Biographie.

Après des études à l'université de Fordham, puis à l'université Columbia, Robert Sean Leonard est accepté à la Screen Actors Guild. C'est là qu'il décide de changer son nom, remplaçant Lawrence par Sean, le nom de son frère. Fort de son apprentissage, il obtient son premier rôle à la télévision en 1986. Il a un petit rôle dans "My Two Love". La même année, on le voit aussi dans le film "Le Projet Manhattan", un film de science-fiction. Robert Sean Leonard continue ainsi, de petits rôles en petits rôles, passant de "Bluffing it" en 1987, toujours à la télévision, à "", en 1988. C'est finalement l'année suivante, en 1989, qu'il obtient l'un de ses rôles les plus marquants, celui de Neil Perry Robert dans le film oscarisé "Le Cercle des poètes disparus", où il joue aux côtés de Robin Williams et Ethan Hawke. Ce dernier demeure d'ailleurs l'un de ses meilleurs amis. Dans ce film culte, Robert Sean Leonard campe un jeune étudiant passionné par la comédie, mais qui est brimé par son père, qui a d'autres projets pour lui. Grâce à ce film, la carrière du jeune Robert Sean Leonard, tout juste âgé de 20 ans, est alors lancée. Il enchaîne ainsi les films avec en 1990, "Mr and Mrs Bridge", avec Paul Newman à l'affiche, nommé aux Oscars, "" en 1991 qui rencontre moins de succès. Puis "Beaucoup de bruit pour rien", en 1993, réalisé par Kenneth Branagh, qui fut l'un des plus grands succès de film adapté d'une pièce de Shakespeare. Il y joue aux côtés de talents du cinéma comme Keanu Reeves, Denzel Washington, Michael Keaton et Emma Thompson. La même année, Robert Sean Leonard joue dans "Le Temps de l'innocence", avec Daniel Day-Lewis, Winona Ryder et Michelle Pfeiffer entre autres. Là encore, c'est un film qui rencontre un beau succès et décroche une nomination aux Oscars. Dans la foulée, Robert Sean Leonard enchaîne sur "Swing Kids", toujours la même année, et donne la réplique à Christian Bale et Kenneth Branagh, déjà rencontré sur le tournage de "Beaucoup de bruit pour rien". Après ces trois derniers grands films, la carrière de Robert Sean tourne au ralenti. Il continue malgré tout d'être présent au cinéma, notamment dans "" en 1996, "I Love You, I Love You Not" en 1996, puis "Les Derniers Jours du disco" en 1998 et enfin "" face à Kiefer Sutherland en 1998. Sa carrière dans le cinéma s'étant peu à peu éteinte, Robert Sean Leonard décide de se tourner vers la télé. Après quelques rôles et apparitions dans "", "Wasteland", les films "Tape", "" et "Driven", Robert Sean trouve finalement le rôle de sa vie. Il est ainsi le premier acteur à avoir intégré le casting de la série culte "House". Il y incarne James Wilson, chef du service d'oncologie, et meilleur ami du Gregory House. Ou plutôt la seule personne que Gregory House considère comme son ami. Face au caractère cynique de House, Wilson apparaît comme un être plus humain et généreux, qui tente jour après jour d'insuffler un peu à House de sa bonhomie, sans vrai succès. Les deux personnalités quasi-complémentaires vont s'apporter des traits de caractères mutuellement: on verra donc James Wilson gagner en assurance et en franchise, voire en cynisme, à l'image de son meilleur ami de la série. À noter que dans la vie, Robert Sean Leonard et Hugh Laurie, qui incarne Gregory House, sont de bons amis.

Vie personnelle.

Robert Sean Leonard s'est marié en août 2008 avec Gabriella Salick. Leur fille Eleanor Blanche Leonard est née le . Il a une seconde fille, Claudia, née en 2012.

Robert Sean Leonard, de son vrai nom Robert Lawrence Leonard, est un acteur américain, né le à Ridgewood, dans le New Jersey.  Il est notamment connu pour avoir incarné Neil Perry dans le film "Le Cercle des poètes disparus" et James Wilson dans la série télévisée "House".  D'autre part, sa carrière au théâtre lui a valu de remporter un prestigieux Tony Award en 2001.

Robert Lawrence Leonard (born February 28, 1969), known by his stage name Robert Sean Leonard, is an American actor. He is known for playing Dr. James Wilson in the television series "House" (2004–2012) and Neil Perry in the film "Dead Poets Society". Leonard won a Tony Award for Best Featured Actor in a Play for his performance in "The Invention of Love" in 2001. His other theater credits include "Candida", "Long Day's Journey Into Night", "Breaking the Code", "The Speed of Darkness", "Philadelphia, Here I Come!", "Arcadia", "The Music Man", "Born Yesterday", and "To Kill a Mockingbird". From 2013 to 2014, Leonard had a recurring role as Dr. Roger Kadar on the television series "Falling Skies". He also starred as the leading role in "Swing Kids" and played Peter.


Bois gras du pin, "taeda" des anciens.

Le pin est et plus particulièrement le bois gras de pin étaient appréciés pour leur caractère inflammable et leur pouvoir éclairant. Une des caractéristiques des bois résineux est de produire une flamme plus active et plus durable que la majorité des essences feuillues, ce qui tient à la résine de pin, constituée d'hydrocarbures terpéniques à haut pouvoir calorifique, qui favorise l'inflammation du bois ; mais aussi la densité du bois qui favorise une combustion harmonieuse des gaz inflammables qui ne se consument ni trop rapidement ni trop lentement. Cela a pu être observé à la grotte Chauvet où les peintres du paléolithique ont porté leur choix sur "Pinus sylvestris" pour éclairer leur travail et par ailleurs produire le noir de charbon employé comme pigment.  On retrouve cette préférence pour le bois de pin dans la divergence de sens du terme latin "taeda" qui peut désigner le pin et une torche. Philibert Monet parle de "torche de tede" ou "torche de tie" ; le bois se transforme en "tede" soit en bois gras. "Tede", "teze", "teie", "tie" désigne la substance ligneuse fort grasse en laquelle se transmue le tronc des arbres résineux, ou de soi-même, par excessive abondance de résine ou par le soin de ceux qui dépouillant de tels arbres de leur écorce procurent telle transmutation. « Il n'est aucun arbre qui ait le nom et la nature de "tede", quoique Pline ait écrit le contraire ». Les procédés employés dans l'Antiquité sont connus de Pline, et avant de Théophraste dans son "Historia Plantarum": « À ce que racontent les habitants de l'Ida, quand ils ont ôté l'écorce du tronc (ils l'enlèvent du côté exposé au soleil, sur deux ou trois coudées à partir du sol), il faut un an au plus pour que la résine afflue et imprègne le bois mis à nu ; puis, un nouvel éclat de bois étant enlevé à la hache, on recommence l'opération l'année suivante, puis la troisième année ; après quoi, du fait des entailles, l'arbre pourrit et est abattu par le vent ; on extrait alors le cœur, qui est très résineux, ainsi que celui des racines (celles-ci aussi sont riches en résine, comme nous l'avons dit) ». Théophraste nomme le bois gras, δάς (das). C'est ce même bois qui sert à l'extraction de la poix. La répartition des représentants "actuels" (1901) du mot "taeda" donne à l'italien le mot « tèda », à l'espagnol le mot « tea » (tea ou teda), au béarnais le nom « tède », désignant toutes « la torche résineuse faite en bois de pin ». Une forme « tèzo » se retrouve dans le Gévaudan.  Attribut d'Hyménée, la torche faite d'une branche résineuse, était utilisée par la Rome antique pendant les rites sacrés et les mariages. Les divinités porte-flambeau sont dites "taedifer" ou "lucifer".  Chez un commentateur de Dioscoride du confirmé par un dictionnaire de marine de 1702, dans la fabrication de la poix navale ("pix navalis"), on emploie de vieux pins, entièrement « devenus torches », on les tailles en pièces comme on fait pour fabriquer le charbon de bois.  Dans les environs des pinières, dans les Landes de Gascogne, les paysans se servaient de filasse enduite de résine de galipot et tressée, pour éclairer leurs habitations, en maintenant ces sortes de falot enflammé sous la cheminée ; on préparait avec la résine et la filasse, de grosses torches pour éclairer en plein air, la marche dans des chemins difficiles ; on se servait de torches analogues pour flamber les moules des fondeurs en métaux, c'est-à-dire afin de répandre une légère couche de noir de fumée dans tous les détails des moules avant de couler.

Jonglerie.

En jonglerie, les torches sont l’équivalent de massues enflammées avec du feu. Les mèches sont souvent en kevlar. Le combustible utilisé dépend de l’utilisation souhaitée : couleur de la flamme, autonomie, sécurité (pour les cracheurs de feu).  Le combustible le plus répandu est le pétrole désaromatisé, aussi nommé kerdane. Ce liquide inflammable possède de nombreux avantages, notamment pour la qualité de flamme produite, le peu de risques (brûlures, vapeurs...) qu'il présente, ou encore le fait qu'il n'altère que très peu les mèches.  Les autres combustibles possibles sont l’éthanol, le méthanol ou l'alcool à brûler. Ces derniers sont bien plus dangereux que le kerdane, notamment pour les brûlures qu'ils peuvent engendrer, ou à leur toxicité. Cependant, le méthanol et l'alcool à brûler (contenant 10 à 15 % de méthanol) produisent des vapeurs toxiques / mortelles en grande quantité contrairement à l’éthanol ne produisant que du dioxyde de carbone et de la vapeur d'eau lors de leur combustion. Ces trois combustibles restent cependant très dangereux, même au repos.  Ces trois combustibles peuvent notamment être utilisés à la place du Kerdane dans le but d'obtenir des flammes colorées. En effet, le mélange de ces derniers avec de nombreux composés en poudre permet aux flammes de prendre des teintes allant du violet au rouge.

Une torche est un instrument qui se présente sous la forme d’un bâton que l’on enflamme à une extrémité pour pouvoir éclairer.

A torch is a stick with combustible material at one end, which is ignited and used as a light source. Torches have been used throughout history, and are still used in processions, symbolic and religious events, and in juggling entertainment. In some countries "torch" in modern usage is the term for a battery-operated portable light.


Biographie.

Né en 1885 à Varsovie de petite noblesse terrienne, fils de Stanisław Witkiewicz, du clan Nieczuja, Witkiewicz passe son enfance et son adolescence à Zakopane, dans les Tatras, et reçoit une éducation très libérale. En 1910, il écrit un long roman, qui reste inédit de son vivant. Quatre ans plus tard, sa fiancée se suicide. Bouleversé, il part avec Bronisław Malinowski en Nouvelle-Guinée. À la déclaration de la Première Guerre mondiale, il s'engage dans l'armée du Tsar. La Pologne est alors en grande partie sous domination russe. Il revient ensuite dans son pays et développe sa théorie de la forme pure. Violemment contesté par ses contemporains, il écrira entre 1918 et 1926 plus de trente pièces, dont plusieurs ont été jouées à cette époque, et il peindra de nombreuses toiles.  Il s'est rendu célèbre par ses excentricités, sa consommation de peyotl ou encore son mauvais caractère. Le , il se suicide en se tranchant les veines de la gorge dans un champ du village de en Polésie (aujourd'hui en Ukraine), alors qu'il fuyait la progression des armées soviétiques qui avaient envahi la Pologne la veille.  Il ne commence à être plus largement reconnu qu'à la fin des années 1950, grâce aux mises en scène de Tadeusz Kantor et au livre collectif qui lui fut consacré en 1957. Son théâtre complet ne sera publié qu'en 1962, en Pologne. , souligne Anna Fiałkiewicz-Saignes.

Carrière littéraire.

Le dramaturge.

Tout comme les avant-gardistes de son époque, Witkacy n'était pas vraiment désireux de conquérir la notoriété du grand public. Il fut méconnu et ignoré de son vivant : une dizaine de ses pièces seulement (sur la trentaine que comportait son œuvre) furent jouées avant la guerre. Ses œuvres ne rencontrèrent aucun succès ; la critique l'éreinta, lui reprochant d'écrire des pièces absurdes et incompréhensibles, de se complaire dans un non-sens gratuit et de se moquer du public. Il contre-attaqua par des articles polémiques défendant le seul théâtre possible à ses yeux : celui de la « forme pure ». Il connut néanmoins une certaine notoriété en Bohême polonaise, et entretint des relations épistolaires suivies avec des philosophes polonais, britanniques et allemands. "Les Cordonniers" ("Szewcy") et "La Mère" ("Matka") marquent le sommet de son œuvre dramatique.  Son appartenance à un idéal théâtral qui le conduisit à une dramaturgie neuve le rapproche de l'écrivain symboliste Maeterlinck ou d'Ibsen par certains thèmes.  La « théorie de la Forme Pure » de Witkacy a influencé le théâtre de Tadeusz Kantor.

Le romancier.

, souligne Anna Fiałkiewicz-Saignes.  En 1927, il publie "L'Adieu à l'automne" ("Pożegnanie jesieni") et, en 1930, "L'Inassouvissement" ("Nienasycenie"), romans de facture très originale où la psychologie et la philosophie prennent la plus grande part, mais dont l'intrigue politico-sociale est aussi une satire féroce de la Pologne nationaliste et populiste de l'entre-deux guerres.  D'une manière générale, il est considéré comme un auteur particulièrement difficile. Il réunit en lui un grand nombre de tendances communes aux différentes avant-gardes de l'époque. Il produisit de nombreux drames, romans, articles et essais philosophiques.

Stanisław Ignacy Witkiewicz (dit Witkacy (contraction de WITKiewicz ignACY ou comme les noms latins polonisés: Horatius-"Horacy"), né le à Varsovie et mort le à Jeziory Wielkie, en Polésie (aujourd'hui Velyki Ozera en Ukraine), est un dramaturge, philosophe, pamphlétaire, peintre, photographe et romancier polonais.  Il a touché par son immense curiosité d'homme de la Renaissance tous les domaines intellectuels et artistiques du . Il fut membre du premier groupe polonais avant-gardiste, "formisme", auteur de la théorie esthétique de la Forme Pure, créateur de l’Entreprise Portraitiste.

Stanisław Ignacy Witkiewicz (; 24 February 188518 September 1939), commonly known as Witkacy, was a Polish writer, painter, philosopher, theorist, playwright, novelist, and photographer active before World War I and during the interwar period.


Description anatomique.

Ce canal prolonge l'épididyme à l'arrière du testicule, passe par le cordon spermatique, puis au-dessus de la vessie avant de rentrer dans la prostate où il devient le canal éjaculateur avant de rejoindre l'urètre.  Les canaux déférents sont symétriques, et de longueur, diamètre et conformations parfois légèrement différentes. La muqueuse interne du canal déférent est constituée d'épithélium prismatique pseudostratifié ; de longues cellules portent en surface des stéréocils, au-dessus d'un tissus conjonctif sous-épithélial. Une gaine extérieure musculaire est composée de trois couches mal différentiées qui contribuent par des contractions rythmées à la circulation des spermatozoïdes et du liquide spermatique. Ces trois couches internes sont dites 1) longitudinale, 2) médiane (ou moyenne) annulaire et 3) externe longitudinale. Chacune de ces cellules musculaires lisses obtient sa propre innervation nerveuse, ce qui permet une grande vitesse de contraction lors de l’éjaculation.  Le diamètre de la lumière (diamètre de l'intérieur du canal) mesuré chez des sujets vasectomisés ou lors d'autopsies est de , mais avec des différences parfois marquées entre les canaux gauche et droit ou les différentes parties d'un même canal, entre la zone proximale (début) et distale (fin) de ce canal.  Le canal déférent est un conduit dur mesurant environ de diamètre ; subdivisé en six segments :

Fonctions.

Même "in vitro", ce canal est capable de motilité spontanée avec des contractions croissantes de l'épididyme vers l'urètre. il semble être commandé par la teneur en noradrénaline des différentes parties du canal ; ce qui semble plausible étant donné que l'éjaculation est commandée par le système nerveux sympathique.  La fermeture (occlusion pathologique ou vasectomie) de ce canal n'empêche pas les testicules de continuer à produire des spermatozoïdes, bien que certaines observations laissent penser qu'il puisse y avoir une dégénérescence des tissus testiculaires, surtout si la fermeture du canal est proche du testicule. Des spermatozoïdes mobiles peuvent réapparaître dans le sperme de certains patients après que la chirurgie a réparé une continuité vasale même après plusieurs années de vasectomie ou après des années de fermeture congénitale du canal. La destruction du canal est appelée vasectomie.  Le cordon spermatique, contenant le segment funiculaire du déférent, renferme également les artères, veine et nerf du testicule et du muscle crémaster.

Le canal déférent ou spermiducte est chez les mammifères le canal qui permet aux spermatozoïdes de sortir de chacun des testicules et de rejoindre la prostate. Il appartient à l'appareil reproducteur masculin. Il correspond à l'urodeum des oiseaux.  Les canaux déférents constituent, avec les vésicules séminales et les canaux éjaculateurs, les voies spermatiques, dont la longueur globale mesure chez l'homme .

The vas deferens (Latin: "carrying-away vessel"; plural: vasa deferentia), also called ductus deferens (Latin: "carrying-away duct"; plural: ductus deferentes), is part of the male reproductive system of many vertebrates; these ducts transport sperm from the epididymis to the ejaculatory ducts in anticipation of ejaculation. It is a partially coiled tube which exits the abdominal cavity through the inguinal canal.


Famille et origines.

Lothar von Richthofen est le troisième des quatre enfants de l'officier de cavalerie Albrecht Freiherr von Richthofen (1859–1920) et de Kunigunde née von Schickfus und Neudorff (1868–1962). Il est un descendant du général Léopold Ier d'Anhalt-Dessau. Lothar von Richthofen est le frère cadet du plus célèbre des pilotes de chasse allemands de la Première Guerre mondiale, Manfred von Richthofen, le « Baron Rouge ».

Guerre mondiale.

Lorsque la guerre éclata, Lothar von Richthofen était à l'école de guerre de Dantzig. Il entra dans le conflit au sein de son régiment, le de dragons « von Bredow ».  Sur proposition de son frère, Lothar von Richthofen se fit muter dans l'armée de l'air (les Luftstreitkräfte) en 1915, et reçut la formation de pilote. Après avoir passé quelque temps dans une escadrille de bombardement, il entra dans l'escadrille de chasse Jasta 11 sous le commandement de son frère aîné en mars 1917.  Le Lothar et Manfred von Richthofen furent appelés en tant qu'observateurs du traité de Brest-Litovsk dans la ville biélorusse. Lothar von Richthofen resta ainsi en Biélorussie jusque mi- avant de retourner dans la Jasta 11.  Jusqu'à la fin de la guerre, il obtint quarante victoires aériennes, et passa pour l'un des pilotes de chasse les plus efficaces de la Première Guerre mondiale, plus efficace encore que son célèbre frère, au regard du nombre de victoires par mission.

Après guerre.

Le , Lothar von Richthofen épousa la comtesse Doris Katharina Margarete Magdalene von Keyserlingk à Cammerau (près de Schweidnitz, Silésie, alors sous la République de Weimar). Ils ont deux enfants : Carmen Viola (1920) et Wolf Manfred (1922).  En 1921 il trouva un emploi de simple pilote pour une compagnie de poste allemande, la « Deutschen Luft-Reederei ». C'est lors d'un vol le entre Berlin et Hambourg que Lothar von Richthofen s'écrasa avec son avion dans le quartier Hambourg-Fuhlsbüttel lors de la procédure d'approche. Sa passagère, l'actrice américaine Fern Andra, survécut au crash, mais Lothar von Richthofen succomba le même jour à ses blessures.  Il fut enterré le aux côtés de son père dans le cimetière militaire de Schweidnitz (Silésie, sous la République de Weimar). En 1945 la Pologne détruisit le cimetière. De nos jours un terrain de football se trouve à sa place.

Œuvres influencées par Lothar Von Richthofen.

Fiction.

Von Richthofen est un des compagnons de Richard Francis Burton dans la saga littéraire de science-fiction "Le Fleuve de l'éternité" ("Riverworld", 1966-1993) de Philip José Farmer.

Le baron Lothar Siegfried von Richthofen, né le à Breslau (Silésie prussienne, Empire allemand) et mort le à Hambourg (sous la République de Weimar), est un pilote de chasse allemand de la Première Guerre mondiale.

Baron Lothar Siegfried von Richthofen ("Lothar Siegfried Freiherr von Richthofen" in German; 27 September 1894 – 4 July 1922) was a German First World War fighter ace credited with 40 victories. He was a younger brother of top-scoring ace Manfred von Richthofen (the "Red Baron") and a distant cousin of Luftwaffe Field Marshal Wolfram von Richthofen.  Following the war he worked for a while on a farm before taking an industrial position. He married in June 1919 and had two children. Yearning for aviation he accepted a position as a pilot, conveying passengers and postal mail between Berlin and Hamburg.  He died aged 27 on 4 July 1922 in a flying accident at Fuhlsbüttel.


Première phase.

Le plan du chef d'état-major austro-hongrois Franz Conrad von Hötzendorf prévoyait une avance rapide des et armées austro-hongroises vers Brest-Litovsk afin de couper la voie ferrée stratégique de Kiev à Varsovie tandis que la armée austro-hongroise devait se maintenir dans la région de Stanislav (actuelle Ivano-Frankivsk) pour protéger la Bucovine.  L'offensive austro-hongroise en Pologne russe, victorieuse dans un premier temps à la bataille de Krasnik () puis à la bataille de Komarow () ne réussit pas à conserver son avantage : la armée austro-hongroise est repoussée par la armée russe à la (Hnyla Lypa) les 29 – 30 août.

Deuxième phase.

Du 6 au 11 septembre, la russe réussit à percer une brèche entre les et armées austro-hongroises à la bataille de Rava-Rouska. L'attaque contraint les Austro-Hongrois à abandonner leur base principale à Lemberg et à se replier de dans les Carpates. À l'exception de la forteresse de Przemysl assiégée par la armée russe, les Russes occupent toute la Galicie.  La confiance que les Allemands portent dans leur allié austro-hongrois, qui compte disparus (tués, blessés, déserteurs ou faits prisonniers) lors de la campagne en Galicie, est sévèrement entamée. Il devient clair également que les Russes préparent de nouvelles attaques et que les Austro-Hongrois ne peuvent résister à l'offensive russe sans une aide massive des Allemands. Ceux-ci, qui viennent de remporter sur les Russes la bataille de Tannenberg (), ont désormais l'avantage à l'est.

Ordre de bataille.

Forces russes.

Commandant en chef – Nikolaï Ivanov, chef d'état major – Mikhail Alekseïev

La bataille de Lemberg est un épisode du début de la Première Guerre mondiale. Elle oppose l'Empire russe à l'Empire austro-hongrois au cours des mois d' et de .

The Battle of Galicia, also known as the Battle of Lemberg, was a major battle between Russia and Austria-Hungary during the early stages of World War I in 1914. In the course of the battle, the Austro-Hungarian armies were severely defeated and forced out of Galicia, while the Russians captured Lemberg and, for approximately nine months, ruled Eastern Galicia until their defeat at Gorlice and Tarnów.


Principe général.

Les joueurs disposent tous d'un jeu de pièces identiques en début de partie. Chaque joueur à son tour place une de ses pièces sur le tablier en respectant les règles de pose. Lorsque plus aucun joueur ne peut poser de pièce, la partie s'achève et on compte les points.

Règle du jeu.

Mise en place.

Au départ, le tablier est vide de toute pièce. Chaque joueur reçoit un jeu de pièces qu'il dispose devant lui comme il le souhaite. Les joueurs sont placés autour de la table dans l'ordre suivant : bleu, jaune, rouge, vert. Chacun a devant lui un coin du tablier de jeu.

But du jeu.

Placer le plus de pièces possible. Les pièces restant en main à la fin de la partie détermineront un score négatif.

Déroulement.

On joue officiellement selon l'ordre suivant : bleu, jaune, rouge, vert.  Le premier joueur (bleu) place une de ses 21 pièces sur le tablier. Cette première pièce doit recouvrir la case d'angle du plateau qui est devant lui. Jaune, Rouge puis Vert font de même.  Les joueurs posent ensuite une pièce à tour de rôle, chaque nouvelle pièce devant en toucher une de sa couleur par au moins un angle, mais des pièces de même couleur ne peuvent jamais se toucher par un côté.

Fin de partie et vainqueur.

Dès qu'un joueur ne peut plus jouer de pièce, il abandonne. Il est possible qu'un joueur qui peut encore placer des pièces joue seul plusieurs fois de suite à la fin de la partie.  Lorsque tous les joueurs ont abandonné, la partie est terminée.  Le vainqueur est alors celui qui a le score le plus élevé. Chaque joueur marque :

Compétitions.

Le jeu est devenu très populaire et des nombreuses compétitions sont organisées dans plusieurs pays (France, Canada, États-Unis, Australie…).  Jusqu'au , sur le site blokus.com, un classement était établi en temps réel pour les joueurs en ligne et des tournois sont régulièrement organisés. Le site a été fermé par Mattel, disant "il ne répond pas à nos normes de jouabilité".  Depuis 2006, chaque année, deux tournois confèrent le titre de « champion de Blokus » : un tournoi européen et un autre sur le continent américain.  Les tournois européens ont eu lieu en France (Parthenay 2006, Provins 2007) et en Belgique (Brabant-Wallon 2008, 2009, 2010, 2011,2013, Dinant en 2012). Les tournois américains ont eu lieu à Ottawa (2007), Montréal (2008), Toronto (2011) et Chicago (2012)

Blokus duo.

Blokus duo est une adaptation de Blokus pour deux joueurs. Les pièces sont plus petites et le tablier ne mesure que 196 cases (14x14).  Les règles sont identiques à celles de Blokus. Toutefois, le point de départ de chaque joueur est placé comme dans la variante "contact rapide" à 5 cases du coin en diagonale. Les deux joueurs doivent donc commencer chacun sur un des deux points prédéterminés sur le plateau de jeu. Ces deux points sont clairement indiqués et se font face.

Blokus trigon.

Blokus trigon reprend le même principe que Blokus mais avec des pièces formées de 1 à 6 triangles équilatéraux adjacents.  Chaque joueur dispose de 22 pièces :  Le tablier est un hexagone composé de 486 cases triangulaires. Chaque côté compte 9 triangles. Les points de départ sont situés au centre de la quatrième ligne de chacun des six côtés. Il existe donc 6 points de départ et chaque joueur peut choisir librement son point de départ à son tour d'entrer en jeu.  Blokus trigon est plus adapté que son aîné au jeu à trois joueurs. En effet, il est possible d'éliminer une couleur et la ligne la plus à l'extérieur afin de ne jouer qu'a trois joueurs.

Blokus 3D.

Blokus 3D est particulier au sein de la famille des jeux "Blokus": il reprend en effet le design général, les couleurs et les formes "Tétris" de Blokus, tout en proposant un concept de jeu tiré du jeu Rumis. Les deux jeux sont d'ailleurs du même auteur Stefan Kögl.  L'objectif consiste à empiler des pièces afin de faire en sorte d'avoir la majorité des cubes situés sur le dessus à la fin de la partie.

Blokus est un jeu de société créé par Bernard Tavitian en 2000, édité par Sekkoïa et distribué en France par Winning Moves.  Pour 2 à 4 joueurs, à partir de 7 ans pour environ 20 minutes.

Blokus ( ) is an abstract strategy board game for two to four players, where players try to score points by occupying most of the board with pieces of their colour. It was invented by Bernard Tavitian and first released in 2000 by Sekkoïa, a French company. It has won several awards, including the Mensa Select award and the 2004 Teacher's Choice Award. In 2009, the game was sold to Mattel.


Histoire des collections.

Les collections du musée ont pour point de départ les œuvres d’art réunies au fil des siècles par la famille des stathouders. Après la fuite du dernier stathouder Guillaume V en 1795, le gouvernement de la République batave fait main basse sur ce qui reste de la collection. Les Français emmenent à Paris par bateau la plus grande partie de celle-ci. Le , à l’initiative d’Alexander Gogel, alors ministre des Finances, la décision est prise de placer les œuvres restantes – constituées d’art italien, de portraits de la famille d’Orange et de raretés du patrimoine national – dans un musée national, suivant ainsi l’exemple français.  Le musée, sous le nom d’origine de "Nationale Kunst-Galerij" (« Musée d’art national »), ouvre ses portes le dans la Huis ten Bosch de La Haye, bâtiment qui est confisqué lui aussi. Le collectionneur d’art amstellodamois Cornelis Sebille Roos (1754-1820) est le premier directeur du musée et, de ce fait, il est, en collaboration avec Gogel, responsable des premières acquisitions, parmi lesquelles "Le Cygne menacé" de Jan Asselyn. En 1806, le frère de Napoléon Bonaparte, Louis Bonaparte monta sur le trône comme roi de Hollande, et l’institution prit alors le nom de "Koninklijk Museum" (« Musée royal »).  En 1808, Louis Bonaparte fait déménager le musée à Amsterdam où, à partir de 1809, il est abrité en même temps que la collection artistique de la ville (dont "La Ronde de nuit") à l’étage supérieur du Paleis op de Dam. Le nouveau directeur, Cornelis Apostool (1762-1844), est chargé de l’établissement du catalogue des objets. En 1817, la collection du "Rijks Museum" – comme il s’appelle alors depuis l’accession au trône de Guillaume – est transférée dans la "Trippenhuis", un bâtiment construit au par une famille d’armuriers. La maison accueille également la collection d’estampes de La Haye, tandis que les objets historiques rejoignaient le Cabinet des curiosités, construit à La Haye en 1820. Sous la direction d’Apostool, contrairement à ce qui est le cas avec Roos son prédécesseur, les acquisitions importantes sont rares. L’acquisition de la collection que le banquier d’Amsterdam Adriaan Van der Hoop avait léguée en 1854 à la municipalité allait dès lors de soi. Cependant, on ne pensait pas alors que l’intérêt des deux cent vingt-quatre peintures suffirait à attirer les étrangers dans la ville. Les autorités posèrent comme condition que florins sur les auxquels se montaient les droits de succession fussent payés par des contributions privées volontaires. Ainsi, si quelques citoyens aisés n’avaient pas eu le désir de garder aux Pays-Bas ces œuvres, celles-ci se seraient retrouvées pour la plupart sans doute dispersées hors des frontières du pays.  En 1885, la construction du Rijksmuseum actuel, sur les plans de Pierre Cuypers, était achevée (voir Histoire des bâtiments). Ce bâtiment n’accueillit pas seulement les collections citées précédemment, mais aussi la collection d’œuvres de maîtres contemporains qui se trouvait depuis 1838 à Haarlem, et celle du "Nederlandsch Museum voor Geschiedenis en Kunst" (« Musée néerlandais d’histoire et d’art ») de La Haye, laquelle constitua la base du département Histoire néerlandaise.  Au moment de la Seconde Guerre mondiale, le directeur de l'époque, Frederick Schmidt-Degener (1881-1941), prit la décision dès l'annonce du conflit de mettre en sécurité les œuvres les plus importantes. Celles-ci furent dans un premier temps transportées dans les abris antiaériens situés près de Zandvoort et Heemskerk. Par la suite, en avril 1942, elles furent de nouveau déménagées et placées dans une salle forte spécialement aménagée dans des galeries souterraines de la montagne Saint-Pierre, aux environs de Steenwijk et Maastricht. Les œuvres ne quittèrent cependant pas toutes Amsterdam, puisque le musée restera ouvert au public durant les années de guerre.  En 2008, Wim Pijbes (né en 1961) fut désigné comme successeur de Ronald De Leeuw au poste de directeur général. Ce que Pijbes considère comme sa mission la plus importante est de replacer en tête de l’agenda « "de urgentie" » (« l’urgence ») du Rijksmuseum. Il qualifie de « funeste » la mesure prise de fermer le musée pour une période de dix ans et souhaite canaliser toutes les énergies pour que la réouverture ait lieu dans les plus brefs délais. Pour cette raison, une partie du bâtiment principal fut de nouveau temporairement accessible aux visiteurs. Durant les week-ends du et du , le public eut l’occasion de voir les décorations murales perdues, qui ont fait l’objet d’une restauration pendant les quatre années précédentes.

Histoire des bâtiments.

Pieter Cuypers.

En 1863, la construction d’un nouveau bâtiment pour le Rijksmusem fit l’objet d’un concours, mais aucun des projets soumis ne fut jugé d’une qualité suffisante, ce qui donna lieu, en 1876, à l'organisation d'un second concours.  C'est Pierre Cuypers (1827-1921) qui l'emporta ; celui-ci avait déjà participé la première fois, mais son projet n'avait obtenu, alors, que la deuxième place. Le projet de Cuypers qui fut finalement retenu était une combinaison d’éléments gothiques et de style Renaissance.  La construction commença le . À l’intérieur autant qu’à l’extérieur, le bâtiment fut richement décoré avec des références à l’histoire de l’art néerlandais, des décorations qui firent elles aussi l’objet d’un concours, remporté par Bart Van Hove (1850-1914) et François Vermeylen (1824-1888) pour les sculptures, Georg Sturm (1855-1923) pour les tableaux en céramique et les peintures, et le Londonien W.F. Dixon pour les vitraux.  Le musée ouvrit ses portes à sa nouvelle adresse le . La façade avant du musée est située sur le "Stadhouderskade" mais, de l’autre côté, l’édifice occupe une place de choix de la "Museumplein", parmi d’autres édifices culturels construits ultérieurement, le Concertgebouw (1888), le Stedelijk Museum (1895) et le Musée Van Gogh (1973).  En 1890, une annexe fut ajoutée au Rijksmuseum. Cette construction fut réalisée à partir de fragments de bâtiments démolis et donne une vue d’ensemble de l’histoire de l’architecture néerlandaise. En 1906, la salle abritant "La Ronde de nuit" fut reconstruite. L’intérieur connut d’autres aménagements ; ainsi, entre les années 1920 et 1950, la plupart des décorations multicolores des murs furent-elles repeintes.  Dans les années 1960, des salles d’expositions et plusieurs étages furent construits dans les deux cours. Le bâtiment connut encore quelques travaux de restauration en 1984, en 1995-1996 – transformation de l’aile sud du musée (dix-sept salles), désigné aujourd’hui sous le nom d’aile Philips (du nom de l’un des sponsors) – et 2000.

Le « nouveau » Rijksmuseum.

De 2003 jusqu’en 2013, le Rijksmuseum est restauré et rénové sur les plans des architectes espagnols Antonio Cruz et Antonio Ortiz tandis que les galeries intérieures et la muséographie sont confiées à l'architecte français Jean-Michel Wilmotte. Ces travaux concernent la remise à neuf de nombreuses décorations intérieures et l’enlèvement du revêtement des cours. Durant ces travaux, seules quatre cents environ parmi le million de pièces de la collection permanente sont présentées dans une exposition appelée "Les Chefs-d’œuvre", qui se tient dans l'« aile Philips ».  En , à la suite de mesures prises par l’Inspection du travail, le Rijksmuseum dut fermer quelques jours ses portes au public, car des particules d’amiante avaient été détectées. Au début du mois de décembre de la même année, une grande partie du musée fut fermée pour cause de transformations. Celles-ci, qui au départ étaient prévues pour quelques années, devraient finalement prendre dix ans environ, à la suite de divers ralentissements. Le , on annonça en effet que la réouverture était repoussée au premier semestre de l’année 2013. Entre-temps, l’« aile Philips » du musée reste ouverte aux visiteurs, de même qu’une dépendance de l’institution, qui se trouve derrière la douane de l’aéroport de Schiphol.  À Amsterdam, une question a suscité bien des débats, celle de savoir si le passage permettant aux cyclistes et au piétons de se rendre de la "Museumplein" au centre-ville resterait ouvert. Le Rijksmuseum avait pour projet de déplacer l’entrée principale du musée à l’endroit de ce passage, mais beaucoup d’Amstellodamois ont craint que cela ne laisserait pas suffisamment d'espace pour pouvoir encore y circuler facilement. Au printemps 2005, les autorités de l’arrondissement "Oud-Zuid" prenaient la décision de refuser le projet de construction à l’endroit du passage, le jugeant non-conforme au plan d’urbanisme. Au printemps 2006, un projet adapté fut présenté, qui envisage toujours de placer l’entrée du musée dans le passage en question, mais en laissant suffisamment de place aux cyclistes.  Le montant de ces lourds travaux s’élève à 222 millions d’euros. Pendant leur durée, la "Ronde de nuit" est présentée dans la nouvelle « aile Philips » en même temps que tous les principaux tableaux du que le musée possède. La "Ronde de nuit" retourne dans la salle qui lui est consacrée, au bout de la Galerie d’honneur.  En 2012, le musée prend une initiative inhabituelle en rendant disponibles en haute résolution sur sa plateforme en ligne Rijksstudio, en annonçant que nouvelles images seraient ajoutées chaque année jusqu'à ce que l'intégralité de sa collection d'un million d'objets soit diffusée. Les reproductions d’œuvres appartenant au domaine public sont placées sous licence CC0, ainsi que leurs métadonnées, ce qui autorise leur libre réutilisation, y compris à des fins commerciales.

Collections et départements.

Le Rijksmuseum comprend trois départements principaux :

Beaux-Arts.

Peinture.

Les collections de peintures offrent une aperçu de l’art néerlandais du jusqu’à 1900 environ, avec un accent plus particulier sur les maîtres hollandais du . Une partie des collections concerne également les maîtres de l’école flamande et ceux de l’école italienne, notamment.  Les étages supérieurs des deux ailes du bâtiment comportent également des œuvres d'art moderne datant de 1900 à 2000 (d'art nouveau, du groupe CoBrA notamment, avec Karel Appel).  Les collections comprennent des œuvres d’artistes tels que Rembrandt et les élèves de ce dernier, mais aussi Johannes Vermeer, Frans Hals, Jan Steen, et d'autres.

Autres peintres.

Parmi les autres peintres représentés figurent Hendrick Avercamp, Willem Pietersz. Buytewech, Carel Fabritius, Gabriel Metsu, Gerard ter Borch, Hendrick ter Brugghen, Bartholomeus van der Helst, Gerard van Honthorst, Jacob van Ruisdael, Jan van Scorel, George Hendrik Breitner, Jan Veth ou encore les Flamands Jacob Jordaens, Antoine van Dyck et Pierre-Paul Rubens.

Points d’orgue.

Le musée abrite différents chefs-d’œuvre. Parmi ceux-ci, les plus importants et les plus monumentaux sont présentés dans la galerie d’honneur, une grande salle dans l’axe longitudinal du musée. C’est au bout de cette salle que se trouve l’œuvre sans doute la plus connue du musée, "La Ronde de nuit" de Rembrandt.

Sculpture et Arts décoratifs.

La collection Sculpture et Arts décoratifs comprend des sculptures, du mobilier et des lambris, des pièces d’orfèvrerie, de la céramique, des objets d’art en verre, en matière textile, ou en métal, et de nombreux autres types d’objets. Cette collection, bien qu’y soit laissée une place plus large à l’art néerlandais, possède elle aussi un caractère international.

Art asiatique.

La collection d’art asiatique provient en majeure partie de la "Vereniging van Vrienden der Aziatische Kunst" (l’« Union des Amis de l’art asiatique ») et donne un aperçu du développement, entre autres de l’art chinois, japonais et indien, d’un point de vue asiatique. Des porcelaines d’exportation chinoises et japonaises, ainsi que des meubles coloniaux font cependant également partie de cette collection.

Atelier de restauration.

Le Rijksmuseum dispose également d’un atelier de restauration pour la conservation et les travaux de restauration d’œuvres d’art.

Bibliothèque.

La "Rijksmuseum Research Library" fait partie du Rijksmuseum, et constitue le plus vaste centre de documentation public aux Pays-Bas spécialisé dans l’histoire de l’art.

Le ' (, traduit en français par « musée d'État d'Amsterdam »), plus couramment abrégé en ', est un musée national néerlandais, situé dans la capitale Amsterdam et consacré aux beaux-arts, à l’artisanat et à l’histoire du pays. Il est le plus important musée des Pays-Bas quant à la fréquentation et au nombre d'œuvres d'art avec plus de en 2014 pour un fonds d'environ un million de pièces.  Situé entre le Stadhouderskade et la Museumplein (également connue en français en tant que place du Musée), dans le Museumkwartier (Oud-Zuid), il présente au public, à travers plus de 200 salles d’expositions, une vaste collection d'art, principalement de peintures du siècle d'or néerlandais ; au Rijksmuseum est notamment attaché le "" (« Cabinet national des estampes »). Le musée possède en outre une riche collection d’objets d'art asiatiques.

The Rijksmuseum (; ) is a Dutch national museum dedicated to arts and history in Amsterdam. The museum is located at the Museum Square in the borough Amsterdam South, close to the Van Gogh Museum, the Stedelijk Museum Amsterdam, and the Concertgebouw.  The Rijksmuseum was founded in The Hague on 19 November 1798 and moved to Amsterdam in 1808, where it was first located in the Royal Palace and later in the Trippenhuis. The current main building was designed by Pierre Cuypers and first opened in 1885. On 13 April 2013, after a ten-year renovation which cost € 375 million, the main building was reopened by Queen Beatrix. In 2013 and 2014, it was the most visited museum in the Netherlands with record numbers of 2.2 million and 2.47 million visitors. It is also the largest art museum in the country.  The museum has on display 8,000 objects of art and history, from their total collection of 1 million objects from the years 1200–2000, among which are some masterpieces by Rembrandt, Frans Hals, and Johannes Vermeer. The museum also has a small Asian collection, which is on display in the Asian pavilion.


Genèse.

Ravel et Colette, âgés respectivement de 25 et 27 ans, se rencontrèrent pour la première fois en 1900 dans le salon musical de Marguerite de Saint-Marceaux que fréquentent également Claude Debussy et Gabriel Fauré. Le contact fut plutôt froid avec un Ravel intimidé dont Colette nota « [l'] air distant » et le « ton sec ». Cependant elle avoua éprouver pour sa musique un « attachement auquel le léger malaise de la surprise, l'attrait sensuel et malicieux d'un art neuf ajoutaient des charmes ». Quatorze années passèrent avant que le chemin des deux artistes ne se croise à nouveau. En 1914, Colette fut sollicitée par Jacques Rouché, directeur de l'Opéra de Paris, pour écrire un livret de ballet-féerie. Elle rédigea alors en moins de huit jours un court poème en prose qu'elle intitula "Ballet pour ma fille", et le présenta à un Rouché enthousiaste.  Rouché avait vu juste : la genèse de l'œuvre fut longue et difficile. Ravel en accepta le livret mais dut bientôt partir pour le front, en 1916, près de Verdun.  L'année 1917, au cours de laquelle mourut la mère du compositeur, fut marquée par la composition du "Tombeau de Couperin", seule œuvre composée au cours d'une période extrêmement douloureuse pour le musicien qui se mura dans l'isolement. Ce n'est qu'au début de 1919 que Ravel sortit de son silence :  Après que Raoul Gunsbourg, directeur de l'Opéra de Monte-Carlo, lui eut fait signer un contrat, Ravel se mit activement au travail. L’œuvre, achevée en 1924, fut créée le à l'Opéra de Monte-Carlo sous la direction du chef d'orchestre et compositeur Victor de Sabata.

Composition.

L’œuvre est écrite pour un orchestre normal auquel on a ajouté une flûte à coulisse, des crotales, un fouet, une crécelle, une râpe à fromage, des wood-blocks, un éoliphone (imitation du vent), et un luthéal.  Les divers moments, les sortilèges qui font vivre les meubles et parler les animaux, sont en fait des pastiches de divers styles de musique : par exemple, pour le fauteuil et la bergère, on a un menuet à l'harmonie dissonante, ou bien pour l'arithmétique, on peut reconnaître un rythme de polka.

Création.

L'œuvre a été créée le à l'Opéra de Monte-Carlo dans une chorégraphie de George Balanchine.

L'histoire.

Dans une vieille maison de campagne, au beau milieu de l'après-midi, un enfant de sept ans est assis, grognon, devant ses devoirs d'école. La mère entre dans la pièce et se fâche devant la paresse de son fils. Puni, il est saisi d'un accès de colère : il jette la tasse chinoise et la théière, martyrise l'écureuil dans sa cage, tire la queue du chat ; il attise la braise avec un tisonnier, renverse la bouilloire ; il déchire son livre, arrache le papier peint, démolit la vieille horloge. "« Je suis libre, libre, méchant et libre !… »" Épuisé, il se laisse tomber dans le vieux fauteuil… mais celui-ci recule. Commence alors le jeu fantastique. Tour à tour, les objets et les animaux s'animent, parlent et menacent l'enfant pétrifié. Dans la maison, puis dans le jardin, les créatures exposent une à une leurs doléances et leur volonté de vengeance. Alors que l'enfant appelle sa maman, toutes les créatures se jettent sur lui pour le punir. Mais avant de s'évanouir, il soigne un petit écureuil blessé dans le tumulte. Prises de regret, les créatures lui pardonnent et le ramènent à sa mère en l'appelant en chœur avec lui. L’œuvre se termine par les deux syllabes chantées par l'enfant : « maman ».

Rôles.

Différents chœurs représentent également les Pastoures, les Pâtres, les Rainettes, les Loups, le Banc, le Canapé, le Pouf, la Chaise de paille et les Chiffres.

Analyse.

"L'Enfant et les Sortilèges" est une succession de tableaux indépendants mêlant une multitude de genres musicaux, du jazz au foxtrot en passant par un ragtime, une polka, un duo miaulé, une valse et, en conclusion, une pièce chorale. Ce fut pour Ravel l'occasion de démontrer l'ampleur de son génie orchestral, déployant toute sa palette et ayant recours, pour traduire les onomatopées dont regorge le livret de Colette, à des instruments pour le moins inhabituels : râpe à fromage, crécelle à manivelle, fouet, crotales, wood-block, éoliphone, flûte de lotus. Plus proche des actuelles comédies musicales que d'un opéra, "L'Enfant et les Sortilèges" est une œuvre sans équivalent dans le répertoire ravélien. Il exprime la sensibilité du compositeur en même temps que son goût pour la féerie et la minutie de son orchestration. Son art s'accommode à merveille avec l'humour et le non-conformisme de Colette. Mais comme souvent avec les œuvres singulières, l'accueil fut mitigé lors de la création, le , devant le public monégasque. Pourtant, le succès de cet opéra, aussi bien auprès des enfants que des adultes (car les niveaux d'interprétation sont nombreux), ne s'est jamais démenti depuis.  Durée de l'œuvre : environ 45 minutes

L'Enfant et les Sortilèges est une fantaisie lyrique en deux parties composée par Maurice Ravel entre 1919 et 1925, en collaboration avec Colette qui en a écrit le livre (intitulé initialement "Ballet pour ma fille"). Il s'agit de la seconde et dernière fantaisie lyrique de Ravel, après "L'Heure espagnole" (1907).  Chef-d'œuvre d'orchestration, "L'Enfant et les Sortilèges" est parfois donné en version de concert en raison des contraintes techniques considérables de sa mise en scène. Il reste en outre rarement représenté dans le monde du fait de la difficulté de sa traduction depuis le français.  L'œuvre porte la référence M.71, dans le catalogue des œuvres du compositeur établi par le musicologue Marcel Marnat.

L'enfant et les sortilèges: Fantaisie lyrique en deux parties ("The Child and the Spells: A Lyric Fantasy in Two Parts") is an opera in one act, with music by Maurice Ravel to a libretto by Colette. It is Ravel's second opera, his first being "L'heure espagnole". Written from 1917 to 1925, "L'enfant et les sortilèges" was first performed in Monte Carlo in 1925 conducted by Victor de Sabata.  After being offered the opportunity to write a musical work, Colette wrote the text in eight days. Several composers had proposed to Colette that she write to music, but she was only excited by the prospect of Ravel.


Naissance et épanouissement d'une vocation.

Juan Leovigildo Brouwer Mesquida est né à La Havane le . Il est le petit neveu d'Ernesto Lecuona y Casado, pianiste compositeur de renom et auteur de chansons populaires célèbres. Le jeune Leo est rapidement attiré par la guitare, à laquelle son père, biologiste passionné de Flamenco, l’initie :  Ce n’est cependant qu’à l’âge de 13 ans qu’il entreprend des études de guitare (il jouera également du violoncelle, du piano et des percussions). Sa rencontre avec Isaac Nicola (élève d’Emilio Pujol), qui sera son premier et unique professeur, s’avère capitale : il découvre les auteurs anciens tels que Luis de Milán, Luys de Narváez, Alonso Mudarra, Robert de Visée et Fernando Sor… un nouveau monde de sonorités qui va inexorablement l’attirer. Travaillant d'arrache-pied, il se révèle vite comme un musicien exceptionnel, son premier examen prenant l’allure d’un « récital auquel il ne manquait que le public ».  Dans le même temps, il prend conscience des grands vides du répertoire pour guitare, qu’il se donnera pour but de combler : De la composition et l’orchestration, il apprend tout, ou presque par lui-même, n’ayant « ni le temps ni l’argent » pour effectuer une formation académique complète. Dès 1954, il crée sa propre méthode de travail, passant des heures à analyser des partitions et à s’inventer des exercices d’écriture, dont certains deviendront des pièces célèbres, comme la "Fugue" ou les "Pièces sans titre" pour guitare solo.

La musique à Cuba.

Dès le début de la colonisation de Cuba, la musique liturgique et savante européenne influence les premières musiques de l'île, avec Miguel Velasquez, premier musicien cubain et chanoine de la cathédrale de Santiago de Cuba. Les premiers peuples de l'île n’ont laissé aucune trace musicale avant cela. À partir de 1513, la présence d’esclaves à Cuba joue un rôle fondamental dans l'histoire de la musique cubaine. Ces esclaves sont en grande majorité des Yoruba du Niger, des Bantous du Congo, des Arará du Dahomey (actuel Bénin), et des Abakuá. Ainsi les rythmes et les mélodies de ces peuples se mélangent peu à peu avec la musique folklorique cubaine. En 1791, sur l'île de Saint-Domingue, suite aux révoltes d’esclaves, certains français se voient dans l’obligation de fuir et une partie se réfugie à Cuba. De ce fait sont adoptés sur l'île cubaine le menuet, la gavotte, le passepied et surtout la contredanse française (de la contredanse à 2/4 viennent la danza, la habanera et le danzón, et de la contredanse à 6/8 viennent la clave, la criolla et la guajira) qui sera transformée en contradanza cubana, qui deviendra elle-même le premier genre musical de l'île à être exporté. Les serviteurs noirs qui ont immigré sur l'île avec les français, ont amené un élément rythmique fondamental : le cinquillo, qui va s’incorporer à de nombreux genres folkloriques cubains. Brouwer l'utilisera, de même que le tresillo. Beaucoup de danses importées à Cuba en sont reparties modifiées par leur contact avec la population à l'exception du zapateo que l'on peut associer au patrimoine du paysan blanc. Leo Brouwer en a d’ailleurs écrit un dans ses arrangements d’airs populaires cubains. Au , des changements s’opèrent : la musique classique prend son importance dans l'île. S’organisent des concerts privés et publiques où se jouent Mozart, Haydn, Pleyel, Gossec ou encore Pergolèse. Le clavecin et diverses formations de musique de chambre deviennent à la mode. En 1814, l’enseignement se développe avec la création de la première Académie de Musique. L’accompagnement se modifie et on obtient la Canción cubana, dont on peut retrouver le caractère dans la berceuse Canción de Cuna extraite des "Deux thèmes populaires cubains" arrangés par Leo Brouwer. Ignacio Cervantes (1847-1905) contribue à cette évolution de la musique cubaine. Il est l’un des grands compositeurs de ce siècle. Pianiste, il compose dans un style mélangeant la musique européenne avec les rythmes cubains. En 1886, à la suite de l’abolition de l’esclavage, la musique ancestrale africaine, qui n’a jamais cessé de se transmettre, va se pratiquer dans les « confréries de secours mutuel » regroupant chaque ethnie. En 1923, à la suite de la révolution avortée des vétérans et patriotes, quelques artistes ont pris l’habitude de se réunir et forment ainsi le Grupo Minorista. Le Minorismo est devenu un état d’esprit qui établit des liens avec des intellectuels en Europe, ce qui va permettre de découvrir des artistes tels que Pablo Picasso, Igor Stravinsky, James Joyce, Darius Milhaud, etc. En 1925, Amadeo Roldán inclut dans sa pièce symphonique Ouverture sur des thèmes cubains une section confiée uniquement à la batterie et utilise divers instruments afro-cubains. En 1942, à La Havane, se forme le Grupo de Renovación Musical sous la direction de José Ardévol, qui déclare : Brouwer s’inscrira naturellement dans la lignée de ce groupe.

Le guitariste.

Brouwer donne son premier concert au Lyceum de La Havane, à tout juste 16 ans. Il présente à cette occasion un panorama complet du répertoire pour guitare : Luis de Milán, Johann Sebastian Bach, Fernando Sor, Francisco Tárrega, Isaac Albéniz, Federico Moreno Torroba, Heitor Villa-Lobos… et termine par le prélude d’une suite qu’il a composée peu avant. Par la suite, il travaille avec la troupe de théâtre Los Juglares, accompagnant des chants de García Lorca lors d’un spectacle en hommage à lui.  En 1956, Leo Brouwer et Jesús Ortega, son ami, collègue et duettiste de toujours, deviennent membres du Cine Club Visión, association culturelle visant à promouvoir la musique, le théâtre (souvent engagé), l’art pictural et le cinéma. C’est l’occasion pour eux de se produire en solo et en duo. Ils interprètent aussi bien les œuvres des compositeurs les plus connus (leur premier concert est un brillant hommage à Villa-Lobos) que celles des compositeurs de musique populaire cubaine et en profitent pour jouer leurs propres pièces sous les noms de plume de Raoul Petit et Laurent Lichtemberg. En , Brouwer joue pour la première fois en concerto, celui du compositeur Nicaraguayen Luis Abraham Delgadillo, puis se produit un an après avec Ortega, au Premier Festival d’Art National de la Liberté.  De retour des États-Unis, Brouwer mène une intense carrière de concertiste : en 1962, il crée à Cuba ses "Trois danses concertantes" pour guitare et orchestre à cordes, puis offre sa première tournée internationale en Finlande et en URSS. Il joue en 1965 "le Concerto d'Aranjuez", et passe à la télévision cubaine en 1968, accompagné de son épouse, la chanteuse Yolanda Brito. À partir de 1970, il réalise de nombreux enregistrements, pour les plus grandes maisons d’édition telles que Deutsche Grammophon ou Erato. Son disque 12 sonates de Scarlatti par Leo Brouwer est sélectionné parmi les meilleurs enregistrements de l’année 1977 en Angleterre. Brouwer promeut le mélange des genres à travers ses concerts : lors de sa tournée en Italie en 1972, il établit une correspondance judicieuse entre les auteurs anciens et modernes (cf. programme ci-contre), présente l’année suivante avec le GESI le concert à succès Brasil-Cuba, donne en 1976 un récital intitulé "De Bach aux Beatles", joue en quatuor avec John Williams, Alirio Diaz et Rodrigo Riera… En 1979, lors d’une tournée en Europe de l’Est, il donne à Esztergom (où est également créée "Acerca del cielo, el aire y la sonrisa") un récital au cours duquel la durée des "bis" égale celle du programme. Il joue en 1982 son "Concerto de Liège" lors de la première édition du Festival International de Guitare de La Havane dont il est le fondateur, puis se produit à La Martinique, à Paris où il participe à un concert en hommage à Segovia, qui, dit-on, « lui réserva tous ses applaudissements », et enfin à Puerto Rico. Un accident de voiture blessant une de ses mains met fin à sa carrière de concertiste. Il aura donné près de 600 concerts, dans toute l’Europe et l’Amérique ainsi qu’au Japon.

Le chef d'orchestre.

Bien avant que ne s’interrompe sa carrière de guitariste, Brouwer avait déjà dirigé les plus grands orchestres du monde. Tout commença en 1960, où il reçut ses premiers cours de direction orchestrale à la Juilliard School of Music de New York, comme complément à ses études de composition. De retour à Cuba, il ne put cependant diriger aucun des orchestres, qui étaient à l’époque en restructuration ou en formation. La situation évolua à la fin des années 1960, Brouwer dirigea en particulier un groupe instrumental au Théâtre García Lorca de La Havane. En 1970, il dirigea ses propres œuvres "Exaedros I "et" II" avec deux formations prestigieuses : le Scottish National Symphony Orchestra et le Philharmonique de Berlin. Il allait par la suite diriger des formations parmi les plus importantes au monde, à Mexico, Londres, Toronto, Liège, Istanbul… En 1981, il fut nommé directeur général de l'Orchestre Symphonique National de Paris ainsi que de celui de Cuba. En 1992, il devint chef titulaire de l'Orchestre de Cordoue où il résida à mi-temps et avec lequel il se produisit régulièrement jusqu'en 2001. Aux programmes : Brouwer, bien sûr, mais aussi Beethoven, Mendelssohn, Tchaïkovski, Chostakovitch, Bartók, Britten, Copland, Joaquín Rodrigo… Le maestro affirme : "« Jouer, c'est communiquer avec le public. J'ai effectué une sorte de transposition et la direction m'a permis de conserver cette possibilité de communiquer de manière indirecte »". Brouwer a également réalisé de nombreux enregistrements en tant que chef d'orchestre, parmi lesquels plusieurs de ses concerti pour guitare, avec pour solistes Julian Bream, Costas Cotsiolis, Rey Guerra et Maria Esther Guzman. Il a été nommé en 1987 membre d'honneur de l'UNESCO en tant qu’interprète, compositeur, et pionnier en termes d’innovation musicale, distinction accordée à un nombre restreint d'artistes internationaux dont font partie Aram Khatchaturian, Pierre Boulez, Yehudi Menuhin, Ravi Shankar, Isaac Stern…

Le compositeur.

Les musicologues divisent généralement l'œuvre de Brouwer en trois grandes périodes stylistiques :

Première période.

Brouwer commence à composer en 1954. Il écrit cette année-là quatre pièces pour guitare : deux suites, "Amalgama" et "Recitativo". Dans le même temps, il apprend l'écriture en autodidacte, en se plongeant dans des traités d'instrumentation, dans les œuvres des grands compositeurs et en écoutant une certaine quantité de musique, ce qui le conduira en particulier à écrire dès 1958 "Trois danses concertantes" pour guitare et orchestre à cordes. Cela explique également que le jeune Brouwer utilise des formes musicales et des techniques d'écriture traditionnelles comme la suite baroque, la sonate, le thème varié ou la fugue. Au-delà de la forme, Brouwer reste très influencé par le folklore afro-cubain et le côté rythmique de cette musique. Même s'il n'a pas grandi dans le milieu populaire et s'il se défend d'écrire de la musique populaire comme en avait écrit son grand-oncle Ernesto Lecuona, on retrouve dans toutes ses œuvres, et en particulier dans ses pièces pour guitare, des éléments de racine populaire. Ainsi, une partie du "Prélude" (1956) fait référence au luth cubain et au tres, la "Fugue" (1957) se fonde sur la rythmique du tresillo et la "Pièce sans titre " (1956) présente des éléments populaires sur le plan harmonique (pentaphonies…), rythmique, et mélodique : la mélodie va vers le grave, ce qui est typique de la musique africaine. Certaines pièces d'essence populaire sont « avouées » comme telles à travers leur titre : "Prélude en conga", "Danse Caractéristique" (1956). Brouwer arrange également des airs et thèmes populaires cubains dans le courant de l'année 1957 et écrit cette année-là la "Pièce sans titre " (la troisième paraîtra en 1962).  Brouwer est également influencé par la musique européenne du . Ses "Micropiezas" (1957), pour deux guitares, sont des pièces polytonales en hommage à Darius Milhaud, dans lesquelles on reconnaît néanmoins des thèmes cubains comme Quítate de la acera. Les "Tres Apuntes" (Trois Sketches) pour guitare datant de 1959 sont des hommages respectifs à De Falla, Stravinsky, et Bartók, à qui Brouwer emprunte des techniques de composition.  En , Brouwer obtient une bourse pour étudier la composition à la Juilliard School of Music de New York, avec Vincent Persichetti. Ayant déjà appris l'orchestration par lui-même, cela lui permet néanmoins d'effectuer une « révision a posteriori », mais surtout d'accéder à de grandes bibliothèques de partitions et d'assister à des conférences de Leonard Bernstein, Lukas Foss et Paul Hindemith. Il écrit en particulier son "Trio" pour deux violons et alto qui remportera le deuxième prix au concours de composition pour musique de chambre Amadeo Roldán à son retour à Cuba. Il conclut en 1961 les deux premières séries d"'Études simples", qui font aujourd'hui partie du répertoire « obligé » de tout jeune guitariste et qui sont d'un apport pédagogique considérable. Citons également (entre autres) : "Fuga Cervantina" (1960), sa première pièce pour piano, "Sonate pour Violoncelle seul" (1960), "Quatuor à cordes " (1961), "Sonate pour Flûte" (1961), "Trois pièces latino-américaines" (1962) pour guitare, "Variantes pour un percussionniste" (1963)… et enfin "Éloge de la danse" (1964) pour guitare, composé et créé à La Havane sur une chorégraphie moderne, dont les thèmes abandonnent une certaine forme de tonalité et annoncent une évolution dans le style Brouwerien.

Deuxième période.

Le festival d’automne de Varsovie en 1961 où Brouwer a été mis en contact avec des œuvres de Penderecki, Karlheinz Stockhausen, Ligeti, Xenakis va lui faire découvrir le monde de la musique contemporaine. Mais tout en adoptant de nouvelles techniques, il va aller dans le sens de la fusion, sans abandonner totalement ce qu’il a fait avant. Il sera un pionnier en ce qui concerne la musique « d’avant-garde » à Cuba. En 1963, il écrit la première pièce cubaine incluant des éléments aléatoires, "Sonograma I", pour piano préparé. C’est le premier d’une série de quatre "Sonogramas", le dernier étant écrit pour deux orchestres, dirigés par deux chefs différents ! En 1966, Brouwer compose "Conmutaciones", pièce dans laquelle les trois solistes circulent sur vingt-trois instruments de percussion, puis "Tropos" (1967) et "La tradición se rompe… pero cuesta trabajo" (1969) pour orchestre symphonique. Il écrit également de la musique électronique ("Exaedros I", pour six instruments et bande magnétophonique, 1969, "Al asalto del cielo", pour bande magnétophonique, 1970…), de la musique sérielle dodécaphonique ("Second Trio", pour basson, clarinette et hautbois, 1964, "Epigramas", pour violoncelle et piano, 1968…), et accorde une grande part à l’aléatoire ("Sonata Pian e forte, pour piano", 1970…).  C’est au cours de cette période que se forme le GESI, Groupe d’Expérimentation Sonore de l’ICAIC (voir paragraphe sur la musique de film), que Brouwer et Guevarra, président de l’ICAIC, prennent en main entre 1969 et 1973. Ce groupe, formé de jeunes artistes, vise à élaborer un langage musical nouveau, en accord avec les idées révolutionnaires et à créer une production musicale destinée à alimenter le cinéma cubain. Brouwer et son équipe apportent alors aux jeunes une somme de connaissances musicales qui doit leur permettre de développer et concrétiser leurs idées. Les membres du GESI se livrent à des discussions passionnées autour d’écoutes musicales en tous genres (classique, contemporain, jazz, musique populaire cubaine et celle d'autres pays et continents, variété internationale, rock) et produisent des compositions collectives.  Dans le même temps, Brouwer écrit quatre pièces majeures du répertoire pour guitare solo, qui sont dédiées à des grands interprètes à l’échelle internationale : "Canticum" (1968), (dont Emilio Pujol dira : "« Depuis l’Hommage à Debussy, de Manuel de Falla, je n’avais pas entendu une œuvre pour guitare comme le Canticum »"), "La espiral eterna" (1970), "Parábola" (1973) et "Tarantos" (1974), pièce se fondant sur la structure llamada-falseta du flamenco et qui laisse à l’interprète le choix de l’ordre d’exécution des différentes phrases musicales. Il écrit également "Per suonare a tre" (1970) pour flûte, alto et guitare, "Concerto pour guitare et orchestre réduit" (1972), "Per suonare a due" (1973) pour deux guitares dont l’une peut être préenregistrée, et travaille avec le compositeur allemand Hans Werner Henze, dont il arrange en 1970 une pièce sous le nom de "El Cimarrón", pour guitare avec utilisation d’un archet. Dans ces œuvres, on retrouve les caractéristiques des pièces sans guitare : motifs laissant un libre choix à l’interprète, écriture cellulaire, nouveaux systèmes d’écriture qui nécessitent un mode d’emploi, en particulier pour quantifier vitesses et durées…

Troisième période.

Un changement stylistique s'amorce chez Brouwer en 1978, avec la "Toccata" pour quatre guitares, initialement écrite pour un ballet, et la "Canción de Gesta" pour orchestre de vents, harpe, piano et percussions. Brouwer en parle lui-même : « Au bout d'un moment, j'ai été saturé par le langage de soi-disant avant-garde, cette musique contemporaine tout le monde avait faite et toujours créée par de nombreux compositeurs ». Son style évolue vers ce qu'il nomme « nouvelle simplicité » et qui, comme il le dit, « englobe les éléments essentiels de la musique populaire, de la musique classique et de la musique d'avant-garde elle-même, ce qui [l']aide à donner du contraste aux grandes tensions ». On note un retour à des formes plus classiques et à des harmonies plus accessibles, débouchant dans quelques pièces sur une forme de néo-romantisme, comme c'est le cas dans le "Concerto de Liège" (1980). Ce concerto pour guitare est le deuxième d'une longue série qui se prolongera en particulier par le "Concerto Elegíaco" (1986) et le "Concerto de Toronto" (1987), respectivement dédiés à Julian Bream et John Williams. Ces concerti sont souvent commandés par des festivals. Citons également "Retratos Catalanes" (1984) pour guitare et orchestre réduit, le "Double Concerto" (1995) pour violon et guitare ainsi que le "Concerto-cantate" (1996) pour guitare, chœur et orchestre, exemple unique dans l'histoire de la musique à l'exception près de celui de Castelnuovo Tedesco.  Dans ses pièces pour guitare, Brouwer utilise le principe de la guitare-harpe qui consiste à laisser résonner toutes les notes, ainsi que des artifices tels les glissandi type « blues » ou l'utilisation d'un bottle-neck, comme dans "Acerca del cielo, el aire y la sonrisa" (1979) pour quatre ensembles de guitares. Brouwer a également été influencé par le courant minimaliste, ce qui se manifeste dans ses œuvres par une simplification des matériaux thématiques : « Quatre stupides notes me donnent un prétexte pour composer une œuvre de grande dimension ». Ce concept devient évident dans des œuvres comme le "Decameron Negro (1981)", pièce tripartite pour guitare inspirée d'une légende africaine. Les racines africaines restent bien présentes ("Rito de los Orishas", 1993, pour guitare) ainsi que l'apport folklorique cubain, comme c'est le cas dans les nombreux Paysages Cubains composés par Brouwer. Parmi les autres œuvres majeures pour guitare solo de cette période, mentionnons la troisième et la quatrième série des "Études simples" (1981), la "Sonate" (1991), qui est l'une des pièces dans lesquelles Brouwer utilise la citation de phrases musicales de compositeurs à qui il rend hommage, et "Hika" (mot japonais signifiant « élégie »), écrite en 1996 à la mémoire du compositeur Toru Takemitsu, dont il a été l'ami.  Pour Brouwer, il n'existe pas de frontière entre musique savante et musiques populaires. Comme il le rappelle, « Bach et Mozart composaient de la musique populaire ». Ainsi Brouwer écrit-il aussi bien une "Mozartiana" (1990, pour deux flûtes, timbales et cordes) ou une "Wagneriana" (1992, pour cordes) qu'une pièce pour guitare et orchestre à cordes sur des thèmes des Beatles (1986).

Le compositeur de musiques pour le cinéma.

La participation active de Brouwer aux activités du Cine Club Visión, à partir de 1956 lui permit de découvrir le . Ce fut pour lui l’occasion "« d’élargir l’horizon de ses idées en termes de culture artistique, et d’avoir des amis qui vivaient non seulement dans la sphère de la musique mais aussi dans celle du théâtre, du cinéma et de la peinture »". Ainsi, lors de la création de l’Institut Cubain d’Art et d’Industrie Cinématographique (ICAIC), en , de nombreux membres du Cine Club Visión, dont Brouwer et Ortega, se mirent à travailler pour cette institution. Dès , Brouwer composa pour l’ICAIC la musique de "Santa Clara", troisième partie du long métrage "Historias de la Revolución", pour laquelle il utilisa deux violons, un violoncelle, une contrebasse, une flûte, un hautbois, une clarinette, deux trompettes et des percussions. Il avait auparavant déjà écrit de la musique scénique pour le Théâtre Guignol de La Havane, juste avant de partir pour les États-Unis. Brouwer composera par la suite les musiques de plus d’une centaine de productions cinématographiques en tous genres, en grande partie commandées par l’ICAIC, dont il sera directeur du département musical de 1960 à 1962. Il écrira :  "Papeles son papeles" de Fausto Canel (1965), où l’utilisation d’un trio de Jazz accompagne le scénario de cette comédie ayant pour thème le trafic de dollars par les contre-révolutionnaires au début de la révolution cubaine.  "Memorias del subdesarollo" de Tomás Gutierrez Alea (1968), qui est le film Cubain le plus primé jusqu’à nos jours.  "Un día de noviembre" de Humberto Solás (1972), dont l’un des thèmes, initialement interprété par une flûte, une guitare, une basse, des clochettes et un triangle, a donné la pièce pour guitare du même nom, qui a rapidement fait le tour du monde.  "Son… o no son" de Julio García Espinoza (1980), film dans lequel Brouwer apparaît en tant qu’acteur, dirigeant un petit ensemble de cordes.  Pour Brouwer, la première qualité d’une musique de cinéma est de ne jamais « surpasser » le film pour lequel elle est écrite, comme il l'explique : "« La musique pour le cinéma ne constitue ni un accompagnement ni une explication, elle n’a pas non plus pour but d’accompagner l’image »."  Brouwer a écrit en 1983 "La Guerra de las galaxias", suite symphonique sur les musiques de Star Wars, du compositeur américain John Williams.

Conclusion.

L'influence et la renommée de Leo Brouwer dans l'univers de la musique de notre temps va bien au-delà des frontières de la guitare, dont il a cependant radicalement renouvelé la vitalité, comme un très petit nombre de compositeurs ont pu le faire dans le siècle.  Son œuvre comprend plus de 300 opus, et plus de 400 enregistrements qui lui sont consacrés ont vu le jour à travers le monde, servis par les plus grands solistes et orchestres.  Actuellement (2009), Brouwer est invité à des festivals partout dans le monde où il dirige, donne des masterclasses, et préside des jurys. Ses dernières pièces s'inscrivent dans la continuité de la « troisième période » de composition : "Tableaux d'une autre exposition" (2002), pour violon, piano et trompette, "Nouvelles études simples" (2001) et "La cité des colonnes" (2004) pour guitare, "Gismontiana" (2004) pour 4 guitares et orchestre, Concerto " « da requiem »" (2006) pour guitare et orchestre, "Cantilena de los bosques" et "Paysage cubain avec fête" (2008) pour guitare…

Catalogue d'œuvres.

Guitare seule  Plusieurs guitares  Guitare et orchestre  Autres instruments

Leo Brouwer (né le à La Havane) est un compositeur, guitariste et chef d'orchestre cubain. Il est un compositeur majeur de la deuxième moitié du pour la guitare classique, mais a aussi écrit des œuvres pour toute sorte d'instruments et pour de nombreuses formations, ainsi que des musiques de film pour le cinéma cubain.

Juan Leovigildo Brouwer Mezquida (born March 1, 1939) is a Cuban composer, conductor, and classical guitarist. He is a Member of Honour of the International Music Council.