne heure indépendants. L'un d'eux, Conrad le Jeune, fils du comte Conrad de Lahngau de la dynastie des Conradiens, est élu roi de Germanie en 911, et laisse son duché à son frère , tué en 939 à la bataille d'Andernach. Alors qu'il n'appartient pas à la dynastie carolingienne, Conrad et ses successeurs de la dynastie des Ottoniens se font nommer "rex francorum", en conformité avec la loi salique.

Partition de la Franconie (en 939) et apogée politique.

Après la révolte et le décès du duc Eberhard, le roi Otton Ier assume la souveraineté immédiate sur son duché. En 939, il est divisé en deux : la Franconie rhénane ("Francia Rhenensis") autour du Rhin, avec Worms comme capitale, et la Franconie de l'Est ("Francia Orientalis") sur le Main, avec pour centre Wurtzbourg. Les origines des dynasties franconiennes des Conradiens et Saliens, rois de Romains et empereurs romains germaniques remontent aux domaines rhénans, alors que les territoires sur le Main correspondent à la région actuelle de Franconie.  En 955, le prince salien Conrad le Roux prend le commandement des troupes de Franconie et périt en combattant prétendument les Huns, en réalité les Magyars, à la bataille du Lechfeld. Il est enterré à la cathédrale de Worms. Son fils Othon de Worms, encore mineur, règne à sa suite sur de vastes régions de la Franconie rhénane ; il est nommé duc de Carinthie en 978.

Vers une dissolution au profit du Saint-Empire.

En 1024, Conrad II le Salique, petit-fils d'Othon et 6 duc de Franconie, est élu roi de Germanie puis couronné empereur en 1027 à Rome. Il devient ainsi chef de la maison impériale de Franconie qui, après lui, donne encore trois souverains à l'empire : Henri III (1039), Henri IV (1054) et Henri V (1106). Quant au duché de Franconie, Conrad II le Salique le cède en 1027 à son cousin Conrad le Jeune ; mais ce prince, s'étant révolté contre lui, est par la suite dépouillé de ses États. Son duché revient au roi et, après sa mort en 1039, reste indéfiniment divisé.

Persistance du nom, dissolution "de facto" au.

Vers l'an 1116, l'empereur Henri V confère le titre de « duc de Franconie » à son neveu Conrad de Hohenstaufen. Néanmoins, Conrad règne seulement sur la Franconie de l'Est (la région actuelle de Franconie) où il entre peu après en conflit avec l'évêque Erlung de Wurtzbourg. Élu roi des Romains en 1138, il laisse ses domaines franconiens à sa mort en 1152 à son fils Frédéric de Rothenbourg, duc de Souabe. À la mort de ce dernier en 1167, son cousin, l'empereur Frédéric Barberousse, donne la Souabe à son propre fils Frédéric V. Il accorde le titre de "duc de Franconie" aux évêques de Wurtzbourg, tandis que les domaines sont attribués au fils cadet Conrad de Rothenbourg, qui devient également duc de Souabe après le décès de Frédéric V. À la mort de Conrad en 1196, son frère Philippe de Souabe hérite seul de la propriété et du titre, avant de devenir empereur en 1198.  Ce dernier, par ses libéralités, met fin à l'existence du duché de Franconie en le morcelant en plusieurs fiefs qui deviennent États souverains. Le duché ne subsiste plus dès lors que nominalement ; les débris en sont conférés aux burgraves de Nuremberg, mais le titre demeure celui des évêques de Wurtzbourg.

Tentatives de reconstitution du à 1814.

En 1387, le roi Venceslas donne le nom de « Thuringe-et-Franconie » à l'un des quatre cercles dans lesquels il divise l'Allemagne. À partir de 1440, le margrave Albert III Achille de Brandebourg essaye de récupérer la souveraineté d'un duc de Franconie pour la maison de Hohenzollern ; néanmoins cette tentative échoue devant la résistance de la ville impériale de Nuremberg. En 1512, l'empereur Maximilien fait de la Franconie un des dix cercles définitifs du Saint-Empire romain, avec ceux de Bavière, Souabe, Bas-Rhin-Westphalie, Haut-Rhin, Saxe, Basse-Saxe, Autriche, Bourgogne et le cercle électoral du Rhin. Le cercle de Franconie est l'un des moins importants par son étendue, mais l'un des plus florissants de l'empire. Il comprend les évêchés de Bamberg, de Würtzbourg, d'Eichstätt, la maîtrise de l'Ordre Teutonique à Bad Mergentheim, les États princiers de Brandebourg-Bayreuth, Brandebourg-Ansbach, Henneberg-Schleusingen, Henneberg-Rœmhild, Henneberg-Schmalkalden, Löwenstein-Wertheim, Hohenlohe-Waldenbourg, les villes impériales de Nuremberg, Rothenburg ob der Tauber, Bad Windsheim, Schweinfurt, Weissenburg, outre plusieurs comtés, entre autres celui de Hohenlohe.  Pendant la guerre de Trente Ans, l'idée émerge un instant de reconstituer le duché de Franconie en faveur du duc Bernard de Saxe-Weimar.  Après la dissolution du Saint-Empire, en 1814, la plus grande partie de la Franconie échoit à la Bavière : elle y forme les cercles de Haute-Franconie, Basse-Franconie et Moyenne-Franconie ; le reste est partagé entre le Wurtemberg, le grand-duché de Bade, la Hesse-Electorale et la Hesse-Darmstadt, la Prusse et les duchés de Saxe, qui le possèdent encore au .

Liste des ducs.

De 939 à 1115 le titre est entre les mains des empereurs Ottoniens puis Saliens: En 1115 l'empereur Henri V en investit Conrad le fils cadet de Frédéric Ier de Souabe ;

Le duché de Franconie (en ) est un des cinq anciens duchés ethniques germaniques de la Francie orientale, fondé au . Issu du royaume carolingien de l'Austrasie, ce duché médiéval couvrait la partie centrale de la Germanie. Il s'étendait sur les états allemands contemporains de Hesse et la région adjacente du Palatinat sur les bords du Rhin jusqu'au nord de Bade-Wurtemberg (la « Franconie rhénane »), ainsi que le territoire actuel de la région de Franconie en Bavière, sur les rives de la rivière Main, jusqu'au Rennsteig en Thuringe.  La Franconie rhénane est le pays d'origine des Conradiens et de la dynastie salienne, souverains du Saint-Empire. Au , sous les Hohenstaufen, l'ancien duché cesse d'exister. L'empereur Frédéric Barberousse transférait le titre de duc de Franconie aux prince-évêques de Wurtzbourg en 1168 ; le centre de l'entité territoriale se déplace ensuite vers l'est, dans l'actuelle région de Franconie.

The Duchy of Franconia () was one of the five stem duchies of East Francia and the medieval Kingdom of Germany emerging in the early 10th century. The word Franconia, first used in a Latin charter of 1053, was applied like the words Francia, France, and "Franken", to a portion of the land occupied by the Franks.


Genèse de l'œuvre.

Le premier opéra de Ravel fut composé en hommage à son père qui lui avait apporté un soutien sans faille au cours de sa carrière musicale qui comptait déjà plusieurs succès. Mais le compositeur savait que pour son père un succès à la scène serait plus éclatant qu'un succès de concert. Aussi, après avoir assisté à une représentation de la comédie "L'heure espagnole" de Franc-Nohain qui venait de recevoir un bon succès, il décida avec l'accord de l'auteur de composer une musique sur le livret de la pièce. Il mit tout l'été 1907 à composer la partition ainsi que la réduction pour piano pour que Franc-Nohain puisse chronométrer l'opéra. Si la musique plut à l'écrivain, le seul inconvénient était sa durée: seulement.  La première de la « comédie musicale » (Ravel préféra employer ce terme plutôt qu'opéra) ne remporta cependant pas immédiatement les suffrages du public et de la critique qui la considéra comme trop osée allant même jusqu'à lâcher le mot de « pornographie » ! À sa reprise, cependant, elle fut beaucoup mieux accueillie. Malheureusement, entre la composition et la première, trois ans et demi s'étaient écoulés et le père de Ravel était mort dans l'intervalle.  L'opéra fut créé pour la première fois à l'Opéra-Comique le avec "Thérèse" de Jules Massenet. Mais il n'y eut que les neuf représentations. L'Opéra de Paris l'a représenté le avec Fanny Heldy dans le role de Concepción, avec plus de succès. L'opéra est revenu à l'Opéra-Comique en 1945 où il a été inscrit dans le répertoire. À l'étranger, L'heure espagnole a été vue pour la première fois à Covent Garden en 1919, Chicago et New York en 1920, Bruxelles en 1921, puis Bâle et Rotterdam (1923), Prague (1924), Hambourg, Stockholm (1925), atteignant Buenos Aires en 1932 et Le Caire en 1934.L'opéra a été présenté pour la première fois au Canada lors des Festivals de Montréal de 1961.

Argument.

L'action se passe à Tolède, au . Toute l'intrigue se déroule dans la boutique de l'horloger espagnol Torquemada.  Après une ouverture, marquée par des métronomes dissimulés dans l'orchestre et réglés à vitesse variable (les tics-tacs des horloges). Le rideau s'ouvre sur la boutique de Torquemada. Ramiro, muletier, entre dans sa boutique et demande à faire réparer sa montre lui venant d'un oncle toréro car dans son métier, il doit connaître l'heure précisément. Torquemada commence à démonter l'objet lorsque Concepcion arrive, grondant haut son mari qui a oublié qu'il doit régler les horloges municipales de la ville. Alors que l'horloger s'apprête à partir, Concepcion qui visiblement méprise son mari lui demande quand il pourra monter dans leur chambre une des deux massives horloges catalanes qui trônent de part et d'autre de la fenêtre de la boutique. Torquemada soupire: c'est bien trop lourd! Puis il part, demandant à Ramiro d'attendre son retour, ce qui désappointe fort Concepcion. En effet, son "seul jour de vacances" est l'unique occasion hebdomadaire de recevoir ses amants et de savourer les joies extra-conjugales.  Ramiro, qui chante sa tristesse de ne pas savoir parler aux femmes, faisant office de témoin gênant, Concepcion lui demande s'il voudrait bien porter dans sa chambre à l'étage une des deux horloges catalanes. Ramiro, content de rendre service à la jeune femme, accepte tout de suite et, soulevant aisément avec ses biceps la lourde horloge, disparaît en même temps que Gonzalve, un des amants de Concepcion, apparaît. Hélas, le bachelier semble plus intéressé par la déclamation de ses fades poèmes amoureux d'un lyrisme hilarant plutôt que de satisfaire son amante qui, brûlante de désir, le supplie en vain de profiter avec elle de "l'heure unique". S'impatientant de plus en plus, elle a du mal à cacher son dépit tandis que son rimailleur continue de l'étourdir de vers burlesques. Le muletier revenant, Concepcion lui demande de pardonner son caprice car elle préfère finalement l'autre horloge qui aura "mieux d'effet" dans sa chambre. Ramiro, tout dévoué, remonte chercher l'horloge qu'il a montée. Concepcion enferme Gonzalve dans le coffre de la deuxième horloge et clôt le couvercle mais au même moment, Don Inigo Gomez, un de ses soupirants, arrive dans la boutique et fort de sa fortune, fait une cour empressée à sa belle qui craint que son amant rival ou le muletier la surprenne. Après avoir repoussé fermement les avances empressées de Gomez, Le muletier arrive, pose la première horloge, soulève l'autre, où est enfermé Gonzalve, ne remarque pas qu'elle est plus lourde. Concepcion l'accompagne prétextant que le mécanisme de l'horloge est très fragile!  Inigo, dépité, décide d'adopter une nouvelle tactique de séduction: Il va se cacher dans l'horloge qui reste et lorsqu'elle redescendra, il en sortira en faisant "coucou", ainsi il la fera rire et elle changera, en ce qui le concerne, peut-être d'avis. Étant assez gros, il a cependant du mal à entrer dans l'horloge et a juste le temps de refermer le couvercle quand Ramiro arrive. Concepcion l'a prié de garder la boutique, ravi, il a accepté. Il discourt sur le destin qui ne lui a donné que le talent de porter les horloges et songe au "mécanisme compliqué" qu'est la femme. Concepcion déboule dans la pièce et se plaint que l'horloge marche de travers! Ramiro, tranquillement et docilement remonte. Apparemment le poète étant aussi laborieux en amour qu'en vers, Concepcion a décidé de le congédier. Ramiro étant en haut, Inigo fait sa farce ("coucou") qui tombe à l'eau car l'horlogère n'est pas vraiment d'humeur à rire. Quand elle lui demande de sortir de l'horloge, Inigo, qui a eu de mal à rentrer refuse et lui fait remarquer que les jeunes amants, surtout les poètes, ne valent pas des hommes comme lui, qui au moins ne s'embarrassent de rien. Concepcion opine vivement mais Ramiro revient avec l'horloge "défectueuse" et lui demande d'un ton amusé mais en ne suspectant toujours rien de la situation si elle veut qu'il amène l'autre horloge (où est toujours caché don Inigo) dans sa chambre. Impatiente et languissante, elle finit par accepter. Ramiro, transportant Inigo remonte tandis que Concepcion face à un Gonzalve plus ridicule et extatique que jamais, lui passe un savon et elle rejoint sa chambre après avoir lancé au poète qu'elle en a assez de ses "pipeaux" !  Gonzalve, à peine affecté, continue ses poèmes mais referme la caisse de l'horloge quand le muletier revient, seul. Ce dernier dit qu'il ne se lasse pas de monter et descendre les horloges, c'est pour lui un réel plaisir de servir une belle dame dans cette atmosphère apaisante de tics-tacs. Sa tirade est interrompue par l'irruption de Concepcion dont Ramiro devance la question. Tout sourire, il monte tout de suite à l'étage redescendre l'horloge où est caché Inigo tandis que Concepcion laisse éclater sa fureur: Si Gonzalve ne l'a pas satisfaite à cause de ses vers, c'est cette fois le poids d'Inigo qui est la cause de sa colère: il n'a pas réussi à sortir de l'horloge excepté "son ventre couvert de breloques"! Puis elle désespère car son mari va bientôt revenir et elle n'a pas eu son content de plaisir quand revient le muletier, qui ne sait toujours rien de la situation, avec l'horloge. Joyeusement, il demande quelle horloge il doit monter maintenant. Concepcion, séduite par sa gentillesse et sa force colossale jette alors son dévolu sur Ramiro. Lui, au moins, saura la contenter. Elle lui demande de l'accompagner dans sa chambre "sans horloge"!  Inigo tente de sortir, sans succès et referme la boîte quand Gonzalve sort et fait un adieu (en vers) hilarant à l'horloge qui l'a caché mais à ce moment-là Torquemada revient! Vite, Gonzalve va se cacher dans l'horloge mais il se trompe et ouvre celle d'Inigo au moment même où le mari entre. Pour apaiser ses soupçons (alors qu'en fait il ne se doute de rien!), Gonzalve achète l'horloge et Inigo dit que fasciné par le balancier, il a voulu l'examiner mais qu'il est resté coincé! Concepcion et Ramiro reviennent et tous ensemble essayent de faire sortir Inigo mais n'y arrivent pas. Le muletier calmement le prend par les épaules et le fait sortir et le financier se voit obligé d'acheter la deuxième horloge. L'opéra se termine par un joyeux épilogue où les récitants tour à tour puis ensemble chantent la morale de l'histoire:

Particularités.

En ce qui concerne l'écriture vocale Roland-Manuel écrit: «Le langage de la musique est lié aussi naturellement que possible à la musique de la langue.» Dans une interview publiée deux jours avant la première, Ravel explique son approche de son nouvel opéra. "J'ai écrit un opéra-bouffe. En dehors de Gonzalve qui chante des sérénades et des cavatines avec des mélodies délibérément exagérées, les autres rôles donneront, je pense, l'impression d'être parlé. » Ravel cite aussi Le Mariage de Moussorgski pour l'effet qu'il vise à atteindre et souligne les éléments espagnols de la partition dans son utilisation de jotas, habaneras et malagueñas. Kobbé a commenté que "des délicieuses bruits d'horloge de l'ouverture au quintette Habanera de la fin, L'Heure Espagnole est pleine de musique charmante », tandis que Grove note que l'opéra fait partie d'un groupe d'œuvres influencées par l'Espagne qui couvrent la carrière de Ravel et qu'il y emploie « une utilisation virtuose de l'orchestre moderne ».  Ravel n'a pas inclus de chœur ; il centralise ainsi la pièce sur les protagonistes. La présence d'instruments nouveaux tels que les cloches, les carillons, les fouets, le célesta et le sarrussophone, ainsi que le traitement particulier des autres instruments (cors en sourdine et glissandi des trombones, par exemple) élargissent la palette sonore de l'œuvre. Enfin, les chanteurs doivent « dire plutôt que chanter » leur partition, comme l'indique Ravel, qui donne ainsi un rôle prépondérant au texte et oblige les chanteurs à révéler leurs facettes de comédien. Cependant, Claude Debussy l'a précédé et influencé sur ce point car la musique de son opéra "Pelléas et Mélisande" écrit cinq ans plus tôt ne contient quasiment que des récitatifs.

L'Heure espagnole est un opéra en un acte pour cinq voix solistes avec orchestre de Maurice Ravel composé en 1907 sur un livret de Franc-Nohain.  L'œuvre fut créée le à l'Opéra-Comique de Paris sous la direction de François Ruhlmann. Cette même soirée a été créé l'opéra "Thérèse". Elle porte la référence M.52, dans le catalogue des œuvres du compositeur établi par le musicologue Marcel Marnat.  Sa durée d'exécution est d'environ .

L'heure espagnole is a French one-act opera from 1911, described as a "comédie musicale", with music by Maurice Ravel to a French libretto by Franc-Nohain, based on Franc-Nohain's 1904 play ('comédie-bouffe') of the same name The opera, set in Spain in the 18th century, is about a clockmaker whose unfaithful wife attempts to make love to several different men while he is away, leading to them hiding in, and eventually getting stuck in, her husband's clocks. The title can be translated literally as "The Spanish Hour", but the word "heure" more importantly means "time" – "Spanish Time", with the connotation "How They Keep Time in Spain".  The original play had first been performed at the Théâtre de l'Odéon on 28 October 1904. Ravel began working on the music as early as 1907, and the opera was first performed at the Opéra-Comique on 19 May 1911.


Biographie.

Famille.

Lauriston est le troisième des sept fils de Jean Law de Lauriston et de Jeanne de Carvalho (née en 1735). Il est également le petit-neveu de l'économiste John Law, contrôleur général des finances.  Il se marie en 1789 avec Claude-Antoinette Julie Le Duc (1772-1873), dont il eut : Auguste (1790-1860), Coralie (1800-1891) et Napoléon Adolphe (1805-1867).

La Révolution française.

Après son retour en France, Jacques Alexandre de Lauriston fait ses études au collège des Grassins, à Paris. Il entre à l'École militaire de Paris en 1784 où il se lie avec Napoléon Bonaparte. Lauriston en sort le , avec le grade de lieutenant en second au régiment de Toul.  Capitaine en second en août 1791, il devient aide-de-camp du général Beauvoir en 1792. Il combat les armées de la Première Coalition dans les armées du Nord, de la Moselle et de Sambre-et-Meuse. Il participe au siège de Maastricht en 1793, et alors capitaine, il se distingue au siège de Valenciennes. Il est nommé en l'an III chef de brigade du d'artillerie à cheval. Le (16 germinal an IV), il démissionne de l'armée.

Le consulat et l'Empire.

En 1800, Napoléon Bonaparte, devenu Premier consul, le rappelle au service et en fait un de ses aides-de-camp et participe à ce titre à la bataille de Marengo le . Il reçoit l'ordre de licencier le d'artillerie qui s'était mutiné et de le réorganiser. Il en eut ensuite le commandement.  Lauriston est envoyé en mission diplomatique à Copenhague en 1801 et assiste au bombardement de la ville par la flotte britannique de l'amiral Nelson. Au printemps 1802, il est chargé de porter à Londres la ratification du traité de paix conclu à Amiens entre la France et le Royaume-Uni. L'aide-de-camp du Premier Consul est reçu avec enthousiasme par la population de Londres : celle-ci coupe les traits des chevaux et traîne sa voiture jusqu'à son hôtel.  De retour en France, il est nommé général de brigade le , commandeur de la Légion d'honneur et reçoit en novembre le commandement des troupes de l'expédition préparée pour ravitailler Batavia, sous les ordres de l'amiral Villeneuve. Il est élevé au grade de général de division le . L'escadre appareille de Toulon le et arrive à la Martinique à le . Lauriston participe à la prise du rocher du Diamant, occupé par une garnison britannique et réputé imprenable. Dix jours plus tard, Villeneuve apprend le départ de Nelson pour les Antilles et la flotte remet à la voile pour l'Europe. Elle arrive à Cadix après la bataille du cap Finisterre. Lauriston rentre à Paris.  Il fait la campagne de 1805 en Autriche. Il devient gouverneur de Braunau, Raguse et des Bouches de Kotor, en 1806. Le , il est nommé gouverneur général de Venise. À son arrivée dans cette ville, il fait opérer la translation du corps de l'économiste Law, son grand-oncle, dans l'église San Moisè.  En 1808, Lauriston accompagne Napoléon à l'Entrevue d'Erfurt. Il est fait comte de l'Empire et combat en Espagne. De retour en Allemagne en 1809, il passe à l'armée d'Italie et prend une part active aux batailles de Raab et de Wagram, où il commandait l'artillerie de la Garde. À l'issue de la bataille de Wagram, Napoléon lui octroie le grand cordon de la Couronne de Fer.  Après le traité de Schönbrunn, Lauriston, en tant que colonel général de la Garde impériale, accompagne l'archiduchesse Marie-Louise d'Autriche en France pour son mariage avec Napoléon. Il est ensuite chargé d'aller chercher à Haarlem et de ramener en France les enfants de Louis Bonaparte, qui venait d'abdiquer la couronne de Hollande. Le , Napoléon nomma Lauriston son ambassadeur en Russie à Saint-Pétersbourg. Il devait demander à Alexandre l'occupation des ports de Riga et de Reval, et l'exclusion des vaisseaux britanniques de la Baltique. Un an plus tard, pendant la campagne de Russie, il rejoint l'armée et sert de nouveau comme aide-de-camp de Napoléon. Après la prise de Moscou, l'Empereur charge Lauriston d'une mission de négociation de paix avec le général Koutouzov. Après une journée de tergiversations aux avant-postes, Lauriston est admis dans la nuit du auprès du commandant en chef russe. Celui-ci l'éconduit en feignant devoir en référer au tsar pour maintenir les Français dans l'incertitude et retarder leur départ. Lauriston commande l'arrière-garde durant la retraite et montre dans ces circonstances difficiles les talents d'un général consommé.  Arrivé à Magdebourg, il y organise le de la Grande Armée, à la tête duquel il combat durant la campagne d'Allemagne aux batailles de Lützen, de Bautzen. À la tête des et , il battit les Prussiens en plusieurs rencontres. Il est fait prisonnier lors de la bataille de Leipzig, le . Il se trouvait toujours dans la ville lorsque le pont sur l'Elster Blanche a été détruit ; "le Moniteur" annonça sa mort. Conduit à Berlin, il rentre en France après la chute de l'Empire et le retour des Bourbons en avril 1814.

La Restauration.

À sa libération, il est nommé aide-de-camp du comte d'Artois. Louis XVIII le fait chevalier de Saint-Louis, grand cordon de la Légion d’honneur et capitaine de la des mousquetaires gris. Pendant les Cent-Jours, il accompagne le roi jusqu'à Béthune, revient à Paris et se retire dans sa terre de Richecourt, près de La Fère.  Après la bataille de Waterloo, Lauriston retrouve le roi à Cambrai. Il est envoyé à Laon pour présider le collège électoral de l'Aisne. Il est créé pair de France le et reçoit le commandement de la d'infanterie de la Garde royale. Lors du procès du maréchal Ney en , il vote la mort.  En 1816, il préside les conseils de guerre formés pour juger l'amiral Linois, le baron Boyer de Peyreleau et le général Delaborde. Linois fut acquitté, Boyer condamné à mort et Delaborde non jugé. Cette même année, le roi lui accorde la croix de commandeur de Saint-Louis et le titre de marquis. En 1820, il reçoit le commandement supérieur des et militaires, préside le collège électoral de la Loire-Inférieure, devient ministre de la Maison du roi et reçoit la grand-croix de Saint-Louis.  Le , Lauriston est élevé à la dignité de maréchal de France et il commande du de réserve de l'armée des Pyrénées. Entré en Espagne dans le cadre de l'expédition d'Espagne, il assiège et prend Pampelune le . Il est nommé chevalier du Saint-Esprit et de l'ordre espagnol de la Toison d'or. À son retour de France, il est nommé grand veneur. Il devient ministre d'État le .  Il meurt à Paris d'une apoplexie foudroyante le , dans les bras de la danseuse Amélie Legallois. Il est inhumé au Père Lachaise. Le nom du maréchal Lauriston est inscrit au côté Est de l'arc de triomphe de l'Étoile.  De nombreux souvenirs du maréchal se trouvent aujourd'hui dans le château de Filières appartenant à ses descendants.  Les papiers personnels de Jacques Alexandre Law de Lauriston et de son père Jacques François Law de Lauriston sont conservés aux Archives nationales sous la cote 201AP.

Jacques Jean Alexandre Bernard Law, marquis de Lauriston est un militaire, diplomate et homme politique français, né le à Pondichéry dans les Indes françaises, et mort le à Paris. Il devient successivement général de division en 1805, comte de l'Empire en 1808, ambassadeur de France en Russie en 1811, marquis de Lauriston en 1817, maréchal de France en 1823 et ministre d'État en 1824. Il est par ailleurs élu en 1822 à l'Institut de France (Académie des beaux-arts).

Jacques Alexandre Bernard Law, marquis de Lauriston (1 February 1768 – 12 June 1828) was a French soldier and diplomat of Scottish descent, and a general officer in the French Army during the Napoleonic Wars. He was born in Pondicherry in French India, where his father, a nephew of the financier John Law, was the Governor-General. His mother was a member of the Carvallho family of Portuguese traders. Lauriston is one of the names inscribed under the Arc de Triomphe.


Jeunesse et entrée en politique.

Haddad est un chrétien-orthodoxe né à Safed dans l'actuel Israël. Durant la guerre israélo-arabe de 1948, sa famille est contrainte de se réfugier au Liban.  Il étudie la médecine à l'université américaine de Beyrouth, où il rencontre d'autres militants palestiniens comme Georges Habache et le syrien Constantin Zureik.  Ils créent ensemble le Mouvement nationaliste arabe (MNA), un mouvement politique panarabe, nationaliste, socialiste et révolutionnaire qui a pour objectif l'unification du monde arabe, et la libération de la Palestine.  Après avoir reçu son diplôme, il établit une clinique à Amman en Jordanie avec Georges Habache. En 1956, ils travaillent ensemble avec les médecins des Nations unies, (UNRWA), mais il est arrêté par la police jordanienne en 1957 en raison de ses activités politiques.  En 1961, il parvient à s'évader de prison et il trouve refuge en Syrie. En 1963, il plaide pour une confrontation militaire directe entre les forces arabes et israélienne, il parvient également à militariser le MNA.

Front populaire radical.

Après la guerre des Six Jours en 1967, l'aile palestinienne du MNA devient le Front populaire de libération de la Palestine, un mouvement marxiste radical. Habache en devient son premier dirigeant. Haddad est quant à lui responsable de plusieurs attaques de l'organisation sur des cibles israéliennes.  Il soutient le détournement de l'avion israélien El-Al par des militants du FPLP (dont Leïla Khaled).  Il continue à défendre la stratégie du détournement d'avion, en dépit des critiques formulées contre le FPLP au sein de l'OLP.

FPLP, opération extérieure.

En 1970, des militants du FPLP - dont Leïla Khaled - détournent un avion et le font atterrir en Jordanie. Après avoir vidé l'appareil des passagers ils font exploser l'avion. Cette exploitation du territoire jordanien par des militants palestiniens, et les attaques incessantes du FPLP contre la monarchie hachémite jordanienne provoquent la répression de Septembre noir.  Les organisations de l'OLP sont expulsées de Jordanie, et Haddad est critiqué par les cadres et les membres du FPLP. Ils demandent à Haddad de ne pas monter des opérations en dehors du territoire israélien, mais il passe outre cette demande en créant le Front populaire de libération de la Palestine - Opérations externes (FPLP-OE).  Il a également utilisé les services de Carlos pour des opérations militaires. Carlos est contraint de quitter le FPLP en 1975, Haddad l'accusant d'avoir refusé d'exécuter deux otages ou d'avoir accepté de prendre l'argent de la rançon lors de la prise d'otages du siège de l'OPEP à Vienne, le .  En juin 1976, il organise le détournement du vol 139 d'Air France Tel Aviv – Paris après l'escale d'Athènes, avec l'aide de Wilfried Boese, membre des Cellules révolutionnaires allemandes. L'avion est détourné sur Entebbe, mais l'opération est mise en échec par le raid d'Entebbe, mené par les commandos israéliens. Haddad se fait expulser de l'organisation après cette opération.  Il meurt le en République démocratique allemande, officiellement d'une leucémie, mais empoisonné auparavant par le Mossad pour certains.

Wadie Haddad (en arabe : ), né en 1927 à Safed et mort le en RDA, également connu sous son nom de guerre "Abou Hani", était un militant palestinien particulièrement actif dans les années 1960 et 1970.

Wadie Haddad (; 1927 – 28 March 1978), also known as Abu Hani, was a Palestinian leader of the Popular Front for the Liberation of Palestine's armed wing. He was responsible for organizing several civilian airplane hijackings in support of the Palestinian cause in the 1960s and 1970s.