Biographie.

Origine familiale et jeunesse.

Son père, aubergiste, très pratiquant et royaliste, le destine au sacerdoce. Très jeune, il est élevé par un prêtre janséniste qui lui enseigne l'histoire naturelle en lui enseignant le grec et le latin, et un peu l'hébreu, le sanskrit et le syriaque.  En 1810, à l'âge de 16 ans, Il entre au séminaire d’Avignon où il apprend la philosophie et la théologie. En 1813, il quitte le séminaire pour devenir bibliothécaire du Collège de Carpentras,  Pendant les Cent-Jours, Raspail y compose une chanson à la gloire de Napoléon. Renvoyé d'abord pour indiscipline, il est ensuite nommé professeur du même collège.

La période de la Restauration.

Pour éviter la Terreur blanche de 1815 qui sévit en Provence, il va à Paris où il enseigne dans plusieurs écoles privées comme les collèges Stanislas ou Sainte-Barbe, tout en faisant des études de droit, de 1816 à 1820.  Il s’éloigne peu à peu des convictions religieuses familiales et adhère à la libre-pensée, devenant franc-maçon. Il collabore à "La Minerve", journal libéral de l'époque. il est alors chassé de l’enseignement pour avoir rédigé des pamphlets républicains.  En 1821, son livre "Les Missionnaires en opposition avec les bonnes mœurs" fait scandale. Il rencontre sa future épouse, Henriette-Adélaïde Troussot.  L’année suivante, il étudie les sciences naturelles. Il rédige plusieurs articles remarqués sur les tissus animaux et végétaux, de 1824 à 1832.  Parallèlement, il adhère au carbonarisme, mouvement clandestin organisé sur le modèle italien des « ventes» conspirant contre le régime en place (il est emprisonné à plusieurs reprises comme "carbonaro" sous la Monarchie de Juillet).

La monarchie de Juillet.

En 1830, Raspail se joint au peuple parisien insurgé lors des Trois Glorieuses, qui les 27, 28 et 29 juillet provoquent la chute et l'exil de Charles X. Grièvement blessé sur une barricade, il est par la suite décoré de la croix de Juillet.  À peine remis, il fonde un journal d’opposition républicaine, "Le Réformateur", et préside la "Société des Amis du Peuple". Préoccupé de questions sociales, il dénonce la pénurie et les souffrances de la classe ouvrière. En 1832, il donne des consultations médicales, il accède à une notoriété internationale avec l’"Essai de chimie microscopique" (1830) et le "Nouveau système de chimie organique" (1833).  La Société des Amis du Peuple est dissoute en 1832 par le nouveau pouvoir qui condamne Raspail à quinze mois de prison et 500 francs d’amende pour « offense au roi ». À Sainte-Pélagie où sont maintenant regroupés les prisonniers politiques, il prend la tête de l’ « Association républicaine de défense de la liberté de la presse ».  À l'aide de sa machine infernale, Giuseppe Fieschi commet, le , un attentat contre le Roi. Louis-Philippe, indemne, réagit en s'en prenant aux républicains. Raspail est arrêté à la Seilleraye, près de Nantes, et écope de deux ans de prison et cinq ans de « surveillance ». Il occupe sa détention en écrivant "Nouveau système de botanique", publié en 1837.  Tirant l'expérience de ses détentions, il s’intéresse à la vie dans les prisons (son « second domicile ») en écrivant "Réforme pénitentiaire. Lettres sur les prisons" (1839). Il dénonce aussi le travail dans les manufactures, . En 1840, il est expert de la défense, lors du procès de Marie Lafarge, accusée d’avoir empoisonné son mari à l’arsenic. Sa déposition le rend célèbre auprès du grand public : il affirme que la présence de l'arsenic dans un cadavre n'est pas forcément due à un empoisonnement, mais qu'elle peut être liée à d'autres facteurs exogènes. Le même problème se pose un siècle plus tard avec l'affaire Marie Besnard.  En 1843, il publie son "Histoire naturelle de la santé et de la maladie" en 3 volumes, résumés sous la forme d'un manuel, "Le Médecin des familles". Ces publications sont suivies deux ans plus tard d'éditions annuelles dites "Manuel annuaire de la santé" à partir de 1845 (les dernières éditions posthumes s'arrêtent en 1935). Ces ouvrages de vulgarisation lui assurent de confortables revenus. Il y donne la recette d’un fameux élixir ; dans ces volumes, il donne également des précisions sur sa théorie parasitaire (évoquant souvent des « helminthes » comme responsables des maladies), qui anticiperait la théorie microbienne.  Cependant sa pratique de l’art médical se veut militante : médecin des pauvres, il est l’un des premiers propagateurs de l’hygiène et de l’antisepsie dans les classes populaires. Il préconise l’usage systématique du camphre sous différentes formes.  Tout ceci lui vaut l’hostilité des milieux officiels de la médecine et, en 1846, une condamnation pour exercice illégal de la médecine à la suite d'une dénonciation de l'association des médecins de Paris. Raspail assure sa défense lui-même et est condamné par le tribunal à 15 francs d'amende.

La Seconde République.

Au moment de la Révolution française de 1848, Raspail est, le 22 février 1848, comme l’écrit Karl Marx, l’un des premiers à proclamer la République. Il fonde un nouveau journal, "L’Ami du Peuple". Il est arrêté en mai 1848 pour avoir participé aux manifestations, avant d'être condamné à six ans de prison en 1849. Il est élu député de Paris en septembre, puis se présente à l’élection présidentielle de 1848. D'après l'universitaire Samuel Hayat, il s'agit en France de . Alors qu'il est en prison pendant la campagne, "Le Peuple" présente ainsi sa candidature dans son manifeste électoral, rédigé par Pierre-Joseph Proudhon, comme . Les partisans de la République démocratique et sociale du printemps 1848 s'y rallient, en particulier Auguste Blanqui. Sa candidature est explicitement dirigée contre celle d'Alexandre Ledru-Rollin, qui a directement participé à la répression des journées de Juin. Il recueille voix, soit 0,51 % des votants et l'élection est remportée par Louis-Napoléon Bonaparte (5 millions et demi de voix). Samuel Hayat relève cependant que la campagne de Raspail .  Après avoir participé à l’organisation d’une manifestation de soutien à la Pologne, perçue par le gouvernement comme une tentative de coup de force, il est jugé en 1849 par la haute cour de justice de Bourges et condamné à six ans de prison.

Le Second Empire.

Libéré en 1853, il s’exile en Belgique. Rentré en France en 1863, il est élu député de Marseille en 1866, et réélu dans les Bouches-du-Rhône en 1869. Il vote contre la déclaration de guerre à la Prusse en 1870.

La Troisième République.

En 1871, il fustige la répression des Versaillais contre la Commune de Paris et est à nouveau condamné à deux ans de prison.  Le 12 février 1874, la Cour d’assises de la Seine condamne son fils Xavier Raspail à 6 mois de prison et 500 francs d’amende pour avoir publié un "Almanach et calendrier météorologique" qui prévoyait le temps durant l'année à venir. Selon son père, « Le jury était composé en majorité de citoyens ennemis des libres-penseurs par nécessité plus peut-être que par conviction ; je leur pardonne. ».  En 1876, alors qu’il était âgé de 82 ans, Raspail est élu député de Marseille. Comme doyen d’âge, il présida la séance d’ouverture de la nouvelle assemblée. Le député Louis Andrieux écrivit dans ses Mémoires : .  En mai 1877 il est l'un des signataires du manifeste des 363. Réélu député en 1877, il demande en vain l’amnistie des communards, qui intervient quelques années après sa mort. Il décède en 1878. Depuis ses débuts politiques en 1815, Raspail a été dans l'opposition de tous les régimes successifs.

Famille.

Quatre fils de François-Vincent Raspail ont laissé une trace dans l’histoire :

Œuvre.

Premiers travaux.

En 1822, il entame des recherches scientifiques et publie de 1824 à 1826 plusieurs articles d'anatomie microscopique, de botanique et de zoologie sur les invertébrés.  Chimiste et naturaliste, il met au point, dès 1825, la microtomie après congélation et des réactifs chimiques (colorants) pour les observations microscopiques, ce qui fait de lui le fondateur de la cytochimie après la publication de son "Essai de Chimie microscopique" (1830)"."  À l'instar de son contemporain Henri Dutrochet, il contribue à la formation de la théorie cellulaire en se faisant l'avocat d'un réductionnisme physico-chimique appliqué aux êtres vivants, il défend l'idée d'une unité de structure des végétaux et des animaux.  En botanique, François-Vincent Raspail a décrit une cent-cinquantaine d'espèces de "Poaceae", principalement dans le volume 5 des "Annales des sciences naturelles" en 1825. Toutefois, une seule de ses descriptions est actuellement toujours acceptée, celle de "Poa flabellata" (Lam.) Raspail.  En parasitologie, il est le co-éditeur avec le mathématicien Jacques Frédéric Saigey (1797-1871) de la revue "Annales des Sciences d'Observation", où il publie un article sur un vers nématode"," le "Strongylus minor," qui parasite "delphinus phocena" (il s'agit probablement du marsouin, aujourd'hui "Phocoena phoconea)."  Son travail le plus remarquable concerne la gale. Il critique la théorie de son temps qui fait d'un acarien du fromage, le tyroglophus, l'agent de la gale. Il montre qu’il s'agit d'un acarien morphologiquement différent, déjà décrit par plusieurs naturalistes, de type sarcopte.  Il décrit ainsi le sarcoptes squabiei chez le cheval (1831) et chez l'homme en 1834 dans son "Mémoire comparatif sur l'histoire naturelle de l'insecte de la gale". Le spécimen du "sarcoptes scabiei" humain a été obtenu par Simon Renucci, étudiant corse en médecine, qui l'avait extrait d'un patient de l'Hôpital Saint-Louis, dans le service d'Alibert.  À partir de 1838, malgré ces débuts prometteurs, Raspail se discrédite aux yeux de la communauté scientifique en fondant un système de médecine populaire, « le système ou la méthode Raspail ».

Le système Raspail.

François-Vincent Raspail est souvent présenté comme un médecin alors qu'il ne l'a jamais été. Cela s'explique par ses nombreuses interventions dans le domaine de la santé entre 1838 et 1860 : consultations et expertises médicales, publications, ventes de médicaments...  Il est l'auteur d'un système et d'une méthode qui le rendent très populaire auprès du grand public. Son "manuel annuaire de la santé" est paru en 77 éditions annuelles entre 1845 et 1935. D'un prix modique, il incitait les lecteurs à acheter son "Histoire naturelle de la santé et de la maladie" en trois volumes.  Selon Raspail, toutes les maladies sont dues à des vers intestinaux et des animalcules parasites externes et internes. Toutes ces maladies sont guérissables par le camphre, qu'il propose sous 8 formes différentes : en grumeaux (à manger), en poudre (à priser), en cigarettes (à fumer), en eau de vie (à inhaler, à boire, ou à nettoyer), en huile (en lavement), en pommade (à frictionner), en cire (pour suppositoires ou ovules vaginaux), en eau sédative (eau, sel marin, ammoniaque, alcool camphré).  La méthode Raspail s'accompagne de conseils d'hygiène, moraux et civiques. Il veut éduquer le peuple pour l'amener à se soigner lui-même, c'est-à-dire en achetant les produits Raspail . C'est un libertaire contestataire, défenseur des pauvres et des opprimés, « Robin des bois de la santé » opposé à la médecine officielle et aux pouvoirs en place.  Les uns considèrent que Raspail fut un charlatan, d'autres le voient comme un précurseur de la théorie microbienne, de la théorie cellulaire, de l'antisepsie, de l'hygiène, de l'autonomie des patients, de la démocratie sanitaire, de la publicité sociale ou du marketing.  Aujourd'hui, les produits camphrés ne sont plus utilisés en médecine, mais ils restent présents en parapharmacie : pommades et baumes camphrés (Baume du Tigre), alcool modifié parfumé au camphre, huiles essentielles de camphre.

L'affaire de l'élixir.

François Raspail, avait publié en 1845 son premier almanach : "Manuel de santé à l’intention des milieux populaires," où il donnait la recette d’une liqueur hygiénique de dessert, qui assurerait une longue vie. Repris à Saumur par la famille Combier, « l’élixir Raspail » est amélioré en 1852 par l'ajout de zestes d'orange. Dans un premier temps, Raspail, qui en a reçu un échantillon, la félicite. Puis à l'incitation de sa famille, il lui intente un procès. La liqueur doit changer de nom et devient l'élixir Combier. Il eut fortune assurée.  Un réfugié italien, fuyant la Romagne occupée par les troupes autrichiennes, s'installe à Saumur en 1845. Cet Angelo Bolognesi est d'abord cafetier puis, en 1848, associé à Jean-Baptiste Combier. Il participe à l'élaboration de l'élixir Raspail. Puis Bolognesi quitte en bons termes la maison Combier. Il fonde alors sa propre distillerie en 1858 et y fabrique la même liqueur, qu'il vend sous le nom d'élixir Angelo en 1863.  L'affaire ne s'arrête pas là. Procès gagné, Émile Raspail, qui a installé une manufacture de droguerie au 55 avenue Laplace à Arcueil, décide d'utiliser, dès 1870, la recette de l'élixir de son père. Il transforme sa fabrique en distillerie et la renommée de la liqueur Raspail qu'il y élabore est considérable. Emile Raspail devient maire d'Arcueil et se fait établir une belle demeure, inscrite à l'inventaire des monuments historiques depuis 1993.  Après sa mort, ses fils poursuivent la production. Vendue en 1950, la distillerie est acquise par les établissements Bols, fabricants de liqueurs à Amsterdam. En 1963, elle passe à la Société marseillaise Gras frères, producteurs d'anisette « l'Anis Gras », qui arrête son activité en 1981. Les locaux sont rachetés par la ville d'Arcueil qui en fait un espace culturel et de spectacles.

Élèves.

Raspail, professeur libre à la Faculté de Médecine, compte parmi ses élèves :

Mentions littéraires et artistiques.

Raspail compte dans sa clientèle la sœur d'Alfred de Musset, la famille Fitz-James, Georges Sand et Gustave Flaubert. Ce dernier mentionne Raspail dans "Bouvard et Pécuchet", ainsi que dans "Madame Bovary."  Selon P. Albou, il aurait inspiré Jules Romains pour son personnage du Dr Knock, notamment les consultations gratuites (en accrochage commercial) et pour son mot « Je ne tiens plus à l'argent dès l'instant que j'en gagne beaucoup » (Knock, acte II, scène 6).  Vincent Van Gogh était un adepte de la méthode Raspail. Dans sa lettre à son frère Théo (9 janvier 1889), il écrit qu'il imprègne de camphre son matelas et son oreiller pour lutter contre l'insomnie. La même année (précédant celle de sa mort), il peint une nature morte représentant une assiette d'oignons, un chandelier et un exemplaire du "manuel de santé" de Raspail, où le nom de Raspail est tout à fait lisible (tableau connu sous le nom de "nature morte avec planche à dessin, janvier 1889)."  « (...) depuis la restauration, on l'a prodiguée à tant de bureaucrates ou de traîtres, qui ont tout fait contre nos libertés, qu'en l'acceptant je semblerais insulter à la situation de mes camarades de Juillet ».Toutefois, à la fin du même courrier, il demande à la place « la décoration spéciale des trois journées de juillet » : « Elle n'aura été flétrie par aucune boutonnière, mais toute tardive qu'elle est, elle sortira vierge, je l'espère, des mains de la commission des récompenses nationales ».  Cet ouvrage, paru dans "Le Réformateur", est un petit lexique Argot-Français donné par F.V. Raspail et Kersauzie, deux "républicains des débuts de la République" qui ont beaucoup goûté aux prisons. .

Fonds d'archives.

Les Archives principales de François-Vincent Raspail sont conservées aux archives départementales du Val-de-Marne (Créteil) sous la cote 69J. Par ailleurs, les Archives nationales conservent également un fonds de même provenance sous la cote 250AP : Inventaire du fonds 250AP. Un autre fond est également conservé à la Bibliothèque Inguimbertine de Carpentras depuis 1978.

François-Vincent Raspail, né le à Carpentras et mort le à Arcueil, est un chimiste, botaniste et homme politique français.  Fondateur de la cytochimie et d'une médecine populaire (la méthode ou le système "Raspail"), il mêle étroitement, durant toute sa vie, ses activités de savant, d'entrepreneur et de militant politique.

François-Vincent Raspail, L.L.D., M.D. (25 January 1794 – 7 January 1878) was a French chemist, naturalist, physician, physiologist, attorney, and socialist politician.


Bases et définitions.

Résilience.

La résilience est un terme qui vient de la physique. Il s’agit de la capacité d’un matériau à revenir à sa forme initiale après un choc.  Le terme a été utilisé par la suite dans d'autres domaines, comme l'écologie, où il désigne l'aptitude d'un écosystème à se régénérer après un choc, par exemple une forêt naturelle après un incendie.  Employé aussi en psychologie, notamment grâce au travail de Boris Cyrulnik, la résilience correspond à la capacité qu’a un individu de continuer à vivre et à s’épanouir après un traumatisme.

Communauté.

Une communauté est un regroupement humain, pouvant revêtir différentes formes. Comme son nom l'indique elle « met des choses en commun ». Les communautés répondent principalement à deux types d'organisation spatiale : le réseau ou la zone.  Un réseau est composé d'individus (ou de groupes d'individus) dispersés géographiquement, qui sont liés par un intérêt commun. Par exemple : les réseaux sociaux ou forums internet, le cercle de bénévoles d'une association, une famille dont les membres sont dispersés, etc.  Une zone est un regroupement d'individus établi sur un lieu défini géographiquement. Par exemple : un quartier, un village, un immeuble...  Toute communauté en zone est forcément liée à un réseau, mais l’inverse n’est pas forcément vrai. Un réseau peut ne pas avoir d'attaches spatiales, il peut être complètement nomade et conserver ses connexions, sa structure, ses règles, etc.

Résilience communautaire.

La résilience communautaire est donc la capacité d'une communauté de continuer à vivre, fonctionner, se développer et s'épanouir après un traumatisme ou une catastrophe.  Les bouleversements susceptibles d'impacter les communautés humaines peuvent être graduels ou brutaux, de diverses origines : catastrophe naturelle, guerre, rupture dans l'organisation ou la structure d'une société, choc économique, etc.  Une communauté résiliente est donc un groupement de personnes structuré et organisé pour s'adapter rapidement au changement, surmonter un traumatisme, tout en maintenant sa cohésion et des relations ouvertes avec le reste du monde.  Les qualités et aptitudes nécessaires à la résilience d'un groupe sont relativement similaires à celles utiles à la résilience individuelle.

Qualités mentales.

Il n'y a pas de résilience possible sans aptitude à dépasser le traumatisme et/ou le changement, puis à l'intégrer.  Dépasser le traumatisme, c'est être capable de le « penser », et de gérer les émotions qui y sont liées. Cela passe par un modèle mental qui inclut le changement ou l’événement traumatique comme étant « possible » et surmontable.  Une des clés est la prise de conscience des dangers divers auxquels nous sommes exposés, de la probabilité qu’un événement perturbateur, voire qu'une catastrophe se produise et de son impact sur la vie courante. Une autre clé est la connaissance de l’histoire, et du vécu des anciens. Cela facilite la prise de conscience en mettant en lumière ce qu'il s'est déjà passé, tout en suggérant que les groupes humains ont toujours trouvé des solutions pour continuer à vivre malgré les catastrophes rencontrées.  Ce modèle mental facilite et accélère le « deuil », qui est une phase normale dans l’acceptation du changement ou du traumatisme. Individuellement ou collectivement, un deuil mené à son terme aboutit à une reprise d'énergie, alors qu’un échec du deuil aboutit à une phase de dépression.  Il est aussi important de s'adapter rapidement au changement pour garantir une continuité dans l'organisation de la communauté. Le développement d'un modèle mental ouvert et capable de flexibilité est donc une autre nécessité.  L'adaptabilité et la réactivité sont indispensables pour éviter une phase de rupture. Cela passe par une ouverture à la différence et à la nouveauté, d'un point de vue individuel et collectif. Trop de conformisme limite les capacités d'adaptation et restreint l'imagination de solutions.  La diversité du groupe est un atout pour la créativité. En revanche, les différences peuvent nuire à la cohérence de la communauté lorsqu'elles sont mal acceptées et intégrées. Le groupe doit donc être capable d'assimiler ses différences et d'en tirer profit.  Ces modèles mentaux constituent une base nécessaire, une fondation à partir de laquelle vont se développer les autres capacités favorables à la résilience.

Capacité à maintenir des liens.

Il est important d'éviter le repli sur soi, tant au niveau individuel que collectif : il est important de maintenir du lien malgré le changement.  D'une part, en conservant du lien avec « les autres ». Avec les autres membres du groupe bien sûr, mais aussi avec les autres communautés. Pour rester efficace et continuer à se développer, un groupe ne doit pas se couper du monde et se replier sur lui-même, mais continuer à échanger.  La cohésion est capitale, ainsi que le maintien d'un fonctionnement collectif. Une résilience solide est forcément collective : les individus meurent, migrent, évoluent, mais la communauté perdure et continue de s'épanouir.  La forêt naturelle est un exemple fort de résilience : si un arbre meurt, si une espèce animale ou végétale est décimée, si un incendie la ravage, la forêt va se reconstruire : la végétation et la vie vont réapparaître, grâce à l'action conjointe de tous les composants.  D'autre part, en maintenant un lien avec la réalité. Pour cela, il faut avoir une construction suffisamment commune de la « réalité » pour qu’elle survive à un choc et continue à rassembler. Cela peut être les traditions, les normes et habitudes, les règles de courtoisie, de politesse : tout ce qui renforce le sentiment d’appartenance, et qui permet à l'individu de s’identifier au groupe.  Un certain conformisme est utile pour maintenir le lien, à travers les codes communs qu’il met en place. Cependant ces codes peuvent, et doivent être adaptables eux aussi pour garantir la résilience d’un groupe. Ils doivent pouvoir évoluer tout en restant efficaces.  Une communauté qui peut tolérer et assimiler le changement, sans rupture, sans exploser et en maintenant ces liens, fait preuve de flexibilité et de résilience.

Aptitudes à l'innovation.

Avec pour base un modèle mental ouvert et flexible, une communauté résiliente doit pouvoir développer rapidement de nouvelles compétences, de nouvelles, techniques, de nouveaux outils, tout en sachant s'inspirer des techniques déjà existantes.  L'anticipation est nécessaire, pour éviter la phase de rupture, et garantir la continuité du fonctionnement de la communauté. Pour cela, il faut prendre conscience des risques auxquels le groupe est exposée et de leur impact possible sur son organisation. En ayant une vue d'ensemble de ses besoins et de ses ressources, il est possible de réfléchir efficacement à des solutions potentielles, et éviter ainsi de se trouver désemparé.  En complément de l'innovation, il est incontournable de s'inspirer de techniques et de solutions déjà existantes. En effet, selon le contexte et les ressources, des méthodes ayant été utilisées par le passé ou étant utilisées dans d'autres régions peuvent s'avérer très adaptées, ou facilement adaptables. L'importance du lien est encore primordiale ici : lien avec le passé, avec les autres communautés.  Une des conditions essentielles à l'innovation est la diversité dans la communauté. À l'inverse de la spécialisation, la diversité permet de disposer de compétences et de savoirs variés et complémentaires. Un groupe ouvert à la diversité, à la créativité, à la différence et aux erreurs qui vont forcément avec, se donne les outils pour créer des solutions aux problèmes émergents.

Avantages, développement et améliorations.

Une communauté capable de résilience a beaucoup plus de chances de s'adapter et de surmonter les traumatismes lors de catastrophes ou de changements rapides de ses conditions de vie.  En développant sa résilience, une communauté améliore aussi le quotidien de ses membres et favorise leur épanouissement, renforce leur liberté et le respect de leurs différences. Une communauté résiliente est un système au fonctionnement complexe, en équilibre constant entre tradition et innovation, stabilité et mouvement.  Ce concept est particulièrement intéressant pour le développement durable et la gestion de crise. En effet, en gestion « classique » des crises, on gère souvent le symptôme et les dégâts, plutôt que de se pencher en amont sur le risque et les enjeux, et sur la capacité de l'organisme ou du groupe à se réparer ou à retrouver un équilibre.  Chaque groupe a possibilité de développer sa résilience collective par des actions diverses et progressives.  Cela peut commencer par un renforcement des liens via des activités diverses, ou organiser des groupes de travail et de réflexion pour trouver des solutions pratiques.  Avec de la créativité, toutes sortes de solutions peuvent être imaginées : pour développer des ressources alimentaires locales (potager ou poulailler collectif...), pour mieux gérer les besoins en biens de consommation courante (achat en commun de certains biens, etc.), pour élaborer un réseau d'entraide ou de partage de connaissances qui permette de rendre certains services plus accessibles, ou encore un réseau de troc de biens et services. Beaucoup de solutions sont imaginables, selon le contexte, les ressources, les besoins des communautés.

La résilience communautaire (ou résilience collective) est la capacité d'une communauté de continuer à vivre, fonctionner, se développer et s'épanouir après un traumatisme ou une catastrophe.  Une communauté résiliente est un groupement de personnes structuré et organisé pour s'adapter rapidement au changement, surmonter un traumatisme, tout en maintenant sa cohésion et des relations ouvertes avec le reste du monde. Elle s'efforce d'améliorer son quotidien en tissant à nouveau du lien social, en misant davantage sur la solidarité.  La résilience communautaire se veut l'application concrète du concept de résilience à l'échelle d'une communauté.  L'homme est un être social, étroitement lié à son entourage, qui s'épanouit et s'organise en groupe. L'homme peut être exposé à des traumatismes d'ordre personnel (comme la perte d'un proche, la maladie), mais aussi à des événements extérieurs, qui peuvent affecter sa communauté (catastrophe naturelle, choc économique, rupture dans les réseaux d'approvisionnement). De ce fait, son autonomie au sein de la société est relative et surtout fragile. L'homme moderne est généralement dépendant des chaînes logistiques qui permettent l'approvisionnement des énergies, des biens et des services.  Développer la résilience collective passe donc inévitablement par le développement de l'autonomie du groupe et par un travail de dépassement du traumatisme, au niveau personnel et collectif. La résilience individuelle est étroitement liée à une faculté de résilience collective.  Un parallèle peut être fait avec le domaine de la santé : la résilience du corps ne concerne qu'un seul individu, mais dans d'autres domaines comme la traumatologie, les séquelles non organiques (psychologiques ou sociopsychologiques) se considèrent dans un contexte de relation avec l'autre.  La résilience d'un couple, d'une famille, concerne bien sûr ses membres, mais aussi leur entourage et les générations à venir : les parents cherchent généralement à offrir à leurs enfants une situation qu'ils considèrent comme « meilleure » que celle qu'ils ont connue, avec des effets collectifs souvent imprévus.

Community resilience is the sustained ability of a community to use available resources (energy, communication, transportation, food, etc.) to respond to, withstand, and recover from adverse situations (e.g. economic collapse to global catastrophic risks). This allows for the adaptation and growth of a community after disaster strikes. Communities that are resilient are able to minimize any disaster, making the return to normal life as effortless as possible. By implementing a community resilience plan, a community can come together and overcome any disaster, while rebuilding physically and economically.


Synopsis.

Avec sa sœur Marie et Jeanne, une camarade de classe, Bernadette ramasse du bois mort pour le chauffage à l'extérieur de la ville de Lourdes ; alors qu'elle est restée en arrière, ses compagnes lui conseillent de ne pas s'aventurer dans la rivière froide près des grottes de Massabielle, de peur de tomber malade. Alors qu'elle est sur le point de traverser quand même, Bernadette est distraite par un souffle étrange et un changement dans la luminosité. En examinant la grotte, elle y trouve une belle dame debout dans la lumière brillante et tenant un chapelet de perles. Elle le raconte à sa sœur et à son amie, qui promettent de ne rien dire, mais, bien sûr, elles ne s'en privent pas et l'histoire se répand bientôt dans toute la ville. Beaucoup, y compris Bernarde, la tante de Bernadette, la croient et la défendent devant ses parents incrédules, mais Bernadette doit affronter seule les autorités civiles et religieuses. Questionnée à plusieurs reprises, elle s'en tient fermement à son histoire étrange et continue de revenir à la grotte comme la dame le lui a demandé. Elle brave le ridicule au moment où la dame lui dit de boire et de se laver à une source qui n'existe pas, mais elle creuse un trou dans le sol et utilise du sable mouillé et de la boue. L'eau commence ensuite à couler et manifeste des propriétés miraculeuses : des guérisons se produisent. La dame finit par s'identifier comme « l'Immaculée Conception ». Les autorités civiles essaient de faire déclarer folle Bernadette, tandis que l'Église veut une enquête en bonne et due forme pour savoir si l’enfant est une simulatrice, une folle, ou si elle est sincère. Elles concluent qu'on ne peut douter de sa sincérité, et que ce qu'elle a vu est sans doute réel.  Bernadette aurait préféré mener une vie normale, travailler comme servante et si possible se marier, mais du fait qu'elle a vu la Vierge Marie, la voilà forcée à la place de prendre le voile. Elle est soumise à une formation spirituelle qui pour être banale n'en est pas moins rigoureuse, et à des travaux pénibles. S'y ajoute la violence psychologique d'une maîtresse des novices froide et sinistre (une Gladys Cooper vraiment cadavérique) - son ancienne maîtresse d'école, jalouse dans son scepticisme de toute l'attention qu'on avait prêtée à Bernadette à la suite de ses visions. On diagnostique chez Bernadette une tuberculose osseuse, qui provoque chez elle une douleur intense, bien qu'elle ne se soit jamais plainte ni en ait parlé. La maîtresse des novices, pour laquelle la douleur et la souffrance constituent la seule voie vers le Ciel, finit par se rendre compte de la sainteté de Bernadette, demande pardon dans la chapelle, et devient une alliée de Bernadette. Comprenant qu'elle va mourir, Bernadette envoie chercher , l'ancien doyen de Lourdes qui, autrefois avait douté d'elle mais est devenu par la suite son allié le plus fidèle ; elle lui confie le sentiment de son indignité et son inquiétude de ne plus jamais revoir la dame. Mais celle-ci apparaît dans la chambre de la malade, en souriant et en lui tendant les bras. Seule Bernadette peut la voir, cependant, et avec un cri de « Je vous aime! », elle cherche à atteindre l'apparition et tombe morte.

Analyse.

L'intrigue suit le roman de Franz Werfel, qui n'est pas un documentaire mais un récit hagiographique idéalisé mélangeant faits historiques et récit romancé. L'ami de Bernadette dans la vraie vie, Antoine Nicolau, est décrit comme étant profondément amoureux d'elle, au point qu'il fait vœu de rester célibataire quand Bernadette entre au couvent. Aucune preuve n'existe d'une relation de ce genre entre les deux. Les autorités gouvernementales, en particulier le procureur impérial Vital Dutour (interprété par Vincent Price) sont représentées comme beaucoup plus antireligieuses qu'elles ne l'étaient effectivement, et de fait Dutour était lui-même un pieux catholique, qui pensait tout simplement que Bernadette était victime d'hallucinations. D'autres portraits sont plus proches de l'exactitude historique, en particulier Anne Revere et Roman Bohnen qui jouent les parents de Bernadette surchargés de travail, Charles Bickford comme le père Peyramale, et Blanche Yurka comme la tante Bernarde au caractère affirmé.  La mort de Bernadette, en particulier, est refaite pour le cinéma. Elle n'aurait pas eu assez de souffle pour parler autant. Peyramale n'était pas présent à son chevet, puisqu'il était mort deux ans plus tôt. On ne saurait dire si elle a eu une vision avant sa mort. Quelques heures avant sa mort des témoins l'ont vue regarder à travers la pièce avec une grande concentration comme elle le faisait quand elle avait une vision, mais elle n'a rien dit. Ses derniers mots étaient tirés de la prière mariale "Je vous salue Marie".

Autour du film.

Jennifer Jones avait tourné des films auparavant, sous son vrai nom de Phyllis Isley, mais Zanuck la présenta dans la distribution comme Jennifer Jones pour faire croire au public qu'il s'agissait d'une inconnue.  Dans l'équipe de production beaucoup étaient d'avis que la « Dame » n'aurait pas dû être vue par les spectateurs, mais que l'adoration de Bernadette de quelque chose qu'elle-même voyait parfaitement aurait dû « rendre l'invisible visible aux autres », comme le livre de Werfel disait que la vraie Bernadette l'avait fait. Le choix de Linda Darnell (alors au début d'une grossesse) à qui on prêtait une réputation de modèle érotique mit en colère Werfel, qui menaça de retirer son nom à lui du générique. Selznick qui était résolu à confier le rôle à cette actrice assura à Werfel qu'il avait choisi une inconnue pour le rôle de la Vierge. Il drapa Darnell dans des vêtements et des voiles plus amples que la Bernadette de l'histoire ne l'avait dit et la filma inondée de lumière. Darnell est cependant reconnaissable dans la scène finale où elle entre dans la chambre de Bernadette. C'est elle aussi qui récite le peu de paroles que prononce la « Dame ».  Il peut être difficile à des spectateurs modernes de comprendre le tumulte qu'a déchaîné le choix de Darnell. L'érotisme dont il est question ne consistait pas en films, mais il s'agissait d'une série de photographies, dans certaines desquelles Darnell apparaissait "topless". Apparemment Werfel les avait vues et c'est la raison pour laquelle il exigea qu'elle ne figurât pas dans la distribution. À cette époque les photos ou les films légèrement érotiques (que les anglophones appelaient "risqué") étaient qualifiés de « bleus », et cette expression était utilisée pour décrire les photographies dans la biographie de Selznick "Showman" (Abacus, 1993). Darnell a souvent interprété dans des films des personnages sexy ou sensuels, en particulier la fille de saloon Chihuahua dans le fameux western de John Ford, "La Poursuite infernale" ("My Darling Clementine"), mais elle n'est pas connue pour avoir tourné des films « bleus ».

Récompenses et nominations.

Le film reçut douze nominations aux Oscars et en remporta 4 :

Le Chant de Bernadette (Titre original : "The Song of Bernadette") est un film américain réalisé par Henry King, sorti en 1943. Il est fondé sur l'histoire de Bernadette Soubirous, qui, de février à à Lourdes, aurait eu 18 visions de la Sainte-Vierge.  Il s'agit d'une adaptation par George Seaton d'un récit romancé de l'histoire de Bernadette, dû à Franz Werfel. Publié en 1942 le roman avait eu un très grand succès, restant plus d'un an sur la liste des best-sellers du "New York Times", occupant la première place durant 13 semaines. Le film évoque la vie de Bernadette Soubirous depuis son enfance à Lourdes, où, en 1858, elle fut témoin des apparitions de la Vierge, jusqu'à sa mort en 1879, à Nevers où elle avait rejoint la congrégation des Sœurs de la Charité.

The Song of Bernadette is a 1943 biographical drama film based on the 1941 novel of the same name by Franz Werfel. It stars Jennifer Jones in the title role, which portrays the story of Bernadette Soubirous, who reportedly experienced eighteen visions of the Blessed Virgin Mary from February to July 1858 and was later canonized in 1933. The film was directed by Henry King, from a screenplay written by George Seaton.  The novel was extremely popular, spending more than a year on "The New York Times" Best Seller list and thirteen weeks heading the list. The story was also turned into a Broadway play, which opened at the Belasco Theatre in March 1946.


Origine.

Cette forme de calendrier est originaire d'Allemagne. En effet, dès le , il était de tradition dans ce pays de donner chaque matin aux enfants des images pieuses durant les 24 ou 25 jours précédant Noël.  En 1908, Gerhard Lang, éditeur de livres médicaux à Munich, est le premier à commercialiser un calendrier composé de petits dessins colorés reliés à un support en carton. En 1920 est commercialisé le premier calendrier de l'Avent avec des petites portes ou fenêtres à ouvrir. Dès 1958, apparaissent les premières surprises en chocolat placées derrière ces petites fenêtres : chacune d'entre elles doivent être mangées jour après jour.

Forme.

Le calendrier a souvent la forme d'une planche cartonnée dans laquelle sont prédécoupées 24 (ou plus rarement 25) fenêtres qu'on ouvre progressivement, une par jour. On peut alors y lire une phrase de l'Évangile ou y prendre ce qu'elle contient.  Certains calendriers, plus proches de l'idée originelle, n'ont pas systématiquement 24 jours, mais un nombre de jours variant entre 22 et 28 selon le jour où tombe Noël (dont dépend la durée de l'Avent).  Mais au les calendriers de l'Avent prennent des formes diverses : guirlandes de cornets, de chaussettes ou de sachets, séries de boîtes, coffrets plats en forme de sapin, de maisonnette  En Allemagne les hôtels de ville se transforment souvent en calendrier de l'Avent géant, les fenêtres numérotées jouant le rôle des cases, découvrant peu à peu des scènes colorées ou des blasons.

Extension du concept.

Le principe d'un calendrier dévoilant progressivement des surprises, au fil des jours du mois de décembre, se retrouve sous d'autres formes à des fins d'éphémérides ludiques ou pédagogiques.  C'est le cas par exemple d'un calendrier de l'Avent permettant de découvrir des noms d'auteurs dont les œuvres tombent dans le domaine public au de l'année suivante.

Nombre de jours.

Le nombre de jours de l'Avent se calcule à partir de Noël. Noël est toujours le 25 décembre mais ce n'est pas toujours un dimanche. Le temps de l'Avent commence le quatrième dimanche avant Noël.  Si Noël tombe le lundi 25, l'Avent commence quatre dimanches avant soit le 3 décembre (le 24 décembre est le quatrième dimanche, le 17 décembre est le troisième dimanche, le 10 décembre est le deuxième dimanche, le 3 décembre est le premier dimanche) donc le calendrier de l'Avent commençant le 3 décembre, se terminera le 24 décembre et aura 22 jours. Si Noël tombe le dimanche 25 décembre, l'Avent commencera le 27 novembre (le 18 décembre est le quatrième dimanche, le 11 décembre est le troisième dimanche, le 4 décembre est le deuxième dimanche, et le 27 novembre est le premier dimanche) et aura 28 jours.  Donc un calendrier de l'Avent peut avoir entre 22 et 28 jours. Le calendrier de l'Avent n'a donc pas le même nombre de jours d'une année à l'autre et le jour de Noël (25 décembre) ne compte pas puisque le calendrier compte les jours jusqu'à la naissance de Jésus Christ, le 24 décembre à minuit.

Le calendrier de l'Avent est une tradition d'origine germanique destinée à faire patienter les enfants jusqu'à Noël. Elle fait écho à l'attente des chrétiens lors du temps de l'Avent dans la nuit de Noël.

An Advent calendar is a special calendar used to count the days of Advent in anticipation of Christmas. Since the date of the First Sunday of Advent varies, falling between November 27 and December 3 inclusive, many Advent calendars, especially those that are reusable, often begin on December 1, although those that are produced for a specific year often include the last few days of November that are part of the liturgical season. The Advent calendar was first used by German Lutherans in the 19th and 20th centuries.


Géographie.

Priboj est située à l'extrême ouest de la Serbie centrale, dans la région montagneuse de Stari Vlah qui fait partie des Alpes dinariques. La ville est entourée par les monts Zlatibor au nord et au nord-est, par le petit massif de la Murtenica à l'est, par les monts Tara et par les premiers contreforts de la chaîne du Zlatar au sud-est, Pobijenik au sud-ouest et Varda (en Bosnie-Herzégovine) au nord-ouest. L'altitude de la municipalité est comprise en et . Priboj se trouve dans la vallée du Lim, un affluent de la Drina, à de son confluent avec l'Uvac. En amont de la ville, au sud du village de Banja, le Lim a reçu un barrage qui a formé le lac de Potpeć () ; long de , ce lac réservoir couvre une superficie de .  La municipalité de Priboj est située entre la municipalité de Čajetina, au nord, la municipalité de Nova Varoš, à l'est et la municipalité de Prijepolje, au sud-est ; au sud-ouest, elle possède une frontière commune avec le Monténégro et, au nord-ouest, une frontière avec la Bosnie-Herzégovine. Le village de Međurečje, qui est rattaché à la municipalité de Rudo en Bosnie-Herzégovine, est enclavé dans la municipalité.

Histoire.

Non loin de Priboj, au hameau de Jarmovac, ont été découverts les vestiges d'ateliers de travail du cuivre remontant à la préhistoire, l'une des rares installations métallurgiques de ce genre au sud de la Save et du Danube. De leur côté, les eaux thermales de Pribojska Banja étaient déjà connues sous l'Empire romain.  La période médiévale vit la construction d'un certain nombre de forteresses : Oštrik (près du village de Čelice), Jagat (sur le mont Bić au-dessus de Priboj), Ravanjski grad (à Crnetići), Ostro (à Kukurovići) et Sjeverin. La même période fut celle de la fondation du monastère de Banja par la dynastie des Nemanjić, au , et celle du monastère d'Orahovica, à Mažići. La ville de Priboj, quant à elle, construite au pied de la forteresse de Jagat, est mentionnée pour la première fois en 1448, dans une charte du roi Frédéric III ; elle est ensuite mentionnée dans un recensement de 1463 comme faisant partie de la nahija de Dobrun, puis en 1485 comme siège de cette même nahija. Elle est encore décrite par le voyageur slovène Benedikt Kuripešić en 1530, puis par le voyageur ottoman Evliya Çelebi en 1662.  Sa position frontalière valut à la ville un développement économique rapide, mais aussi des périodes de destructions, au moment de la conquête ottomane, sous les Autrichiens (au ), au moment du Premier soulèvement serbe contre les Turcs, à l'époque des Guerres balkaniques, ainsi que lors de la Première et de la Seconde Guerre mondiale.

Localités de la municipalité de Priboj.

La municipalité de Priboj compte 33 localités :  Priboj est officiellement classée parmi les « localités urbaines » (en serbe : et ) ; toutes les autres localités sont considérées comme des « villages » (/).

Démographie.

Municipalité.

Répartition de la population par nationalités dans la municipalité (2002).

Toutes les localités de la municipalité de Priboj possèdent une majorité de peuplement serbe, à l'exception des villages de Zagradina, Kalafati et Čitluk qui sont majoritairement habités par des Bosniaques.

Religion.

Sur le plan religieux, Priboj est majoritairement peuplée de Serbes orthodoxes (75 %), avec une forte minorité de Musulmans (23 %). La ville et sa région relèvent de l'éparchie de Mileševa (en serbe cyrillique : ; en serbe latin : ), qui a son siège au monastère de Mileševa.

Politique.

À la suite des élections locales serbes de 2008, les 41 sièges de l'assemblée municipale de Priboj se répartissaient de la manière suivante :  Lazar Rvović, membre du Parti radical serbe (SRS), a été élu président de la municipalité de Priboj avec une majorité composée de la coalition Parti démocratique de Serbie-Parti radical serbe, de Nouvelle Serbie, du Parti socialiste de Serbie, de la Liste pour le Sandžak et du « Mouvement pour Priboj| ». Il remplaçait à ce poste Milenko Milićević, membre du Parti démocratique du président Boris Tadić.

Culture.

La Maison de la culture Pivo Karamatijević (en serbe : ) a été construite en 1959 ; elle présente des expositions d'art, des manifestations littéraires et des concerts ; le théâtre est une de ses activités privilégiées, avec un "Petit atelier de théâtre" () destiné aux enfants, un Festival international inter-État de création dramatique enfantine (), organisé en avril, ainsi que de nombreuses représentations qui perpétuent une tradition vieille de plus d'un siècle dans la ville ; de fait, la première représentation eut lieu à Priboj en 1900, avec la pièce "Dva cvancika" de Milovan Glišić, dans une mise en scène de Vasilije Marić. La Maison de la culture organise aussi les Soirées de la poésie pour enfants du Lim (), qui rassemblent des participants de Serbie, de Bosnie-Herzégovine et du Monténégro et qui ont lieu chaque année en mars depuis 1979.  La Bibliothèque municipale de Priboj (), qui remonte à 1898, a été intégrée à la Maison de la culture après la Seconde Guerre mondiale ; depuis 1998, elle fonctionne à nouveau comme une institution indépendante ; installée dans le bâtiment du Lycée de la ville, elle possède des annexes à Banja et à Stari Priboj et dispose d'un fonds d'environ . Le Musée régional (), créé en 1990 ; il présente des collections archéologiques et ethnographiques, notamment la donation Vujice Jeđević ; il abrite également la collection Nadežda Nada Vitorović, une galerie de peinture.  En novembre ont lieu les "Soirées poétiques du Lim" ().

Sport.

Priboj possède, entre autres, un club de football, le FK FAP, créé en 1955, deux clubs de basket-ball, le KK Poilester et le KK Jump, ainsi que le club de karaté FAP.  Les installations sportives de la ville sont gérées par le Sportski centar (« le Centre sportif »). Parmi ces installations, on peut citer le stade de football qui peut accueillir environ et la Salle de sport municipale (en serbe : ), qui dispose de tribunes pouvant accueillir .  Parmi les événements sportifs organisés à Priboj et dans sa région, on peut citer le Tournoi de football du Nouvel An () ou le Tournoi mémorial de karaté Dragan Bjelić (). Chaque année, à la mi-octobre, a lieu une grande manifestation de rafting sur le Lim, organisée par l'Office du tourisme de Priboj. Le biathlon international du Lim () se déroule en août et rassemble un millier de participants ; en 2010, une course de bateaux a eu lieu entre Priboj et le lac de Višegrad, à la confluence entre le Lim et la Drina, en Bosnie-Herzégovine, tandis que des cyclistes partis de Priboj devaient rejoindre Rudo, en Bosnie-Herzégovine.

Éducation.

Les premières écoles élémentaires () ont ouvert à Banja en 1853, à Pribojska Goleša en 1869 et à Priboj en 1888. Aujourd'hui la municipalité compte huit écoles élémentaires, dont trois sont situées dans la ville : l'école Branko Radičević, créée en 1888, l'école Vuk Karadžić, créée en 1957 et l'école Desanka Maksimović, créée en 1988. L'école Nikola Tesla de Banja a été créée en 1853 ; l'école Blagoje Polić à Kratovo remonte à 1922 et l'école 9. maj (« 9 mai ») de Sastavci à 1960.  La ville compte deux établissements d'études secondaires (). Le Lycée de Priboj () a ouvert ses portes en 1964 et l'école de génie mécanique et électrique () en 1947.  Compte tenu de la démographie de la municipalité qui voit sa population décroître, la tendance est à la fermeture de classes, notamment dans les zones rurales.

Économie.

La municipalité de Priboj est essentiellement agricole. On y pratique l'élevage extensif des bovins et des ovins, avec respectivement et de bétail. La culture intensive des baies et, notamment, des framboises, est également une des ressources de la région.  Sur le plan industriel, Priboj est le siège de la holding FAP (en serbe : , créée en 1953 ; par l'intermédiaire de ses filiales, elle est aujourd'hui le plus gros producteur de camions et d'autobus de Serbie. La holding Poliester travaille dans le domaine la production et de la transformation des polyesters et des matières plastiques ; elle travaille par l'intermédiaire de ses filiales Autoprema, Faspini, Plastex et Technoplast. Sedišta fabrique des sièges et d'autres pièces pour l'industrie automobile.

Tourisme.

Par sa situation dans la région montagneuse de Stari Vlah, à proximité des monts Zlatibor et Tara, la région de Priboj offre des possibilités pour la randonnée. On peut y pratiquer la pêche, notamment avec l'association "Mladica" ; les rivières, comme la Poblaćnica, abondent en truites, en huchons (en serbe : et ) et en ombres ; le lac de Potpeć, quant à lui, est riche en perches, poissons-chats et truites de lac. À Priboj se trouve l'association de chasseurs "" (« Société de chasse de Priboj »), qui gère une zone de . Les pentes boisées des montagnes offrent de nombreuses possibilités pour la chasse : on y rencontre des renards, des loups, des sangliers ou des martres, mais aussi des lièvres, des cerfs et des perdrix. Dans le secteur de Priboj, l'ours est une espèce protégée. La région de Priboj est également propice au tourisme rural. Elle abrite de nombreuses maisons traditionnelles en bois avec un soubassement en pierre, typiques de la région de Stari Vlah, comme dans le village de Brezna. On peut aussi y goûter des produits fabriqués dans la région, notamment des fromages et des jambons artisanaux, ainsi qu'une gastronomie où les influences turques se mêlent aux traditions serbes.  Située à de Priboj sur les bords du Lim, Pribojska Banja est une station thermale qui possède plusieurs sources d'eau minérale, dont la température est comprise entre et ; on y soigne notamment les rhumatismes, les traumatismes, les maladies neurologiques, circulatoires, gynécologiques et gastro-intestinales.  La municipalité de Priboj abrite quelques monuments classés sur la liste des monuments culturels de Serbie, comme le monastères orthodoxes serbes de Banja, dont l'origine remonte au et dont l'église actuelle a été construite en 1329 par le roi Stefan Dečanski ou les vestiges du monastère de Mažići. Sur le territoire de la municipalité se trouve également le monastère d'Orahovica, construit au début du . L'église de l'Archange-Saint-Michel de Poblaće, classée, a été édifiée au par Mehmed pacha Sokolović, le constructeur du pont de Višegrad, en mémoire de sa mère ; cette église, influencée par l'architecture islamique, abrite une importante collection d'icônes. L'église de Goleši date de 1868. D'autres édifices chrétiens orthodoxes sont de construction plus récente, comme les temples de Saint-Lazare (1932-1940) et de la Résurrection-du-Christ (1994-2003) à Priboj ou l'église de Her à Goleši, construite de 2001 à 2003.  En héritage de la longue présence ottomane, la municipalité possède un certain nombre de mosquées. L'une des plus importantes est la mosquée de Hasan-aga (en serbe : ), construite dans la čaršija (le quartier turc) de Priboj par Sam Hasan–aga au . Les villages de Zabrnjica et Čitluk possèdent également une mosquée.

Priboj (en serbe cyrillique : ) est une ville et une municipalité de Serbie situées dans le district de Zlatibor et dans la région de la Raška. Au recensement de 2011, la ville comptait habitants et la municipalité dont elle est le centre .

Priboj (, ) is a town and municipality located in the Zlatibor District of southwestern Serbia. The population of the town is 14,920, while the population of the municipality is 27,133.


Personnages.

Chœur des fées, des insulaires, des bergers et des bergères, des héros et de la suite de la renommée.

Argument.

Prologue.

Démogorgon, roi des fées, chante les louanges de Louis XIV et décide de mettre en scène un épisode de la vie du fameux paladin Roland.

Acte I.

Roland, neveu de Charlemagne, est amoureux d’Angélique, la fille du roi de Cathay. À l'insu du héros, Angélique aime Médor qui l'aime aussi.  Elle hésite entre l'amour et la gloire et finit par persuader Médor de renoncer à elle. À peine lui a-t-il obéi qu'elle regrette sa décision.

Acte II.

Roland fait porter à Angélique un bracelet comme gage de son amour. Angélique se rend à la « fontaine enchantée de l’amour » dans la forêt, se désolant d’avoir banni Médor. Quand elle aperçoit Roland elle s'empresse de glisser dans sa bouche un anneau qui la rend invisible. Roland s'éloigne, désespéré. Il lutte en vain contre la passion dont il se sent esclave. Arrive Médor qui, se croyant seul, s'apprête à se suicider par amour pour Angélique. Celle-ci lui révèle sa présence et lui avoue son amour. Une troupe d'amours et de divinités naturelles entourent les deux jeunes gens qui cèdent à la passion.

Acte III.

Craignant la fureur de Roland, Angélique le laisse espérer, mais elle projette de s'enfuir avec Médor, qu'elle présente comme leur nouveau souverain aux indigènes de Cathay.

Acte IV.

Roland cherche en vain Angélique. Errant dans la forêt, il découvre une caverne. Des vers gravés sur la paroi lui apprennent la liaison de Médor et d'Angélique. Plus tard des bergers lui annoncent le mariage des deux jeunes gens et lui montrent le bracelet qu'il avait offert à Angélique et que la jeune fille leur a donné en guise de remerciement pour leur aide. Roland sombre dans la folie.

Acte V.

Dans un rêve inspiré par la fée Logistille, Roland voit apparaître une troupe d'ombres de héros qui l'adjurent de renoncer à sa vaine passion pour Angélique et de revenir à sa vraie vocation. Roland se réveille guéri et part au combat tandis que la gloire et sa suite, la renommée, la terreur, Logistille, une troupe de fées et d'ombres de héros lui font un triomphe.

Sources.

Contrairement aux premiers opéras de Lully, "Roland" ne s'inspire pas de la mythologie gréco-romaine mais des romans de chevalerie. Lully et Quinault avaient déjà expérimenté la formule avec "Amadis" en 1684 et la reprendront dans l"'Armide" en 1686. L'argument des opéras de Lully et Quinault reflétait fidèlement les idées du roi. 1685 est l'année de la reprise des dragonnades contre les protestants et celle de la révocation de l'édit de Nantes. Critiqué pour n'avoir pas participé à la défense de la chrétienté contre la menace turque en 1683, Louis se présentait par cette réforme en champion de la religion catholique et de l'unité du royaume. Bossuet le qualifia de « Nouveau Charlemagne » dans un sermon prêché à peu près à la même époque que la création de l'opéra. La redécouverte par le preux Roland de sa mission sacrée était donc un sujet idéal pour l'époque. Le choix d'un héros français, comme le prologue le rappelle patriotiquement : « "du celebre Roland renouvellons l'histoire./ La France luy donna le jour" », flattait également l'orgueil national. En effet, si l'épisode de la folie de Roland était dû à l'Arioste, le personnage du paladin, lui, était apparu pour la première fois dans "La Chanson de Roland", une des premières œuvres épiques de la littérature française.

Histoire.

La première représentation de l'opéra eut lieu dans les écuries de Versailles, qui avaient été spécialement adaptées pour cette occasion. Au mois de mars 1685, l'œuvre fut présentée au théâtre du Palais-Royal, à Paris, où elle connut un vif succès. En août de la même année, l'opéra de Lully fit l'objet d'une satire bon enfant, "Angélique & Médor", de Florent Carton Dancourt, au moment où le musicien commençait à tomber en disgrâce.  L'œuvre cependant fut régulièrement représentée à Paris au cours du (en 1705, 1709, 1716, 1717, 1743, 1755). En 1778, Marmontel adapta le livret à la demande de Piccinni qui en composa une nouvelle version de trois actes au lieu de cinq. Gluck et Rameau avaient également envisagé de réécrire la partition.  L’épisode de la folie de Roland inspira d'autres compositeurs comme Vivaldi ("Orlando finto pazzo", 1714 et "Orlando furioso", 1727), Händel ("Orlando", 1732) et Haydn ("Orlando paladino", 1782).

Opinions.

Le "Dictionnaire dramatique" de Laporte et Chamfort donne l'œuvre en exemple pour l'habileté dont Quinault a fait preuve en intégrant les éléments de « fêtes » au drame sans nuire à l'action.

Postérité.

La popularité de l'opéra de Lully se manifeste à travers les parodies qui en ont été faites. En février 1717 c'est "Pierrot furieux ou Pierrot Roland", de Louis Fuzelier. En 1727 est donné aux Italiens un "Arlequin Roland " de Dominique et Romagnési; en janvier 1744 un nouvel "Arlequin Roland" de Pannard et Antoine Jean Sticotti est de nouveau à l'affiche au Théâtre de l'Hôtel de Bourgogne à Paris.

Roland est l'une des dernières tragédies en musique composées par Jean-Baptiste Lully, en 1685.  Le livret fut écrit par Philippe Quinault (la même année que fut composée la musique). L'œuvre s'inspire du poème épique de Ludovico Ariosto, "Orlando furioso", publié en 1516.  Cette tragédie fut d'abord jouée à Versailles le lundi 8 janvier 1685, puis au Théâtre du Palais-Royal dès le 8 mars de la même année.

Roland is an opera with music by Jean-Baptiste Lully and a libretto by Philippe Quinault. It was first performed on January 8, 1685, at the Palace of Versailles by the Académie Royale de Musique (Paris Opera) and later, beginning on March 8, 1685, at the company's public theatre in Paris, the Théâtre du Palais-Royal. The story is derived from Ariosto's epic poem "Orlando Furioso". The opera takes the form of a tragédie en musique with an allegorical prologue and five acts.


Standard.

Le chien d'eau romagnol est une race de taille moyenne et d’un aspect rustique. Le poil frisé sur tout le corps pousse en permanence, ce qui nécessite une tonte régulière.  La constitution générale est celle d’un chien dont le tronc s’inscrit dans un carré. Le crâne est bombé quand il est vu de face ; de profil, il montre une courbe qui s’aplatit dans la région occipitale. Le museau est légèrement anguleux. Les yeux sont plutôt grands, arrondis, d’une couleur qui va de l’ocre au marron foncé selon la robe. Les oreilles sont modérément grandes par rapport au volume de la tête et tombantes ; elles sont portées pendantes ou légèrement relevées si le chien est en éveil. La queue est légèrement fuselée à la pointe, portée basse au repos, haute en éveil.  Le poil a une texture laineuse, mi-rêche en surface, avec des boucles serrées, incurvées en anneau et un sous-poil évident, relativement proche de celui du Caniche. Sa couleur est blanc unicolore, blanc avec des taches marron, rouan marron, marron unicolore. Chez certains sujets on note la présence d’un masque marron.

caractère.

Chien de chasse à l'origine, le chien d'eau romagnol a ensuite été sélectionné pour la recherche des truffes. De ce fait, il a perdu en grande partie son instinct de chasseur.  C'est un chien affectueux, très attaché à son maître, il est d’une douceur remarquable et se montre particulièrement tendre et affectueux au quotidien. Cela fait de lui un excellent chien de compagnie pour toute la famille.  Doté d’une très belle énergie, ce chien peut jouer des heures et des heures, autant avec des enfants qu’avec des adultes. C'est pourtant un chien calme : infatigable à l’extérieur, il reste calme à la maison, il n’est jamais dans l’excès. Très équilibré, il s’adapte à l’humeur de son maître et sait rester tranquille lorsqu’il le faut.  Le Chien d’eau romagnol est particulièrement intelligent : docile, facile à éduquer, il comprend très vite et s’exécute avec grand plaisir. De plus, c’est un auxiliaire de grande qualité pour l’Homme puisque grâce à son flair incroyable, c’est un excellent chien truffier.  C'est un chien qui manifeste de l'indépendance car bien qu’il soit très attaché à son groupe social, il sait aussi rester à l’écart et n’a pas nécessairement besoin d’un contact permanent avec ses maîtres pour s’épanouir pleinement.

santé.

Sa longévité moyenne est de 13 à 15 ans. Il ne présente aucune prédisposition à une maladie. iI faut cependant faire attention à ses oreilles car elles sont très sensibles .

Le chien d'eau romagnol () est une race de chien originaire d'Italie et plus précisément de Romagne (sous-partie de l'Émilie-Romagne). À l'origine, le chien d'eau romagnol est utilisé comme chien de chasse de gibier d'eau dans les marais de Comacchio et de Ravenne. Lors de l'assèchement progressif de ces marais, la race fut convertie en chien truffier.

The Lagotto Romagnolo (plural Lagotti) is a breed of dog that comes from the Romagna sub-region of Italy. The name derives from Romagnol "can lagòt", meaning "water dog". Its traditional function is a gundog, specifically a water retriever; however, it is often used to hunt for truffles.


Biographie.

À l'arrivée des nazis en 1939, il part se réfugier en Angleterre où il anime des émissions de propagande en langue tchèque sur la BBC. Il devient ensuite citoyen britannique. Dès l'un de ses tout premiers films, "The Young Mr. Pitt" de Carol Reed (1942), il interprète Napoléon, et se spécialise rapidement dans les rôles de méchants ou de personnages inquiétants, tenant plus rarement des rôles sympathiques. Dans les années 1940-50, il apparaît notamment en psychiatre dans "Le Septième Voile" avec James Mason, en organisateur de combats de lutte dans "Les forbans de la nuit" de Jules Dassin aux côtés de Richard Widmark et dans le rôle de l'un des bandits de "Tueurs de dames", un classique de l'humour noir anglais où il côtoie Alec Guinness et Peter Sellers. Il incarne pour la seconde fois Napoléon dans Guerre et paix en 1956.  Herbert Lom mène une carrière riche et internationale, interprétant des seconds rôles dans "Spartacus" de Stanley Kubrick, "Le Cid" ou "Pancho Villa". On le retrouve en capitaine Nemo dans "L'Île mystérieuse" puis il se montre tout disposé à servir le cinéma fantastique et d'épouvante durant la période Hammer : il incarne notamment Le Fantôme de l'Opéra dans le film homonyme de Terence Fisher en 1962, ou encore Van Helsing dans "Les Nuits de Dracula" avec Christopher Lee et un petit rôle dans "Asylum".  De son imposante filmographie, on retient en particulier le rôle du commissaire Dreyfus, rendu progressivement fou par les maladresses de l'inspecteur Clouseau dans la série de films "La Panthère rose", réalisés par Blake Edwards. Ces films lui permettent de s'éloigner des personnages de méchants et d'aborder un registre comique. Il est présent à partir du second épisode, "Quand l'inspecteur s'emmêle" (1964) et reste fidèle au personnage jusqu'au huitième et dernier volet réalisé par Blake Edwards en 1993. Parmi ses dernières apparitions, on retiendra le rôle (sympathique) du Weizak dans "Dead Zone" de David Cronenberg (1983).  À la télévision, il fut (encore !) un psychiatre dans la série "The Human Jungle" (1963-1964). Ses apparitions en guest-star de séries sont très rares, hormis dans "Des agents très spéciaux" (1967) et "Hawaï police d'état" (1971). Toutefois, absent des écrans pendant une dizaine d'années, Herbert Lom est revenu en 2004 dans un épisode de "Miss Marple" avec Geraldine McEwan. Il a écrit plusieurs romans.  Herbert Lom meurt le à Londres à l’âge de 95 ans.  Marié et divorcé trois fois, Herbert Lom a eu deux fils, Alec et Nick, de son premier mariage en 1948 avec Dina Schea. D'une longue relation avec Brigitta Appleby, artiste célèbre pour ses poteries, est née Joséphine. Sa dernière épouse est Eve Lacik.

Voix françaises.

et aussi :

Herbert Lom, de son vrai nom Herbert Charles Angelo Kuchacevich ze Schluderpacheru, né le à Prague (Autriche-Hongrie) et mort le à Londres (Royaume-Uni), est un acteur tchèque naturalisé britannique.

Herbert Lom (; 11 September 1917 – 27 September 2012) was a Czech-born British film and television actor who moved to the United Kingdom in 1939. In a career lasting more than 60 years, he appeared in character roles, often portraying criminals or villains early in his career and professional men in later years.  Lom was noted for his precise, elegant enunciation of English. He is best known for his roles in "The Ladykillers", "The Pink Panther" film series, "War and Peace" and the television series "The Human Jungle".


Fonction.

Malgré leur aspect agressif, ce sont des déités bénéfiques car leur fonction est de protéger le bouddhisme ou ses pratiquants; beaucoup sont considérés comme des émanations de bodhisattvas ou de bouddhas. Ils sont parfois yidams, bien que certains considèrent qu’ils ne peuvent être utilisés comme tels que par les yogis expérimentés ou les lamas. Leur apparence effrayante et leurs actions violentes décrites dans les sadhanas (méditations rituelles), où ils tuent et dévorent la chair de leurs victimes, en boivent le sang ou fracassent leurs os, représentent la destruction des obstacles internes (avidité, colère) ou externes à la poursuite de la réalisation spirituelle.  On distingue les dharmapālas éveillés, comme Mahakala, Palden Lhamo (Magzor Gyalmo), Ekajati, Caturmukha, Vajravega, Cittapati, Yama, Achi Chokyi Drolma, et les dharmapālas non-éveillés ou « mondains » qui sont des "damchen", esprits de la nature subjugués par Padmasambhava ou d’autres mahāsiddhas, ou bien des divinités d’origine hindoue qui ont fait vœu de protéger le bouddhisme. Les plus connus sont Begtse Chen, Dorje Drakten, Tsui Marpo, Tseringma, Drogdze Wangmo, Rahula, Dorje Legpa (Damcan), Garwai Nagpo et Dorje Setrap. Quelques-uns d'entre eux sont considérés comme éveillés dans certaines traditions, comme Rahula et Dorje Legpa (lignée nyingma), Begtse Chen (cycle de Hayagriva de la lignée sakya), Dorje Setrap (lignée gelug) et le très discuté Dorje Shugden (faction issue de gelug).  Du fait que les rituels les concernant étaient autrefois transmis de façon secrète ou de leur aspect, leurs représentations sont parfois exposées dans une pièce moins directement accessible, ou même cachées.  Les huit principaux dharmapālas du bouddhisme tibétain sont :

Autres aspects.

Au Tibet, la plupart des monastères ont leur propre dharmapāla qui, outre son rôle de protecteur, focalise parfois le chauvinisme et les rivalités monastiques. Selon certains témoignages, il arrive que sa pratique soit plus suivie par la communauté que celles de déités de niveau théoriquement supérieur.  La nécessité de travailler sans relâche pour assurer sa subsistance pouvant être considérée comme un obstacle à la pratique, certaines formes de Mahākāla, l’un des principaux dharmapālas, sont considérées comme des pourvoyeurs d’aisance matérielle.  Alexandra David-Néel explique de ces démons "[qu']ils sont tenus en esclavage par les lamas magiciens qui les contraignent à leur rendre des services de tout genre et ne se gênent point pour les châtier à l'occasion". La statue d'un dharmapala "reste confinée dans une armoire avec des charmes et des offrandes" afin qu'il ne s'en échappe point.  Les courants vajrayāna japonais (shingon et partiellement tendai) connaissent comme divinités courroucées les "myoo" (明王), « rois lumineux » (allusion au feu de leur aura), dont les plus connus sont les « cinq grands rois lumineux » (五大明王 Go daimyoo), rattachés chacun à un des bouddhas de sagesse : La plupart, comme Mahākāla (Daikokuten), Hayagriva (Bato Kannon), ou Atavaka sont restés proches de l'iconographie indienne. Deux d'entre eux, Fudo Myoo et Aizen Myoo sont plus particulièrement vénérés car associés aux deux grands mandalas du bouddhisme japonais, le Taïzôkaï et le Kongôkaï.

Voir aussi.

Bibliographie.

René de Nebesky-Wojkowitz "Oracles and Demons of Tibet" Gordon Press Publ.1976 (Mouton Gravenhage 1954)

Les dharmapālas, signifiant protecteurs ou défenseurs du dharma en sanskrit, hùfǎshén 护法神 en chinois, sont des déités courroucées du bouddhisme mahayana et des textes tantriques. Ils sont généralement représentés sous une forme menaçante (visage coléreux, crocs découverts, aura de flammes, cheveux hérissés, membres multiples, ornements macabres, crânes humains ou serpent servant de collier, armes aux mains). Leur rôle est particulièrement important dans le bouddhisme tibétain où ils sont appelés "drag-gshed", de "drag-po" (coléreux ou cruel) et "gshed-ma" (démons infernaux bourreaux).

A dharmapāla (, Chinese: 達磨波羅, 達摩波羅, , 護法鬼神, 諸天鬼神, 護法龍天, 諸天善神, ) is a type of wrathful god in Buddhism. The name means ""Dharma" protector or defender" in Sanskrit, and the "dharmapālas" are also known as the Defenders of the Law (Dharma), or the Protectors of the Law. There are two kinds of dharmapala, Worldly Protectors and Wisdom Protectors. Only Wisdom Protectors are enlightened beings.


Biographie.

Né dans une famille pauvre de Kragujevac en 1831, Jovan Ristić commença ses études à Belgrade où il s'engagea dans une association politique étudiante. Il part ensuite à Berlin, à Heidelberg où il reçut un doctorat en droit en 1852 et à Paris.  En 1861, il fut envoyé comme diplomate à İstanbul. Il participa aux négociations qui aboutirent au retrait des troupes turques de Serbie en 1867. À son retour à Belgrade, le prince Michel III Obrenović lui proposa un poste ministériel qui en aurait fait son bras droit ; mais Ristić, jugeant le prince trop réactionnaire, déclina l’offre. Dès cette époque, Ristić fut considéré comme l’un des principaux chefs du Parti libéral.  En 1868, après l’assassinat du prince Michel, il fit partie du conseil de régence qui gouvernait pour le jeune prince Milan IV, et le seul membre à avoir une vision politique. Son modèle politique de l'époque est la Prusse, où la direction était assurée par un ministre-président. Il aspire à réunir les peuples serbes en un État, comme l'Italie et l'Allemagne le réalisaient à cette époque. Il fut un des principaux artisans de la première Constitution serbe qui fut promulguée le . Durant la régence, il renforça les pouvoirs de l'État et limita la liberté de la presse, tout en menant une politique étrangère destinée à rendre la Serbie indépendante de l'Autriche-Hongrie comme de la Russie.  En 1872, quand le prince Milan atteignit sa majorité, Ristić devint Ministre des Affaires étrangères. Le , il fut nommé Premier ministre mais démissionna en novembre de la même année.  En 1875, puis de 1876 à 1878, Jovan Ristić fut Ministre des Affaires étrangères. À ce poste, il se montra partisan d’une politique d’expansion ; selon lui, la Serbie devait devenir le centre d’un puissant État regroupant les Slaves du Sud. À ce poste, il fut le grand artisan de deux guerres entre les Serbes et les Turcs.  En 1876, une première guerre s’était soldée par une victoire ottomane. Le , la Serbie entre une nouvelle fois en guerre contre l’Empire ottoman, mais cette fois aux côtés de la Russie. Cette guerre se conclut par une victoire des Russes, des Serbes et des Roumains coalisés. Le , un Congrès fut réuni à Berlin, dans lequel Jovan Ristić représenta la Serbie. Aux termes du Traité signé le 13 juillet 1878, la Serbie étendit son territoire et obtint son indépendance totale vis-à-vis de la Sublime Porte.  Le , Ristić devint à nouveau Premier ministre. En revanche, il refusa de signer un accord commercial avec l’Autriche-Hongrie, accord qui, selon lui, allait mettre la Serbie en situation de dépendance vis-à-vis de son puissant voisin ; pour cette raison, il dut démissionner ().  En 1882, le prince Milan devint roi de Serbie sous le nom de Milan.  Le , le roi Milan I, inquiet de l’attitude des socialistes du Parti radical, rappela Ristić qui forma un cabinet de coalition. Il resta Premier ministre jusqu’au .  Le , une nouvelle Constitution, plus libérale que celle de 1869, est adoptée. Mais le , le roi Milan I abdiqua en faveur de son fils, le jeune prince Alexandre. Jovan Ristić devint le président du Conseil de régence et il autorisa la formation d’un cabinet radical. Cependant, en 1892, Ristić appela au pouvoir le Parti libéral, dont il avait toujours été proche. Cette décision provoqua un vif mécontentement dans la population. Le , le jeune roi Alexandre I, par un coup d’État, décida de régner pleinement avant sa majorité ; il démit les régents, renvoya le gouvernement et rappela les Radicaux. Ristić fut ainsi écarté du pouvoir.  Il mourut à Belgrade le .

Jovan Ristić (en serbe cyrillique : ), né le à Kragujevac et mort le à Belgrade, était un diplomate et un homme politique serbe. Il fut plusieurs fois Premier ministre de son pays.

Jovan Ristić, or Ristitch (Serbian Cyrillic: Јован Ристић; 16 January 1831 – 4 September 1899) was a Serbian politician, diplomat and historian.


Sens général de l’œuvre.

La fresque cherche à représenter en peinture ce que l'on pourrait appeler le Vrai théologique, en regard du Vrai philosophique qu'incarne en face de lui la fresque de l’"École d'Athènes". Dans la doctrine chrétienne, ce Vrai théologique s'incarne, en finalité, dans le sacrement de l'Eucharistie, où s'accomplit le sacrifice du Christ sur la croix, et où par sa Présence réelle sous les espèces du pain et du vin, ces espèces deviennent réellement, par transsubstantiation, son vrai Corps immolé et son vrai Sang versé pour le salut et la rédemption de tout le genre humain, tout entier déchu par le Péché originel (d'où la présence d'Adam dans cette fresque). L'institution de l'Eucharistie est en même temps transmise par le Christ à ses Douze Apôtres et à leurs successeurs, avec le pouvoir de la renouveler jusqu'à la fin des temps, et ce par le sacrement de l'Ordre que le Christ institue simultanément, le soir du Jeudi saint, avant d'entrer dans sa Passion. Dès lors, tout le service de l’Église du Christ sur terre tourne autour de cet acte suprême, et prend de lui sa source et sa force, comme moyen de rédemption universelle. C'est aussi le lieu, par excellence, de commnion et de relation intime avec la vie de Dieu Un et Trine, Père, Fils et Saint-Esprit, avec les puissances célestes, et avec les saints de tous les temps. C'est donc cette réalité théologique complexe que Raphaël entreprend de représenter dans cette fresque qui doit, en tant qu’elle est destinée à figurer dans la bibliothèque personnelle du pape Jules II, être un support à la contemplation et à la méditation sur le mystère de l’Église sur terre et dans les cieux.

Description.

Composition.

La fresque est circonscrite dans une voûte et propose, comme la plupart des œuvres de Raphaël, une composition rigoureuse qui exploite judicieusement la forme en arc de cercle qui l’accueille, puisque le motif circulaire est omniprésent dans l’œuvre. De bas en haut, il se cristallise d’abord dans le Saint-Sacrement, présent sur l’autel et qui constitue comme le centre du cercle par lequel passe le demi-cercle de la voûte, ce qui confirme son statut de sujet de l’œuvre, puis on le trouve en auréole autour de la colombe, symbole traditionnel du Saint Esprit, en grande auréole du Christ, sous la forme d’un globe dans la main du Père, tout en apparaissant sur la plupart des saints en auréole à leur tête ; enfin, les saints et les grandes figures de l’Ancien Testament sont placés en arc de cercle autour de la Trinité, tandis que le ciel est composé d’une vaste voûte céleste lumineuse qui fait écho en inversion au cercle qui entoure le Christ. Cette omniprésence de la forme circulaire s’explique en ce que la prééminence ontologique et la perfection du cercle répondent non seulement à une tradition antique, mais aussi chrétienne et plus particulièrement de la Renaissance qui voit dans le cercle la forme géométrique la plus accomplie. On peut voir aussi dans ce souci de la disposition circulaire des éléments dans la peinture comme le chœur d’une église, l’autel et le Saint Sacrement formant autant d’éléments pour suggérer cela.  La composition mime d’ailleurs la distinction théologique du ciel et de la terre notamment sur ce critère de différenciation qu’est la présence de la forme circulaire. En effet, si le cercle est omniprésent dans les cieux, accompagné par une harmonie marquée dans la répartition des figures de « l’Église triomphante », qui rassemble des prophètes, des apôtres et des saints autour de la Sainte Trinité, en revanche le bas du tableau s’organise de manière horizontale, et les personnages de « l’Église militante », docteurs de l’Église, pontifes et fidèles, sont rassemblés avec bien moins de cohérence et d’harmonie, voire dans le tumulte et dans l’animation. . On peut d’ailleurs reconnaître nombre de figures parmi ces personnages disposés de part et d’autre d’un autel dominant un vaste paysage : tous arborent des positions singulières, dénotant le souci de Raphaël pour un certain naturel.

Le registre terrestre.

Directement à côté de l’autel se trouvent les docteurs de l’Église des premiers temps du christianisme avec à gauche saint Grégoire (sous les traits de Jules II) et saint Jérôme accompagné de son lion et à droite saint Augustin et saint Ambroise : les quatre docteurs sont, au contraire des autres personnages, assis, ce qui les rapproche déjà des personnages situés dans les cieux ; on distingue par ailleurs deux docteurs postérieurs que sont saint Thomas et saint Bonaventure. Les papes Innocent III (1160-1216 pape le plus puissant du Moyen Âge qui établit l’indépendance politique de Rome) et Sixte IV (1414-1471 Francesco della Rovere de son nom, il embellit significativement Rome) côtoient des religieux comme le dominicain Savonarole (instigateur en 1494 à Florence d’une révolution politique (retour à la République) et morale (rechristianisation) ou le peintre Fra Angelico (contemporain de Savonarole, admiré pour ses fresques et ses peintures sublimes) qu’accompagnent Dante, dont la "Divine Comédie" eut une influence sur la théologie au Moyen Âge, Fra Angelico tout près de l’autel, Bramante, l’architecte fameux de la basilique Saint-Pierre, ou Francesco Maria della Rovere, présenté sous des traits similaires à ceux de Léonard de Vinci et qui pointe le Saint Sacrement dans un déhanchement léger et gracieux.  Les personnages sont disposés à une distance variable par rapport au Saint Sacrement, qui est cette présence de Dieu sur terre, ce point de contact entre les deux Églises terrestre et céleste, mais que les docteurs de l’Église sont au plus près, assis face à l’autel, que les autres figures essentielles de l’histoire de l’Église sont un peu en retrait, debout, mais toujours orientés vers l’autel et que les artistes laïques et d’autres personnages sont eux sur les côtés, avec des positions plus ambivalente, de biais voire de dos, signifiant ainsi la diversité des rapports à Dieu sur terre. La scène est très animée, et si l’on parle de dispute peut-être d’après une interprétation un peu inexacte de Vasari, on voit que le terme n’est pas tout à fait inapproprié pour caractériser l’atmosphère qui se dégage du registre terrestre de la fresque. Loin de la Sainte conversation, dont l’échange est plus d’ordre mystique qu’intellectuel, les personnages semblent tous ici affairés, échangeant des propos, gesticulant, pointant le ciel, d’autres personnages ou le Saint Sacrement, ou encore concentrant leur attention sur quelques écrits. L’intention est ici sans doute de représenter l’intense activité théologique de définition et de théorisation du mystère que constitue le Saint Sacrement. Les nombreux livres représentés participent certainement aussi de cet effort d’élaboration conceptuelle qui donne corps à l’Église militante, et dont le pape Jules II, pour qui est peinte cette œuvre, est le continuateur.

Le registre céleste.

Au contraire du registre terrestre, animé et presque désordonné, le registre céleste répartit harmonieusement, dans un demi-cercle, les figures remarquables de l’Église triomphante, accompagnées de leurs attributs traditionnels et toutes installées paisiblement sur des sièges de nuages, accoutrés d’habits colorés spécifiquement pour chacun. Aux extrémités du demi-cercle saint Pierre et saint Paul se font face, un peu comme s’ils étaient les gardes extérieurs de l’Église triomphante, dépositaires à la fois de la clé et de la lettre de celle-ci. En même temps saint Pierre étant le premier pape, sa position le rapproche du pape "Jules II" effectivement en fonction. L’Ancien Testament est représenté par Adam qui fait face à Abraham, Moïse en regard du roi David et Judas Maccabée face au prophète Jérémie. Le Nouveau Testament est représenté quant à lui par les apôtres saint Paul et saint Pierre déjà évoqués, par saint Jean l’Évangéliste (rédacteur de l’Évangile mystique) qui fait face à saint Mathieu (rédacteur de l’Évangile synoptique de base), par saint Laurent et saint Étienne (tous deux saints martyrs).  Autant dire que toutes les grandes figures et les grands moments de l’histoire de l’Église sont ici représentés : patriarches, grands législateurs, rois, prophètes, évangélistes, apôtres, saints martyrs ; et ce, dans un ordre cohérent, alternant les figures des âges de l’Ancien Testament et du Nouveau Testament et mettant face à face des personnages dont les prérogatives furent assez similaires. La cohérence est également temporelle, puisque si l’on prend chaque âge respectivement, on s’aperçoit que les figures les plus anciennes dans chaque âge sont placées sur les extrémités.  La forme angélique est omniprésente dans les cieux (dans les nuages, autour du Christ, dans les rayons montants). Deux fois trois anges se trouvent de chaque côté du Père, chacun arborant une couleur différente, symboles possibles des trois vertus théologales ou cardinales, ou même de la Trinité sainte. Enfin, quatre anges portent chacun un Evangile.  La trinité est représentée dans un ordre harmonieux, cohérent, à la verticale par rapport au Saint Sacrement. La disposition verticale de la Trinité répond peut-être à un souci de représenter le parcours intérieur ascendant du fidèle dans sa découverte de la foi. La contemplation du Saint Sacrement conduit à la lecture de l’Évangile et à vivre de l’Esprit Saint, ce qui conduit à imiter le Christ, qui amène enfin le croyant au Père lui-même, situé au point le plus haut du tableau. Le Christ reste cependant par sa position prééminente le centre de l’œuvre, guide absolu des Églises triomphantes et militantes, entouré conformément à la tradition iconographique de la Vierge Marie et de saint Jean-Baptiste, tandis que le Père semble comme en retrait, marquant peut-être ainsi son caractère inaccessible sans la médiation du Christ.

Postérité.

En 1721, William Hogarth fait la parodie de "La Dispute du Saint-Sacrement" dans son estampe "La Loterie".

La Dispute du Saint-Sacrement de Raphaël, seconde fresque principale de la salle de la Signature (avec "L'École d'Athènes"), est peinte entre 1509 et 1510.  C'est Giorgio Vasari qui donne à cette œuvre son nom, un peu improprement puisque s'il peut être question d'une dispute théologique, c'est-à-dire une intense discussion, dans le registre inférieur, en revanche le registre supérieur fonctionne plus comme une glorification de l'Église céleste triomphante. Pietro Redondi, dans "Galilée hérétique", affirme qu'à la Selon Trente, cependant, elle apparaît désormais comme une œuvre de combat marquant le triomphe du dogme catholique contre l'hérésie qui avait attaqué la Présence réelle.

The Disputation of the Sacrament (), or Disputa, is a painting by the Italian Renaissance artist Raphael. It was painted between 1509 and 1510 as the first part of Raphael's commission to decorate with frescoes the rooms that are now known as the Stanze di Raffaello, in the Apostolic Palace in the Vatican. At the time, this room was known as the Stanza della Segnatura, and was the private papal library where the supreme papal tribunal met.


Biographie.

Ses parents sont l'inventeur et richissime homme d'affaires Isaac Merritt Singer et Isabella Eugénie Boyer. Elle passe ses premières années à Paris, où ses parents se sont installés à cause de la guerre civile américaine, puis dans leur immense demeure d' dans le Devon en Angleterre. Son père meurt lorsqu'elle a dix ans, laissant une fortune colossale d'environ trois milliards d'euros actuels. Elle retourne en France en 1879 avec sa mère qui s'installe à Paris avec son deuxième mari, un violoniste hollandais célèbre, Victor Reubsaet, fait duc de Camposelise par Humbert d'Italie en 1881.  Elle étudie le piano et l'orgue. Après un mariage malheureux avec le prince Louis de Scey-Montbéliard en 1887 (elle avait 22 ans), annulé par le Vatican en 1892, elle épouse l'année suivante Edmond de Polignac, homosexuel discret de 59 ans, chacun vivant librement grâce à cette union chaste. Le mariage avait été arrangé par la comtesse Greffulhe et Robert de Montesquiou, faisant dire à Blanche, mère de Jacques-Émile Blanche, chez qui le prince de Polignac se rendait souvent :  Après le suicide en 1896 de sa sœur Isabelle, duchesse Decazes, la princesse élève en partie les enfants Decazes.  Elle tient un salon à Venise, dans son palais Contarini-Polignac, où elle invite Gabriel Fauré. Elle encourage la plupart des musiciens de son temps : Nadia Boulanger, Emmanuel Chabrier, Jean Françaix, Reynaldo Hahn, Darius Milhaud, Maurice Ravel, Henri Sauguet, Germaine Tailleferre, Jean Wiener, Isaac Albéniz, Igor Markevitch, Kurt Weill, Ethel Smyth, Karol Szymanowski. Les pianistes Ricardo Viñes, Blanche Selva, Clara Haskil, Lili Kraus, Arthur Rubinstein et la danseuse Isadora Duncan ont également profité de son aide.  Elle commande de nombreuses pièces à des compositeurs célèbres. On lui doit entre autres la création de "Socrate" d'Erik Satie, du "Renard" d'Igor Stravinsky, du "Retablo de Maese Pedro" de Manuel de Falla, du "Concerto pour deux pianos" et du "Concerto pour orgue, cordes et timbales" de Francis Poulenc. Ravel lui dédia sa célèbre "Pavane pour une infante défunte".  Elle fréquente le salon littéraire de Geneviève Halévy où l'on rencontre le prince Auguste d'Arenberg, Lucien Guitry, le peintre Antonio de La Gandara qui fait son portrait, le romancier Paul Bourget ou Edgar Degas, qui rompt avec Halévy lors de l'Affaire Dreyfus.  Son sens des réparties acides la faisait surnommer dans les cercles parisiens « Vinaigretta ».  La princesse Edmond de Polignac est notamment à l'origine de la collecte de fonds pour la construction d'un bâtiment de l'hôpital Foch, à Suresnes.  En 1928, avec l'artiste Madeleine Zillhardt, elle est à l'initiative de l'achat de la péniche de béton "Liège", réhabilitée par le Corbusier, afin de la mettre à disposition de l'Armée du Salut. Le bateau prend alors le nom de "Louise-Catherine" en hommage à Louise Catherine Breslau, peintre germano-suisse, compagne de Madeleine Zillhardt, disparue l'année précédente d'une longue maladie. Selon les voeux de Madeleine Zillhardt, le bateau devient un refuge pour les sans-abris l'hiver et une colonie de vacances pour les enfants l'été. Gérée par l’Armée du Salut jusqu'en 1986, amarrée à Paris sur les berges de la Seine, au pont des Arts puis au Pont d'Austerlitz, la péniche Louise-Catherine est reprise en main par l'architecte Michel Cantal-Dupart et la Fondation Le Corbusier mais sombre accidentellement en durant la crue de la Seine à Paris.

Fondation Singer-Polignac.

Winnaretta Singer fit un don à l'État français en vue de la création d'une fondation pour la promotion des arts et des sciences.  La loi du ratifia la création de l’établissement public dénommé fondation Singer-Polignac, et le décret du approuva la dotation de la princesse à l’État français en vue de cette création, le revenu de ce capital étant destiné aux activités de mécénat. À la mort de la princesse, la fondation reçut en legs son hôtel particulier, sis au 43 avenue Georges-Mandel à Paris, et s’y installa en 1945.

Relations amoureuses.

La princesse de Polignac eut des relations amoureuses notoires avec Ethel Smyth, Romaine Brooks, Olga de Meyer, , Renata Borgatti et Violet Trefusis.

Winnaretta Singer, princesse de Polignac, dite « Winnie » née à Yonkers (État de New York) le et morte à Londres le , est une mécène musicale d'origine américaine et l'héritière des machines à coudre Singer.

Winnaretta Singer, Princesse Edmond de Polignac (8 January 186526 November 1943), was an American-born heir to the Singer sewing machine fortune. She used this to fund a wide range of causes, notably a musical salon where her protégés included Debussy and Ravel, and numerous public health projects in Paris, where she lived most of her life. Singer entered into two marriages that were unconsummated, and openly enjoyed many high-profile relationships with women.


Histoire.

Newell avait besoin du modèle mathématique assez simple d'un objet familier pour ses travaux. Sandra Newell (sa femme) lui suggéra de modéliser leur service à thé. Il se procura du papier à dessin, un crayon, et dessina à vue une esquisse de ce service à thé. Puis, il se rendit à son laboratoire et édita les points de contrôle de Bézier sur un tube cathodique à mémoire Tektronix, là encore à la main. Furent numérisées une tasse, sa soucoupe et sa cuillère mais seule la fameuse théière connaîtra un usage répandu. Une cruche à lait aurait également été modélisée, mais les données ont été perdues.  La forme de la théière contient un certain nombre d'éléments qui en font un objet idéal pour les expériences graphiques : elle est ronde, contient des extremas, a un genre supérieur à zéro (à cause de l’anse), peut projeter une ombre sur elle-même, et est d'apparence satisfaisante même sans utiliser une texture de surface complexe.  Newell produisit les données mathématiques qui décrivent la géométrie de la théière (un ensemble de coordonnées 3D) publiquement disponibles, et très tôt, d'autres chercheurs commencèrent à utiliser ces mêmes données pour leurs propres expériences graphiques. Ces chercheurs avaient les mêmes besoins que Newell, et l'utilisation de la théière leur évita une laborieuse numérisation d'un autre objet ayant les mêmes caractéristiques. Bien que les techniques de numérisation aient énormément évolué depuis 1975, de sorte qu'elle ne présente aujourd'hui que peu de difficultés, la théière est encore utilisée comme objet de référence y compris pour des techniques avancées dans le domaine de la synthèse d'image.  La théière d'origine n'avait pas besoin d'être vue du dessous, et son modèle ne comprenait pas de surface pour représenter sa base. Par la suite, d'autres versions du modèle intégrèrent une base.  La véritable théière est plus haute (d'un rapport de 4:3) que le modèle virtuel. Une explication répandue de ce fait est que le tampon de trame de l'ordinateur de Newell utilisait des pixels rectangulaires. Plutôt que d'avoir une image déformée, Jim Blinn, un collègue de Newell, aurait alors aplati le modèle pour qu'il apparaisse avec les bonnes dimensions à l'écran. Le modèle fut ainsi diffusé aux utilisateurs d'autres systèmes. Cette explication a cependant été contredite par Jim Blinn lui-même, selon qui le modèle fut redimensionné verticalement durant une démonstration en laboratoire, pour démontrer que le modèle pouvait être manipulé. Lui et ses collègues avaient alors aimé la nouvelle allure de l'objet et avaient sauvegardé le fichier tel quel.  Aujourd'hui, la théière de l'Utah se trouve au Musée de l'histoire de l'ordinateur.

Applications.

Plusieurs versions du modèle de la théière, ou de scènes contenant la théière, ont été distribuées librement ou non pour presque tous les programmes de rendu ou de synthèse graphique, comme 3D Turbo, AutoCAD, POV-Ray, OpenGL, Direct3D, et 3D Studio Max. En supplément des traditionnels cubes et sphères, la bibliothèque GLUT propose une fonction codice_1 comme primitive graphique. BeOS comporte une petite démonstration d'une théière 3D en rotation.

La théière de l'Utah ("Utah teapot" ou "Newell teapot") est un modèle utilisé dans la synthèse d'image 3D qui est devenu un objet standard de référence dans la communauté de la synthèse d'image. Il s'agit du modèle mathématique d'une théière ordinaire qui est simple, ronde, solide, et partiellement convexe.  Le modèle de la théière fut créé en 1975 par un pionnier de la synthèse d'images, Martin Newell, à l'université de l'Utah.

The Utah teapot, or the Newell teapot, is a 3D test model that has become a standard reference object and an in-joke within the computer graphics community. It is a mathematical model of an ordinary teapot that appears solid, cylindrical, and partially convex. A teapot primitive is considered the equivalent of a "Hello, World!" program, as a way to create an easy 3D scene with a somewhat complex model acting as a basic geometry reference for scene and light setup. Some programming libraries, such as the OpenGL Utility Toolkit, even have functions dedicated to drawing teapots.  The teapot model was created in 1975 by early computer graphics researcher Martin Newell, a member of the pioneering graphics program at the University of Utah.


Argument.

Les membres de la famille Prozorov, composée de trois sœurs, Macha, Olga et Irina et de leur frère Andreï, partagent une demeure provinciale, dans la campagne profonde de Russie. Andreï est lui-même marié à Natacha. La pièce débute par la fête d'Irina, un an après la mort de leur père, marquant la fin du deuil et le début, croit-on, d'une nouvelle vie. La petite ville de province, près de laquelle se trouve la demeure, accueille un régiment qui vient d'arriver. La vie des Prozorov s'avère dominée par l'ennui et n'est rythmée que par les visites d'officiers venus de la garnison voisine, et devenus peu à peu comme des membres de cette famille atteinte du mal de vivre. Un rêve habite cependant les trois sœurs : retourner à Moscou, la ville de leur enfance heureuse. Pas de héros, peu d'action ; cette pièce va à l'encontre du schéma classique en mettant en scène des personnages extrêmement humains qui voient leur vie peu à peu s'étioler, avec le désespoir de n'avoir rien construit, rien entrepris.  Entre conversations absurdes et grands débats philosophiques, entre mariages ratés et désespoirs amoureux, Tchekhov aborde dans "Les Trois Sœurs" les thèmes du temps qui passe et détruit les rêves, de l'importance du travail et de l'autonomie, de l'ennui et de l'amour.

En France.

La Comédie-Française a "Les Trois Sœurs" dans son répertoire: La troupe du Maly Drama Théâtre est venue jouer "Les Trois Sœurs" au théâtre de Bobigny en 2012 avec une mise en scène de Lev Dodine.  Avec une distribution quasiment identique, la pièce a été adaptée pour la télévision par la chaîne Arte en 2015 : la réalisation a été confiée à Valérie Bruni-Tedeschi.  La pièce revient au répertoire du Théâtre du Nord-Ouest, dans une mise en scène de Vincent Gauthier pour l'Intégrale Tchékhov de mars à .  Jean Prat en fit une adaptation télévisée en 1974.

Les Trois Sœurs (en ) est une pièce de Tchekhov. Écrite durant l'année 1900 à Gourzouf, puis à la Datcha Blanche de Yalta, cette œuvre tirerait son inspiration, selon certains, de la situation des trois sœurs Brontë, mais plus vraisemblablement des sœurs Ottilia, Margarita et Evelina Zimmermann, rencontrées par Tchékhov à Perm, lorsqu'il s'y arrêta en route vers l'île de Sakhaline, en 1890. Elle fut créée le au Théâtre d'art de Moscou.

Three Sisters () is a play by the Russian author and playwright Anton Chekhov. It was written in 1900 and first performed in 1901 at the Moscow Art Theatre. The play is sometimes included on the short list of Chekhov's outstanding plays, along with "The Cherry Orchard", "The Seagull" and "Uncle Vanya".