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Clarissa Romano interviews Jacob Rubin
EARLY ON in Jacob Rubin's debut novel, The Poser, a theatrical agent named Maximilian Horatio attempts to woo a potential young client, a flawless mimic named Giovanni Bernini, by treating the boy and his mother to dinner at a touristy New England lobster joint — "The Famous Eatery." Max is hoping to convince Mama to let him take Giovanni to The City and make him a star. So far, Max's attempts to dazzle Mama with a stack of references signed by "what we call VIP personalities" are falling flat — mostly because the signatures are an illegible mess. "Keep in mind," Max protests, "there's a certain smudge factor here. I'm a traveling man, things get smudged. That's just the reality." At last, the food arrives:
"Big names or not, Mr. Horatio, they don't mean much scribbled on toilet paper."
"Let's — let's," Max said, pumping his knee. "Let's just pause here to let the food happen?"
"Before such cuisine, how could we not?"
But Max had missed this riposte, distracted, as he was, by the seafood's arrival into the realm of his senses. Anyone could see it: how much the impending feast had replaced the tug-of-war with Mama as the true, and only, business of the moment. He sniffed and rubbed his hands and even licked his lips, like a cartoon wolf over a captured infant. Without removing his eyes from the platter, as if the dead, pink creature might still slither away, he cautiously unrolled the Armison's Famous Eatery bib and tucked it into his collar, the news of hunger everywhere in his face. "Let's just let the food happen," he muttered again at the volume of a prayer.
The Poser follows Giovanni's career from boyish troublemaker to cabaret performer to film star to politician, while exploring the crises that rage inside a man whose compulsion to imitate renders his personal life a mess. "No one's disguise is perfect," says Giovanni, explaining his talent to a scoop-hungry journalist. "There is in every person a seam, a thread curling out of them […] When pulled by the right hands, it will unravel the person entire."
The Poser is full of hilarious episodes and topical delights, but don't be fooled: this is a profound meditation on love, ambition, and self-knowledge.
I met Jake while we were both pursuing MFAs at the University of Mississippi, and I was happy to re-connect, to ask him some questions about his first novel, his experience at Ole Miss, and anything else that came to mind.
CLARISSA ROMANO: In an article you wrote for The New Yorker last year, you explore the relationship between mindfulness, meditation, and achievement. Do you meditate? Does it have any impact on your writing practice?
JACOB RUBIN: I try to meditate regularly. Like a lot of things that are helpful, it is hard, I've found, to do consistently. I think it helps with writing insofar as it helps clear the mind and increases calm. It also helps you distinguish between positive, productive, creative energy, and compulsive, negative energy, a distinction easy to lose sight of if you are not being mindful. In some ways it makes the whole process a little more complicated, though, as it subjects the practice to an even greater awareness. I think it puts a spotlight on the question of what you're writing out of. Like, are you writing out of the desire to get these voices out of your head (Nabokov's version of this is, the novelist writes to be "rid of" the book) or are you writing — at the risk of sounding mystical — so that the universe can express itself?
In your article, you describe the hurdles to enlightenment as a "mountain of fear, self-interest, and inattention." These seem to be the qualities Giovanni exposes when he performs his imitations. Do you find inspiration in your own fears and attention-issues, Jake?
Interesting. I think I might! Those three kinds of failings were veiled references to the three kleshas (poisons) of aversion, desire, and delusion as enumerated by Buddhist tradition. All three are believed to cloud the mind and lead to "unwholesome" karmic activity — in other words, lead one away from clarity. I do think Giovanni is inspired by people's weaknesses. Often a person's shortcomings — or their source of shame — represent, for him, a "thread," a path to the essence of a person. Later in the novel, he is forced to come to terms with the hostility and fearfulness of this point of view. I think in writing, too, there is an inspiration to be found in people's faults. Or maybe better put, what we think of as a person's failing might well make for dramatic or descriptive fodder on the page. Perhaps we can think of faults as "fault lines," little cracks that lead to great depth. Such things ought to be explored. Good writing, in my experience, is not polite.
Giovanni is a performer. Have you ever done any performing?
I have, in fact. I used to be a rapper, of all things, in the era before YouTube. I was the lead guy in a college band that toured around the East Coast before quietly imploding. I did a stint as a stand-up comedian in a sort of manic and confused period of my life a few years ago. I've acted a little. I'm available as an actor if any casting agents reading this are looking for a wry suitor for Girls or drive-by victim in Sons of Anarchy. I do like performing and find myself writing about performance a lot. I think I like the conflict of someone presenting herself in a way that also masks herself. That duality seems central to performance.
The Poser takes place in a parallel universe that we recognize but are told isn't ours (Fantasma Falls is Los Angeles, The City is Manhattan). Even the time period is slightly out of focus — are we in the '20s? The '40s? The '60s? Still, the book never seems to falter in its own authority about the time and place. Tell me about the creation of this world. Were there certain specific inspirations — music or movies or books — that helped you keep the tone consistent?
This definitely felt like a risk but one that felt aesthetically necessary for reasons I could only really articulate after completing the book. My line on it now is that I wanted the landscape to strain to be real in the way Giovanni himself does. I had the '40s, '50s, and '60s in mind for sure, but tried not to feel shackled to any strict fealty when it came to period detail or era-appropriate slang. It certainly caused me some concern as one of the first things you're always instructed is to know your place, and I was sort of making mine up as I went, and yet a lot of the fiction I love most is set in these redolent nowheres. I'm thinking of works by Kafka and Borges and Beckett. A couple of years ago I read The Facades, by Eric Lundgren, which is an excellent and haunting book set in a surreal Midwestern town called Trude. Ishiguro's The Unconsoled is also set in a fictional country and is another one of my favorites. In the end, I had to go with what felt right. If this sounds like a lot of anxious trial and error, that's exactly what it was.
Several characters guide Giovanni along his path — his mother, his agent Max, and then the dangerous and powerful Bernard. Bernard shepherds Giovanni into great fame, but under the condition that he leave his identity behind and function under a new, false identity. How much of this story is a conscious allegory about fame and its costs?
I think it definitely became that kind of allegory, though making it one was never a conscious choice. There's a film I like called Starting Out in the Evening in which Frank Langella plays a neglected writer of literary fiction. It's based on a book, I think. Anyway, in the movie, Langella's character, when asked about his approach to writing, says something like, "I just follow my characters around and wait for them to do something interesting." It was a great relief to hear that said loud (even by a fictional character) as it pretty well described what always felt like my own inadequate "approach" — inadequate for being so errant and inefficient. Writing the book, I followed Giovanni around and, in following him, discovered, as he did, what he would do and whom, given his propensities, he would imitate. On one of these authorial stakeouts, I learned Giovanni was drawn to Bernard. I think this is because Bernard, who's sort of beyond stoic, offers Giovanni the chance to disappear, to let go of imprisoning sensitivities. Ditto for fame, which, paradoxically, represents for Giovanni the opportunity to vanish. Fame flattens him into an image, and that image replaces him, to his great relief. If it reads like an allegory, perhaps it's because those drawn to fame are motivated by similar concerns.
We went to graduate school in Oxford, Mississippi, 60 miles from the infamous crossroads where Robert Johnson allegedly sold his soul to the devil in order to play blues guitar. Does Giovanni sell his soul?
I think he does to a certain extent. He makes a costly trade, but, in his case, I don't think it's for fame or success as he already possesses the requisite "skill" to become a celebrity. I think it's a more insidious exchange that many, under less novelistic circumstances, often choose to make. Like, it's very painful for Giovanni to be who he is because he is so malleable and sensitive and prey to those around him, so he is often drawn to these people who seem self-sufficient, even cold or unfeeling. I think he trades his humanity — and with it his vulnerability — not necessarily for celebrity or wealth but for a defense against immediate crisis that he mistakes for sanity. We all do this to some extent. It is easy and human, if subtly ruinous, to choose stability over emotional threat. I think Giovanni just happens to pay an even bigger price on a bigger stage.
The book features a large cast of supporting characters, all of them flawed, all of them essential to the story. Every character disappoints Giovanni in some way. Giovanni forgives some characters, but others he turns his back on. Which of the supporting characters do you feel the greatest tenderness for and why?
That's interesting. I think I've had tenderness for different characters at different times. Characters, in my experience, are like moods or musical keys or states of mind you slip in and out of, like what I imagine acting to be. In that way, I think the tenderness you feel for any one varies as you inhabit different characters. So maybe one day you're in a Max mood or another day a Bernard mood. Or, as often happens, you're in no mood, but you press on as best you can.
What was your experience in the Ole Miss writing program?
I had a wonderful experience at Ole Miss and benefited greatly from all of my teachers: David Galef, Michael Knight, Brad Watson, Tom Franklin, and Barry Hannah, and from my fellow students. I'm really excited to get to read in Oxford in March with two of our former classmates, M.O. Walsh and Alex Taylor, brilliant writers who both have debut novels coming out. Living in the South for three years was an education onto itself, especially for a native New Yorker. The South has always reminded me of Ireland, where I was lucky to spend some time, too. The respect for the written word seems uniformly held in both places. Students, profs, grocers, mechanics can all turn a phrase and almost everyone is drunk, or the person next to them is. The South is notoriously less health-conscious than much of the rest of the country, and it's a serious problem, but there are subtle cultural ramifications that are not all bad. If, as Alan Bloom argues, fear of death and the resulting health-consciousness are at the core of the bourgeois worldview, than Mississippi is the least bourgeois state in the union, not just economically, but culturally, even spiritually. I don't mean at all to sound like I'm glorifying poverty or underestimating the horrendous problem of obesity. But concomitant with the general lack of any "healthy culture" is a very different philosophy of being. What I mean is, down there living is given priority over not dying, if that makes sense. You see it in the literature, too.
We share a teacher, Barry Hannah. What did you learn from Barry?
Barry was one of the most charismatic and big-hearted people I've ever met. At the stage of life when I knew him he'd been mellowed and humbled and made semi-clairvoyant by age and illness, and he was very compassionate. Barry liked to say, "I'll say anything if it's true," and that's always stayed with me, both in life and on the page, that something that seems blue or inappropriate — if true — will resonate because it answers to the highest authority of experience. The willingness to take risk is central to that maxim and characteristic of Barry. I think his life and work are these joyful models of incaution. He lived a life rich with mistake. I only a little bit want to sound like I'm aestheticizing suffering, but Barry sort of demands it. He was a romantic figure of a type harder and harder to find. I doubt he experienced his own life this way, but to me and to others, I think, he was an example of freedom, which you can never get enough of, really, and is very seductive to a young writer. I think it's the principal reason people get into writing, that desire for flight — from reality, home, themselves — through a process, which, ironically, ends up bringing them back to all of the subjects they hoped to leave behind. Barry is often presented as this punk rocker of writing. But you read about some of the actual punk rockers, like Iggy Pop, and he just comes off as this vain junkie worming around on stage in front of a monsoon of feedback. Barry, of course, met whatever the criteria for being a "badass" are — motorcycle, drinking problem — but he was unusually kind, especially in the later part of his life when I knew him. I think his kindness was his most radical quality.
Any other pieces of writing advice you carry close that you'd be willing to share?
I carry a lot of uniquely helpful writing advice that I refuse to share with anyone. Next question. JK! A lot of the clichés are true, I've found. I think you have to embrace the absurd, youth-destroying inefficiency of the process. You have to constantly negotiate the balance between disciplined sitting-at-the-desk and mind-clearing breaks. I think if you fetishize craft your work will show it. Ditto for an overreliance on some vague, wispy sense of inspiration. Overdo the first and you risk contrivance, the second a kind of self-indulgent disrespect of the reader's time and taste. Exercise is really good. I don't do it enough. I think rereading is underrated. Reading widely is great, of course, but I've always suspected you get further memorizing 20 masterpieces than picking over 5,000 random books, though this probably varies with temperament. I frequently hear the formula that discipline is more important than talent. I think I agree with it, but I would tweak it slightly. I think it isn't so much discipline as compulsion. Faulkner said the writer must be "demon-driven." I think you have to feel that compulsion to write, and that is more important than anything else.
In The Poser, Giovanni's struggle to find his true identity is linked to his compulsion to impersonate others, a compulsion not dissimilar to creating characters and putting them on the page. As an artist, do you identify with Giovanni's struggle?
Definitely. So many protagonists of classic lit are "artists" or failed artists in the loosest and frequently romantic sense of the word: they have a problem with the world as is; they want more from it or less. Look at Quixote or Emma Bovary. In the case of Giovanni, I do think the parallels are very close. Writing about someone who is so sensitive to other people's gestures and mannerisms gave me an opportunity to dramatize the worldview of a writer without him having to be one. I think writers are very peculiar people — often detached, excessively observant, lurchingly active, gesture-obsessed. Writers, I think, often shoehorn these traits into their characters because they know those qualities so well. I'm definitely guilty of that here.
Some of the funniest parts of your book focus on eating and the ways in which our appetites can expose identity. How do you see this in relation to "pulling the thread"?
Interesting. I do think hunger is probably inherently funny. Not real hunger, of course, which is nightmarish, but safe hunger, hunger that will be relieved by food is usually good for a laugh. Like, a dog wanting a treat — the silent, prayerful focus — it's funny and lovable because it's naked. I think when you have anything before which a person is helpless there's an opportunity for humor. So go the plots of so many Looney Tunes, right? The big red tongue hanging out of the mouth, the googly eyes. Hunger, like sexual desire, makes people simple, dumb, easily herded. The character Max in the book is appetitive in almost every way, and I think it makes him seem ingenuous ultimately, despite his ambition. He's trustworthy. When someone doesn't eat the food you serve, you feel like they're a narc or something. Who is this guy? Eat the pot roast already. When they sponge up the last of the gravy with a raft of bread, the host thinks, I like her! Bring her around more often.
If you could be anything other than a writer, what would you be?
I would give it all up to be the twelfth man on the Milwaukee Bucks.
Jake Rubin will be reading at Book Soup in Los Angeles on March 31.
Clarissa Romano is the former fiction editor at the Los Angeles Review of Books.
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La música cristiana es la música creada y ejecutada como expresión del cristianismo. Esa expresión abarca una gran diversidad de estilos musicales que contienen letras con mensajes bíblicos o que involucran diferentes tipos de oración (de adoración, de acción de gracias, de petición), y cuya motivación principal es la fe cristiana.

La música cristiana es de origen judío: la liturgia musical de la sinagoga, en particular el canto psalmódico de los judíos como unidad poética musical, fue un legado transmitido del Israel antiguo al cristianismo primitivo, como forma de manifestar tanto a nivel personal como comunitario las creencias religiosas y la fe en Dios.

La definición y el objetivo de música cristiana varían en función de la denominación cristiana que la promueva. Se considera una herramienta útil, tanto para evangelizar al creyente, como para tratar aspectos de la vida que ha de llevar un cristiano.

Historia de la música cristiana

Tiempos bíblicos

En la Biblia, el papel de la música para el pueblo cristiano cumple la función de alabanza, adoración y glorificación de Dios. Un ejemplo se halla en el capítulo 150 del libro de los Salmos, donde se hace una exhortación a alabar a Dios con instrumentos musicales de viento, de cuerda y de percusión

En el Nuevo Testamento, el uso que los apóstoles y los seguidohm  de Levi, tal como se indica en 1 Crónicas 15:16 y Nehemías 11:22. Sobresale el papel del Rey David como músico, quien tocaba su arpa para calmar el atormentado espíritu del Rey Saúl, y más tarde obtuvo el derecho a designar a los músicos del templo. David también es el autor principal de los Salmos.

Otras referencias mencionan eventos donde se tocaba la música vigorosamente, acompañada de coros del pueblo y bailes donde participaban hombres y mujeres, grandes y pequeños, jóvenes y ancianos. La música acompañada de danzas estaba presente en celebraciones grandes y pequeñas que marcaban eventos importantes en la vida del pueblo, aunque también de la vida cotidiana, expresando una gran variedad de estados de ánimo, sentimientos y diversas emociones que tenían como característica la glorificación de Dios. Los cantos se solían realizar especialmente en tiempos de paz y alegría, mientras que diversos pasajes bíblicos demuestran que durante tiempos de arrepentimiento la música se dejaba de lado por un momento con el objeto de enfocarse en la oración, el ayuno y la comunión con Dios, tal como lo muestra la exhortación profética en Amós 5:23-24.

En el Nuevo Testamento destaca el relato sobre Pablo y Silas registrado en Hechos, donde se narra que a pesar de estar aprisionados y haber sufrido aflicciones, tribulaciones y persecuciones que enfrentaron por su fe en Jesucristo, ambos apóstoles cantaron himnos dedicados a Dios durante la medianoche.

Además, en Mateo 26:30 y Marcos 14:26, el testimonio bíblico registra que Jesús mismo y sus discípulos entonaron un himno de acción de gracias en la Última Cena, antes de que partieran al Monte de los Olivos. El texto bíblico no menciona el nombre del himno.

Cristianismo primitivo
En el pasado, los Levitas habían sido nombrados cantores y tañedores del templo, sin embargo, sus obras musicales se perdieron con el paso de las generaciones. En el año 70d.C., el Segundo Templo fue destruido por las tropas del emperador Tito, y en los años siguientes, los levitas, junto con la mayoría de los judíos huyeron de Palestina. Algunos piensan que como resulta la música de sinagoga perdió el carácter alegre y las grandes fuerzas instrumentales que tenían en el Templo judío inicialmente.

Diversos musicólogos como Ulrich, concuerdan en que gran parte de la música cristiana a principios del milenio se vio influida por la música hebrea y contenía diversas prestaciones y tradiciones musicales del pueblo judío. Según Werner (1984), las conexiones entre los cantos hebreos y los cantos cristianos han sido científicamente investigadas y comprobadas.

En general, se sabe poco acerca de la música del cristianismo primitivo debido a que gran parte de la misma no se escribía, sino que se transmitía principalmente de forma oral de generación en generación. De igual forma, se desconocen cómo fueron las melodías o ritmos de la música de las comunidades cristianas de los primeros siglos, aunque se piensa que las piezas consistían en sencillas melodías que acompañaban oraciones y plegarias vocálicas espirituales.

Algunos historiadores piensan que pudo haber influencia de la música griega oriental debido a que hay registros musicales que fueron escritos en el idioma griego; no obstante, esta última visión no es compartida por muchos, pues el hecho de que los himnos hayan sido escritos en griego no necesariamente implica la influencia de la música griega, además de que también se sabe poco acerca del estilo y melodía de la música griega y su historia. a principios del milenio, de los que se tiene registro arqueológico. En este se halló el manuscrito de un himno cristiano (P. Oxy. XV) que contenía tanto la letra como la notación musical. El texto, en griego, escrito de forma poética, llama a guardar silencio para que se pueda alabar a la Trinidad. La música contenida es completamente diatónica, la notación es hipolidia, y la métrica, esencialmente anapéstica.
Los estudios de paleografía musical sobre la estructura musical del papiro, denotaron que la melodía resulta de un grupo de fórmulas características de la composición melódica semítica que no existía en la antigua música griega. Cuando el cristianismo se extendió por los países del Mediterráneo, dicho principio de composición musical se incorporó al estilo de la música europea de los siglos posteriores.

Edad Media

Los usos que se le dieron a la música en los servicios religiosos de las comunidades cristianas se fueron ampliando durante la Edad Media, cuando tomaron un carácter más trascendental en la vida de los pueblos.
Con la división del Imperio Romano en el año 395, el canto cristiano en Europa Oriental pasó a caracterizarse por su producción en la lengua griega, en el canto bizantino, mientras que en Europa Occidental, se produjo más en la lengua latina, pareciéndose más al canto gregoriano.

Durante sus primeras manifestaciones en Europa, la mayoría de la música involucraba el canto, ya sea de toda la congregación (montaje) o por un subgrupo de canto, como un coro o un grupo musical de culto. También se hizo producción de música cristiana en el imperio bizantino. Esta se manifestaba usualmente en grandes edificios o lugares cerrados como monasterios, catedrales o templos.

Las Iglesias ortodoxas preferían que los cantos se realizaran en templos o lugares de culto donde el ambiente fuera solemne y no se interrumpiera la sonoridad de la voz humana. Los servicios religiosos de la Iglesia Ortodoxa usaban frases que provenían de tradiciones judaicas y eran escasamente acompañadas de instrumentos musicales, especialmente en los templos de Bizancio y Macedonia. Algunos instrumentos empleados eran el laúd y las campanas. En la iglesia ortodoxa de Etiopía se usaban instrumentos autóctonos como tamborcillos y elementos de percusión.

Entre los siglos V y VI, la teoría musical griega fue dada a conocer por Boecio, y se comenzó a usar en Occidente con una notación alfabética latina. Más tarde, la lectura musical se organizó de acuerdo a su estilo en canto silábico (salmodía), donde cada signo representaba un sonido, o en canto melismático (himnario), donde cada sílaba del texto representaba varios sonidos de distinta jaltura.

El canto llano (también conocido como música gregoriana) se usó durante la Edad Media como una expresión más occidental del arte religiosa. En grandes monasterios de tipo contemplativo como los benedictinos se desarrollaron un sinnúmero de canciones únicas que formaban parte de la alabanza y del patrimonio musical de la época. En este contexto, destacan históricamente las aportaciones musicales de Guido de Arezzo y su relación con la cristiandad.

Renacimiento
Debido a que el renacimiento no surgió al mismo tiempo en toda Europa, el avance musical y artístico se manifestó de diversas formas en distintos lugares, no siempre innovando la tradición medieval musical cristiana.
Además, se considera que en muchos ámbitos de la música cristiana se re introdujeron instrumentos musicales que habían sido populares durante la Edad Media, como instrumentos de cuerda e instrumentos de percusión para acompañar a diversos coros. Entonces se usaban textos litúrgicos y antífonas musicales que se siguieron usando abundantemente en los siglos posteriores.

Con los viajes de Marco Polo y el descubrimiento del continente americano, se diversificó la música de culto religioso. El villancico destacó como una de las expresiones musicales (principalmente católica), surgiendo en la península ibérica como música popular que fue tomando carácter secular dentro de algunos pueblos, y llegó a extenderse a toda América.

Música barroca

Durante el Barroco, la música cristiana se hizo mucho más compleja en cuanto a instrumentos; el clavecín, el órgano y el piano se integraron tanto al espacio arquitectónico, como a los coros y a las orquestas europeas de música cristiana. En América y en Oriente, la música fue una forma presente en la evangelización de los pueblos nativos, especialmente en Nueva España. La música de los cristianos en el Medio Oriente era más autóctona en comparación a la música de las colonias americanas y la de las Islas Filipinas debido al proceso de colonización que sufrían los pueblos indígenas.

En el barroco europeo se tienen varias manifestaciones estéticas dentro de los géneros musicales, fueron los italianos y centro europeos quienes crearon composiciones de la música cristiana de tal reconocimiento que forman parte de los clásicos. En el caso de las ciudades itálicas, del Reino de España y en el Reino de Portugal se tiene una corriente manierista. Durante el período barroco en Europa, se utiliza ampliamente el preludio coral (para órgano), que se compone mediante el uso de una melodía popular himno temáticamente, y un amplio corpus de otra música para órgano solista comenzó a desarrollarse en toda Europa. Algunos de los exponentes más conocidos de este tipo de composiciones; Antonio Vivaldi compositor de Gloria, Johann Sebastian Bach un máximo exponente del órgano barroco, Dieterich Buxtehude, George Frideric Handel uno de los más influyentes de la música barroca siendo la sinfonía de Halleluia una de las más conocidas, François Couperin, César Franck y Charles-Marie Widor para nombrar unos pocos. Varios compositores han escrito notas de la música instrumental cristiana, dentro de la música europea como los actos de adoración, incluyendo el repertorio de órgano conocido por compositores como Olivier Messiaen, Louis Vierne, Maurice Duruflé, y Jean Langlais.

La riqueza generada en los reinos ibéricos de España y Portugal gracias a sus colonias en otros continentes pudo financiar a muchos compositores para la música de las grandes catedrales. En este periodo la música del cristianismo europeo desarrolló innumerables sinfonías.

Las sonatas para orquesta y otras formas de música instrumental religiosa también se fueron formando como una expresión única que se manifestó en las colonias americanas, llegando a destacar la música del órgano barroco dentro de los templos del Virreinato de la Nueva España, del Virreinato en Perú y la música barroca del Brasil. En la música barroca de las colonias americanas también hubo importantes exponentes, difiere radicalmente de la música europea, ya que la composición de villancicos y sonatas, se hicieron en idiomas vernáculos como el náhuatl. En el Archivo Musical de la Catedral de Oaxaca se encontró la colección íntegra del Cancionero Musical de Gaspar Fernandes con más de 300 cánticos religiosos populares, en su mayoría escritos en latín, español; y algunos también en portugués y náhuatl.

El texto de la Misa Oaxaqueña, surgió como una adaptación tomada de los textos del cantoral religioso oaxaqueño del periodo medieval, del texto litúrgico en español de la misa católica. La obra adopta estrictamente la estructura de una misa. En la liturgia católica, la misa solemne o cantada constituye un género musical tradicional, que consta de tres partes obligatorias, el "Kyrie" el "Sanctus" y el "Agnus Dei", e incluye además el "Gloria" y el "Credo". Gaspar Fernandes, Juan Gutiérrez de Padilla, Manuel de Sumaya y Juan Matías de los Reyes son otros exponentes de lo que se conoce como misa oaxaqueña o música novohispana.

En la música cristiana del barroco brasileño no hay notables cambios en comparación con la de los virreinatos españoles, Manoel Dias de Oliveira e Inácio Parreiras Neves fueron entre los músicos que más destacaron de las colonias portuguesas, en Minas Gerais fue donde el arte barroco tuvo su máxima expresión sobre la música para el culto.

La música de las iglesias cristianas en colonias británicas y francesas se diferenciaban significativamente de las colonias españolas y portuguesas; y muchos holandeses y otros inmigrantes buscaron la manera de hacer su propia música para el culto. Por otra parte, cuando las 13 colonias se consolidaron como los Estados Unidos, los coros eclesiales tomaron gran importancia en la música cristiana del  y del  de la nación.

Música instrumental

A través de la historia, principalmente durante el protestantismo, la música cristiana en diversos círculos se caracterizó por ser simplemente instrumental. Durante el período Barroco en Europa, el preludio coral para el órgano se usó ampliamente, lo que se reflejó en piezas himnos populares y composiciones de música clásica.
Algunos de los exponentes más destacados de este tipo música, incluyen a Johann Sebastian Bach con famosas obras como Jesús, alegría de los hombres y la Pasión según San Mateo; Georg Friedrich Händel con El Mesías, Buxtehude, Couperin, César Franck, Charles-Marie Widor entre otros.

Durante este tiempo hubo compositores que se dedicaron a componer especialmente música de órgano para actos de culto religioso. Algunos compositores muy conocidos fueron Olivier Messiaen, Louis Vierne, y Maurice Duruflé.

Himnos cristianos

Los himnos son cantos de alabanza y exaltación a Dios. Su uso en la práctica cristiana se menciona desde el Nuevo Testamento, en Mateo 26:30 cuando después de haber cenado Jesucristo y sus discípulos, se relata que juntos cantaron un himno cuyo nombre no se menciona.

Durante la Reforma Protestante la apreciación de los himnos dio lugar a por lo menos dos tipos de enfoques musicales. Uno era principalmente calvinista y radical, y consideraba que la música cristiana tendría que contener casi citas de la Biblia, o de lo contrario, sería rechazada y prohibida. En algunas iglesias, en vez de himnos, se coreaban solamente salmos bíblicos con melodías muy básicas que frecuentemente no tenían acompañamiento instrumental. Esto fue conocido como "salmodia exclusiva". Hoy en día algunas iglesias presbiterianas, por ejemplo, al oeste de Escocia, todavía conservan dicha tradición.

Otro enfoque reformista más flexible permitió un estallido de composiciones musicales y cantos congregacionales. Uno de los reformistas de este tipo fue Martín Lutero, quien no solo participó en la reforma religiosa sino también fue autor de muchos himnos, incluyendo Ein feste Burg unser Gott ist (Castillo fuerte es nuestro Dios), que se canta hoy en día incluso por algunos católicos, y Gelobet seist du, Jesu Cristo (Alabanza a Ti Jesucristo). A menudo, Lutero y sus simpatizantes utilizaban himnos o coros para enseñar principios de la fe.

El primer himnario protestante se publicó en Bohemia en 1532. Por otro lado, el Conde Zinzendorf, líder de la Iglesia Morava en el , escribió unos 2.000 himnos. También los primeros escritores ingleses tendían a parafrasear textos bíblicos, especialmente los Salmos, por ejemplo Isaac Watts a quien se le reconoce como un gran compositor de himnos, y se le acredita el primer himno inglés: "Behold the glories of the Lamb" (He aquí la gloria del Cordero). Los himnos y cantos corales también eran comunes en la iglesia anglicana.

Otros escritores posteriores innovaron aún más sus obras, incluyendo en sus textos la alegoría y la metáfora y procurando dar un mensaje cristiano de edificación. Los himnos de Charles Wesley y su hermano John destacaron no solo dentro del metodismo, sino en otras muchísimas iglesias protestantes, ya que desarrollaron un enfoque en el que se expresaban los sentimientos personales que reflejaban una lírica que hablaba de una relación personal con Dios, y el deseo de Su alabanza.

Las contribuciones de Wesley, unido al Segundo Gran Despertar en los Estados Unidos, contribuyeron a formar los antecedentes de un nuevo estilo que se conocería como góspel. Así comenzó una nueva etapa en la historia de la música cristiana, en la que hubo una explosión de composiciones cristianas por letristas y músicos, de los cuales destacan Fanny Crosby, Lina Sandell, Philip Bliss, Ira D. Sankey, y otros compositores que participaron en avivamientos, reuniones campestres y cruzadas evangelísticas. El estilo o forma melódica de tales obras generalmente se designa como "canciones góspel" a diferencia de los himnos. Las canciones góspel incluyen un estribillo (o coro) y por lo general (aunque no siempre) un tempo más rápido que los himnos. Como ejemplos de la distinción, "Amazing Grace" es un himno (sin estribillo), mientras que "How Great Thou Art" es una canción góspel.

Durante el , las canciones góspel se extendieron rápidamente en el protestantismo y el cristianismo no denominacional, mientras que eran conocidos en mucho menor medida en el catolicismo, y era casi desconocido en las Iglesias ortodoxas que se quedaron básicamente con la clase de cantos antiguos.

Como resultado de las innovaciones musicales y el paso del tiempo, se fueron combinando elementos de la música cristiana de épocas pasadas con nuevos estilos que estaban formando los cristianos afroamericanos estadounidenses, quienes componían desde himnos, hasta los llamados espirituales negros, y canciones de trabajo que reflejaban la fe cristiana. Los cantos se fueron diversificando hasta formar propiamente el género góspel y abrieron paso para ampliar aún más la variedad de estilos musicales subsecuentes. Los negros espirituales eran cantos acompañados de gran contenido coral y participación de la congregación cristiana, y estos se hicieron presentes en iglesias metodistas, episcopales, bautistas, no denominacionales, entre otras.

La música cristiana se fue transformando poco a poco hasta consolidarse lo que se conoce como la llamada música cristiana contemporánea, que se ubica desde la segunda mitad del . Esta fue compuesta principalmente por parte de diversas denominaciones destacando las evangélicas.

Música de culto o alabanza
La alabanza cristiana es vista como una forma de adoración a Dios, la cual generalmente se desarrolla a través de himnos y cantos en un templo o iglesia, como parte del servicio religioso o culto a Dios y como acto de presencia en el acto de adoración que da la congregación cristiana. Esta se puede contemplar en las distintas denominaciones de creyentes y usar distintos tipos de instrumentos musicales.

En Occidente, la mayoría de las confesiones cristianas hacen uso de diversos tipos de instrumentos para acompañar a su servicio religioso, sin embargo, algunas denominaciones como la "Iglesia de Cristo", los primeros Bautistas y la Iglesia Libre de Escocia, históricamente, no utilizan instrumentos señalando su ausencia en el Nuevo Testamento. Durante el siglo pasado, varios de estos grupos revisaron dicha postura y se han optado por incorporarlos como un apoyo al canto. Existen iglesia que sin dejar si vínculos con las congregaciones más ortodoxas incorporan un servicio de canto instrumental llamado contemporáneo en contraste al tradicional.

la alabanza coral cristiana una manera de adorar a Dios, que a Él se le debe toda honrar gloria y alabanza por siempre por los siglos de los siglos.

En la Iglesia ortodoxa
La música cristiana del ortodoxismo es la música dedicada a la alabanza de Dios y vivencia de la fe, desde la perspectiva de la Iglesia ortodoxa. Esta música deriva principalmente de la música sacra y escasamente acepta nuevas melodías, ritmos o estilos musicales debido a su tradición más conservadora. Esto representa una variedad temática musical más limitada en cuanto a géneros.

En la Iglesia católica

La música cristiana en el catolicismo es aquella dedicada a la alabanza de Dios y vivencia de la fe desde la perspectiva de la Iglesia católica. Esto incluye a una variedad de géneros y diversidad musical que no se limita a la divinidad de Jesús de Nazaret, sino que incluye creencias católicas como los sacramentos y el misterio de Dios en la liturgia católica.

La música católica incluye, entre otras, la música sacra, música contemplativa y de meditación. Los estilos de música contemporánea no son muy comprendidos dentro de la Iglesia católica; sin embargo, existen algunos exponentes que se han abierto más espacio en el ámbito.

En la tradición católica, durante la Semana Santa se celebran procesiones organizadas por una cofradía, en donde figuran una o varias hermandades. Cada una tiene sus respectivos pasos, que son imágenes religiosas o esculturas talladas sobre el viacrucis, figuras marianas, o figuras de santos católicos. En las procesiones participan penitentes, que suelen llevar gorros cónicos, acompañados de bandas de músicos y tamborileros que van marcando los pasos y el ritmo del caminar. Las bandas se acompañaban principalmente con cornetas o platillos, y van tocando marchas de tipo militar.

En México, durante la Guerra Cristera, se llegaron a componer múltiples cantos que rechazaban el gobierno de Plutarco Elías Calles y exaltaban a Jesucristo como el eje central del Reino de Dios en la Tierra. Ante la amenaza de un gobierno secular, la fe de los combatientes que intervinieron en el conflicto social se llegó a acompañar de numerosos himnos católicos que perduran hasta nuestros días, así como el género del corrido.

El pop-rock católico, que comenzó en países como Canadá y se ha ido extendiendo en países como Francia, se fue desarrollando en la segunda mitad del , hasta conformarse como un género particular que pretendía reunir a círculos juveniles en la Iglesia Católica. Con el tiempo también han surgido grupos de músicos católicos que han decidido incursionar en géneros como el vallenato, la salsa y el merengue, dada la creciente aceptación de dichos géneros en países latinos.

Actualmente en la iglesia católica han surgido músicos jóvenes de corte religioso que han dedicado gran parte de su vida al canto y la música católica.
En España, el sacerdote Cesáreo Gabaráin llegó a destacar como compositor de música litúrgica. Algunas monjas ha incursionado como cantautoras e intérpretes de canciones que muestran una apertura de la música sacra hacia la música popular, y que promueven desde la perspectiva católica, el culto a Dios, como lo muestra la famosa canción de Dominique.

Por otra parte, el Vaticano acostumbra realizar conciertos en las épocas navideñas, donde se han llegado a invitar a artistas católicos de música secular como Jennifer Paige, Dolores O'Riordan, Westlife, Simply Red, entre otros. Así mismo, la Iglesia Católica realiza un evento anualmente conocido como el "World Youth Day" (WYD), (en español: "Jornada Mundial de la juventud"), el cual está dirigido a los jóvenes y es acompañado de espectáculos y festivales musicales que inician después de las misas, y que incluyen la interpretación de bandas o músicos católicos destacados en el ámbito. La organización del WYD fue instituida durante el papado de Juan Pablo II, y fue continuada por Benedicto XVI. En dichos eventos, los líderes religiosos suelen estar presentes durante la realización del concierto.

En iglesias cristianas evangélicas

La música cristiana evangélica se fue formando paulatinamente en los Estados Unidos a lo largo del , como resultado de una gran diversificación musical que tenía como antecedente directo a los antiguos himnos congregacionales y a los negros espirituales de los cristianos afroamericanos.

A lo largo de la segunda mitad del , surgieron una gran variedad de músicos que destacarían eventualmente, unos a nivel nacional, otros a nivel internacional. En las décadas de 1950 y 1960, por ejemplo, era común la música góspel en Iglesias bautistas, lo que llegó a reflejarse en el surgimiento de exponentes importantes como Albertina Walker y Mahalia Jackson, conocida como la reina de la música góspel.

En los años 1990 destacaron músicos como Steven Curtis Chapman en el estilo contemporáneo, mientras que Don Moen y Ron Kenoly destacarían en el ámbito de la música góspel de adoración.

Música cristiana contemporánea

Historia
A finales de los 60 y durante la década de los 70, en Estados Unidos fue conformándose la llamada Jesus music o 'música de Jesús', la cual estaba relacionada con el movimiento cristiano contracultural conocido como Jesus movement. Frecuentemente se considera que en dichos años se ubican los inicios de la música cristiana contemporánea como categoría musical. En esta época numerosos músicos hippies y músicos callejeros se habían convertido al cristianismo y muchos continuaron tocando el mismo estilo de música después de su conversión, pero agregando letras de temática y fe cristiana. No obstante, algunos de estos músicos retomaron elementos de la música cristiana de épocas pasadas, o innovaron los elementos del momento. Poco a poco se fue popularizando la música cristiana con melodías diferentes dentro y fuera de Estados Unidos, tanto en países europeos y latinoamericanos; tanto en sectores evangélicos, como en otras confesiones de fe cristiana no-católica, no denominacional o protestante.

Los artistas evangélicos hicieron contribuciones significativas a la música cristiana contemporánea en la década de 1960, desarrollando varios estilos musicales cristianos, desde el rock cristiano hasta el hip hop cristiano pasando por el punk cristiano o el metal cristiano.  Los GMA Dove Awards, una ceremonia anual que premia la música cristiana, fue creado en Memphis (Tennessee) en octubre de 1969 por la Gospel Music Association.

Varias sellos discográficos evangélicos han apoyado el movimiento. En rock cristiano, existe Sparrow Records fundado en 1976 en los Estados Unidos por Billy Ray Hearn, un música cristiana graduado de la Universidad de Baylor.   Las canciones de Hillsong Music, fundada en 1991 por Hillsong Church, en Sydney, Australia, han sido traducidas a varios idiomas y han tenido una influencia considerable en las iglesias evangélicas de todo el mundo. .

En hip hop cristiano, TobyMac, Todd Collins y Joey Elwood fundaron el primer sello especializado Gotee Records en 1994.   La fundación del sello Reach Records en 2004 por Lecrae y Ben Washer también tuvo un impacto significativo en el desarrollo del hip-hop cristiano.

De acuerdo a Ericson Enroth, el pastor Chuck Smith de Calvary Chapel fundó las primeras disqueras de música rock-pop cristiana, en una de las cuales se originó la etiqueta Maranatha! Music en 1971. Con el tiempo fueron formándose diversas bandas juveniles y músicos similares en el país, por ejemplo, Larry Norman, quien es considerado uno de los pioneros del rock cristiano. Entre otros de los líderes musicales destacados se encontraban Barry McGuire, Second Chapter of Acts, Resurrection Band, Phil Keaggy, Dion DiMucci, Randy Stonehill, Randy Matthews, The Imperials, Andraé Crouch, Nancy Honeytree, Keith Green, etc. Otras agrupaciones como Larry Hart o The Archers abordaron la música cristiana incorporando algunos elementos de la música disco en sus melodías. Otros intérpretes como Wayne Watson, White Heart, Rich Mullins, y Michael W. Smith incorporarían elementos de la música ochentera en su música con aspectos musicalmente innovadores.

En México, durante el , se llegaron a conformar diversos conjuntos que integraban letras de fe cristiana en la música folclórica de la época, con lo que fue surgiendo la variante musical del mariachi cristiano. Algunos de los intérpretes conocidos incluían a las hermanas Martha y María Bonilla, y a José Trejo. Como resultado de su creciente aceptación por algunos creyentes, esta música se fue extendiendo a otros países latinoamericanos como Costa Rica, Venezuela y Colombia, entre otros.

Década de 2010
En el 2004, más de 250 músicos cristianos se unieron juntos para cantar la canción "One Voice, One Heart" (Una Voz, Un Corazón). La unión se realizó con motivo de recaudar fondos que fueran destinados a los afectados por el tsunami en Indonesia en ese mismo año. La pieza, escrita por Mark Beswick y Tim Hughes, se grabó en los Abbey Road Studios. Entre los participantes estuvieron Martin Smith de Delirious?, Matt Redman, Lou Fellingham, Noel Richards, Brenton Brown y Graham Kendrick, entre otros líderes de alabanza que juntos llegarían a ser apodados como la "Band Aid Cristiana."

De formar similar, ante el desastre por el terremoto de Haití de 2010, Michael W. Smith convocó músicos cristianos prominentes para grabar la canción "Come Together Now" (Vengamos Juntos Ahora), en los Ocean Way Studios, en Nashville, Tennesse, y conseguir fondos para los damnificados de la isla. La pieza fue escrita por Smith, David Mullen y Cindy Morgan; y contó con la participación de Steven Curtis Chapman, Mark Hall y Megan Garrett de Casting Crowns, Chris McClarney, Brandon Heath, Mandisa, Britt Nicole, Francesca Battistelli, Natalie Grant, Amy Grant, Matthew West, John Schlitt de Petra, Ashley Cleveland, Aaron Shust, Vince Gill, Phil Stacey, David Mullen, Selah, Everlife, Point Of Grace, The Katinas, entre otros. Se incluyó además un coro de 250 niños, incluyendo 14 de Haití; y se dio a conocer con el nombre de "Music City Unites for Haiti."

Consolidación y variedad de estilos
Actualmente, la "música cristiana contemporánea" se entiende no propiamente como un estilo musical separado del resto de estilos, sino más bien como una categoría musical cuya lírica representa un contenido de fe cristiana. A menudo, el autor o intérprete de esta música le da un sentido evangelístico a sus letras, con el fin de expresar su relación espiritual, manifestar su fe, y/o causar una reacción en las personas que escuchan la música.

A lo largo de los años, la música cristiana ha trascendido notablemente. En las últimas décadas se ha notado un gran aumento en la cantidad de música cristiana producida en iglesias evangélicas y otras ramas protestantes o no denominacionales. Han surgido muchos cantautores que ahora tienen fama internacional, tanto en el mundo anglosajón como del latinoamericano. Tal es la influencia de la música cristiana que es una categoría tenida en cuenta en diversas premiaciones representativas de la música a nivel internacional, como los Premios Grammy y desde el 2003 en los Premios Arpa.

La música cristiana contemporánea se suele considerar diversa en cuanto a los estilos musicales que comprende. Desde la segunda mitad del  ha habido músicos de esta categoría que han incursionado en diversos géneros musicales que comprenden desde formas renovadas de música mesiánica, los géneros contemporáneos más clásicos como góspel, soul, balada, folk, country, blues, jazz, pop, rock alternativo o rock cristiano, hasta el metal, hardcore; ritmos latinos como el mariachi, la salsa y la música ranchera, o ritmos más modernos como el hip hop, reggae, reggaetón, música electrónica, e incluso otros estilos musicales contemporáneos como la música global.

Además, existe una subcategoría musical derivada de la música cristiana contemporánea; esta es conocida como "música de adoración" o música contemporánea de adoración (en inglés contemporary worship music), que en esencia es una forma moderna de música congregacional cristiana, cuyas composiciones a menudo son llamadas "canciones de alabanza" o "canciones de adoración" que son interpretas por "grupos de alabanza".
El worship, está muy influenciado por géneros como el dream pop, el post punk, el rock alternativo, el britpop, el punk pop, new wave, synth pop, funk, funky house, funk rock, nu-disco, House, french house, house tropical, Techno,
dubstep, neopsicodelia, easy listening, chillstep, progressive house, big room house, trance, glitch hop, trip hop,
ambient, ska, dance pop, dance rock, folk pop, rock pop, soft rock, hard rock, blues rock, blues, indie pop, indie rock, art rock, power pop, power ballad, protopunk, surf rock, rock sinfónico, space rock, rock progresivo, metal neoclásico, opera rock, glam metal, glam rock, hair metal, grunge, arena rock, eurodance, shoegaze, rock gótico, emo, midwest emo, country, reggae, reggaetón, reggae rock, chamber pop, jangle pop, noise pop, sadcore, madchester, música judía, música árabe, post rock, EDM, rock electrónico, electro pop, latin rock, latin pop, rap, rap rock, hip hop, jazz fusion, jazz rock, rock and roll, R&B, soul, nuevo flamenco, etc.

Controversia
Cabe destacar que varios de los estilos musicales modernos reciben fuertes críticas y profundo rechazo por parte del fundamentalismo, otros sectores cristianos, diversos ministros y creyentes que no aceptan la incorporación ni la combinación de ciertos géneros temática cristiana, por considerarlos ritmos mundanos, seculares, "sensuales" o incluso satánicos.
Estilos de la era contemporánea como el heavy metal, el death metal, el screamo, así como el rap, el hip hop y el reguetón, a menudo son fuertemente desaprobados por sectores conservadores de la comunidad cristiana, que llegan a denunciar la aceptación de estos como una forma de secularización que pervierte el carácter de consagración y santidad de la música. El conocido ministerio "I'll Be Honest", por ejemplo, desaprueba la música con sonidos estridentes, distorsionados y violentos, considerando que no tiene lugar en el cristianismo.

Así mismo, el rechazo al rock o al pop moderno, por ejemplo, se debe en parte a que estos géneros han sido asociados con diversas prácticas inmorales desde sus comienzos, prácticas que son fuertemente reprendidas y rechazadas en la moral cristiana, tales como la promiscuidad sexual y el consumo de drogas y alcohol.

De esta manera, hay quienes cuestionan los motivos que en realidad pueden llegar a tener los músicos, debatiendo si cierto ritmo o ciertos músicos están ejerciendo verdaderamente un ministerio cristiano musical para evangelizar, o simplemente están realizando una forma de entretenimiento con motivos de marketing para vender discos.

El rechazo a la secularización de la música ha sido tema de discusión en múltiples denominaciones. La opiniones son muy variadas, y a veces suelen ser tema de controversia y opiniones encontradas. Hay círculos cristianos que prohíben estrictamente el escuchar varios de esos ritmos a sus miembros. Otros se encuentran fuertemente preocupados por la apostasía, y así, pueden llegar a cuestionar la afiliación denominacional de los cantantes, o el mensaje doctrinal, la fidelidad moral, o el carácter espiritual detrás del mensaje de las canciones o el artista mismo.

Otro tema de controversia tiene que ver con las relaciones que algunos músicos llegan a tener con otras instituciones o líderes religiosos. Con la creciente difusión del ecumenismo (también llamado 'movimiento ecuménico') han llegado a surgir opiniones encontradas puesto que, mientras algunos músicos lo aprueban, hay cristianos que lo rechazan fuertemente. No obstante, aun así se han organizado festivales musicales en los que algunos músicos conocidos del ámbito protestante se han presentado en eventos de carácter católico, o viceversa. El cantante católico Matt Maher, por ejemplo, se ha hecho muy conocido en el ámbito de la música protestante, mientras que el grupo Hillsong United y la cantante Darlene Zschech participaron en el concierto "Receive the Power" en Sídney, Australia el 18 de julio del 2008, un evento que la Iglesia Católica organiza cada año, llamado "Jornada Mundial de la Juventud" (JMJ) o 'World Youth Day''' (WYD). Otros casos incluyen al cantante Michael W. Smith, que en octubre de 1995 tocó en evento pontificio por la llegada de Juan Pablo II a la ciudad de Baltimore;http://articles.baltimoresun.com/1995-10-08/news/1995281031_1_pacione-morning-celebration-pope John Rivera (1995), "Even the 3-hour wait will be spectacular Church's story in Md. to unfold in extravaganza", octubre 8. o la banda Third Day y el rapero tobyMac, quienes en abril del 2009 se presentaron en un evento de carácter católico ante Benedicto XVI, en la ciudad de Nueva York.https://www.cbn.com/cbnmusic/news/041108ThirdDayRally.aspx Third Day to Perform at Papal Youth Rally on April 19, Revisado el 21 de junio, 2013.

Otro tema de debate que a menudo surge tiene que ver con los artistas que en un inicio realizaron música cristiana y posteriormente incursionaron al ambiente de la música secular, o viceversa; y con diversas producciones de los mismos, que no tratan temas de fe cristiana en absoluto. Ejemplos de artistas de habiendo hecho música cristiana también han producido música secular, incluyen a Amy Grant, Skillet, Brooke Fraser, Chris Rice, Underoath, Daughtry, Relient K,http://www.jesusfreakhideout.com/concerts/RelientK2012.asp Stryper, The Afters,Monique El-Faizy (2006), "God and Country: How Evangelicals Have Become America's New Mainstream" , p.138. etc.

Además, también ha surgido confusión respecto a algunas agrupaciones que en algún momento fueron equívocamente catalogadas como "bandas cristianas" por diversos medios, a pesar de que propiamente no producen música con mensajes evangelísticos ni con expresiones explícitas del cristianismo. Algunos ejemplos de bandas de que en algún momento de su carrera fueron erróneamente catalogadas como cristianas incluyen a Evanescence, Creed, Three Days Grace, etc.

También suele haber malentendidos respecto a diversas bandas que tienen miembros que sí se consideran a sí mismos cristianos, pero que, que en realidad, no se enfocan a producir como tal música dedicada a Jesucristo, ni a la alabanza, la adoración, o al evangelismo. Algunas bandas que no se reconocen a sí mismas como bandas dedicadas a hacer propiamente «música cristiana» (a pesar de que a veces son catalogadas así por diversos medios o fanes), incluyen a Switchfoot, Lifehouse, Flyleaf,http://qctimes.com/entertainment/music/article_b7fca756-81dc-11de-b7bf-001cc4c002e0.htmlChevelle, The Fray, 12 Stones, Needtobreathe, entre otras.

En este sentido, es importante resaltar que el hecho de que en un músico se considere a sí mismo cristiano, no necesariamente significa que este se dedique a componer música cristiana, al igual que tampoco el hecho de que una canción mencione a Dios, significa que esta haya de ser catalogada como en esta categoría.
Al respecto, algunos ministros y autores cristianos han opinado que por ello el mensaje de la música cristiana debe ser explícito, y que, por definición, debe centrarse en la figura de Cristo, y no en el músico. El escritor cristiano Rick Jones, por ejemplo, considera:

Diversos pastores como David Cloud de Way Of Life Ministrieshttp://www.bethelministries.com/ "Why we are opposed to CCM". y Michael Hoggardd de Bethel Church, Bob Jennings, así como David Wilkerson de la Iglesia de Times Square se encuentran entre las figuras cristianas destacadas que han desaprobado en general aspectos de la industria moderna de música cristiana. Mike Hoggard por ejemplo, ha realizado un estudio donde señala supuestos símbolos ocultistas en la música cristiana. El reconocido pastor David Wilkerson, por otra parte, dijo haber visto "imágenes demoníacas" y presenciado una manifestación diabólica en el único concierto de rock cristiano al que asistió en 1987, luego de que el cantante de la banda lo había invitado personalmente. Wilkerson concluyó:

Por otra parte, otro tema que ha generado gran controversia es el hecho de ligar la riqueza espiritual de este tipo de música a la calidad musical técnica, a lo cual diversos pastores como Chuy Olivares o Paul Washer (entre otros) han dicho que el hecho de que la música autodenominada cristiana sea un material de gran calidad musical no quiere decir que esté cargada de sentido espiritual, a lo cual el pastor y también cantante Alexis Peña concluyó: "En la verdadera adoración la meta es la gloria de Dios y el arte es solo una herramienta para descubrir su gloria, el ser un gran músico no es la meta, la meta es hacer manifiesta la imagen de Dios y que Él sea glorificado en todo"En julio de 2014, el exlíder de la banda de As I Lay Dying confesó que aunque su banda se dio a conocer como banda de metal cristiano, él y otros miembros han sido ateos y nunca lo dijeron por temor a vender menos discos. Expresó también que, en su opinión, de todas las llamadas bandas cristianas de metal que ha conocido solo una de cada diez está formada por verdaderos cristianos practicantes.Tim Lambesis: La mayoría de 'bandas de  música cristiana ' son sólo negocio (2014).

El sábado 16 de junio de 2016, líderes religiosos de Estados Unidos, dirigidos y organizados por Nick Hall, realizaron un macro-evento de música cristiana y oración en el cual participaron evangélicos y católicos en el National Mall de Washington DC. El evento de corte ecuménico se tituló Together 2016 ("Juntos 2016") y fue aprobado por el papa Francisco como una oportunidad de unir a creyentes de Jesús sin importar las diferencias doctrinales. En el evento participaron músicos cristianos destacados, tales como Hillsong United, Michael W. Smith, Jeremy Camp, Lecrae, Casting Crowns, Kirk Franklin, Kari Jobe, Matthew West, Christine D'Clario, Luis Palau, Crowder, entre otros.Lista Completa de Participantes Confirmados en Together 2016  Asimismo, se contó con la invitación de conferenciantes evangélicos (como Josh McDowell, Ravi Zacharias, Francis Chan y Samuel Rodríguez), conferenciantes católicos (como el Obispo 'Bishop Robert' y Mateo Calisi) además de la transmisión de un mensaje del Papa y una carta del presidente Barack Obama que dieron muestras de agrado y apoyo al evento.

 Intérpretes de Música Cristiana Católica & Evangélica o  Contemporánea

 Formatos
En la actualidad, la música cristiana contemporánea es emitida por estaciones de radio, canales de televisión y especialmente, sitios de Internet, estando disponible en casi todo tipo de formatos: CD, LP, formatos digitales, DVD, etc. Los álbumes y vídeos musicales cristianos han incrementado su popularidad y sus ventas en los últimos años.

 Compañías discográficas

 Premios y eventos de música cristiana
Algunos de los premios más importantes de la música cristiana evangélica en español son los Premios Grammy Latinos en sus respectivas categorías, portugués y español, Premios GMA Dove con sus categorías hispanas (álbum del año y canción del año), Premios Arpa, Premios AMCL, Premios Redención, Premios El Galardón, Praise Music Awards, entre otros.

Respecto a la música cristiana de habla inglesa, los más destacados son los GMA Dove Awards de la Gospel Music Association, los premios Grammy para la música cristiana y el góspel, los Stellar Awards y los Convenant Awards.

Así mismo, hay diversos eventos musicales dedicados especialmente a organizar conciertos o presentaciones para difundir artistas de música cristiana contemporánea. Algunos de ellos son:

 Expolit
 GMA Dove Awards
 MCTV
 Premios Arpa
 HeavenFest
 Covenant Awards

 Greenbelt Festival
 Ichthus Festival
 Premios Vertical Music
 Alive Festival
 Premios Redención
 África Gospel Music Awards

 Creation Festival
 Cornerstone Festival
 Winter Jam
 Explo Music Fest
 Bogotá Gospel
 Jesus Fest

 Véase también
 Góspel
 Música en la Biblia
 Música mesiánica
 Música sacra

 Referencias

 Bibliografía
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Enlaces externos

Géneros musicales
Música cristiana

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HomeNewsRoss guarantees funding for Iroquois Airport and Campground Building
Ross guarantees funding for Iroquois Airport and Campground Building
April 22, 2019 R. Comfort – Leader staff News
SOUTH DUNDAS – In a renewed proposal to South Dundas council, John Ross is now guaranteeing that the Municipality of South Dundas will not have to pay more than the $350,000 in its budget to construct the John D. Ross Airport and Campground Building.
April 15th Ross sent the proposal to council which offers full funding. The letter outlining his latest proposal was submitted by John Ross to The Leader and can be seen on page 7 of the April 17th print edition.
At the April 16th meeting council will address its rejection of the previous offer. It is not known if further discussions will take place. Any council decisions on the matter which took place after press time will be detailed in the April 24th of The Leader.
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Exultemur et laetemur. English and Anglo-American Rewritings of the Story of Christ
Paola Di Gennaro
The novel genre has explored – with its peculiar possibilities – the dynamic changes, in significance and expectations, that the figure of Christ, a "character" strictly codified in the Gospels, has inspired again and again in different contexts. The starting point is the examination of constants and variants in the representation of Christ in the discourse developed in the period that stretches from the last decades of the nineteenth century to the end of the last century (Renan, Wallace, Papini, Mauriac, D. H. Lawrence, Moore, Graves, Kazantzakis, Artaud, Moorcock, Bulgakov, Endō, Saramago) – rewritings that have reinterpreted historical and religious facts in order to transform them into something else: epitome, metaphor, objective correlative, scapegoat.
The aim of this paper is to analyse a number of British and Anglo-American literary texts and films of the last decades which have used irony or explicit laughter as instruments for retelling in heterodox – but only apparently blasphemous – ways the life of Jesus, between canonical and apocryphal Gospels, making it new material, euphoric and vital hypostasis. This was possible only after the appearance of Nietzsche's antichrist, after the figure of Christ had become, in the nineteenth century, Hegelian (Strauss), proto-communist (Sauriac and Lynn Linton) and positivist (Renan). In particular, two texts will be analyzed: The Gospel According to Biff, Christ's Childhood Pal (2002), by Christopher Moore, and The Second Coming (2011) by John Niven, and also classic films such as Monty Python's Life of Brian (1979), and Dogma (1999), directed by Kevin Smith. In these works of the twenty-first century, Christ is still a character who has to fulfil his destiny, in one way or another; these texts represent real theological fictions, complex constructions that want to draw, in an effective way, a reassuring road to salvation, a customised paradise.
Christ; Rewriting; Laughter; Niven; Moore
PDF (Italiano)
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DOI: http://dx.doi.org/10.13125/2039-6597/2209
NBN: http://nbn.depositolegale.it/urn%3Anbn%3Ait%3Aunica-18907
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Between Journal is published with the funding of the Bank of Sardinia Foundation.


text:
The Decisive Point
Daniel Sukman
The Big Ethical Questions
General Martin E. Dempsey, chairman of the Joint Chiefs of Staff, teaches a class on ethics to midshipmen during his visit to the U.S. Naval Academy, 2014.
By Aaron Bazin
Looking at how strategy and ethics intersect is not an easy task. There are many ways to look at both subjects, and one could spend a lifetime reading and reflecting upon all the finer points. Every person has their own way of looking at the issue of ethics, but ultimately each strategic thinker must responsibly apply ethics address the challenge at hand.
There are many questions a strategic thinker routinely asks, but the ethical questions are not often enumerated. To come up with some of the major ethical questions strategic thinkers should ask themselves, their teams, and those they advise, we must begin somewhere. We can justifiably assume that the typical strategic thinker is focused on identifying the morally correct course of action for practical application in the real world, or applied ethics. If we can assert that this is the case, the basic first-order question that all strategic thinkers continually wrestle with is this:
What should we do?
There are a wide-array of ethical lenses we can use to practically address this question. Fieser (2015) has described many of the ethical models philosophers ponder. If we combine our first-order question with these models, we can distill sub-questions that the strategic thinker can use to apply the major ethical models in a practical way. These questions are as follows:
▪ According to the precepts of eternal and immutable law, what should we do? (objectivism)
▪ According to what we individually think is right and wrong, what should we do? (individual relativism)
▪ What does our culture suggest that should we do? (cultural relativism)
▪ What is best for us? (egoism)
▪ What is best to display benevolence to others? (altruism)
▪ What do we feel is right emotionally? (emotive)
▪ What is right not taking into account emotion at all? (rationalism)
▪ What is our duty? (male-modeled morality)
▪ How should we act caringly in this situation? (female-modeled morality)
▪ What should we do based on what we would want done to us? (normative)
▪ Based on the traits that we wish to live by, what is proper? (virtue)
▪ What should we do to maintain a balance in our actions and avoid extremes? (golden mean)
▪ What is our duty to a higher power? What is our duty to ourselves? What is our duty to others? (Pufendorf's duties)
▪ How can we uphold the rights of others? (moral rights)
▪ What action would treat others with dignity? (categorical imperative)
▪ Are the consequences of action more favorable than unfavorable? (consequentiality)
▪ What should we do based on rules and laws? (social-contract)
▪ What action would best benefit society? (social benefit)
▪ What action would assist others who cannot otherwise assist themselves? (paternalism)
▪ What action would prevent or reduce harm to others? (principle of harm)
▪ What action would acknowledge individual freedom? (principle of autonomy)
▪ What is fair to do? (principle of justice)
Obviously, these questions are very general in nature. If the strategic thinker is to make any use of them at all, they must go deeper. As the contextual nuances of each strategic problem differ, one should carefully consider the specific parameters at play in each case. To this, the strategic thinker must also add what they know, what they believe, and yes, even what they feel.
Asking and answering these questions is not easy, nor should it be. Strategic problems are typically complex and adaptive troublesome in and of themselves. Looking at strategy through an ethical lens can add to this complexity, but is absolutely vital. Arguably, if we fail to use some sort of ethical compass to guide our strategic thinking, then we have already lost our way.
Aaron Bazin is career Army officer with over 20 years of leadership and management experience operating at the highest levels of the Department of Defense (DoD), the North Atlantic Treaty Organization (NATO), U.S. Central Command, and within the institutional Army. Operational experience includes deployments to Pakistan, Afghanistan, Qatar, Iraq, United Arab Emirates, Bahrain, Jordan, and Kuwait. This post is an adapted portion of his new book, Think: Tools to Build Your Mind.
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