クエリ: ロココ芸術の発祥はどこ?
文章: 18世紀、ルイ15世のフランス宮廷から始まり、ヨーロッパの他国にも伝えられ、流行した。ロココ ロココ(Rococo)とは、美術史で使われた用語で、バロックに続く時代の美術様式を指す。
文章: シノワズリ ルネサンスから18世紀に入るまで、西欧のデザイナー達は中国の陶磁器の洗練された技術を真似ようとしてきたが、一部で成功が見られただけだった。しかし、17世紀後半から、ティーセットに代表されるヨーロッパのファイアンス(彩色陶磁器)において、中国陶磁器の図案をそのまま真似る方法が始まり、これがロココ=シノワズリとなって大きく流行した(1740年から1770年頃)。17世紀初頭、東インド会社の活動が盛んだったオランダやイギリスなどの地域の芸術にシノワズリの兆候が現れはじめ、17世紀半ばにはポルトガルでも現れた。デルフトなどドイツの街で作られたスズ釉薬を用いた陶器には、17世紀以降は、まさしく明朝磁器の白地に青の装飾(青花)がほどこされていた。そしてマイセンの初期の陶器や、その他の磁器産地の製品は、中国の皿や花瓶や茶器の形状を正しく模倣していた。やがて、これが本物のシノワズリ装飾になると、幻想的な山水風景に蜘蛛の糸の橋がかかり、その中で中国の役人が花の日傘をさして、竜や鳳凰を背景に涼しげな竹の庵にもたれかかり、巻物の端からは猿が揺れる幻想郷が描かれた。ドイツやロシアでは、後期バロック様式やロココ様式の宮殿のパルテール(幾何学的にレイアウトされた花壇)に、中国風の別荘が建築された。マドリード近くのアランフエスの宮殿でも、壁面に中国風のタイルが使われている。また、 スウェーデンのドロットニングホルム宮殿やロシアのツァールスコエ・セローには、余暇を過ごす村の全てを中国風に装飾した中国村が作られた。トーマス・チッペンデールは、1753年から70年の頃、ガラス窓や縁取りを雷文細工で装飾した中国風のマホガニー・テーブルやキャビネットを製作した。これらは初期の清朝の学者向けの家具にそのまま忠実だったが、ジョージ王朝時代の中期には、イギリス紳士にもピッタリのサイドテーブルや四角く薄い背もたれのついた肘掛け椅子にも取り入れられた。シノワズリの主流となったのは、中国風のデザインだけではない。日本の漆工芸を真似たニスやスズめっき仕上げの器(デコパージュ)や、ジャン=バティスト・ピルマンの彫版を印刷した壁紙、陶芸の人形やテーブル飾りも、当時の雑誌等はシノワズリとして取り上げた。 文章: アントワーヌ・ヴァトー 「雅びな宴」(フェート・ギャラント、ftes galantes)の画家と呼ばれるヴァトーは、若くして亡くなったが、18世紀フランスのロココ様式を代表する画家と見なされている。 文章: 及川光博 及川は自分のライブのセットや衣装には拘っており、独特の美意識を駆使して、ツアー・コンセプトに合わせた芸術的なものであると自負している。しかし、ライブに飛び入り参加した唐沢に、ロココ調を意識した衣装を「カーテンみたいな柄だ」と一言で評され、少なからずショックを受けていた。 文章: バロック絵画 「バロック」という用語はもともと侮蔑的に使用され始め、作品の強調表現があまりに行き過ぎていて品位に欠けるいびつなものという意味が含まれていた。また、アリストテレスの三段論法についての著作の歴史的用語「バロコ (Baroco)」を語源とするという考えもある。奇抜な強調表現、過剰なまでに描きこまれた細部表現を意味する用語で、ルネサンス芸術の特性である合理的で抑制された作風とは好対照をなすものとして用いられていた。「バロック」におけるこのような否定的な意味合いを最初に払拭したのはスイス人美術史家ハインリヒ・ヴェルフリン(1864年 - 1945年)である。ヴェルフリンは著書『ルネサンスとバロック』(1888年)で、バロックは「(美術を)大衆へともたらした芸術運動」であり、それまでのルネサンス美術とは対極にあるものと位置づけた。ヴェルフリンは他の現代美術史家とは違ってマニエリスムとバロックとを区別してはおらず、18世紀の後期バロック(ロココ)も完全に無視している。ロココが隆盛したフランスやバロックの影響がほとんど見られなかったイギリスでは、ヴェルフリンの学説がドイツの学会で認められるまで、バロックはまともな研究対象とみなされていなかった。 文章: 塔の上のラプンツェル 本作のヴィジュアル・スタイルは、フランスロココの芸術家であるジャン・オノレ・フラゴナールによる絵画『ぶらんこ』をベースとしている。 文章: プフロンテン その他のプフロンテン谷の歴史的な宗教建築は主に地元の芸術家や手工芸品業者が調度を整えたものである。ハイトレルン集落の聖レオンハルト教会は、芸術家一家であるヘール家の作品を多く所蔵している。エッシュにはベルトロメウス・シュタプフ作のフレスコを有する聖コロマン礼拝堂がある。シュタイナハの聖ミヒャエル教会は元々はインメンシュタットにあった重要なロココの主祭壇を有している。カペル集落(聖マルティン教会)やマイリンゲン(マリアの帰郷礼拝堂)にも美術史上興味深い教会がある。 文章: ポンパドゥール夫人 ポンパドゥール夫人は美貌ばかりでなく学芸的な才能に恵まれ、サロンを開いてヴォルテールやディドロなどの啓蒙思想家と親交を結んだ。また芸術の熱心な愛好家、パトロンでもあり、様々な芸術家とも交流した。ポンパドゥール夫人の時代はフランスを中心に優雅なロココ様式の発達した時代になった。 文章: サロン・ド・パリ 審査制度が始まった背景には、ロココ美術が頂点を迎える中、度の過ぎた官能的描写が氾濫していることへの危惧があったと考えられる。1746年のサロンを機に、文芸愛好家が『フランス絵画の現状に関する考察および1746年のサロン出品作の検証』という書物を発表し、大きな議論を巻き起こした。ラ・フォンは、フランソワ・ブーシェやシャルル=アンドレ・ヴァン・ロー(カルル・ヴァン・ロー)といったロココ美術の主導者を、古典主義から逸脱するものとして批判し、シャルダンやヴェルネに送った。アカデミーに属さない非専門家によるこうした美術批評に対しては、アカデミー関係者から強い反発があった。 文章: パンク (サブカルチャー) パンクは1970年代中頃、アメリカ合衆国とイギリスで生まれた。具体的な発祥地ついては諸説ある。オーストラリア、南アフリカ共和国、日本の大都市でも比較的初期にパンクの影響が見られた[2][3][4][5][6][7]。 初期のパンクは様々な影響から生まれたもので、Jon Savage はこのサブカルチャーを、西洋で第二次世界大戦以後に存在したあらゆる若者文化を「安全ピンでまとめてとめた」ような「ブリコラージュ」だと称した[8]。様々な哲学的ムーブメント、政治的ムーブメント、芸術的ムーブメントがこのサブカルチャーに影響を与えた。特にパンクはいくつかのモダンアートの系統に触発されている。パンク的美学の形成には、多くの作家、書籍、文学運動が重要な役割を果たしている。パンク・ロックにはロックンロールだけでなく様々な音楽的起源がある。 文章: ロココ 「クロトナのミロ」で評判となったフランス人彫刻家エティエンヌ・モーリス・ファルコネはロシア女帝エカチェリーナ2世に招かれた。首都サンクトペテルブルクの元老院広場に設置された「ピョートル大帝像(青銅の騎士)」はファルコネによるものである。 文章: ロッカクアヤコ 1982年、千葉県に生まれる。高校卒業後はグラフィックデザインの専門学校のイラストレーション科に通い20歳で卒業した。周りの生徒が就職する中で卒業後は就職せず、デザイン・フェスタに参加してライブで絵を描くパフォーマンスを行った。この場で初めて筆を使わずに手で直接描く手法を思い付いたという。2002年(平成14年)からは路上での創作活動を始め、翌年にはGEISAI#4に参加する。その場で注目を集めたアヤコはスカウト賞を受賞した。 文章: 言語ナショナリズム 近代ナショナリズムの発祥であるヨーロッパでは言語の相違が国民の固有性と独自性の指標の一つとしてどこでもクローズアップされた。 文章: アズレージョ 16世紀の古いポルトガル人親方の一人はマルサル・デ・マトスで、バルカリョア邸の『スザンナと長老たち』(1565年)を創り、『羊飼いの崇敬』(リスボン・所蔵)も創った。リスボンのサン・ロッケ教会内にある『聖ロクスの奇跡』は、1584年にできたポルトガルでの初めてのアズレージョを組み合わせた構成図であった。それは、フランシスコ・デ・マトス(おそらくマルサル・デ・マトスの甥で弟子)の作である。どちらも、イタリアとフランドルから入ってきた、ルネサンスとマニエリスムの絵画・エングレービングに触発されて作られた。これはセラミックスの歴史において際立った反響であった。ルネサンス様式の多彩色の上薬をかけたタイル("azulejo renascentista"、サン・ロッケ教会に使用された物)、のちにマニエリスム様式のタイル("azulejo maneirista"、アマロ礼拝堂に使用された物)などがこの頃の代表作である。アズレージョのほとんどに、寓話やギリシャ神話、聖書の一場面、聖人の生涯や狩猟風景などが描かれた。サン・ロッケ教会には、セビーリャの工房の様式であるダイアモンドを四隅に打ったアズレージョ("ponta de diamante"、トロンプルイユ効果とグロテスク装飾を見せるダイアモンドが使われる)が見られる。これら怪奇な表現を含むグロテスク装飾は、18世紀最後までしばしば用いられた。 文章: ウイチョル族 こうした呪物としてのニエリカからやがて商品としての毛糸絵が派生する訳であるが、この発展はウイチョル族自らの手による自発的な取り組みによるものではなく、1934年あるいは1935年頃から見られた(Maclean 2010: 68)外部からの働きかけを契機とするものである。その後1953年にメキシコシティにポピュラーアート・産業博物館()が設立されるが、この頃からウイチョル族の毛糸絵製作が盛んになり始める。はじめのうち、毛糸絵は小型かつ簡素なデザインであった。しかし、のフランシスコ会神父エルネスト・ロエラ・オチョア(Ernesto Loera Ochoa)の助言を受けたウイチョル族のシャーマンラモン・メディナ・シルバ(Ramn Medina Silva)が、同大聖堂のウイチョル族博物館での展示販売を目的として(Kindl & Neurath 2003: 443)ウイチョル族の神話を毛糸絵に表現することを始めた。こうしてウイチョル族の世界観が編み込まれた毛糸絵は、その独特かつ緻密な製作技法とデザインのサイケデリックさとが高く評価され、民芸品からアートへと昇華させられた。またこの毛糸絵により、ウイチョル族は「伝統的な生活を保つ先住民」、また「芸術家」としてメキシコ内外で知られることとなった。 文章: サンタフェ (ニューメキシコ州) サンタフェの芸術品市場はニューヨークに次ぐ全米第2の大きさで、ギャラリーや美術商の数は230を超える。キャニオン・ロードには、1マイルに及ぶ道筋にブティックやカフェと並んでアートギャラリーが軒を連ね、アメリカ芸術界の最先端を行く街となっている。これらのギャラリーは、サンタフェ発祥の実験芸術である現代サウスウェスタン芸術に加え、タオス・マスターズ芸術、さらにはプエブロ族やナバホ族の工芸品を中心としたインディアンアートやインディアン・ジュエリー、各国の民族芸術をも展示し、取扱っている。アメリカのアーティストにとって、キャニオン・ロードのギャラリーに絵を展示されることは一つのステータスとなっている。