クエリ: バロック風の作品の特徴はなんですか?
文章: 彼の1919年の論文 "Barockmusik" によれば、バロック音楽は「彫刻や絵画等と同じように速度や強弱、音色などに対比があり、劇的な感情の表出を特徴とした音楽」と定義されるバロック音楽 音楽史的な観点から「バロック音楽」に組織的に言及したのはドイツの音楽学者クルト・ザックス(1888年 - 1959年)である。
文章: バロック音楽 ロマン派期になると、メンデルスゾーンによるバッハのマタイ受難曲の「再発見」に象徴されるように、バロック時代の音楽へと興味が向かうようになり、作品にバロック風の味付けを施す作曲家もいた(たとえばブラームスやフランクなど)。 文章: バロック建築 ローマと北イタリアの初期バロック建築は、ベルニーニ、ボッロミーニの後、カルノ・ライナルディ、ピエトロ・ダ・コルトーナによってさらに独創的で多様な造形を形成するが、彼らの底流には常に量塊と彫塑性に対する好みが流れていた。しかし、17世紀末にはイタリアの造形力は衰退し、後期のバロックはフランスの影響を受けた古典的なものに移行する。そして、以後、ローマの芸術的地位は一地方並にまで転落し、イタリアが建築芸術を主導する立場に立つことはなくなるのである。 文章: バロック 劇場では、人物の動きを目立たせるある種の演出(照明、演技、衣装、装飾......)もまたバロックの表現に一役買っている。 文章: バロック バロック様式の芸術家たちの劇的な側面が直截的・情動的な効果によって宗教的な主題の奨励に繋がると判断したカトリック教会によってバロックの人気と成功は促進された[10]。 文章: バロック 18世紀には古典的バロックから後期バロックもしくはロココへと移行した。これらは17世紀末にドイツ、オーストリア、ボヘミアで出現した。官能的な美の趣味は17世紀バロックの型に嵌った性質により自由な創作をもたらした。 文章: バロック音楽 イギリスでは植民地経営によって経済的に潤うと多くの富裕市民があらわれ、18世紀には市民の間でオペラの人気が非常に高まった。ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル(1685年 - 1759年)はイギリスで活躍したドイツ生まれの作曲家である。ヘンデルが活躍したのは主にオペラやオラトリオの分野であり、これらはつねに当時流行のスタイルで書かれていた。オペラ作品は概してイタリアオペラの書法に則ってはいたが、序曲や舞曲に関してはフランス風の音楽の影響も見られる。美しく、わかりやすいメロディーでロンドン市民に大いに親しまれたが、パーセルに見られたようなイギリス独特の要素はほとんど見られなかった。 文章: 旧大北電報公司ビル デンマークで創立されたグレート・ノーザン・テレグラフ(日:大北電信会社、中:大北電報公司)が社屋として建築した。設計はアトキンソン&ダラス事務所であり、1907年竣工とされる。建物全体はネオ・バロック風建築で、ビル両端の天上ドームが特徴的である。 文章: バロック美術 バロック絵画の全盛期は17世紀で、その中心はスペイン、スペイン領ネーデルラント、オランダなどであった。代表的な画家としてはスペインのベラスケスやフランシスコ・デ・スルバラン、バルトロメ・エステバン・ムリーリョ、スペイン領ネーデルラントのルーベンス、オランダのレンブラント、フランスのニコラ・プッサンなどが挙げられる。 文章: リザ (キリスト教) 17世紀の終わりまでにイコンのオクラドは美術工芸品の一種としての独立した価値や、また構造、意匠の特異性が認められるようになったと現在では考えられている。17世紀ごろまでには、絵画空間全体を覆うタイプのオクラドを目にすることがさらに多くなる。つまり、オクラドの制約を受けないのは顔だけである。そしてこれ以降は、この全面的なオクラドが圧倒的に増えていくのである。中世のルーシ人たちによる端正なバスマー作品にかわって、バロック風の凝ったオクラドが登場しはじめる。そのようなオクラドは次のような手法でつくられている。銀の平板を職人がまず飾り枠にし、その内側で同じようにして聖者の肖像や衣服の細部を整えていく。それを繰り返して、いっそう複雑な構成に近づけていく。また署名はバロック風の一風変わった飾り文字で書かれる傾向が強かった。研究者たちによれば、「そのようなオクラドは、こと表現力において、当時の彫刻作品にひけをとらない」。バロック的な要素はしばらく続き、19世紀にまで及んだ。その凝りに凝られた細部が、ある意味で豊饒さのシンボルとなっていたのである。それにもかかわらず、しばらくするとよりシンプルで、より簡素なものが増えてくる。1730年代にロシア領内でいくつもの銀山が発見されてからも、そういったオクラドは型にはまったようなもののままだった。宝石細工に機械が導入されるようになり、オクラドからは方向性とでもいうべきものがなくなってしまう。圧延や型抜きはオクラドに無個性化をもたらした。19世紀には、オクラドの大半が薄い銀板からつくられるようになる。そこから専門用語で「ホイル」と呼ばれるようになった。薄い金属板をもとにデザインしたものを型抜きするのである(!模様つきの枠や装飾された背景!)。衣服や冠は手で彫られてもいたのだが、実際にはそれ以上にめっきや半田付けが主流になった。時には銀製のオクラドが金でめっきされることもあった。そのような「ホイル」されたオクラドは骨董市などでは最も高値がつけられる。より価値があるものは、より入念に細部が鋳造されたものである。同時にまた19世紀には、オクラドに古典主義的な様式が現れるようになる。模様に規則性がとりいれられたり、枠や地、光背などが秩序立てられて配された。時代が下るにつれてオクラドはさらに地味なものになっていく。しかし、19世紀末の30年間は回帰的な傾向が認められ、かつての中世ロシア的な様式をみせている。 文章: バロック 芸術家たちは細部に気を配るリアリズム(典型的な「複雑さ」とも言える)を伴うヴィルトゥオジテ(名人芸――ヴィルトゥオーゾはあらゆる芸術に共通のあり方となった)を追求した。 文章: 七重奏曲 (サン=サーンス) 1879年(第1楽章のみ)から1880年にかけて、エミール・ルモワーヌが1867年に設立した室内楽協会「ラ・トロンペット」(La Trompette)のために書かれた作品で、トランペットを含む編成というのはルモワーヌの要望であった。擬似バロック的なディヴェルティメント風の作品である。ルモワーヌに献呈されている。 文章: バロック マリオ・プラーツ(上村忠男ほか訳)『バロックのイメージ世界:綺想主義研究』(みすず書房、2006)ISBN 4622071991 マリオ・プラーツ(伊藤博明訳)『綺想主義研究: バロックのエンブレム類典』(ありな書房、1998)ISBN 4756698557 ジャンカルロ・マイオリーノ(岡田温司ほか訳)『コルヌコピアの精神: 芸術のバロック的統合』(ありな書房、1999)ISBN 4756699561 アンヌ=ロール・アングールヴァン(秋山伸子訳)『バロックの精神』(白水社〈文庫クセジュ〉、1996)ISBN 4560057850 ハインリッヒ・ヴェルフリン(上松佑二訳)『ルネサンスとバロック: イタリアにおけるバロック様式の成立と本質に関する研究』(中央公論美術出版、1993)ISBN 4805502142 下村寅太郎『ルネサンスとバロックの人間像(下村寅太郎著作集:6)』(みすず書房、1993)ISBN 4622009161 高階秀爾『バロックの光と闇』(小学館、2001)ISBN 4093860696 文章: アーチリュート 通奏低音楽器として作曲家がアーチリュートを指定している例もしばしば見られる。アルカンジェロ・コレルリのトリオソナタ集作品1および作品3において、は「ヴィオローネまたはアーチリュート」(Violone o arciliuto)用のパートブックが用意されている。また、ジョヴァンニ・バッティスタ・ボノンチーニ、アレッサンドロ・スカルラッティ、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルといった作曲家のオペラ、オラトリオ作品にはアーチリュートのためのパート、あるいは、スコア上でのアーチリュートの指定、またアーチリュートソロの部分が出現していることから、イタリア風のバロックオペラでしばしばアーチリュートが好んで用いられたこともわかる。イタリア風バロックオペラの人気が高かったイギリスでは特に、アーチリュートが広く普及したようである。 文章: ロココ建築 ロココ建築はバロック時代から比べて内装に新しい変化がみられる。ロココ時代の特徴となるのは室内にロココの名の由来となった「ロカイユ」という独特の装飾が全体にちりばめられていることである。ロカイユとはフランス語で岩という意味の言葉である。ロカイユ装飾の発生は1715年ころからといわれている。室内の壁やドアの隅部に設置されることが多い。特徴はその優雅で軽妙で官能的な雰囲気すらあるその形である。一見、植物の蔦、骨、貝殻、サンゴ、しぶきをあげる波頭、タツノオトシゴなどに似ているが、実は何かを描写しているわけではないただの非対称形の抽象彫刻である。この室内装飾の要素のひとつがロココのスタイルの名称となったわけだが、言いかえればバロック様式との違いはこの装飾方法くらいだと言ってもよく、その線引きは曖昧である。したがって、バロック末期の室内意匠に限定して用いるべきだとする考えもある。またロココという語は元来蔑称であり、同義的な意味で「ルイ15世様式」と呼ぶことが多い。同様にバロックも蔑称であったため「ルイ14世様式」と呼ばれていた。 文章: フィンセント・ファン・ゴッホ 単純で平坦な色面を用いて空間を表現しようとする手法は、クロー平野を描いた安定感のある『収穫』などの作品に結実した。しかし、同じアルル時代の1888年夏以降は、後述の補色の使用とともに荒いタッチの厚塗りの作品が増え、印象派からの脱却とバロック的・ロマン主義的な感情表出に向かっている。ファン・ゴッホは、「結局、無意識のうちにモンティセリ風の厚塗りになってしまう。時には本当にモンティセリの後継者のような気がしてしまう。」と書き、敬愛するモンティセリの影響に言及している。図柄だけではなく、マティエール(絵肌)の美しさにこだわるのはファン・ゴッホの作品の特徴である。ファン・ゴッホの表現を支えるもう一つの要素が、補色に関する色彩理論であった。赤と緑、紫と黄のように、色相環で反対の位置にある補色は、並べると互いの色を引き立て合う効果がある。ファン・ゴッホは、既にオランダ時代にシャルル・ブランの著書を通じて補色の理論を理解していた。アルル時代には、補色を、何らかの象徴的意味を表現するために使うようになった。例えば、「二つの補色の結婚によって二人の恋人たちの愛を表現すること」を目指したと書いたり、『夜のカフェ』において、「赤と緑によって人間の恐ろしい情念を表現しよう」と考えたりしている。同じアルル時代の『夜のカフェテラス』では、黄色系と青色系の対比が美しい効果を生んでいる。